FF3300 issue #2

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Bimestrale, anno zero, numero due. Febbraio/Marzo �006Rivista gratutita, scaricabile in pdf, dal sito www.metastyle.itIdeata e realizzata dal Metastyle Art Group.

RedazioneTel. 34008�635� / 3897947376 / 33344�8667sito web: http://www.metastyle.itemail: [email protected]

Nucleo RedazionaleAlessandro Tartaglia, Antonio Donato Dentico, Giovanni Ricciardi, Violetta Troina, Enzo Ruta, Silvio Nicola Spina, Maria Rosaria Digregorio.

Progetto graficoAlessandro Tartaglia, Violetta Troina, Silvio Nicola Spina, Marco Comastri.

TraduzioniPietro Belli, Antonio Donato Dentico, Silvio Nicola Spina, Alessandro Tartaglia.

Si collabora su invito della redazione, il materiale non viene restituito, per ogni informazione è possibile contattarci all’indirizzo di posta elettronica.

Errata CorrigeL’autore delle foto pubblicate nello scorso numero sotto il nome Echoes è Nicola Albertin

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Leonardo Sonnoli 14

Per occhi e orecchi, Elvira Pagliuca 26

Plastic Mouth, Riccardo Cardelli 42

Sulla Scrittura, Changiz Jalayer 49

Architettura e Musica 67

Spazi pubblici, James Fowloer Eckler Jr 59

Architettura informale, Daniele Lisi 98Massimo Falqui Massidda 88

Giuseppe Leone 120

Giulia Rizzini 107

Martina Galetti 130

Aspe 137

Alessandro Baronciani 144

Claudia Stefenelli 151

Paolo Tami 178Daniele Frattolin 157

Lorenzo Anzini 168

Fernandez 204 Base V 188

Boamistura 223 Ctism 212 Urban Signs 225

FF3300

Graphic design

Architecture

Photography

Illustration

Street Art

Writing

IndiceIndex

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Un gruppo è l’insieme di più individui.Come tale però, non è la semplice somma delle competenze di ognuno, bensì una complicata struttua di relazioni, sinergie, idee, che permette al singolo di completarsi, e di confrontarsi continuamente con gli altri. In questa maniera è possibile dare vita a qualcosa che và al di là dei propri limiti, grazie alla simlutanea presenza di input, verifiche, stimoli.Per questo ogni volta che penso al progetto che stiamo portando avanti mi tornano in mente i volti, gli sguardi, le parole di coloro con i quali lavoro ogni giorno, anche a diverse centinaia di KM di distanza, ognuno di noi è una parte insostituibile di questa realtà.FF3300 esiste grazie alle loro menti, e al loro lavoro.

Alessandro Tartaglia

Prendiamo l’arte così come siamo abituati a concepirla oggi, senza perderci in preziosi ed irrisolvibili dibattiti su significato e retorica della parola. Arte al servizio di… arte come prodotto, arte come ossa, muscoli e pelle.

Tempi addietro l’artista era ben altra cosa.

Nell’epoca delle specializzazioni, ogni figura professionale ha una sua forma ben definita, ha un suo nome specifico, particolari proprie attitudini e suscettibilità e, per quanto possa essere triste, ha confini, anche se non sempre così nitidi e definiti. Oggi non esiste più l’esperto di un tempo. Oggi esistono tanti esperti in tanti campi differenti e la conoscenza da un lato si spalma e si appiattisce nella comune formazione

A group is the union of different individualities.As assumpted, it is not a simple addiction of the singular skills, but a complicated structure of relationships, ideas, energies, that consent to the single individual to enrich and to compare his works with the others. Acting like this consents the birth of something that goes beyond the singular limits, thanks to the presence of inputs, incentives and brain stormings. That’s why every time I think to this project we’re working on, my mind goes back to all those faces, the looks, the words of those who I work with everyday; even thought sometimes we’re kms away, each of us is an irreplaceable fragment of this concept.FF3300 is living thanks to their ideas and work.

Alessandro Tartaglia

Watching the art like we are accostumed to know today, without debite whit meaning and retoric of the word. Art at the service of…, art as a product, art as bones, muscles and skin.

In times past the artist was very different.

In the specialization’s time, each occupational type have own carateristics and, unfortunately, own limits. Today doesn’t exist the ancient expert. Today exist many experts in many different field and the knowledge is distribuited in the scolastic formation and is concentrated in the professional formation. Hit a exhaustive mark is almost ever merit of equipe’s works managed by brillant managers. There is a lot of person that think “equipe” like a work group managed by any person for hit a mark. For me is “…very hard work group, that work for

Editoriale / Editorial

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scolastica, dall’altro si concentra su nozioni buone a farci diventare uno dei tanti modelli professionali che la società propone. Il raggiungimento di risultati soddisfacenti è (come attualità insegna) quasi sempre frutto di lavori di equipe ben gestite da menti brillanti. C’è chi è abituato a concepire l’equipe come l’insieme lavorativo di più menti, più o meno vincolate da coordinatori, al fine di raggiungere un tale scopo. Questa concezione può essere rivista sotto tante visioni, la più odierna, a mio avviso, è “…insieme lavorativo di più elementi che, nel loro alimentare continuo il fuoco di un progetto, permettono a chi gestisce il tutto di venirne fuori con risultati eccellenti…”. Ammetto che il processo costituente di un qualsiasi artificio deve essere gestito da gerarchie per motivi ovvi e che le gerarchie sono sempre piramidali, nel cui vertice, o si sta in pochi, o si sta stretti. In qualsiasi livello di queste strutture deve esserci comunque vita, scambio, fermento, contaminazione, se non si vuol correre il pericolo di rimanere un passo indietro. La contaminazione è un fenomeno che ha i suoi automatismi, è sufficiente che due o più soggetti siano in collaborazione ed il gioco è fatto. Il processo più interessante avviene però nella contaminazione tra soggetti che abbiano caratteristiche diverse ma compatibili. Immaginate uno studio di architettura in cui collaborino architetti, ingegneri, grafici, musicisti, informatici ma anche psicologi, economisti… Ci si rende subito conto che limitare l’attività di questo studio all’architettura è pressoché limitativo e poco ragionevole, se non impossibile. Sebbene in questo ipotetico studio vi sia grande eterogeneità di soggetti, il prodotto finale avrebbe sicuramente una qualità poliedrica. Si avrebbe la possibilità di affrontare i problemi riunendo le scienze, ritornando all’artista antico, quello che non era pittore, scultore, poeta o architetto. Quello che non era ingegnere, botanico, musicista, scienziato.

the business of the managers…”. I admit that the creating process must be manage from a grades structure and that this structures are almost ever as pyramides. In any level of this structures must exist contamination if the priority is be actual with the progress. Contamination is an automatic process, is just enough two or many people working and is ok. The most interesting process of contamination is between different people that have different activity. Imagining an architectural studio where works architects, engineers, graphic designers, musicians, informatics and also psycologists, economists… Is very tangibile that limit the activities of this study on architectural works is limiting, foolish if not impossibile. Though in this ipotetic study ther is many different professions, the final product may be better than other. May be possible return to the ancient artist. Perhaps is this the answer. The new project machine. One element made up by more elements, not on competition but in cooperation to arrive in a single target. With all benefits that a group of person can offer to superate the uman’s limits of a single person.

Donato Antonio Dentico

When Alessandro asked me to write a part of the editorial, i decided to use an Italo Calvino’s sentence. Looking for that among the removal box, i found another one i think better to talk about a publishiing project:

“The right use of the language is that allows to approach the things (present or absent) with discrection, attention, and caution, with rispect for what the thing (present or absent) are able to comunicate without words”.


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Era l’insieme di tutte queste cose. Forse è qui la risposta. La nuova macchina dell’ideazione. Un elemento solo fatto da più elementi, non in competizione tra loro per via delle proprie suscettibilità bensì in cooperazione per il raggiungimento di un determinato scopo comune. Con tutti i vantaggi che un gruppo di persone può offrire per superare i limiti umani di un singolo elemento.

Donato Antonio Dentico

Quando Alessandro mi ha chiesto di scrivere una parte dell’editoriale mi è venuta in mente una frase tratta dalle lezioni americane di Italo Calvino. Cercando tra le scatole del trasloco il foglio dove avevo segnato la frase, ne ho trovata un’altra, che mi è sembrata perfetta per parlare di un progetto editoriale. é questa:

“Per questo il giusto uso del linguaggio per me è quello che permette di avvicinarsi alle cose (presenti o assenti) con discrezione, attenzione e cautela, col rispetto di ciò che le cose (presenti o assenti) comunicano senza parole.”

Mi auguro che questa rivista sappia dare il giusto valore e il giusto rispetto ai propri contenuti.E la frase di partenza qual’era? Ve lo dico un’altra volta.

Violetta Troina


I hope this E-zine will be able to give the right value to its contents. And where is the starting sentence?I will say you that another time.

Violetta Troina

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� Marzo, ISIA di Urbino

Conferenza sul progetto di editoria multimediale FF3300, in quanto caso significativo di una situazione generale in rapida evoluzione. Sin dall’ introduzione del primo Apple, l’editoria ha modificato radicalmente le proprie regole.Ma ora, nel �007, dopo anni di educazione alla rete, sta avvenendo qualcosa di nuovo, una trasformazione delll’industria dell’editoria. Internet sta cambiando il modo in cui gli individui fruiscono dei prodotti di case discografiche, case editrici, case di produzione cinematografica.L’accesso rapido, in ogni luogo, a una quantità indefinita di informazioni, l’impossibilità di arrestare i fenomeni della pirateria informatica, e della libera condivisione dei file, sono le principali cause di questo mutamento, anche se non bastano queste ragioni a spiegare lo sviluppo di tale fenomeno.Innanzi tutto bisogna tenere conto dei costi di produzione dei manufatti, dell’impatto ecologico, della distribuzione.Questi aspetti non hanno invece valore per un progetto di editoria multimediale, i cui punti di forza sono:

- costi irrisori di produzione, gestione e distribuzione- enorme diffusione potenziale- diretto contatto con i fruitori

La notizia che il New York Times tra cinque anni non verràpiù stampato, ma solo pubblicato su internet è sintomatica.Viviamo una svolta epocale nel mondo dell’informazione.Come sappiamo internet è un media democratico, in cui chiunque può inserire informazioni, senza filtri di nessun genere. Questo non accade nell’editoria tradizionale.

Conferenza / Conference

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� March, ISIA of Urbino

A conference about the multimedia publishing project FF3300,like important case of a general situation in quickly evolution.After the first Apple, the publishing world changed its rules.But now in the �007, after many years of internet education, it’s happening something of new, the publishing industry is changing, Internet is the reason of this changement, it is changing the way the people approach to the record, publishing and cinamatographic company products.The quickly access, in every place, to an undefined quantity of informations, the incapacity to arrest the phenomenons of the informatic piracy and the free files sharing, are the most important causes of this mutament.At first it needs to examine the production cost, the ecological impact, and the distribuction.These have no importance in a multimedial publishing project, where the points of force are:

- low cost of production, organization, and distribuction- great potential diffusion- direct feedback

The notice that New York Times within five years will be no longer printed, but will be exclusively publish on the web, is a symptom. We are living a great mutament in the information world. We know the web is a democratic media, where everybody could insert informations, without any filters.This is no happening in the traditional publishing.

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Se da un lato ciò può essere uno svantaggio, poiché le informazioni così diffuse, sul web, risultano spesso parziali e infondate, sotto un altro punto di vista, questo è invece la naturale evoluzione degli organi di informazione tradizionali, ormai controllati e monopolizzati da pochi,e quindi portati a diffondere solo ciò che quei pochi ritengono giusto, nella maniera a loro più congeniale.Per questo motivo l’editoria multimediale, se fatta con consapevolezza ed attenzione è in grado, potenzialmente, di rivoluzionare il mondo della comunicazione.

Di seguito le cartoline e il manifesto realizzati per FF3300 da:

Martina Galetti, Giulia Rizzini, Gabriele Rosso, Stefano Menconi, Fabio Gioia, Marco Biagioni, Giorgio Bartocci, Violetta Troina e Alessandro Tartaglia.


This could be a damge, because these informations, on the web, are often partial and unfounded, this could be also the natural evolution of the traditional information agents, manipulated by few, and so inclined to diffuse only what they want to diffuse, in the way they prefer. For this fact, the multimetia publishing, if done with attention and awareness, is able, potentially, to upset the world of the comunication.

in succession the postcards and the poster done for FF3300 by:

Martina Galetti, Giulia Rizzini, Gabriele Rosso, Stefano Menconi, Fabio Gioia, Marco Biagioni, Giorgio Bartocci, Violetta Troina and Alessandro Tartaglia.

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Postcard: Silvio Nicola Spina / Violetta Troina Postcard: Fabio Gioia / Alessandro Tartaglia

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Postcard: Giulia Rizzini / Gabriele Rosso / Marco Biagioni


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Postcard: Martina Galetti / Stefano Menconi / Giorgio Bartocci


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Poster: Alessandro Tartaglia, Silvio Nicola Spina

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[...] Tra le molte abilità di Chuang-Tzu c’era l’abilità nel disegno. Il re gli chiese il disegno d’un granchio. Chuang-Tzu disse che aveva bisogno di cinque anni di tempo e d’una villa con dodici servitori. Dopo cinque anni il disegno non era ancora cominciato. “Ho bisogno di altri cinque anni” disse Chuang-Tzu. Il re glieli accordò. Allo scadere dei dieci anni, Chuang-Tzu prese il pennello e in un istante, con un solo gesto, disegnò un granchio, il più perfetto granchio che si fosse mai visto [...]

Italo Calvino - Le lezioni americane

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Leonardo SonnoliDi cosa sono fatte le lettere?

Spiritoso... questa è una bella domanda, infatti non è tua! Ma è una domanda che si è posto Roland Bartes, ed è bellisima perché non ha risposta, e perciò da modo di ricercare senza fine... le lettere generalmente sono considerate come segni bidimensionali, in verità sono dei veri e propri oggetti, oggetti di design, come ha scritto Eric Gill, le lettere sono cose, e perciò come tutti gli oggetti hanno un progettista, un motivo per cui vengono progettate, hanno tre dimensioni, e certe volte anche quattro o più dimensioni perchè variano da pochi micron di inchiostro fino a grandissimi volumi. (famose alcune architetture fasciste aventi la M di mussolini come pianta). Possono avere anche la dimensione del tempo, pensiamo a titoli di testa notevoli di film, e ve ne sono innumerervoli, ma soprattutto hanno la dimensione altra, che è quella del pensiero. Il disegno di una lettera deve rappresentare sopratutto un pensiero.

Conta più essere sensibili o razionali nella progettazione?

(ride...)Perché, sono cose che si oppongono? A me non pare. Un progetto estremamente razionale può avere una grande sensibilità. Non sono in contrapposizione.La progettazione grafica ha delle regole, e una volta che un individuo è padrone di queste, può cambiarle con la propria sensibilità.

What are letters made of?

Witty... this is a good question, infact it is not yours! This is a question made by Roland Barthes, and it is beatiful because it has no answer, so it pushes you to research endlessly... Letters are generally considered as bidimensional signs, truly they are real objects, design objects, as said by Eric Gill, letters are things, and as all objects they have a designer, a purpose , they have three dimensions, and sometimes four or more dimensions because they change from a few microns of ink to huge volumes (as we can see in the fascist architectures, having the letter M of Mussolini as a plan). Letters can have a time dimension too, let’s think about the film titles, they are many, but, above all they have the “other dimension”, the tought dimension. A letter design must represent a tought first.

Is it more important to be sensitive or rational in design?

(laughs...) Why? Are these opposite things? I don’t think so. A rational project can have a great sensibility. They are not in contraposition. Design has rules, once you master these rules, you are free to change them with your sensibility.

Does anybody benefit from the profession of the designer?

You don’t have to think that your works are directly legible by everyone, visual communication ‘s destiny is a bit strange, because it is everywhere. Everybody, except for the blind ones, is influenced by it.There’s this excercise that I make my students do: a registration

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Qualcuno trae giovamento dalla nostra professione di progettisti grafici secondo lei?

Voi non dovete pensare che il vostro lavoro sia una cosa immediatamente leggibile da tutti, il destino della comunicazione visiva è un pò strano, perché essaè dappertutto, e tutti, tranne i non vedenti, sono influenzati da essa. C’è un esercitazione che a volte faccio fare ai miei studenti, cioè fare una registrazione del paesaggio urbano, poi faccio separare dal paesaggio urbano tutto ciò cheè tipografia, lettere, parole. Proprio per renderli consapevoli di quanto è presente la tipografia oggigiorno sotto gli occhi di tutti. Il paesaggio urbano, o domestico sarebbe molto di più difficile da affrontare senza la comunicazione visiva, tipografica. Quando si prende in esame la tipografia in un luogo, bisogna rendersi conto che grossa parte della tipografia che si va a sovrapporre all’architettura e al paesaggio naturale, è grafica di pubblica utilità, segnaletica, orari, e così via... è informazione, non persuasione.

Qual’è l’attività più interessante che le è capitato di svolgere nella sua professione?

Il bello del nostro lavoro è che ci sono sempre cose nuove da affrontare. Le cose che mi ricordo meglio sono quelle su cui lavoro adesso, quelle più recenti. una in particolare, un libro di storia per i licei, perché è una sfida, fare un libro che non sia il solito libro di scuola pieno di box colorati ed orrenda tipografia, ma comunque spesso succede che ci siano clienti interessanti, più che lavori interessanti.

Leonardo Sonnoli

of the urban landscape. Then they have to split everything that is typographic from the landscape, letters, words. This is just to make them aware of typography’s presence in the daily life, in front of everybody’s eyes. The urban landscape, or the domestic one, would be a lot harder to face without visual communication, or typographic communication. While examining typography in a location, you must be aware of the fact that a great part of it is useful to the public: signals, timetables, and so on... That is formation not persuasion.

Which one has been the most interesting activity while doing your profession?

The best thing in our job is that there’s always something new to face. The works that I remember the best are the more recent ones. One in particular, an high school history book, because it is a challenge to do a book that would not be filled with colored boxes and horrendous typography. Anyways it happens very often to find interesting clients, rather than interesting commissions.

Does the new typography exist? Or is it an historical mystification?

The new typography has existed, Tschicold didn’t do a declaration of intent, it was an essay on what happened then. The most interesting things are previous to the book. Even if Tschicold denied that experience that has undoubtedly been a period which has marked what we do today.

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Leonardo Sonnoli

Esiste la nuova tipografia o è una mistificazione storica?

La nuova tipografia è esistita, Tschicold non ha fatto una dichiarazione di intenti, era un saggio su ciò che era avvenuto.Le cose più interessanti sono precedenti al libro, però nonostante l’aver negato quell’esperienza, da parte di Tschicold, quello indubbiamente è stato il periodo che ha segnato ciò che facciamo noi adesso.

Come mai nella maggior parte dei suoi lavori ha utilizzato dei caratteri bastoni?

Recentemente utilizzo anche grazie o graziati, ma genericamente utilizzo dei bastoni perché mi interessa lavorare con delle forme non caratterizzate, e le grazie sono nate e esistono in quanto decori.Mi interessa lavorare con l’essenza della lettera. E se ci devo aggiungere qualcosa, se devo aggrazziarla, lo faccio con forme appropriate al contenuto del messaggio.

Però qualcuno sostiene che le grazie aiutano a migliorare la leggibilità...

Gli elenchi telefonici sono fatti con caratteri bastone. Tuttavia, se devo fare dei testi lunghi, è vero, anche io utilizzo dei caratteri graziati, dove sembra apparire più fluida la leggibilità.

Why did you use sans typefaces on most of your works?

Recently I use serif typefaces too, but I usually choose sans fonts because I’m into working with non-characterized shapes, graces were born and exist as decorations.I care about working with the essence of a letter, and if I need to add something to it, if I need to put graces on it, I do this with shapes that are appropriate to the message content.

But somebody thinks that serif typefaces improve legibility...

Phonebooks are made with sans typefaces! Anyways, if I’m working with long texts, it is true, I also use serif typefaces, where legibility seems to be more fluid.

ISIA... IUAV... two worlds, you know and live both of these schools, which are the differences and which the analogies?

The good thing of ISIA is that it has always had a “college” structure, where students know each other very well and after a few years they have an homogeneus culture...IUAV’s quality maybe is just the opposite. The students come from different experiences and feel not conditioned from a culture that is purely graphic. At ISIA there is a narrower atmosphere, more intimate, insted IUAV has a university look, you see people for three months then you don’t see them anymore. I believe the relationship with the teachers is much important anyways, and what you can demand them before or after the lesson time. One more thing... it is important to specialize, and maybe this is easier in a school like ISIA,

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Leonardo Sonnoli

ISIA... IUAV... due mondi, lei li conosce e li vive entrambi, quali sono le differenze e quali le analogie?

La cosa positiva dell’ISIA è quella che ha sempre mantenuto una struttura da college, nella quale gli studenti riescono a conoscersi molto bene tra loro e dopo qualche anno hanno una cultura omogenea... Allo IUAV il pregio è forse proprio il contrario, provenendo da esperienze diverse sono meno condizionati da una cultura prettamente grafica. All’ISIA c’è un atmosfera più ristretta, più intima, invece lo IUAV ha proprio un aspetto da università, vedi persone per tre mesi e poi non le vedi più. Credo che sia sempre comunque molto importante il rapporto con gli insegnanti, quello che riesci a chiedere prima o dopo della lezione. Un’ altra osservazione... è importante specializzarsi, e in una scuola come l’ISIA questo forse risulta più semplice, è una scuola altamente specializzante, forse meno che in passato, ma sicuramente molto più di altre scuole.

Cosa pensa delle attività in proprio degli studenti, una volta usciti dalle università?

Che è molto pericoloso mettersi a lavorare per conto proprio, perché credo che usciti dalla scuola non siano ancora maturi come progettisti, e quindi sia sempre meglio trascorrere un pò di anni concentrandosi esclusivamente sulla progettazione grafica, quindi meno sulla gestione del cliente e dell’azienda. Chiaramente questo dipende da dove si va a lavorare. Bisogna tenere conto anche dell’esperienza personale, io mi ritengo molto fortunato perché fuori dall’ISIA ho trovato il mio maestro, perciò l’ideale sarebbe entrare

it is a very “specializing” school, maybe less than in the past, but surely more than other schools.

What do you think about students that start a studio by themselves, once come out of the university?

I think that is very dangerous to do that by themselves, because I think that once they come out of school they could not be mature as designers, so it would be better to spend some years concentrating exclusively on design, and not on the clients and enterprise management. Off course this depends on where you go to work. You need to consider personal experience too, I feel lucky because after ISIA I found my master, so it would be better to go in a structure where there is somebody that makes you understand certain things. Basicly a student should think at design, not at managing a studio, do this in the best place possible, without thinking about the earnings, contracts, and so on...

What do you think about opensource licenses about types? If you were a type designer would you allow your types with opensource licenses?

I don’t like working on projects that somebody else is going to change, would it be an opensource font, or a web page. I think something and follow its realization. Even if we’re talking about industrial products, I think in our job there’s a craftmanship component that has to be kept. Fonts designed by myself are made to be used once, or twice only, because they are some very characterized fonts in their design,

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Leonardo Sonnoli

in una struttura dove c’è qualcuno che ti fa capire certe cose. In linea di massima uno studente dovrebbe pensare a progettare, non a mettere su un’azienda, farlo nel luogo migliore possibile, senza pensare a remunerazioni, contratti e affini.

Cosa pensa delle lincenze opensource sui caratteri?

A me non piace lavorare su progetti che poi qualcun’altro modifica, sia esso una font opensource, o una pagina web.Io penso una cosa, e seguo la sua realizzazione. Anche se si tratta di prodotti industriali, credo che nel nostro mestiere ci sia una componente di lavoro artigianale che va mantenuta. Le font che disegno sono progettate per essere utilizzate da me, una o due volte, non di più, perché sono font molto caratterizzate nel disegno, e ritengo che qualcosa di molto caratterizzato sia utilizzabile in maniera corretta solo da chi lo ha pensato. Credo sia inutile prendere un carattere disegnato da “Neville Brody” per farci un logotipo, perché significa che non si possiedono idee forti. Ovviamente i caratteri da testo sono un altro discorso, utilizzo normalmente caratteri disegnati da altri designer, e trovo giusto che chi li ha disegnati venga remunerato.

Quali sono i personaggi che hanno inciso di più nella storia della tipografia nello scorso secolo?

Come chiedere se vuoi più bene a mamma o a papà... non saprei... è imbarazzante. Sono nato orfano, quindi, ovviamente, non ho mai avuto dubbi a riguardo, la strada era facile.

and I believe that something that is very characterized can only be used in the right way by who has tought it. I think it would be silly to use a Neville Brody font just to make a logo, that would mean you don’t have strong ideas. Offcourse typefaces are a different issue, I mainly use types made by other designers that can do this better than me, and I find it is right they get remunerated for what they do.

Which are the people that highly influenced the last century’s history of typography?

This is like asking if you love more mommy than daddy... I don’t know... it’s emberrassing. I am orfan, so, obviously, I’ve never had a doubt about it. The choice was easy.

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Elvira Pagliuca Per occhi e orecchi / For eyes and ears

Di seguito vi proponiamo un estratto della Tesi di Laureaper il diploma accademico di Elvira Pagliuca all’ ISIA di Urbino, ed i manifesti da lei realizzati.

Al tempo della mia vita da liceale avrei dovuto studiare musica.Un mio amico, chitarrista, batterista, e chissà quanto altro ancora, mi chiese come mai, proprio io, con la mia passione maniacale per la musica, tutta la musica, non suonassi alcuno strumento. Tempo, spazio e soldi, più che altro. Ma la mia idea è sempre stata quella di diventare batterista. Il batterista se ne sta dietro tutti gli altri e magari così potevo metter da parte tutte le mie smanie di protagonismo. Comunque, lasciata ogni speranza, continuo ad essere una ascoltatrice e nient’altro, con la fissazione per l’ordinealfabetico della mia collezione di dischi (mai letto Alta fedeltà?). Forse per un risarcimento alla mia mancata carriera di batterista, ho finito col dedicare gran parte di quello che faccio in grafica e in altro, alla musica. In quella complessanarrazione dell’esistenza a più linguaggi che è l’arte (in senso quanto più ampio possibile), la musica occupa un posto privilegiato. Si situa oltre le parole e le immagini. Si esprime per ritmi, che viaggiano sottopelle, e l’unico suohumus è il tempo. Se la musica ha bisogno di parole, le inghiotte nei propri ritmi. Se la musica ha bisogno di un alfabeto, questo non può rimanere invariato come quello della lingua, ma si libera da ogni regola perché non ha bisognodi convenzioni. Come ti pare di averla afferrata, la musica sfugge e per quanto si è cercato di accollarle una sintassi, il “modo minore” di Schopenhauer, cioè quello del dolore, sono comparsi compositori che hanno rovesciato tale impostazione e reso il “modo maggiore”, espressione

Here we purpose a part of Elvira Pagliuca’s degree thesis at ISIA in Urbino and the manifests maked.

In my secondary school time i would have study music.A my friend, guitarist, drum major and probably more, asked me how come, just me, with my maniacal passion for the music, all the music, never I haven’t plaied any instrument. Above all for time, space and money.But my idea was ever become a drum major.The drum major it’s behind all the other and maybe in this way i succeed to put down my self-centred ideas. Anyhow, forget some wish, i keep to be a listener, with the obsession for the alphabetical order of my disc collection (never read Alta fedeltà?). Perhaps for a compensation for my failed drum major career, i dedicate a big part of my time to the graphic and in other way, to the music. In that existencial narration multi language that is art (in the largest sense possible), music have a favourite place. It’s beyond words and pictures. It’s expressed by ryhthmes, that travel under skin, and the only own humus is the time. If music need of words, swallow tath in own rythmes. If music need of an alphabet, this can’t remain isolated like that of the language, but is free from rules because don’t need of conventions. When you’re deceived to grabbed it, music escape and as far as was attempted to have a syntax, Shopenhauer’s “minor mode”, namely that of the hurt, are appeared composers that denied this conception and that called the “major mode” the hurt expression. Thinking in Stravinskij and the Histoire du Soldat. Was right Ernst Bloch when saied that “we listen just we”. Is not the ear to perceive, but is the imagination by the ear. Therefore haven’t importance to know the singer language, not even the modern “cultured”

Url:http://www.elzevira.blogspot.com

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del dolore. Penso a Stravinskij e la Histoire du Soldat.Aveva ragione Ernst Bloch quando diceva che “noi ascoltiamo solo noi”. Non è l’orecchio a percepire la musica, ma l’immaginazione attraverso l’orecchio. Quindi non ha alcuna importanza conoscere la lingua nella quale quel cantante tenta di esprimersi, né quanto la musica “colta” moderna abbandoni o meno i punti cardine dati dalla tonalità. Il nostro cervello viaggerà comunque verso le piùmolteplici direzioni. Ascension di John Coltrane è un buon modo per verificare quanto dico: ad ogni ascolto “suona” in modo diverso. Alla fine ciò che ci resta è qualcosa di diverso da una percezione di cose, ma è una percezione d’interiorità, una pulsazione interna, il battito del cuore, che per John Cage è musica. Così raccontare la musica è una bella fatica, la stessa che mi ci vuole ad ascoltare veramente le persone: ogni musicomane ascolta solo se stesso. Anche per questo motivo le partiture musicali scandiscono un percorso nel tempo, che via via hanno portato sempre più ad esempi di quasi follia. Ma la cosa più stimolante è senz’altrol’idea di una mescolanza di ambiti, in un percorso che va dalla New Wave a Fluxus, dalle partiture musicali al manifesto, dall’orecchio all’occhio.

Nel Novecento, dopo più di un secolo in cui sembrava ormai definitivamente confinato all’uso privato di compositori e studiosi di musica, quasi per una nemesi storica, il manoscritto è ritornato in auge. A partire dal ventennio �960-�980, la poetica della “nuova musica”, sempre più improntata a una rivalutazione dell’improvvisazioneestemporanea (dal jazz), ha preso a scorgere nel puro segno grafico della notazione musicale, non solo una mera funzione prescrittiva, ma anche una valenza suggestiva.


music shift the principal points of tonaltiy. Our brain will travel to multiply directions. Ascension of John Coltraine is a good way to verify what I say: on each listening “play” in a different way. In the end that remain is something different by a perception of things, but is a interior perception, a inner pulsation, the heartbeat, that for John Cage is music. In this way tell the music is a big difficulty, the same that i need to really listen the persons: each “music nobble” list just himself. Also for this motive the musical scores define a way in the time, that get to example of real crazyness. But the most stimulating thing is the idea of a mixture of fields, in a road that go from New Wave to Fluxus, from musical scores to manifest, from ear to eye.

In XX century, after more a century where seemed by this time definitively confined to the private compositors and studious of music, almost for a historical nemesis, the handwritten was returned in to vogue. From �960-�980, the poetics of the “new music”, gradually more marked to a reassessment of a extemporaneous improvisation (from jazz music), started to know in the pure graphic sign of musical notation, not only a pure prescriptive function, but have also a striking valence.In the hands of a whole generation of compositors, the score, the objectification of the sound phenomenon, it’s tranformed in a graphic composition where the staves, the notes, the intervals and each other sign of the traditional music writing, deformed and twisted, in the own writing aspect, become graphic-musical suggestions free interpretable from the esecutor each time in a different way.Scores that coming out from the stave’s lines.Scores of this type, frequently in unusual format, if not strange, not are reproducible with the traditional sistems of

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Nelle mani di una intera generazione di compositori, la partitura, l’oggettivazione del fenomeno sonoro, si è trasformata in una composizione grafica in cui pentagrammi, note, pause e ogni altro segno della tradizionale scrittura musicale, deformati e stravolti, nel loro aspetto scrittorio, diventano suggestioni grafico-musicali liberamente interpretabili dall’esecutore ogni volta in modo diverso.Partiture che escono dalle sbarre del pentagramma.Partiture di questo tipo, di formato spesso inusuale, se non stravagante, non sono riproducibili con i tradizionali sistemi della stampa musicale e sono tutt’oggi pubblicate nella forma di riproduzioni fotostatiche dei manoscritti originali. Accanto a questo vi è anche una riflessione sulla possibile contaminazione tra ambiti apparentemente lontani: quella tra suono e forma ha una storia decennale.

Partendo dalle avanguardie storiche del primo Novecento, per arrivare alle performances degli artisti di Fluxus, molte sono state le sperimentazioni che hanno permesso di vedere un suono o come suona(re) il visibile. Musica e grafica non si incontrano solo nel momento della progettazione della copertina di un disco, sebbene tutte le copertine dell’ECM siano dei capolavori in tal senso. Anche la scrittura stessa della musica, la partitura, ha un evidente effetto visivo ed estetico. Questo cambiamento rispetto alla scrittura tradizionale è da attribuire a diversi fattori: come già detto all’improvvisazione,alla libertà d’interpretazione data all’esecutore, ma anche all’inadeguatezza della consuetudine rispetto alle esigenze della “nuova musica”.

Molti compositori, infatti, hanno rifiutato la plurisecolare convenzione di dividere l’ottava in �� parti, cosa che escludeva

musical press and are today published in form of photostatic reproductions of original handwritten.Near this there is also a remark about the possible contamination between fields seemingly distant: that between sound and form have a decennial history.

Starting from the historical avant-gardes of the first twentieth-century, to arrive to the performances of the Fluxus artists, much was the experimentations that permited to see a sound o in what way play the visible. Music and graphic don’t meet only in the moment of the graphic design of a disk sleeve, though all ECM’s disk sleeves are masterpieces in this sense. Also the same music writing, the score, have an evident visual and aesthetic effect. This change as to the traditional writing is to attribute to a different elements: as we have already said to improvisation, to freedom of interpretation given to the executory, but also to the inadequacy of custom as to the need of the “new music”.

Many compositors, in fact, refused the centuries-old convenction to divide the octave in �� parts, way that excluded the survey of a sound field some more wide and complex.“Other” and “more” are the words that sintex the sound research and the sign of that years. Still the concept of during was deeply modified.As Edgar Varèse wrote: «When new frequences and new ryhthms will be shown on the score, current notation will be unsuited. The new notation probably will be of seismographic type. Like in the Middle Age, we are in front of a problem of identity: that to find graphic symbols for transfer the compositor’s ideas in sounds». The same Varèse to leave foresee in his texts a notation model

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l’indagine di un campo sonoro molto più ampio e complesso. “Altro” e “oltre” sono le parole che sintetizzano la ricerca sul suono e il segno di quegli anni. Anche il concetto di durata ha subito profonde modificazioni. Come scrisse Edgar Varèse: «Poiché nuove frequenze e nuovi ritmi dovranno essere indicati sulla partitura, la notazione attuale si rivelerà inadeguata. La nuova notazione sarà probabilmente di tipo sismografico. Come nel Medioevo, siamo di fronte ad un problema di identità: quello di trovare simboli grafici per trasporre le idee del compositore in suoni». Lo stesso Varèse lascia intravedere nei suoi scritti un modello di notazione che rimanda alle scritture ideografiche utilizzate originalmente per la voce prima dello sviluppo della scrittura. Ogni autore inoltre, introduce un proprio codice arbitrario, con un certo gusto per l’ermetismo e l’astrattismo, che corrisponde al suo universo sonoro, fino a prescindere dalla stessa rappresentazione sonora. Diventa predominante la relazione tra segno e cultura, gusto e sensibilità dell’epoca nella quale quel segno è utilizzato (ad esempio, il segno barocco di alcune partiture del �500, che rappresentano formule per stimolarela fantasia improvvisativa dei cantanti).

Il musicista penetra nel dominio del grafico quando fadisegni che non possono essere codificati musicalmente.La fascinazione dello sguardo ha fatto dire ad alcuni amatoridi musica e d’arte visiva: “Veramente io non capisco checosa vuol dire, ma è molto bello da guardare”. E ha fattoattaccare le partiture alle pareti come una bella tappezzeria.

Dujka Smoje

that refer to the ideographic writing utilized originally for the voice before the writing develop. Each authors besides, put a own arbitrary code, with a some taste for the hermetism and abstractionism, that correspond at the own sonorus universe, up to leave from the same sonorus representation. Become predominant the relationship between sign and knowledge, taste and sensitiveness of the time where that sign is used (for exemple, the sign of improvise fantasy of singers).

The musician seep into graphic domain when realize drawing that can’t be musically codified.The bewitchement of the glance make to say to some music and visual art lovers: “Really i don’t understand what mean, but is really very good to watch”. And make to stick on the wall the scores like a great wallpaper.

Duijka Smoje

Some examples are: the score realized posteriorly by Wehinger for Artiklation of Ligeti, Makrokosmos of Georg Crumb, the Elektronische Studie II of Stockhausen and the score décor of his Kantias Gesang and the graphic scores of Sylvano Bussotti or the Folio of Earl Brown. The contamination and the synaesthesia invade the field of musical writing in the research of osmosis between word /sound /picture, suggesting that the frontiers are ever and so mental.The score frequently can reveal that the music hide.The graphic score therefore obtain a further value, like if the act of compose is destinated more to eye that to ear and this is true too for old music:the secret chromatism (ficta music) of XIII and XIV century, the enigmatic canons like that of Machaut, or the Ockeghem’s

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Alcuni esempi sono: la partitura realizzata a posteriori da Wehinger per Artikulation di Ligeti, Makrokosmos di Georg Crumb, l’Elektronische Studie II di Stockhausen e la décor partitura del suo Kantikas Gesang e le partiture grafiche di Sylvano Bussotti o il Folio di Earl Brown.La contaminazione e la sinestesia invadono il campo della scrittura musicale nella ricerca dell’osmosi tra parola/suono/immagine, suggerendo che i confini sono sempre e solo mentali. La partitura spesso può rivelare ciò che la musica nasconde. Insomma c’è divergenza, molto spesso, tra il processo di composizione e la realtà sonora dell’opera, tra la partitura e la musica che essa trasmette. La partitura grafica allora acquista un valore ulteriore, come se l’atto di comporre sia destinato più all’occhio che all’orecchio e questo è vero anche per musica risalente all’antichità: il cromatismo segreto (musica ficta) del XIII e XIV secolo, i canoni enigmatici come quelli di Machaut, o le opere di Ockeghem, il madrigale italiano con notazione colorata, “pittura per gli occhi”. La partitura, a volte, fa in modo chel’occhio intraprenda una sorta di rimpiattino con l’orecchio.La musica barocca, per continuare, conosceva bene la possibilità di offrire il miraggio di una polifonia in una sola linea melodica. Presto dimenticata, la polifonia virtuale ritorna nella musica del XX secolo. È il dominio per eccellenza dell’inudibile, quello delle voci occultate, progettate però per una sola voce solista. In un momento in cui la ricerca andava verso il feticismo delle strutture musicali e verso la complessità grammaticale e sintattica, portando inevitabilmente ad una ipercodifica e all’azzeramento della componente creativa estemporanea dell’esecutore, Cage portò invece all’estremo il concetto di alea con composizioni nelle quali l’interprete deve entrare in sintonia con la

works, the italian madrigal with coloured notatio, “painting for the eyes” . The score, sometimes, imply that the eye start an hyde-and-seek with the ear. Baroque music, to continue, knew good the possibility to offer the mirage of a polyphony with a single melodic line. Before long forgotten, the virtual polyphony come back in the XX century music. It’s the domain par excellence of the not-audible, that of the hider voices, designed however for a single voice. In a time where the research went to the fetishism of the musical stuctures and to the grammatical and syntactic complexity, maintaining inevitably to an ipercoding and to a zero setting of the creative extemporaneous component of the executor, Cage maintained instead to the extreme the concept of chance with compositions where the interpreter must be tuned with the enviroinmental reality. From a notation dictated by the necessity of exactitude, streched to create an objective sonorous result, delineated exactly in all phases, time after time through a dense net of signs, the randomness, the emancipation of the executory dtermine a radical change of musical notation. The extremes are Schönberg and Cage. The first, in the score of Klavierstuck, make fetishism, in the possible limits, the sonourous route with a such signs quantity as to inform the interpreter of limits of the maniacal objectification. The second, with the score of 4’33” reduce all to another as much exasperating “Tacet”. It’s a route that sign the crisis of the traditional language of the musical notation.

Because the reason of this thesis is that to give visible the music, we have directly thought the problem to create a method, or roughly a language to represent the sonorous subject. I would have canned any symbols, a different codification, but this would have determined the use of a

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realtà ambientale. Da una notazione dettata dalla necessità di esattezza, tesa a creare un oggettivo risultato sonoro, delineato esattemente in tutte le sue fasi, momento dopo momento attraverso una fitta rete di segni, l’aleatorietà, l’emancipazione dell’esecutore determina un cambiamento radicale della notazione musicale. Gli estremi sono Schönberg e Cage. Il primo, nello spartito di Klavierstück, feticizza, ai limiti del possibile, il percorso sonoro con una tale quantità di segni da informare l’interprete ai limiti della maniacale oggettivazione. Il secondo, con lo spartito di 4’33’’ riduce tutto ad un altrettanto esasperante “Tacet”. È un percorso che segna la crisi del linguaggio tradizionale della notazione musicale.

Dal momento che lo scopo di questa tesi è quello di rendere visibile la musica, si è immediatamente presentato il problema di creare un metodo, o in qualche modo un linguaggio per rappresentare la materia sonora. Avrei potuto creare dei simboli, una codifica diversa, ma questo avrebbe determinato l’uso di una legenda, perciò la comprensione non sarebbe certamente stata immediata e non avrei potuto proporre dei manifesti, che invece necessitano di questa immediatezza.L’alfabeto, le lettere che lo compongono, invece, sembrano soddisfare diverse esigenze: ritmiche, in una composizione, espressive, se modificate, stravolte, modellate. Tutto questo seguendo l’idea che John Cage aveva in merito alla collaborazione, alla coesistenza di diversi media. L’inventore dell’happening aveva infatti sperimentatola collaborazione con la danza, in particolare grazie al coreografo Merce Cunningham, con il nuoto sincronizzato, con l’arte e la video arte. Per Cage, la collaborazione non implica una integrazione tra i diversi media che entrano in gioco,ma una coesistenza su uno stesso piano. Senza la necessità

legend, for this, surely, the comprehension wouldn’t have been immediate and I wouldn’t have canned to propose a manifests, that instead need of this immediacy.The alphabet, the letters that compose it, instead, seem satisfy different need: rhythmics, in a composition, expressive, if modified, upset, modeled.All this following the idea that John Cage had about the collaboration, to the coexistence of different medias. The creator of the happening had in fact experimented the collaboration with the dance, in particular thanks to the choreographer Merce Cunningham, with the synchronized swimming, with the art and with the video-art. For Cage, the collaboratione don’t involve a integration between the different medias that are concerned, but a coexistence on a same plane. Without the necessity from a media to modify the own characteristics for come to meeting the exigences of another media. Just the dance offers a new hint to talk about writing, even if could seems a contradiction, because this art is still connected above all to the oral tradition. Despite the Frenches to indicate a creation of a ballet continuing to use the verb ecrire, to write, it don’t regard with the own significate, how sugguest too the greek word “choreography”, formed by choreia, dance and graphia, writing. In the romance of Arthur Conan Doyle “The Adventure of the Dancing Men”, the omniscient Scherlock Holmes decodes a series of stylized little men in various different positions, everyone of that represent a letter and in this way resolve the mistery. In the end, the choice of the manifest was determined from the idea of visual score, or graphic, in the sense that many analized scores, musting be plaied by an orchestra, had very big sizes, like a posters. The same score of Water Music di John Cage is a manifest subdivided in ten part to compose. The images contained in the

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da parte di un media o dell’altro di dover modificare le proprie caratteristiche per venire incontro a quelle dell’altro. Proprio la danza offre un nuovo spunto per parlare di scrittura, anche se potrebbe sembrare una contraddizione, dal momento che questa arte è ancora legata soprattutto alla tradizione orale. Nonostante i Francesi per indicare la creazione di un balletto continuino ad usare il verbo ecrire, scrivere, esso non ha niente a che vedere col significato che gli è proprio, come suggerisce anche il termine greco “coreografia”, composto da choreia, danza e graphia, scrittura. Nel romanzo di Arthur Conan Doyle L’avventura dei danzatori (The Adventure of the Dancing Men), l’onnisciente Sherlock Holmes decodifica una serie di ometti stilizzati in varie pose diverse, ognuno dei quali rappresenta una lettera e in questo modo risolve il mistero. Infine, la scelta del manifesto è stata determinata dall’idea di partitura visiva, o grafica, nel senso che molte delle partiture analizzate, dovendo essere suonate da una orchestra, avevano dimensioni molto grandi, come dei poster, appunto. La stessa partitura di Water Music di John Cage è proprio un manifesto suddiviso in dieci parti da comporre. Le immagini contenute nei manifesti possono essere utilizzate, non solo come partiture esse stesse (Bob Cobbing suonò petali di fiori e spaghetti bollliti come se fossero partiture), ma sfruttate per le copertine dei relativi cd. Gli stessi manifesti possono essere usati anche come locandine per concerti in cui vengono eseguite le opere rappresentate visivamente.

manifests can be used, not just as a scores (Bob Cobbing plaied petals of flower and boiled spaghetti as a scores), but made for the same sleeves of cd. The same manifests can be used also like playbills for concerts where the works are represented visually.

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Nella partitura di Earle Brown, che nel manifesto è stata riportata dopo essere stata vettorializzata, il riferimento a Mondrian è chiaro. Perciò, molto semplicemente, il lettering aggiunge i colori primari, tipici di Mondrian e ripete, nella composizione il senso geometrico dello spartito stesso.

In the score of Earle Brown, that in the manifest was reproduced after having been give vectorial, the Mondrian’s reference is clear. For this, very simply, the lettering adds primary colors, typical of Mondrian and repeat in the composition the geometric sense of the same score.

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From the Seven Days di Karlheinz Stockhausen è una partitura piuttosto atipica, dal momento che è composta da solo testo. Una serie di indicazioni date dal compositore per eseguire musica a partire dal ritmo del proprio cuore o del flusso del pensiero. Si tratta certamente dell’opera più visionaria di questo compositore, convinto che le onde elettromagnetichesuperino con il loro effetto l’udito e tocchino tutto il corpo fino a stimolare il tono cerebrale e a influenzare lo stato mentale. Questo manifesto è un po’ la sintesi del pensiero di Stockhausen, del corpo come unico grande orecchio. “Produci un suono, seguendo il ritmo del tuo pensiero”, ma anche la testa come cassa di risonanza del suono, anche se teoricamente non è vuota. Questa volta è stato necessario l’uso di una illustrazione, perché volevo più che altro esprimere un concetto.

From the Seven Days of Karlhein Stockhausen is a score rather atypic, from the moment that is only formed by text. A succession of indications due by the compositor to play music from the rhythm of own heart or think flood. It’s certainly the work most visionary of this composer, convinced that the electromagnetic waves go over with the own effect and touching all the body to stimolate the cerebral tone and to influence the mental state. This manifest is the syntesis of the Stockhausen’s thought, of body as a single, big ear. “Produce a sound, following the rhythm of your thought”, but also the head as resonance box, as well if theoretically isn’t empty. This time was necessary the use of a illustration, because want rather express a concept.

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A Room è un opera minimalista, nata prima ancora che venisse coniato il termine “minimalismo”. Come esiste un sottile filo rosso che collega gli esperimenti dei Futuristi ai Sonic Youth, così esiste un legame inscindibile tra John Cage e i Talking Heads e in generale la New Wave, passando per La Monte Young e Fluxus. Il filo rosso in questione possiamo chiamarlo minimalismo, nel caso dei futuristi, rumore. Il manifesto è stato immaginato come composto con un normografo, che determina la ripetitività di un modulo, di un gesto. La ripetitività, inoltre, è data proprio dalla ripetizione delle stesse parole, sillabe, lettere.

A Room is a minimalist work, born still before that was struck the word “minimalism”. As exist a thin red yard that connect the experimnts of the Futurists to the Sonic Youth, as exist a indissoluble connection between John Cage and the Talking Heads and in general the New Wave, passing for La Monte Young and Fluxus. The red yard in question we can call it minimalism, and, in the case of futurists, noise. The manifest was imagined as composed with a stencil, that determine the repetitiveness of a module, a sign. The repetitiveness, besides, it’s determined from the repetiotion of the same words, syllables, letters.

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La partitura di quest’opera è composta da 19 gruppi di note che possono essere lette ed eseguite in qualsiasi ordine. Mentre il primo manifesto rappresenta l’opera in quanto esprime questa sua caratteristica, il secondo nasce più che altro dall’ascolto dell’opera stessa. L’isolamento delle lettere, in modo tale da rappresentare i gruppi di note, resta comunque, come nel primo manifesto. Questa volta la presenza di lettere “vibranti” però fa riferimento proprio al suono.

The score of this operas is formed by �9 groups of notes that can be read and executed in any sequence. While the first manifest represent the operas because express that own charateristic, the second born rather from the listening of the same operas. The isolation of letters, in the way of represent the groups of notes, is however, like in the first manifest. Here the presence of “vibrant” letters yet is related really at the sound.

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“Le stelle producono suoni immani”: Sternklang è una delle opere più suggestive di Stockhausen, un’opera da eseguire all’aria aperta in una notte stellata, la cui materia musicale deriva dallo studio delle costellazioni. Risulta facile quindi capire la disposizione delle lettere, poste in modo da formare una costellazione. Inoltre Stern significa stella, quindi le lettere che la compongono devono esprimere luminosità, nonché altezze e intensità dei suoni attraverso lo sdoppiamento della lettere stesse.La parola klang, invece, significa proprio “suono” quindiin questo caso l’alfabeto deve esprimere propriola vibrazione della quale il suono è costituito.

“Stars produce huge sounds”: Sternklang is one of the most charming works of Stockhausen, a operas feasible in the open air in a starry night, that musical matter derives from the contellation’s study. Result therefore simple understand the letter’s disposition, putting in the way to form a constellation. Besides Stern mean star, therefore the letters that compose it must signify brightness, height and intensity of sounds as well, through the splitting of the same letters.The word klang, instead, mean really “sound”, therefore in this case the alphabet must express the vibration of the sound.

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Il manifesto di Bussotti fa riferimento al modo in cui l’opera, come molte altre dell’autore, è stata composta, cioè attraverso quelle che il compositore stesso ha definito Pittografie. Il pentagramma di Bussotti è letteralmente invasoda segni che alludono al suono nonché ai gesti da compiere per produrlo. Indicazioni, segni, spesso vere e proprie illustrazioni, nei manifesti sintetizzati dal pentagramma che esplode e invade la pagina, le lettere che rappresentano la notazione musicale. Un altra operazione di Bussotti è quella di cancellare il pentagramma, generando così una nuova famiglia di segni, come dei tagli, come Fontana che squarcia le tele per andare oltre. Questa operazione è stata resa attribuendo alle lettere lo stesso colore dello sfondo, “bucando” in tal modo lo spartito.

The Bussotti’s manifest is related to the way where the operas, as many others of the author, was composed, that is though that the same compositor defined Pictography.The Bussotti’s stave is literally invaded of signs that allude to the sound and the the signs for produce it as well. An other operation of Bussotti is that to delete the stave, generating a new family of signs, as a cutback, like Fontana that tear the canvas. This operation was given attributing to the letters the same color of the background, “holing” in this way the score.

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Nello spartito è presente l’indicazione del taglio delle corde “con gran fragore finale”. Si tratta di uno degli espedienti usati nella “musica nuova” per produrre nuove sonorità, prima considerate rumore. Molte sono le indicazioni che i compositori dettano agli esecutori attraverso le partiture, specie nelle notazioni d’azione, e spesso sono ben più stravaganti di questa, data da Bussotti. Kagel infatti chiede ad esempio di suonare delle note “facendo dondolare una balenablu”, mentre Cage in Water Music chiede all’esecutore di travasare acqua da una bacinella ad un’altra. Nel manifesto ci sono sia le forbici che le corde tagliate da queste per produrre il “gran fragore”, che è stato invece interpretato con il lettering.

In the score exist the indication of the cut of the strings “with final loud noise”. It’s one of the experiments used in the “new music” to produce new sonorities, before considered noise. Many are the indications that the compositors suggest to esecutors though the scores, above all in the author’s notation of action, and frequently are most peculiars of this, given by Bussotti. Kagel in fact ask for example to play the notes “doing swing a blue whale”, while Cage in Water Music ask to the esecutor to decant water from one bowl to other.In the manifest there are both the scissors and the cut stings from that to produce the “big loud noise”, that was interpreting with the lettering.

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4’33’’ di John Cage è senz’altro l’opera più nota e innovativa del compositore americano e costituisce l’apice del suo pensiero in merito al silenzio in musica. Quest’opera offre innumerevoli spunti di rappresentazione. Nell’ambito della poesia visiva un autore in particolare, Eugen Gomringer , ha rappresentato il silenzio come assenza della parola “silencio” in una disposizione allineata di vari “silencio”. L’assenza di uno di questi al centro determina l’espressione grafica del concetto. Riprendendo in parte questa particolare rappresentazione, ho invece posto a significare l’assenza un rettangolo bianco che emerge dal resto. Inoltre la parola “silenzio” è ripetuta, sdoppiata e sovrapposta non senza una modifica delle lettere che la compongono. Alcune di esse infatti, come la “N”, la “Z” e la “O”, diventano macchie che cancellano, e quindi eliminano, il suono.

4’33” of John Cage is no doubt the most renowned and innovative operas of the american compositor and estabilish the top of his thought as to the silence of music. This operas offer numberless cues of representations. In the way of the visual poetry an author, Eugen Gomringer, represented the silence like absence of the word “silencio” in an aligned disposition of various “silencio”. The absence of one of this in the center represent the graphic expression of the concept. Taking again in part this peculiar representation, I had put instead to mean the absence a white rectangle that emerge from the remainder. Besides the word “silenzio” is repeated, halved and superimposed with a modify of letters that compose it. Some of this in fact, like the “N”, the “Z” and the “O”, become blots that delete, and therefore cancel, the sound.

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La musica vocale è una messa in scena della parola.Essa è interessante in quanto mima e descrive quel prodigioso fenomeno che è l’aspetto centrale del linguaggio: il suono che diventa significato. Berio è stato sempre affascinato dai segni volontari e involontari di cui è portatrice l’emissione vocale preverbale. Il rapporto suono-parola e la drammaturgia musicale: l’esplorazione della vocalità femminile nella sua dimensione fonetica, semantica e psicologica è alla base della Sequenza. Le indicazioni date da Berio sono trascritte in corsivo sotto ogni lettera che compone la parola “sequenza”. Esse sono: “whining” (piagnucolante), “frantic” (frenetico), “urgent” (urgente), “gasping” (affannosamente), “very tense” (molto tesa), “increasingly” (crescente). Le lettere traducono il suono della voce visivamente, in base alle indicazioni.

The vocal music is a staging of the word.It is interesting because mime and describe that prodigious phenomenon that is the central aspect of the language: the sound that become significance. Berio being ever fascinated from the voluntary and involuntary signs that the preverbel vocal emission is bearer. The relationship sound-word and the musical dramaturgy: the exploration of the feminine vocalism in the his phonetic dimension, semantic and psycologic is on the basis of the Sequenza. The indications given by Berio are transcripted in cursive under each letter that compose the word “sequenza”. They are: “whining”, “frantic”, “urgent”, “gasping”, “very tense”, “increasingly”. The words translate the sound visualy translate the sound of the voice, on the basis of the indications.

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Riccardo Cardelli Plastic Mouth

Il supporto visivo nella storia della comunicazione è sempre stato l’ aiuto primario per lasciare una identità ad un periodo storico in tutte le sue sfaccettature. In questa “dimostrazione” si vuole rendedre giustizia, dal punto di vista della forza espressiva, comunicativa e grafica, a tutto lo scenario underground ed overground della grafica legata alla scena punk e post punk della fine degli anni settanta, in cui l’espressione di rabbia, fuoco e sangue si riversava a pieno nei manifesti nelle copertine e nell’ identità generale del movimento.La cosa più interessante è come pur non sapendo le regole anzi, andando contro le regole, questi ragazzi che si occupavano di pubblicizzare concerti, fare collage illustrativi, disegnare copertine, riuscissero a creare immagini di una forza espressiva elevatisssima, grazie all’ uso del mezzodi pennarelli, collage, fotocopie, appena scoperte, il bianco e nero con la sua forza, legata ad dei contenuti dinamici o violenti o sovversivi.... perché questa è la sovversione grafica che oggi è giusto imparare e guardare con rispetto, per la rabbia contenuta e per il fatto che non si deve aver paura di fare. Bisogna scuotersi dall’intorpidimento.

In oguna delle pagine seguenti, sarenno presenti due manifesti, uno sulla sinistra, facente parte della ricerca iconografica, ed uno, sulla destra, progettato da Riccardo.

The visual support was always the primary help in the history of the comunication to leave an indentity to a historical period whit all its faces.In this “experiment” i would like to explain the power of the expressive point of voiew, in the visual comunication and graphic design, to the underground and overground environment, to the graphic design of the punk and post punk subcultures of the ‘60 end, where the angry expression, fire and blood were an important component in the posters, the covers, and the general identity of that moviment.The most interesting thing is that guys did their works without the knowledge of the rules, against the rules, they was able to organize events, do collages, design covers, to evocate suggestive images, with a great expressive power, using markers, collage, felt pen, the white, and the black, with its power, linked to dinamical, violent and sovversive contents...because this is the graphical revolution today it’s right to learn to watch this movement with respect, for the angry and because they teached us to have no fear to do everything. It’s needed to shake ourself.

In each of the next pages will be two images, one on the left is a part of a iconographic research, and one on the right designed by Riccardo.

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Changiz JalayerDi seguito due brani tratti dalla tesi di laurea di Changiz Jalayer presso l’accademia di belle arti di Venezia.

[...] Il mio trasferimento in Italia ha implicato un cambiamento: la mia lingua «Farsi» non ha più un’unica funzione, vale a dire quella di comunicare, ma è diventata anche un elemento culturale in cui riconoscersi e per cui essere conosciuti. Questo è vero soprattutto per la scrittura «calligrafica »; essa nel mio paese è considerata un‘arte per l’alto valore estetico delle forme e dal momento che utilizza la stessa lingua parlata da tutti è comprensibile anche nel significato delle frasi. Invece questa stessa forma artistica «calligrafica» trasportata qui in Occidente mantiene soltanto il suo valore estetico perché non è più comprensibile linguisticamente. Il testo è un’immagine privata del suo ruolo simbolico: un’icona. [...]

[...] La conoscenza è potere. La scrittura è una fonte di potere nelle nostre società moderne, perché rende possibile trasmettere conoscenza meglio, più rapidamente e più lontano.La pratica della scrittura ha progressivamente educato la mente umana, ha innescato e accompagnato l’articolazione del linguaggio e la sua riproduzione come un fatto oggettivo osservabile e analizzabile in sé. Solo uomini educati alla scrittura alfabetica hanno imparato a ragionare per concetti, sicché per loro è stato possibile farsi un’idea di cose separate come la realtà, l’uomo, la mente. L’influsso della scrittura sul nostro modo di intendere la verità è innegabile. [...]

In succession two fragments pulled by the thesis of Changiz Jalayer among the fine arts academy of Venice.

[...] My removal in Italy has been a change,my language «Farsi» ha no longer only one function, that is to comunicate , but is also a cultural element where recognize himself and for to be knew. This is true especially for the calligraphy; In my country, it is an art, for the high estethic value of the forms, and is understandable because is the same language the people speak.This artistic form of the calligraphy in the West is only an estethic value, because is no intellegible. The text became an image, without its symbolical role: an icon. [...]

[...] Knowledge is power. The writing is a power source in our modern societies, because with it is possible to transmit better the knowledge, more quickly and more far.The writing educated the human mind, it primed and accompanied the articolation of the language and its moltiplication like an objective and analyzable fact.Only alphabetical humans were able to reason with concepts, so they were able separeted things like the reality, the humanity, the mind. The importance of the writing in our way to watch the world is undeniable. [...]

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Changiz Jalayer

Esperimenti fotografici sulla scritturaPhotographic experiment about writing

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Changiz Jalayer

Particolare dell’installazione IdentityParticular of the Identity installation

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Particolare dell’installazione IdentityParticular of the Identity Installation

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Particolare dell’installazione IdentityParticular of the Identity Installation

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Installazione IdentityIdentity installation

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Installazione LightLight installation

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Changiz Jalayer

Particolare dell’ installazione LightParticular of the Light installation

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[...] Così, dice qualcuno, si conferma l’ipotesi che ogni uomo porta nella mente una città, fatta soltanto di differenze, una città senza figure e senza forma, e le città particolari la riempiono. [...]

Italo Calvino - Le città invisibili.

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Spazi Pubblici / Public Spaces

Un racconto sullo spazio pubblico:Un sogno del prossimo ambiente urbano

Cos’è veramente uno spazio pubblico? Come influenza il modo di occupare la città - il modo in cui tu vivi la città? Fino ad adesso, questo spazio è stato principalmente di un tipo. Qui il viaggiatore cerca di capire questo spazio pubblico e come è cambiato negli ultimi tempi. Egli fa questo in modo da fantasticare sul futuro. È un sogno che fa progredire il viaggiatore dal regno del realizzato al regno della possibilità. Egli camminerà attraverso luoghi reali, vecchi e nuovi, per cercare ispirazione per il sogno di quello che verrà.

“Spazio aperto di uso intenso: uno spazio pubblico urbano che serve come una funzione costantemente occupata della città; un elemento ricreativo della vita urbana, ed uno spazio versatile, occupato in un modo diretto dall’individuo. La sua qualità urbana permette dei cambiamenti momentanei nel suo programma e nella sua relazione con la città nella sua totalità.”

A prescindere dal posto nel quale tu stia leggendo questo testo, ti chiederei di permettere alla tua mente di vagabondare oltre i confini del tuo spazio fisico. Ti chiederei di permettere alle realtà dei luoghi, delle persone, e delle cose intorno a te di sparire dalle tue percezioni e di posizionarti di fianco ad una strada di Londra. Questa strada ha quattro corsie, ma non è particolarmente trafficata in questo momento della giornata. C’è una fila di grandi alberi sul fianco. Non sei proprio sicuro di che specie siano, ma sono grandi e si

A Narrative of Public Space:A Dream of the Next Urban Environment What is truly urban public space? How does it affect the way you occupy the city – the way you live in the city? Until this time period, this space has been predominatelyof one typology. Here the traveler seeks to understand this public space and how it has changed in recent time. He does this so that he might fantasize about the future. It is a dream that progresses the traveler from the realm of the realized to the realm of possibility. He will walk through real places, old and new, to seek inspiration for the dream of what is to come.

Intense Use Open Space: An urban public space that serves as a constantly occupied function of the city; a recreational element of urban life, and a versatile space, occupied in a fashion directed by the individual. Its urban quality allows for momentary or temporary shifts in its program and relationship to the city as a whole.

Wherever you are reading this, I would ask that you allow your mind to wander beyond the boundaries of your physical environment. Allow the realities of the places, people, and things around you to fade from your perceptions and place yourself standing next to a street in London. This street has a width of four lanes, but is not particularly busy at this time of day. There is a row of large trees lining this side of it. You are not entirely sure what species they are, but they are large, rising above you by several times your own height. Their leaves are a brilliant green and filter the light just enough to cast the entire area in an even illumination.

Mail:[email protected]

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Buildings of an unknown function dominate the other side of the street (presumably, they serve a governmental function of some kind, as you are not far from Buckingham Palace); the scale of them is formidable. These buildings also have a strange relationship with the road that you are currently facing. They seem to have turned their back upon it. Aside from the occasional intersecting street that manages to find its way through them, these buildings are like a wall to one side of the street. This is perplexing, and you decide to put it aside for a moment and take a walk down the tree-lined path. Now as you walk with the street to your right, you find yourself interested in the size of the expansive St. James Park to the left. Using the buildings towering over this park in the distance as reference points, you begin to understand the extent of this open green space relative to the city that bounds it.

Walking at a leisurely pace, you notice the steady flow of people traveling past you. The number of people occupying the space is, for the most part, consistent. There also seems to be many more people where you are now than in the park itself relative to their respective sizes. There is a distinct difference between this space and both the city and the park. People use it with intensity, but it is not the determined use prevalent in the city. Here people jog or walk the family dog. It is a space of movement without haste.

As you contemplate the complex system of layers that define the boundaries between the park and street, all of the events transpiring within the space are interrupted. Momentarily everyone along the path (including yourself) is forced to either move aside or travel into the park as a column of Royal Guards

elevano sopra di te per molte volte la tua altezza. Le loro foglie sono di un verde brillante e filtrano la luce abbastanza da rendere l’area uniformemente illuminata.

Edifici dalla funzione sconosciuta dominano l’altro lato della strada (presumibilmente hanno una qualche funzione governativa dato che non sei lontano da Buckingham Palace); la loro scala è formidabile. Questi edifici hanno anche una strana relazione con la strada che hai di fronte in questo momento. Sembrano ruotati sul di dietro. A parte la traversa che cerca di farsi strada fra di loro, questi edifici sono come un muro sul lato della strada. Questo ti rende perplesso e decidi di metterlo da parte per un istante e farti una camminata lungo la via alberata. Adesso, camminando con la strada sulla destra, sei interessato al grande parco di St. James sulla sinistra. Utilizzando come punti di riferimento gli edifici che torreggiano su questo parco, inizi a capire l’estensione di questo spazio verde e aperto, relativo alla città a cui è legato.

Camminando in un luogo di ricreazione, noti il flusso costante delle persone che ti viaggiano accanto. Il numero di persone che occupano lo spazio è consistente. Sembra anche che ci siano molte più persone lì dove ti trovi piuttosto che nel parco stesso. C’è un’evidente differenza tra questo spazio e la città e il parco. Le persone lo utilizzano intensamente, ma non è l’uso prevalente determinato all’interno città. Qui le persone vengono a correre o portano il cane a spasso. È uno spazio di movimento senza fretta.

Mentre osservi il complesso sistema di livelli che definiscono i confini tra la strada e il parco, tutti gli eventi che avvengono entro quello spazio vengono interrotti.

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ride past on horseback on their way to the Royal Mews. After a fraction of a minute they pass by and disappear into the distance. As they do the space finds normalcy. A group of tourists that are walking a little way ahead of you are still trying to snap a few more photographs before the horsemen get so far away that it is impossible. The versatility of the space has become instantly exemplified and made apparent as it undergoes a transition from pedestrian thoroughfare, to a ceremonial display, and back again. You begin to conceive of all of the potential temporary events that might impact this place and become lost in thought until you reach the end of St. James Park.

Upon reaching the terminus of the park (and therefore the pedestrian path you are walking on) you reach a point where the park reintegrates itself with Central London. Here you are able to have a better understanding of the way the park as a whole fits into the overall organization of the city. It is here that it becomes apparent that the city treats this park as an edge condition along its circumference. The street that borders the park is the last remnant of the dense urban environment that exists before that density is eliminated in this open space. The shift from one condition to the other is, seemingly, too severe for the city to accommodate. The park gives a portion of itself over to the city forming a kind of buffer between the dense and the open. This buffer is the path that you have enjoyed over the past thirty minutes. This path occurs, in one manifestation or another, along the entirety of the circumference of St. James Park.

Momentaneamente tutti quelli che sono sulla via (te incluso) sono costretti a spostarsi di lato o ad incamminarsi nel parco come una colonna di guardie reali a cavallo avviati verso le scuderie. Dopo una frazione di minuto ti passano di fianco e spariscono distanti. Un gruppo di turisti che camminano leggermente davanti a te sta ancora cercando di scattare un pò di fotografie prima che gli uomini a cavallo siano troppo lontani. La versatilità dello spazio è stata immeditamente semplificata e resa evidente mentre subisce una transizione da arteria di grande traffico pedonale a un’esibizione cerimoniale. Inizi a pensare a tutti i temporanei eventi potenziali che potrebbero impattare questo luogo e perdersi nel pensiero fino a quando raggiungi la fine del St. James Park.

Mentre raggiungi la fine del parco (e quindi il sentiero pedonale sul quale stai camminando) arrivi ad un punto dove

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It is suddenly understood that the park as a whole is a kind of boundary of urban scale. One side of the park has an entirely different attitude and personality than the other. And upon review of a map, you find that there is a set of boroughs on either side of the park. Each borough develops a slightly different spatial and experiential character, and the division between them, composed by the park, adds to these subtle disparities. Realizing that you have two more stops left on your tour, you begin the remainder of your journey and continue on your way to Westminster Cathedral. On your way, you begin to discern a vague notion of the dream to come. As the fog that clouds your understanding of what me be possible lessens, you wonder if a place might exist with the same qualities as this one, but in the format of density. Can this place be an integral part of the city center? The fog is still too thick to tell.

As the needs of people, and the responsibility of the city to meet those needs evolves, so to do the spaces and constructions of the city. The Intense Use Open Space is an urban component that has had its place in cities for many years, and has, over time, become a compulsory element of them. Now there is a need of a new kind of space to augment the functionality of our urban environments. The nature of this space is becoming more and more clear as new constructions continue to develop ideas both existing and new. There is a space that is a resultant of this development, the Urban Juncture, which is purely a reaction to the growing needs of a modern urbanity. These spaces will give rise to yet another typology, which at this point is just a dream. First though, you must travel through the dreams of others, dreams that have already come to fruition before you are able to touch what is possible.

il parco si reintegra con il centro di Londra. Qui sei in grado di avere una migliore comprensione del modo in cui il parco, inteso come un unicum, entra nella organizzazione generale della città. È qui che diventa evidente come la città tratti questo parco: una condizione di margine lungo la sua circonferenza. La strada che contorna il parco è l’ultimo residuo del denso ambiente urbano che esiste prima che quella densità venga eliminata in questo spazio aperto. Il passaggio da una condizione all’altra, è apparentemente troppo severo per essere accomodato dalla città. Il parco dà una porzione di sè stesso alla città formando una specie di tampone tra i pieni e i vuoti. Questo sentiero si trova, in un modo o nell’altro, lungo la totalità della circonferenza del St. James Park.

È improvvisamente chiaro che il parco nella sua interezza è un tipo di frontiera a scala urbana. Ogni lato del parco ha una propria attitudine e personalità completamente differente dagli altri. E guardando la mappa ti accorgi che ogni lato del parco ha una sua autonomia. Ogni settore sviluppa un carattere spaziale ed empirico leggermente differente, e la loro divisione, composta dal parco, aggiunge a questi sottili differenze. Rendendoti conto che hai altre due tappe, affronti il rimanente del tuo viaggio continuando per la strada verso la Westminster Cathedral. Sulla tua via, inizi a distinguere una vaga nozione del sogno che verrà. Con il diminuire della nebbia che annuvola la tua comprensione di quello che potrebbe essere, ti chiedi se un luogo potrebbe esistere con le stesse qualità di questo, ma nel formato della densità. Può questo luogo essere parte integrante del centro città? La nebbia è ancora troppo spessa per dirlo.

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Urban Juncture: A place of programmatic joinery within the city. It is a meeting place of systems that, as an entity in and of itself, gives definition to a larger conglomeration of entities. It is typically constructed as a part of a compound of urban structures.

Upon reaching the cathedral you begin to explore the plaza that connects it to the nearby street edge. This plaza is morphologically very different from the one you left just a short time ago. However, functionally, it seems as if it could perform in many similar ways, except that it could only accommodate a smaller scale manifestation of temporary events. It seems to be an Intense Use Open Space that serves a much more local set of conditions. Across the street and on axis with the plaza is a new form of public space. Crossing the street you discover that this is a new plaza that has been built at the heart of a cluster of mixed-use buildings. Primarily they are offices and retail space.

To enter you have to pass through a narrow gap between two of the buildings of this cluster. As you approach the edge, and begin to leave the street system, you look up and notice that there is a completely transparent bridge spanning the breach between the two structures that you are passing. A person walks from one building to the next and at a point in the midst of his journey passes through the space immediately overhead of your current position.

Passing underneath you notice the large number of people around you. Some of those people are obviously employees of the office buildings that compose the edge of the plaza. They are all wearing similar attire and seem to cluster together

Come i bisogni delle persone e la responsabilità della città di soddisfare quei bisogni si evolvono, così fanno gli spazi e le costruzioni della città. Lo Spazio Aperto da Uso Intenso è una componente urbana che ha avuto il suo spazio nelle città ormai da molti anni, ed è diventata nel tempo, un elemento forzato di esse. Oggi c’è bisogno di una nuova tipologia di spazio per aumentare la funzionalità dei nostri ambienti urbani. La natura di questo spazio è quella di diventare sempre più chiara così come le nuove costruzioni continuano a sviluppare idee esistenti e nuove. C’è uno spazio che è il risultato di questo sviluluppo, la Urban Juncture, che è semplicemente una reazione ai bisogni crescenti della moderna urbanità. Questi spazi daranno l’ascesa ad ancora un’altra tipologia, che a questo punto è solo un sogno. Prima però, devi viaggiare

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within the different bound zones that engage the space. Other people are here without any connection to the place other than the attraction of services that it offers to them.

Many people are here for lunch, which seems like an appealing notion to you. Finding a suitable sandwich shop, you take your meal to the sculpture bench at the center of the space. Overhead the entire expanse between the different towers is spanned in glass. Within the space, formed by the buildings and glass ceiling, there are several more bridges that link the different structures that enclose this plaza.

From your vantage point at the center of the space, you can see that the entire ground level of the plaza is composed of restaurants and retail stores. The restaurants reach out into

attraverso i sogni degli altri, sogni che hanno già raggiunto un completamento prima che tu sia in grado di raggiungere ciò che è possibile.

“Urban Juncture: un luogo di mestiere programmatico dentro la città. È un punto di incontro del sistema che, come entità all’interno e di se stessa, dà definizione ad una più grande conglomerazione di entità. È tipicamente come una parte di un composito di strutture urbane.”

Raggiungendo la cattedrale inizi ad esplorare la piazza che la connette con il vicino margine della strada. Questa piazza è morfologicamente molto differente da quella che hai visto un attimo fa. Tuttavia, funzionalmente, è come se potesse servire in molti modi simili, tranne quello di accogliere manifestazioni di eventi temporanei a piccola scala. Sembra essere uno Spazio Aperto da Uso Intenso che adempie a delle condizioni molto più locali. Dall’altra parte della strada, e in asse con la piazza c’è una nuova forma di spazio pubblico. Attraversando la strada scopri che questo è una nuova piazza che è stata costruita al cuore di un complesso di edifici multi-funzionali. Sono soprattutto uffici e spazi di vendita.

Per entrare devi passare attraverso una stretta apertura tra due dei palazzi di questo complesso. Mentre ti avvicini al margine, ed inizi a lasciare il sistema stradale, alzi lo sguardo e ti accorgi che c’è un ponte completamente trasparente a misurare il divario tra le due strutture che stai percorrendo. Una persona cammina da un edificio al successivo e, ad un punto nel mezzo del suo viaggio passa attraverso lo spazio immediatamente al di sopra della tua attuale posizione.

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the plaza and incorporate a fragment of it into the individual establishment, enabling them to project their patrons into the community space of the plaza. What is interesting to you about these projections are the interactions that occur between people sitting within these enclosed segments of plaza as well as the interactions that occur between the people at rest and the ones hastily traversing the space. This last observation compels you to move around to the other side of the statue to get a complete understanding of the way people move through this space, and thereby develop a better understanding of the behavior of the space itself.

Here you realize that there is another group of people in this plaza. By virtue of the presence of this group of occupants, the plaza serves as a junction between yet another system of elements and all of those previously observed. The third group of people originates at one entry where there is access to multiple levels of the urban structure outside the confines of the plaza. A set of stairs and escalators move people from the level of the plaza up to a street, which exists

Passando al di sotto, noti il gran numero di persone intorno a te. Molte di queste sono ovviamente impiegati degli uffici che compongono il margine della piazza. Hanno tutti lo stesso abbigliamento, e sembrano raggrupparsi entro le differenti zone di confine, che occupano lo spazio. Altre persone sono qui senza avere alcuna connessione con il luogo senza essere attratti dai servizi che esso offre loro.

Molte persone sono qui per il pranzo, il che ti sembra qualcosa di interessante. Cercando un adeguato negozio di sandwich, porti con te il tuo pranzo alla scultura-panchina al centro dello spazio. Sopra di te, l’intero spazio tra le diverse torri è abbracciato dal vetro. Entro lo spazio, formato dai palazzi e dai soffitti di vetro, ci sono diversi ponti che connettono le differenti strutture che racchiudono la piazza. Dal tuo punto privilegiato al centro dello spazio, puoi vedere che l’intera pavimentazione della piazza è occupata da ristoranti e spazi di vendita. I ristoranti si estendono nella piazza e incorporano un frammento di essa con la loro presenza, permettendo ad essi di proiettare i loro clienti nello spazio comune della piazza. Ciò che è interessante di queste osservazioni, sono le interazioni che avvengono tra le persone sedute entro i segmenti compresi nella piazza e le interazioni tra le persone a riposo e quelle che attraversano frettolosamente lo spazio. Questa ultima osservazione ti obbliga a muoverti intorno all’altro lato della statua per comprendere a pieno il modo in cui le persone si muovono attraverso questo spazio, e perciò sviluppano una migliore percezione del comportamento dello spazio stesso. Dunque realizzi che in questa piazza c’è un altro gruppo di persone. In merito alla presenza di queste persone, la piazza funge da connessione tra un altro sistema di elementi e tutto ciò che è

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stato osservato precedentemente. Il terzo gruppo di persone si raggruppa dove c’è l’accesso a diversi livelli della struttura urbana al di fuori dei confini della piazza. Un gruppo di scale ed ascensori portano le persone dal piano terra fin su ad una strada, che esiste al di sopra del livello convenzionale della strada. Vedi tutti i comportamenti delle persone che vengono dal livello più alto al più basso, seguendo un itinerario di panchine messe apposta per loro. La linea delle panchine termina alla statua sul quale hai posato il tuo sandwich. Queste panchine sono poste affinchè le persone possano avere delle pause o per continuare attraverso lo spazio. I più non sono influenzati dalla presenza di questi momenti di pausa e continuano a camminare, per alcuni invece sono delle benvolute pause. Dopo aver assimilato tutto questo la nebbia si solleva un altro pò. Forse, il sogno è tale quando il carattere dello spazio pubblico è fuso con l’uso intenso di questo al fine di creare un nuovo tipo di spazio. Forse no, ma sei sicuro che il sogno avrà le qualità di entrambi a determinarne il successo.

James Eckler jr. si è laureato in design presso l’università della Florida, nel �004, attualmente è uno studente del corso di laurea specialistica della stessa università. Ha �4 anni, e studia architettura da sei anni, la sua città nativa è Boynton Beach, in Florida, negli Stati Uniti.

L’articolo continua sul prossimo numero.

above the conventional street level. You see all manner of people coming from the higher level to the lower following an itinerary of benches marked for them. The line of benches terminates at the statue that you are currently keeping your sandwich on. These benches are a choice for the people passing them whether to momentarily pause, or to continue through the space. Most are not swayed by the presence of these moments of pause and continue to walk past you abruptly but for some it is a welcome respite. After taking in all that you have observed here, the fog lifts a little more. Perhaps, the dream is one where the character of this space is fused with the Intense Use Open Space to create a new kind of urban public space. Perhaps not, but you are sure that the dream will have qualities of both that determine its success.

James Fowler Eckler Jr. received a Bachelor’s degree in design from the University of Florida in �004, currently a Graduate Student at the University of Florida. He is �4 years old, has been studying architecture in the University for 6 years, his hometown is Boynton Beach, Florida, United States of America

The articole will be continued in the next issue.

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Tra Musica e Architettura / Between Music and Architecture

This article was draw up thanks to the research of Marta Michelutti allowed by Joanne Maria Pini of Milano Academy of Music. Editor Donato Antonio Dentico

Between music and architecture

The object of this research is that to analize the relationships and parallelism between architecture and music, proposing a perfunctory analysis of how this two sciences are enveloped in the Middle Age and above all in the Reinassance.To search the relationships between music and architecture induce to watch all history time, because each artistic period is connected with the cultural presuppositions of time. If we think for example to the perfect equilibrium of proportions of ancient greek temples, still today they success to recall that harmony result of a aestetyc conception part of each artistic movement, from music to sculpture and to painting.

Middle Age

Try to find relationships between music and architecture in the Middle Ages can be a forcing, but in the comparison we can see various interesting proposition about the bearing between the two sciences and the historical period. The Middle Age it’s a historical period that live in different centuries and thoughts. In Architecture start from earlyCristian churches to romanesque churches, and arrive to the gothic period. In this long time music was mainly religious and was characterizated by single voice melodies (monody, fig.�) and drawning around the repercussio note whit small interval.

Questo articolo è stato redatto grazie alla ricerca di Marta Michelutti concessaci da Joanne Maria Pini del Conservatorio di Musica “G. Verdi” di Milano.

Tra musica ed architettura

L’intento di questa ricerca è quello di analizzare i rapporti e i parallelismi tra architettura e musica, proponendo un’ analisi sommaria di come queste due discipline si sono sviluppate nel periodo medievale per poi soffermarsi all’importante capitolo delle proporzioni armoniche nell’età del rinascimento.Ricercare i rapporti tra architettura e musica spinge inevitabilmente ad affacciarsi all’intero arco della storia della nostra civiltà, essendo ogni manifestazione artistica interamente connessa con i presupposti culturali dell’epoca.Si pensi ad esempio al perfetto equilibrio delle proporzioni negli antichi templi greci, essi ancor oggi riescono a rievocare quell’armonia che è frutto di una concezione estetica che investì unitariamente ogni disciplina artistica del tempo, dalla musica alla scultura alla pittura.

Medioevo

Cercare affinità e parallelismi tra musica ed architettura in epoca medioevale può sembrare una forzatura, ma nel confronto vengono fuori una serie di tesi interessanti che perlomeno sottolineano quanto le due scienze erano direttamente contaminate dalla concezione del periodo.Il medioevo è un periodo storico che abbraccia molti secoli e che assiste all’evoluzione di più pensieri. In architettura passiamo dalle semplici architetture paleocristiane (costruite a partire dall’Editto di Tolleranza in epoca Costantiniana)

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Romanesque architecture was born around the year �000, after the “dark age” for the fear of the end of the world. The religious buildings was mainly in basilican plant and is very important the ryhthm of the central structure. The agreement between the central space and the lateral

spaces is �:� and there are two different pillares, one larger tosupport the central and lateral arches, one smaller to support only the lateral arhes (fig.�). The ryhthm is A-B-A-B type.

alle meraviglie della cosiddetta maniera tedesca, le basiliche gotiche (�300 circa). In questo lungo lasso di tempo la musica era perlopiù religiosa ed era caratterizzata da melodie ad una sola voce (monodia, fig.�) gravitanti intorno alla nota repercussio secondo intervalli di piccola ampiezza.

L’architettura romanica prende vita a partire dall’anno �000, consecutivamente agli anni bui che vedevano la fine del millennio come la fine del mondo. Gli impianti religiosi erano perlopiù a pianta basilicale a più navate, ciò che risulta particolarmente interessante è il ritmo che si crea con la scansione dei pilastri posti a marcare ogni campata. La corrispondenza tra vano della navata centrale e vani delle navate laterali è di �:� e i pilastri della navata centrale saranno di due tipi, uno maggiore, in cui confluiscono gli archi del vano centrale e quelli del laterale, uno minore in cui confluiscono solo le volte laterali (fig.�). Il ritmo sarà appunto di tipo A-B-A-B.

Architettura e Musica / Architecture and Music

Alleluja Dies Santificatus (fig.1)

S.Amrbogio, Milano. Osserviamo il ritmo dei pilastri A-B-A-BLet’s look at the rythm of the pillars A-B-A-B(fig.2)

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In the same way, in the music start a process that work simultaneously whit the height and the ryhtm of the notes. Reappear the pitagoric idea of the relationship between number and music. From the second half of the century XII to the end of the century XIV, born the Ars Antiqua musical movement near Paris, started by a musicians group of the Notre Dame school. In the same period and in the same place was born the gothic style; here further develop the romanesque technic of overload the building weight with the surphace arch on the pillares with buttresies. The gothic arch allow however of overload more vertically the roof thrust, allowing a grater vertical develop. In this way born the gothic chatedrals, big stuctural experiments frequently uncompleted, with the going out of the structure, constituited by massive buttresies, and the light walles with enormous windows (fig.3).It’s an architecture intentionally in contrast with the uman scale, with the evident theological meaning of divine greatness. The medieval aesthetic conception it’s based on the Salomone’s Wisdom passage: “ You’ve arranged all according to measurement, number and weight”.From this conception born the yerning to reveal in the geometric and constructional architectural conception of chatedral the image of Heaven’s perfection and of him ineffable armonies; God’s temple must have the chord stressing. It’s evident the contrast between the romanesque style and gothic style for lighting, spaces and relationship between internal and external spaces.By in the architecture as by in the music, this new conception allow to polifony to enlarge in vertical sense, allowing the three, four or more voices overlapping chant; the height of the resonant building, supported by the parallel develop of

Allo stesso modo, in musica, prende piede un processo che annota non solo l’altezza delle note, ma anche il ritmo, assumendo così una valenza autonoma rispetto al testoe nasce l’esigenza dare alle composizioni una forma. Ricompare l’idea pitagorica del nesso tra musica e numero, in essa si ripropongono le ideali proporzioni armoniche dell’universo. Dalla seconda metà del XII secolo fino al XIV secolo fiorisce nella zona di Parigi il movimento musicale dell’Ars antiqua, avviato dal gruppo di musicisti della scuola di Notre Dame. Nella stessa epoca e nella stessa zona si assiste all’elaborazione dello stile gotico; in esso si sviluppa ulteriormente la tecnica romanica di scaricare il peso murario attraverso le arcate delle volte sui pilastri dotati di contrafforti.L’arco gotico a sesto acuto permette però di scaricare più verticalmente la spinta proveniente dalla copertura consentendo un maggiore sviluppo verticale. Ecco allora nascere le cattedrali gotiche, veri e propri esperimenti costruttivi spesso rimasti inconclusi, in cui lo slancio verticale porta all’esterno la struttura, costituita da massicci contrafforti, e toglie alle pareti perimetrali qualsiasi funzione portante illuminandole di grandi vetrate istoriate.(fig.3) Si tratta di un’architettura volutamente in antitesi con la scala umana, in cui è evidente il significato teologico della grandezza divina. Tutto il disegno estetico che ha segnato profondamente il medioevo in tutte le sue manifestazioni artistiche si basa in un certo senso sulla brano della Sapienza di Salomone: “ Tu hai ordinato tutte le cose secondo misura, numero e peso”. Da qui nasce l’aspirazione a rivelare nella concezione geometrica e costruttiva dell’architettura della cattedrale l’immagine della perfezione del cielo e delle sue ineffabili armonie; il tempio di dio deve contenere quindi nelle sue proporzioni la scansione degli


Notre Dame (Parigi) Disegno di Viollet Le Duc del sistema costruttivo gotico.Gothic building system, Viollet Le Duc.(fig.3)

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accordi musicali. E’ evidente la contrapposizione tra lo stile Romanico, introverso e concentrato nello spazio interno, e il gotico, di notevole luminosità ed esplosione verso l’esterno attraverso i contrafforti. Come nell’architettura, così nella musica questa nuova concezione permise alla polifonia, in genere ancora a due voci, di ampliarsi in senso verticale consentendo il canto di tre quattro o più voci sovrapposte; l’altezza dell’edificio sonoro, supportata dal parallelo sviluppo della notazione musicale, crebbe a dismisura.Ne è un chiaro esempio il mottetto politestuale del �300, in cui il tenor, tratto da una melodia liturgica, viene eseguito da strumenti con eventuale abbinamento di un contratenor, le altre voci (motetus, duplum e triplum) sono fornite ciascuna di un proprio testo e una propria velocità (in genere alle parti più acute corrisponde una velocità maggiore), quasi a riprodurre il movimento degli astri secondo la concezione tolemaica.

Rinascimento

Il livello di congruenze tra le due scienze in epoca rinascimentale si rafforza notevolmente e, con tutta probabilità, trova la sua maggiore fioritura. Storicamente parlando, si ha una concreta evoluzione sull’importanza del singolo individuo con l’affermarsi delle discipline dell’umanesimo, concretizzatasi nella concezione dell’antropocentrismo.

Siamo nel XV secolo, la culla della cultura è Firenze e, sotto gli artifici del Brunelleschi, nasce una nuova architettura, sebbene ancora legata alle tendenze della maniera tedesca. L’aspetto delle proporzioni assume una maggior efficacia, le potenzialità connesse all’utilizzo rigoroso del numero furono sviluppate grazie ad un utilizzo più consapevole.

musical notation, excessively increased. It’s a clear exemple the polytextual motet of �300, where tenor, by liturgic melody, it’s plaied by instruments with contratenor and the other voices (motetus, duplum and triplum) have everyone a own text and own ryhthm (usually the acutest part correspond with a more fast ryhthm), almost to happen again the celestian bodies movements by the ptolemaic conception.

Reinassance

The affinities between the two sciences in reinassance costume is more tangible and, probably, find the best flourishing. In this time have a real evolution of the single individual by the humanism’s disciplines, till arrive in the anthropocentrism’s conception.

We are in the XV century, the knowledge center is Florence and, with the work of Brunelleschi, born a new architecture, however still tied to gothic’s trend. The proportions sight is more efficacious, the potentialities connected with the exact use of the number was developed thanks to a more conscious use.

A basic element of this thought is the principle of unit, “all the parts of a melody are united in a single point in harmony with the harmonic ratios that are printed in the memory... that was past is as much lively in the spirit as that is became like present, and where become foreboded the future sounds... in this way the extended object, as is artistic, is concepited and became out of the real space, like a “all” that is inclined to assemble himself in a single point”. (Eva Tea)

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Elemento essenziale di questa concezione artistica è il principio dell’unità, “ tutte le parti di una melodia vengono a trovarsi raccolte in un sol punto in grazia dei rapporti armonici che si stampano nella memoria...ciò che è passato è così vivo nello spirito quanto ciò che viene percepito come presente, e in cui sentiamo preannunciarsi i suoni che si hanno a venire...così l’oggetto esteso, in quanto è artistico, viene concepito e percepito fuori dallo spazio reale, come un tutto che tende a raccordarsi in un sol punto”. (Eva Tea)Come sottolineato nel capitolo precedente esisteva fin dall’antichità la convinzione pitagorica che la musica instrumentalis potesse essere riallacciata alla inaudibile musica mondana, quella prodotta dalle schiere celesti. Inoltre l’aritmetica, lo studio dei numeri, la geometria, l’astronomia e la musica costituivano il quadrivium delle “arti” matematiche. Le “arti liberali”, tra cui pittura scultura e architettura, erano considerate attività manuali.E’ possibile individuare due grandi ambiti in cui si suddivide la ricerca di proporzionalità:il primo è legato all’utilizzo della sezione aurea, il secondo al principio dei piccoli numeri interi.

La sezione aurea

Un’aura esoterica avvolge da sempre la presenza della S.A. nei più disparati campi del sapere umano.Si tratta di una porzione di una grandezza corrispondente a poco meno dei due terzi del suo totale (ca. 5/8 o �3/8), in modo che AB : AC = AC : BC, la porzione ‘AC’ verrà denominata sezione aurea di ‘AB’. Tale rapporto matematico in arte è una proporzione riconosciuta come esteticamente piacevole e viene utilizzata come punto di riferimento per la composizione di elementi pittorici, architettonici e come vedremo anche in alcune composizioni musicali. Al di là del suo fondamento

How underlined in the previous chapter, since ancientness existed the pitagoric convinction that the instrumentalis music was connected with the wordly music. Besides arithmetic, the number study, geometry, astronomy and music formed the quadrivium of mathematical “arts”. The “liberal arts”, painting, sculpture and architecture, was considerated manual activities.

It’s possible characterize two big ambit where is subdivided the proportionality research: first is connected with the golden section, second with the small numbers principle.

The golden section

A mystery light wrap the golden section in the field of uman knowledge. It’s a proprortion of a quantity equivalent about to the �/3 of total (about 5/8 or �3/8), for have: AB : AC = AC : BC,the “AC” quantity it’s called golden section of “AB”.This mathematic ratio in art is a thing aesthetically agreeable and is used as a reference point for the picture composition, architectures and also in some musical composition.Over his mathematical true, golden section have connection with the uman proportion and with natural life. Various reinassance artists, how Leonardo da Vinci, Piero della Francesca and Leon Battista Alberti (author of “De Re Aedificatoria”), studied uman proportion for the use in own composition, continuing the Vitruvio’s tradition.

The golden section in music

The practical music agree with the quadrivium of arts, missing the text and searching own mathematical rules, that connect the composition single parts with the totality.Besides rational base, number become the start point of

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matematico la sezione aurea presenta stretti legami con le proporzioni umane e con moltissime forme naturali, al punto che gli artisti tenderebbero quasi inconsciamente a rispettarne i rapporti. Moltissimi artisti rinascimentali, tra i quali Leonardo da Vinci, Piero della Francesca e Leon Battista Alberti (autore del trattato “De Re Aedificatoria”), si dedicarono allo studio e alla teorizzazione delle proporzioni applicandole nelle loro composizioni, proseguendo una tradizione già intrapresa da Vitruvio.

Sezione aurea in musica

La musica pratica, dalla connotazione prettamente manuale, assume la pretesa di accostarsi alla sfera delle discipline del quadrivium svincoladosi gradatamente dal testo e avviandosi alla ricerca di leggi matematiche proprie, di rapporti di proporzione che colleghino ogni singola parte con la totalità della composizione. Oltre che base razionale il numero diviene fonte di una serie di simbologie legate ad un ordine superiore: Il numero tre rievoca l’essenza della Trinità, il quattro le Virtù cardinali, il sette il numero della creazione... Un criterio a cui la sezione aurea fu particolarmente legata è quello di suddividere la composizione in sezioni proporzionali tra di loro, ripetendo due volte la stessa musica con precisi rapporti di durata tra i due ritornelli. Una melodia proposta in ritmo di �/4, ad esempio, veniva ripetuta in 4/4 con le durate delle note raddoppiate. Tinctoris con il trattato Proporzionale musices (�473-74) e Gaffurio (pratica musicae, �496) giunsero alle più elevate teorizzazioni circa questi metodi. Il paragone tra musica e architettura con la notazione del ritmo si fa più stretto, venendo la musica ad assumere sulla carta una connotazione a tutti gli effetti spaziale, una composizione diviene un fluire di parti che se nella realtà hanno una durata

symbologies connected with a mystic order: number three is conected with Trinity, four with cardinal Virtues, seven is the Creation number...A golden section criterion is that of subdivide the composition in proportional sections, repeating two times the same song with restrictive lenght ratios between the two chores. A �/4 ratio melody was repeated in 4/4 with the duration of the note duplicated. Tinctoris with the Proportional Musices Treatise (�473-74) and Gaffurio (pratica musicae, �496) succes to have the best theorizations about this methods.In XV Centhury, the Flemish musician Guillame Dufray (the Nuper Rosarium Flores author), start a massive use of the golden section in musichal compositions.A emblematic case exist in the Dufay’s Missa Ecce Ancilla Domini, with a structure caractherizated by arithmetic proportion and golden section.It’s composed by three section: Kyrie, Christe e Kyrie II, divided on repetitive proportions. If we assign to each section the number of breves, we can observe a mathematical connection.The Christie and the Kyrie II correspond togheter (78 breves) with the Kyrie’s golden section, while the Kyrie lenght (��6 breves) correspond to the Creed golden section (�04 breves) (fig.4)

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nella loro rappresentazione sono paragonabili a segmenti di una ben determinata lunghezza. Nel quattrocento un compositore fiammingo, Guillame Dufay,(autore del Nuper Rosarium Flrores), dà l’avvio per un utilizzo in larga scala della sezione aurea nelle composizioni musicali. Un caso emblematico si può riscontrare nella Missa Ecce Ancilla Domini dello stesso Dufay, nella cui struttura riccorre l’utilizzo della sezione aurea e delle proporzioni aritmetiche. Essa è composta da tre sezioni: Kyrie, Christe e Kyrie II, distribuiti secondo proporzioni che si ripetono nel Kyrie stesso, di struttura a sua volta tripartita. Se assegnamo a ciascuna sezione il numero complessivo delle brevi, si possono osservare delle corrispondenze matematiche. Il Christe e il Kyrie II corrispondono complessivamente (78 brevi) alla sezione aurea del Kyrie, mentre la durata del Kyrie (��6 brevi) corrisponde alla sezione aurea del Credo (�04 brevi) (fig.4)

La Sezione aurea in architettura

La sezione aurea ebbe i suoi influssi anche sull’architettura del tempo; in particolare Leon Battista Alberti fu il primo importante teorico dell’arte rinascimentale, oltre che costruttore di edifici dallo stile classico puro, fatto di equilibrio e proporzione. Analizziamo ora alcuni tra i numerosi esempi di architetture ispirate alla divina proporzione. Per quanto riguarda le opere dell’Alberti, è bene sottolineare come egli non parli mai nei suoi trattati del tipo di proporzionamento utilizzato, quasi volesse tenere segreto il metodo con cui riusciva ad ottenere quell’aspetto di armonioso equilibrio. Tuttavia indagini effettuate con diagrammi e rigorose riproduzioni hanno messo in evidenza che questa sia la regola alla base di tutte le parti di molte sue costuzioni (es. il tempio Malatestiano a Rimini,la cui facciata risulta incompiuta, fig.5).

The golden section in architecture

The golden section had importance in the architectures of the time; exspecially Leon Battista Alberti was the first important theoric of reinassance art, besides builder of classic architectures. Come to analize an Alberti’s building correlated with Divine proportion. Alberti, in his treatises never speak about the proportionament type used, maybe to don’t revelate the method to success to have that armonious equilibrium. However, trought research, it’s evident that golden section is the principal rule for various building (for example the Malatestiano temple in Rimini, with the icomplete front, fig.5).

Struttura della Missa “Ecce ancilla domini” di DufayMissa Structure“Ecce ancilla domini” di Dufay(fig.4)

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Tracciati proporzionali del tempio Malatestiano (S.Francesco) a Rimini di L.B.AlbertiProportional layout of the Malatestiano temple(S. Francesco) in Riminiby L.B.Alberti(fig.5)

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Il principio dei piccoli numeri interi

Il proporzionamento armonico dell’architettura del Rinascimento è tutto orientato sul principio generale dell’uso di piccoli numeri interi con i quali organizzare la distribuzione e la disposizione delle varie parti dell’edificio.Nella musica, disciplina inserita a pieno nel quadrivium delle arti (insieme a geometria, aritmetica e astronomia) si trova conferma delle leggi che regolano il macrocosmo e il microcosmo rivelate da Pitagora e da Platone.Di qui nasce la convinzione che l’architetto non sia in nessun modo libero di applicare all’edificio uno schema casuale di rapporti, ma che tali rapporti debbano conciliarsi con un sistema di ordine superiore, le proporzioni devono esprimere l’ordine cosmico e la musica diviene mezzo privilegiato per innalzare la disciplina architettonica al livello delle arti del quadrivium. Le proporzioni corripondenti agli intervalli musicali vengono così trasposte nella progettazione degli edifici divenendo la base di veri e propri reticoli modulari, così come un’orchestra accorda gli strumenti sulla nota “la” per poi intonare, attraverso intervalli armonici, accordi che suonano bene all’orecchio. Fin dai tempi più antichi si è rilevato che due note suonano bene insieme quando i rapporti tra le loro frequenze sono caratterizzati da piccoli numeri interi, Pitagora definisce la cosidetta tetraktis, comprendente i numeri �,�,3 e 4, la cui somma è �0 (simbolo del Demiurgo).

Premesse matematiche

La teoria delle proporzioni alla base dei tracciati armonici dell’architettura, ha radici molto profonde, che affondano probabilmente nei contatti con l’antica civiltà egizia, ma

The small number principle

The harmonic scale in reinassance architecture is all orientated on the general small whole number principle with organize distribution and placement of various building part.In music, scienze of quadrivium (with geometry, arithmetic and astronomy) we find the confirmation of the rules that manage the macrocosmos and microcosmos revelated by Pytagoras and Platone. From here start the convinction that the architect don’t lay on building a casual ratios scheme, but that ratios have to be conciliated with a higher order, proportion have to convey the cosmic order and music become the prefer means to boost the architectural subject at the quadrivium level.Proportions that match at the musical wholes are moved in the building project becoming the base for modular coss hairs, in the same way an orchestra tune the instruments on the “A” for play pleasant chords. Since past it’s knowed that two notes play good when their ratios between frquencies are featured by small whole number, Pytagoras define the tetraktis, that comprehend the numbers �,�,3 and 4 and the addition is �0 (Demiurgo’s symbol).

Matematichal premises

The proportions theory of the harmonic formats of architecture, have a long history, probably coming from the egyptian civilization, however in in the Greece of the VI century b.C. that is defined the doctrinal base, where Pytagoras introduce the mathematical philosophy. In greek, the relation concept was the ratio a:b. From combination of two or more ralationships was possible have the proportion, express by the general equation a:b=c:d (detached equation), or, in the instance where b and c are egual, a:b=b:c (continuous proportion):

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è nella Grecia del VI secolo a.C. che ne viene definita la base dottrinale, con l’introduzione da parte di Pitagora della filosofia matematica. In greco il concetto di relazione si esprimeva in termini matematici come rapporto a:b. Dalla combinazione di due o più relazioni si originava la proporzione, espressa dall’equazione generale a:b=c:d (proporzione disgiunta), oppure, nel caso in cui le due grandezze intermedie b e c fossero state uguali, a:b=b:c (proporzione continua). Pitagora e i suoi discepoli stabilirono tre tipi principali di proporzione:- la proporzione aritmetica c-b=b-a (es: �, �, 3),;- la proporzione geometrica a/b=b/c (es: �, �, 4),;- la proporzione armonica (b-a)/a=(c-b)/c (es: �, 3, 6),.

A queste tre proporzioni corrispondono, rispettivamente, la medietà (o media) aritmetica b=(a+c)/�, la medietà geometrica b=÷ac, e la medietà armonica b=�ac/(a+c). Questa interpretazione trovava delle incoraggianti conferme nello studio della musica; infatti considerando i due toni che definiscono l’intervallo di ottava (do grave e do acuto) come termini estremi a e c di una proporzione, risulta che, essendo essi in rapporto di �/�, la loro media aritmetica è b = (�+�)/� = 3/� mentre la loro media armonica è b = �(�¥ �)/(�+�) = 4/3.L’intervallo di quinta è quindi la media aritmetica tra due toni distanti di un’ottava, mentre quello di quarta ne è la media armonica. Quanto alla proporzione geometrica, essa mette in relazione le due medie, essendo � : 4/3 = 3/� : �.

Premesse fisiche

E’ bene sottolineare quali sono le premesse fisiche per cui si passa dalla produzione di suoni alla rete di numeri interi.La prima osservazione è che a ciascuna nota corrisponde una

Pytagoras and his pupils estabilished three proportion type:-arithmetic proportion c-b=b-a (es: �, �, 3),;-geometic proportion a/b=b/c (es: �, �, 4),;-harmonic proportion b-a)/a=(c-b)/c (es: �, 3, 6),.

The correspondance with this three proportions is, respectively, arithmetic average b=(a+c)/�, geometric average b=÷ac and harmonic average b=�ac/(a+c). This interpretation found confirmation in the music study, therefore if we take the two tones that define the octave interval (low C and high C) as extreme terms a and c of a proportion, result that, for their ½ ratio, their arithmetical average is b = (�+�)/� = 3/� while their harmonic average is b = �(�+�)/(�+�) = 4/3.The fifth interval is so the arithmetical average between the two tones distant of an octave, while the fourth interval is the harmonic average. Geometrical proportion relation the two averages, because � : 4/3 = 3/� : � .

Physical premises

It’s important to mark what are the physical premises that allow the correspondances between sounds and whole numbers. First observation is that each note correspond that a frequency proporcioned with her height; if we misure the interval, that is the distance between two notes, calculating the ratio between their frequencies, we find that this ratio is ever the same for sound couples at the same distance in the music scale. Octave interval have ratio �, fifth 3/� and so on (fig.6).

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determinata frequenza proporzionata alla sua altezza; se andiamo a misurare l’ intervallo, ossia la distanza fra due note, calcolando il rapporto fra le loro frequenze, ci accorgiamo che questo rapporto è sempre lo stesso per coppie di suoni alla stessa distanza nella scala musicale.All’intervallo di ottava corrisponde ad esempio il rapporto �, alla quinta il rapporto 3/� e così via (fig.6)

Rapporti tra intervalli e frequenze nella scala musicaleReport between frequences and intervals in the musical scale(fig.6)

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Lo stesso principio è stato osservato da Pitagora, il quale si rese conto che facendo vibrare una corda tesa tra due estremi è possibile udire assieme ad essa una serie di suoni (le armoniche) che formano con la nota fondamentale accordi piacevoli all’orecchio. E’ possibile ricercare questi suoni intercettando la corda in diversi punti lungo la sua lunghezza: se la intercettiamo a metà otteniamo l’ottava, a �/3 la quinta, a 3/4 la quarta e così via (fig.7).

Same principle was observated by Pytagoras, who understood that making a tight string vibrate between two extremes is’t possible hear various sounds (the harmonies) that form, with the fundamental note, chords greatness for the ear. It’s possible research that sounds intercepting the string in different points along his lenght: if we intercept in the half we have the octave, in �/3 the fifth, in ¾ the fourth and so on (fig.7).

Rapporti tra suoni, frequenze e lunghezza di una corda vibranteReport among sounds, frequences and lenghtof a vibrating string(fig.7)

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Da questo studio Pitagora ricavò la lambda, triangolo formato da numeri doppi e tripli con cui è possibile ricavare tutte le armonie musicali. Dovunque quindi si incontrino rapporti della serie 6,8,��,�6,�8,�4...si può supporre che ci sia il preciso intento di emulare le proporzioni musicali.L’individuazione di questi criteri è spesso difficile e non attribuibile con certezza ad una consapevole volontà del progettista, è bene tenere presente che per fare questo tipo di analisi è fondamentale “tradurre” le misure riscontrate negli edifici secondo le unità di misura del tempo.

Il connubio tra architettura e musica costituito dal principio dei numeri piccoli si realizza sul piano puramente logico-razionale, gli architetti attingono alla musica come fonte di intervalli matematici e non come sorgente di sonorità piacevoli all’orecchio. Non è affatto rilevante come questi intervalli si compongano tra loro a produrre armonie musicali, poichè gli artisti non intendevano tradurre la musica in architettura, anzi spesso i numeri interi che generano la rete modulare darebbero luogo in musica a delle dissonanze.Si prendano ad esempio le progressioni Albertiane 4:6:9 e 9:��:�6, la prima è una sequenza di due quinte (es. do-sol-re), la seconda di due quarte (es.do-fa-si), ossia sono dal punto di vista musicale delle dissonanze.

Analisi di alcune architetture

Le architetture Rinascimentali sono nella quasi totalità regolate da rapporti matematici e precise simmetrie, ne analizzeremo ora alcune per verificare in che modo queste maglie sono inserite nei progetti. La cupola di Brunelleschi e il Nuper Rosarum Flores di Dufay “Structura sì grande, erta sopra i cieli, ampla tanto da coprire chon sua ombra tucti e populi

From this study Pytagoras had the lamba, triangle formed by couble and triple numbers, with is possible have all musical harmonies. Everywhere so we meet ratioes of the series 6,8,��,�6,�8,�4... we can suppose that exist the exact whishes to emulate the musical proportion.To individuate this criterious is difficult and of not sure provenance from projectist, is important to know that to do this type of analysis in necessary “translate” sizes of building according to the units of measurement of that time.

The alliance between musci and architecture by the small whole number principle, it’s realized on the logic-rational plane, architects get to the music as a source of mathematical intervals and don’t as source of greaness melodies for the ears.It isn’t important as this intervals are connected to generate musical harmonies, therefore the artists doesn’t want translate music in architecture because sometimes the whole numbers of the modular net can be create in music some dissonances.For example we have the progression of Alberti 4:6:9 and 9:��:�6, first in a two fifth sequence (ex. E-G-D), second is a two fourth sequence (ex. E-F-B), that are musical dissonances.

Analysis of some achitectures

The architectures of reinassance are almost all regulated by mathematical ratioes and symmetries, we will analise some of this to verify how this nets are connected with the projects.Brunelleschi’s dome and the Dufay’s Nuper Rosarium FloresThe church of Santa Maria del Fiore, a Arnolfo di Cambio’s project, appered in the eyes of Brunelleschi as a big latin cross building, without the most problematic element: the dome. Thinking for this so big handmade was untimely for that time

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toscani” L.B.Alberti. La chiesa di Santa Maria del Fiore, opera di Arnolfo di Cambio, si presentava agli occhi del Brunelleschi come un grande impianto a croce latina, del quale mancava l’opera più problematica: la cupola. Pensare ad un artificio tanto grandioso era prematuro per l’epoca e si sarebbe dovuto aspettare ancora molto se non fosse stato per la genialità intuitiva del Brunelleschi. L’architetto riesce, grazie ad un sistema costruttivo graduale che non necessitava di centine, ad erigere la spettacolare cupola che primeggia tutt’oggi sui tetti fiorentini (parlare di cupola è tecnicamente errato, si tratta di un’enorme volta a spicchi)(fig.8).

and was resolved by the ingeniousness of Brunelleschi. The architect success, thanks to a constructive gradual system (without centring), to build the spectacular dome that rule on the city’s roof (speak about of dome is wrong, it’s a big gore vault) (fig.8).

Volta a spicchi di S. Maria del Fiore a Firenze - Brunelleschi sezione/prospettoSegment of vault, S. Maria del Fiore in Florence - Brunelleschisection/prospect(fig.8)

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E’ un dato certo che Guillame Dufay scrisse il mottetto Nuper Rosarum Flores in occasione della consacrazione di Santa Maria del Fiore a Firenze il 4 marzo �436.La struttura (in quattro sezioni) delle parti vocali del tenor e del contratenor (le voci principali) fu costruita da Dufay secondo un preciso piano aritmetico correlato alle proporzioni dimensionali dell’architettura della chiesa dedicataria e della cupola del Brunelleschi in particolare.Si tratta di un mottetto celebrativo destinato alla celebrazione sonora solenne di grandi avvenimenti pubblici, ripartito in quattro voci (tenor, contratenor, motetus e triplum).L’ossatura formale è costituita da un cantus firmus che i due tenores eseguono a note lunghe e ritmicamente sfalsata a distanza di una quinta sul motivo “Terribilis est locus iste”.Il brano si divide in quattro parti ciascuna delle quali comprende un’esposizione del cantus firmus con indicazioni metriche sempre differenti (in notazione moderna si passa dal ritmo 6/4 a �/�, �/4 e 6/8).Questo fa si che le durate siano diverse per ciascuna sezione pur restando identico il numero di battute (56 battute, di cui le prime �8 sono intonate solamente da motetus e triplum e nelle restanti si uniscono i due tenores con la melodia dell’introito).Se uguale è il numero di battute è però differente il tactus (corrispondente all’unità di misura della pulsazione, in questo caso del valore di �/4), per ciascuna sezione si ottengono i seguenti valori: �68, ��, 56 e 84, che divisi per �8 danno i rapporti 6:4:�:3 (fig.9).

Guillame Dufray wrote the motet “Nuper Rosarum Flores” for the consacration of the church in Florence on 4 March �436.The structure (in four sections) of vocal parts of tenor and contratenor (principal voices) was created by Dufay with an exact arithmetic plan correlated to the dimensional architectural proportions of church and dome. It’s a commemorative motet for the solemn celebration of big public events, divide in four voices (tenor, contratenor, motetus and triplum). Formal structure is constituited by a cantus firmus that the two tenores sing in long notes and ryhthmically offseted in a fifth distance on the motive “Terribilis est locus iste”. The song is divided in four parts that have an exposition of tactus firmus with metrical indications ever differents (in a modern notation translate from 6/4 ryhthm to �/�, �/4 and 6/8). For this motive, the lenghts are different for each section while it’s the same the ryhtym (56 beats, that first �8 are only intoned by motetus e triplum and in the others are united the two tenores with the income melody).If it’s the same the beats number it’s however different the tactus ( here is a �/4 value, the unit of measurement of beat), for each section we have this values: �68, ��, 56 and 84, that divided for �8 result 6:4:�:3 (fig.9)

Struttura del Mottetto Nuper rosarum flores di Dufay.Motetto structureNuper rosarum flores of Dufay(fig.9)

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Se si osserva la struttura della cattedrale fiorentina dalla pianta (fig.�0) e dalla sezione della lanterna (fig.��) si riscontrano facilmente le ricorrenze di questi numeri: innanzitutto la modularità è data da un blocco della misura di �8 braccia; la navata è composta da 6 moduli, i transetti da � moduli ciascuno per un totale di 4, la zona absidale da � moduli, mentre 3 moduli separano il soffitto della cupola dalla quota di pavimento. Ritorna quindi lo schema 6:4:�:3 già visto all’interno del mottetto. In più i rapporti tra i due involucri della cupola ricalcano esattamente le proporzioni tra le altezze delle note dei due tenori.

If we examine the chatedral structure from the plant (fig.�0) and from the lantern section (fig.��) we check easily the recurrences of this numbers: first of all modularity is a �8 ells module; the nave is formed by 6 modules, transepts by � modules each for a total of four, the apsidal place by � modules, while three modules separe the dome’s vaulted roof from the floor’s level. Return so the scheme 6:4:�:3. Besides the ratio between the two dome’s covering correspond exactly with the notes heights of the two tenors.

Pianta di S. Maria del FiorePlan of S.Maria del Fiore(fig.10)

Lanterna della cupola di S. Maria del Fiore, sezione/prospettoVault lantern of S.Maria del Fiore, section/prospect(fig.11)

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Chiesa di Santo Spirito di Filippo Brunelleschi

La Chiesa di Santo Spirito è stata costruita in Firenze da Filippo Brunellechi a partire dal �4�8, costituita da tre navate con transetto trasversale. L’integrale struttura armonica è stata in parte danneggiata dai continuatori dell’opera che sono intervenuti alla morte di Brunelleschi. Qui il tracciato ordinatore è basato sul numero ��, da cui si deducono poi tutte le misure dell’edificio (fig.��):� profondità delle nicchie� interasse dell’ordine piccolo3 altezza dell’ordine piccolo4 altezza in chiave degli archi delle navate minori5 originaria quota di imposta degli archi delle volte della navata maggiore.

Santo Spirito’s Church of Filippo Brunelleschi

The Santo Spirito’s Church was build in Florence by Filippo Brunelleschi since �4�8 and is constituited by three naves with transversal transept. The armonic idea of structure was partially modified by other architects after the die of Brunelleschi. Here the principal scheme is basated on the �� number, base of all measurements of building (fig.��):� depht of niches� wheelbase of small order3 height of small order4 heigt of the arches of the small naves5 real height of the arches of the central nave

Pianta di S. SpiritoPlan of S.Spirito(fig.12)

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Facciata della Chiesa di Santa Maria Novella di Leon Battista Alberti

L’edificio risale al ��78 ed è stato concluso nel �360 da Francesco Talenti, l’Alberti lavora alla facciata a partire dal �456, realizzando quello che sarà un modello per moltissime architetture successive. Il segreto della bellezza e dell’armonia risiede nella rigorosa griglia di proporzioni che lega le parti tra loro e queste all’insieme (fig.�3).

Santa Maria Novella’ Church of Leon Battista Alberti

The church was started in ��78 and ended in �360 by Francesco Talenti, Alberti works on the front since �456, realizing a model for a lot of architectures. The secret of the beautiful and harmony is in the net of proportions that connect the parts (fig.�3).

S.Maria Novella di L.B.AlbertiSchema di costruzione della facciata.S.Maria Novellaby L.B.AlbertiProspect bulding stcuture(fig.13)

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La facciata si inscrive in un quadrato avente il lato coincidente con la linea di base della chiesa. Suddividendo questo quadrato in sedici parti si scandiscono le sezioni fondamentali della facciata : la zona inferiore, l’ordine superiore, gli ingressi. Spartendo ancora questi quadrati in quadrati ancora più pccoli (�/�6 del quadrato di partenza) si vengono a determinare le altre misure dell’edificio.La campata del portale inoltre è di altezza pari a una volta e mezzo la sua larghezza (secondo il rapporto �/3, ossia la quinta). I lati dei quadrati intarsiati sulla fascia-cerniera che separa i due prdini superiore e inferiore misurano un terzo dell’altezza della fascia stessa e il doppio del diametro delle colonne dell’ordine inferiore (ottava) (fig.�4).

Facade is inscribed in a square that have a side coincident with the base line of church. Subdividing this square in �6 parts we find the principal sections of the front: the down part, the upper order and the entrances. The span of portal have the height equivalent at �,5 of the width (based on the �/3 ratio, the fifth). The sides of the small squares in the central part (between upper and down level) measure �/3 of the height of the same part and � times the column diameter of down order (octave) (fig.�4).

Tracciati proporzionali della facciata di S.Maria NovellaProportional layoutof the S.Maria Novellaprospect(fig.14)

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Il Palazzo Chiericati a Vicenza di Andrea di Pietro della Gondola, in arte Palladio

Tra le specialissime architetture palladiane, le quali sono tutte composte secondo criteri proporzionali riconducibili alle teorie preposte, risalta questo particolare palazzo, descritto ed illustrato nel II libro del suo trattato (I quattro libri dell’architettura, �570 circa).E’ tra i palazzi più belli ed insoliti del Palladio, concluso solo dopo la morte dell’architetto. La specialità di questo palazzo consta nel metodo usato per il proporzionamento degli spazi interni, che va ben oltre il già noto rigore dell’Alberti in quanto direttamente correlato con le misure musicali:��x�8 piedi = �:3 intervallo di quinta �8x�8 piedi = �:� unisono�8x30 piedi = 3:5 intervallo di sesta maggiore�8x54 piedi = �:3 intervallo di doppia ottava (�:� è l’ottava singola)Anche la facciata è ben proporzionata, secondo leggi e criteri suddetti (fig.�5).

The Chiericati Palace in Vicenza of Palladio

In the great Palladio’s works, all made by proportionals measurement, it’s very attractive this palace, descripted and illustrated in the second book of him treatise (The four book of architecture, about �570). It’s one of the more beautiful palaces of Palladio, ended after the die of the architect. The speciality of this buiding is the method of proportion for the inner spaces, that is too exactly of the method of Alberti, correleted directly with the musical measurement:��x�8 feet = �:3 fifth interval �8x�8 feet = �:� unison �8x30 feet = 3:5 sixth maior interval�8x54 feet = �:3 double octave interval (�:� it’s the single octave)Also the front is good proporcioned, with the rules that we know (fig.�5).

Vista del Palazzo Chiericati a VicenzaChiericati Palace view, in Vicenza(fig.15)

“...le proporzioni delle voci sono armonia delle orecchie, così quelle delle misure sono armonia degli occhi nostri...”A.Palladio

“...proportions of voices are armony for our ears, like that of measurements are armony for our eyes...”A.Palladio

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Less is more

Mies Van De Rohe

[...] Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molto che non ha avuto e non avrà. [...]


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Massimo Falqui Massidda

Osservo queste immagini e di nuovo l’ onda dei corpi caldi, delle bocche scolpite nei sorrisi e poi la terra umida ed inebriante avvolgono i miei occhi.

Fotografare per me è ancora questo.

I ricordi si sciolgono mentre le sensazioni sono dinamici giochi. Dunque questa è Waslala. Il mitico villaggio immerso nella selva nicaraguese, quello delle leggende popolari, dove la pace convive con gli uomini. L’attuale paese con strade di fango e case in lamiera che paga i contrasti d’una guerra che ormai ha scavato la terra. Sogni, fucili, amore ed ignoranza. E tutta quella gente che ancora vibra in me come una piccola nuova patria. I preti guerrieri e le ragazze coraggiose che m’hanno accompagnato, le centinaia di bambini che ho abbracciato e con cui ho giocato. La gioia di questo breve periodo mi riannoda a loro.

Si dice che l’acqua di questo posto sia stregata. Una volta che la bevi non ne puoi più fare a meno.

I look these images and the wave of the hot bodies, of the engraved mouths in the smiles, the inebriating and damp earthwrap up my eyes again.

The photography is still that for me.

The memories dissolve, while the sensations are dinamical game. This is Waslala.The mitic town in the woods of Nicaragua, that one of the popular legends, where the peace cohabits with the men.The country with sludge street, and sheet houses that is paying the contrasts of a war that digs the ground.Dreams, guns, love and ignorance.And all the people that are still vibrating like a little new motherland. The warrior priest and the brave girls escorted me, the hundreds of childs with i played and i embraced.The happiness of this short period links me to them.

People say that the water of this place is enchanted. After you have drinked it, you can’t renunce to it,

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Daniele LisiNato a Rimini il �0 Aprile del �98�.Residente a Riccione RN in via Romagna �6.Diplomato nel �00� all’ Istituto d’Arte “F.Fellini” di Riccione con l’indirizzo di Progettazione Grafica e Fotografia; dal �00� al �003 ha frequentato il Biennio di perfezionamento in Graphic Design e fotografia, presso l’istituto d’Arte “Scuola del Libro” di Urbino, con valutazione �00/�00.

Nel �003 si iscrive al corso di “Progettazione Multimediale”, presso l’Accademia di Belle Arti di Urbino.

Ha partecipato, con il progetto “REMADE” nel �006 alla mostra internazionale del nuovo cinema di Pesaro, all’interno dell’evento “CONtatto” (per personal computers, azione + contatto).

Nel �004 ha realizzato il marchio e relativa identità per “macter”, studio di consulenza per l’arredamento Rep.S.Marino. Porta avanti diverse ricerche e sperimentazioni personali nel campo della grafica, e della fotografia. Appassionato e conoscitore di architettura e storia dell’arte moderna, si interessa principalmente di grafica e comunicazione visiva, fotografia e visual design.

Nel �005 inizia il progetto fotografico attualmente in atto “Architettura-informale (Colonie a Mare - Rimini)” che vedrà la creazione di una mappatura fotografica e un progetto interattivo.

Url:http://www.lowercase.it

Born April �0th, �98� in Rimini, RN - ItalyLives in Riccione, Via Romagna �6, 47838 Rimini (RN) - Italy

�00�. Secondary School Degree in graphic design and photography at the Riccione Istituto d’Arte “Federico Fellini”.�00�-�003. Two-year master in graphic desing and photography at the Urbino Istituto d’Arte “Scuola del Libro”. Final grade �00/�00.�003-... University web design course at the Urbino “Accademia di Belle Arti” .

�006. Participates with the “REMADE” project at the international Pesaro Film Festival-Eventi collaterali. Title of the show: “CONtatto (per pesonal computers, azione + contatto)”.

�004. Creation of brand and corporate identity for Macter, private small business of furniture and decoration advising service in San Marino Republic.

�005-... Work in progress on the photographic project “Architettura-informale (Colonie a Mare - Rimini)”.

Personal interests: architecture and modern art story, graphic design and visual communication, visual design and photography.

Daniele Lisi is currently doing intense research studies developing experiments in the field of graphic design and photography.

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Giulia RizziniQuesto progetto per la mia tesi di laurea in fotografia parte da una grande passione: la musica. Musica ascoltata soprattutto nei locali della bassa padana, negli arci, nei centri sociali,su e giù dall’autostrada, verso Bologna, verso Verona, verso Milano, più giù nella riviera adriatica. Ci spostiamo e la inseguiamo perché abbiamo bisogno di ascoltare qualcosa di sincero, non imposto e costruito per vendere un’immagine o un’idea. Il nostro mondo è fatto di piccole etichette, di gruppi che alla radio non vengono nominati, di dischi quasi artigianali da ascoltare a casa. La chiamano musica indie, ma comprende generi diversissimi fra loro, ed è un marasma di piccole diverse rifrazioni di luce. Purtroppo come ogni cosa sta diventando una moda, in certe zone d’Italia, in altre ancora non se ne sa nulla. Questo movimento è però una realtà, è tangibile e come tale la voglio documentare. Come allora fece Glen Friedman raccontando i suoi amici e andando a riportarci le immagini della nascita dell’hardcore americano anni 80, con meno pretese ma altrettanto amore, sto seguendo una ideale lista di gruppi per comporre uno sguardo di insieme di questa realtà.La mia tesi è strutturata come un abecedario, per ogni lettera un gruppo, e per ogni gruppo sto raccogliendo due serie di immagini, live e non. La prima serie è in digitale, la seconda sarà in analogico, medio formato. Ancora è nebulosa, ancora è da definire, manca il titolo, la selezione foto cambia ogni giorno. Ma la voglia di ascoltare ed avere immagini di questo universo è la forza che la porta avanti.

This project for my degree in photography starts from a great passion: music. Music listened most likely in the sorrounding of my town in north Italy, near Bologna, Verona, Milano. We move towards it and we follow it cause we need to listen something sicere, not built up to sell a fake idea or just a pose. Our world is made of indipendent labels, bands that are not played on the radio, of handmade records. They call it indie, but it’s made of music of all sorts, like a huge sea with many colours. Awfully, like everything it’s becoming something “cool” in some places in Italy; in other parts is quite unknown. This movement is but solid, something real I want to descript. Like Glen Friedman did, shooting his friends on stage, and bringing us the birth images of the hardcore movement in the USA, with less pretenses, but with the same dedition, I’m following an ideal list of bands, to compose my image bank of this subject. The thesis is structured like a primer, for each letter a band, and for each band I’m collecting two series of images. The first serie is the concerts reportage, in digital, and the second is a not-live (setted most likely) in analogic, middle format. Still is to be defined, the title is still missing, the photo selection changes every day; but the will of listening and having pictures of this universe is the strenght that takes it on.

Url:http://www.melaenne.blogspot.com

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Giulia Rizzini

Ex otago-live at lastazione (Urbino) �4 November 06

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Ex otago-live at lastazione (Urbino) 24 November 06

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Death of anna karina - Live at calamita (Carviago - RE) 10 February 2007

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Hell Demonio-live at cantieri (Vicenza) 20 January 2007

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Fine before you came - live at calamita (Carvago - RE) 13 January 2007

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Giuseppe LeoneAttualmente frequenta la facoltà di Archittetura presso l’Università degli Studi di Catania.Da tempo la fotografia è una parte importante della mia vita.Ho sempre pensato che la superiorità della pellicola fosse inattaccabile, ma con il tempo ho compreso le potenzialità del digitale, non come cambiamento, bensi come sperimentazione di nuove tecniche.Cerco in ogni foto di comunicare, di suscitare un emozione, di trasmettere la sensazione di essere davanti ad una visione, di un’istante percepito trattenendo per un attimo il respiro.

Email:peppeleone8�@tin.it

At present student in the faculty of Architecture on the University of Studies in Catania.From time the photography is an important part of my life. I always haved though that the photographic film would be uunaissailable, but with the time i’ve understood of the digital, tech, not like a cange, but like experimentation of new technics. I try in each photo to comunicate, to give an emotion, to transmit the sensation of to be in front of a vision, of a moment perceived holding one’s breath for a single moment.

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Giuseppe Leone

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[...] Nella forma che il caso e il vento danno alle nuvole l’uomo è già intento a riconoscere figure: un veliero, una mano, un elefante... [...]

Italo Calvino - Le città invisibili

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Martina GalettiHo �5 anni e la cosa che preferisco fare è attaccare su fogli di quaderno ritagli di vecchie foto di famiglia inventandomi storie quasi impossibili, il tutto sperimentando l’uso di svariate colle per poi arrivare alla marca migliore. Non credo di avere passione più grande.

I am �5 years old, and i like to attachon the papers of exercise book cuttingsof ancient photo of family inventig almost impossible stories, all this experimentig the use of various glues to arrive to best mark.I believe that is my bigger passion.

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Aspe

Url:http://www.fotolog.com/aspelab

Mi chiamo Mattia Proietti Rocchi, sono nato a Roma nel �984 e disegno da quando ero bambino. Sono attratto dall’anatomia e dall’architettura in maniera viscerale,a tal punto da concepire le due cose unite. Così da appoggiare non solo la possibilità di un architettura che dialoghi e si inspiri alla natura/paesaggio; ma anche a pensare ad una variante inspirata alla struttura umana. Il primo approccio con gli spray è avvenuto nel �998 e con i pennelli nel �000. Sul muro non disegno soggetti in particolare; amo rappresentare creature viventi e architetture. Su tela ho un inclinazione verso i soggetti femminili con caratteristiche comuni. Molte persone le definiscono mostri; io le concepisco come naturali.

My name is Mattia Proietti Rocchi, i was born in Rome in �984 and sketch from when I was child. I’m attracted by the anatomy and the architecture in visceral way,to the point to conceive the two united things. So that to not only support the possibility of an architecture that converses and is inspired to the nature/landscape; but to think also to a varation inspired to the human structure. The first approach with the spray has been in �998 and with the brushes in �000. I don’t draw particular subjects on the wall; i love representing living creatures and architectures. On cloth I have an inclination toward the female subjects with common characteristics. Many people defined them monsters;I conceive them as dispositions.

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Eva Rosso viennese

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Lascive Scimmia da parati

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Oriente Bonsai

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Tendonna Giuditta

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Arborea Sirena di spalle

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Studio di Sirena Sirene

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Alessandro Baronciani

Spendi un paio di parole per dirci chi sei e cosa fai, come hai iniziato, come ti sei formato, e cosa fai adesso?

Sono un illustratore e vivo a Milano e a Pesaro. Lavoro con diverse agenzie pubblicitarie anche come art director e grafico. Disegno delle storie a fumetti che ho deciso di fotocopiare e spedire tramite posta soltanto a persone che si abbonavano. Ho conosciuto così molte persone. Poi una persona di questi abbonati mi ha chiesto se volevo pubblicare la raccolta di tutte queste storie in un libro, cosi mi sono impegnato e dopo un po’ di tempo è uscito “una storia a fumetti”.A Milano ho frequentato l’Accademia di Brera ma non sono riuscito a finirla, all’inizio lavoravo di meno e avevo più tempo da dedicare all’Accademia, ora che il lavoro è aumentato è ancora meno facile, ma più che altro è colpa mia che sono poco organizzato. Ho comprato un’agenda dove segnarmi le cose ma mi dimentico sempre l’agenda in giro. I miei anni della formazione sono stati quelli delle superiori all’istituto d’arte di Urbino e sopratutto gli ultimi due anni dopo la maturità del corso di perfezionamento. Dopo il perfezionamento sono finito a Milano in una agenzia pubblicitaria dove ho lavorato prima come visualizer e poi come art junior, e poi come art director, e poi sono scappato. Ho deciso di fare l’illustratore a tempo pieno, è divertente anche se lavori tutto il giorno. Almeno lavori tutto il giorno a qualcosa che ti piace e sopratutto non in un ufficio.

Can you spend two words about you, your formation and what do you do now?

I’m an illustrator and I live in Milano and in Pesaro. I work for various advertising agencies also as art director and graaphic designer. I draw comic strip stories that I had decided to photocopy and send by mail just to the people that subscrived a pass. I knew so many people. Then a person of this subsriber asked me if I want publish the collection of stories in a book , so I undertaken and after a lot of time has been published “a comic-strip story”. In milano I’ve attended the Brera’s Academy but i doesn’t success to end it, in the start i worked less and had more time for academy, now I work more but is my fault because i’m unorganized. I bought an organizer to remember the thinghs but frequently I forgive it everywhere. The years of my formation was that of the art school in Urbino and above all the last two years before the school-leaving certificate of the specializing course. After the specializing where i’ve worked before as visualizer and after as art junior, after as art director, and after i’m escaped. I’ve decided to work as a full-time illutrator. It’s funny also if you work all the day, and you can work to something that you like and above all not in the office.

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Qual’è il rapporto tra musica e disegno secondo te?

Ascoltare musica mentre si disegna è molto importante, se disegni stai tutto il giorno in casa seduto davanti alla scrivania o davanti al computer quindi hai bisogno di musica per concentrarti. La radio distrae. Per me è fondamentale avere una adeguata competenza musicale. Penso che tutti quelli che disegnano debbano avere una competenza musicale sopra la media. Penso sia una cosa necessaria, una scelta. Un conto è ascoltare qualsiasi cosa ti passano, un conto e cercarsi quello che si vuole ascoltare.

“do it yourself”, cosa significa x te?

Molti hanno provato a dare la propria definizione di “do it yourself”. Penso sia una cosa difficile da spiegare se non hai mai provato a stampare, registrare, o che ne sò, anche preparare una torta per conoscere qualcuno. Un po’ si ricollega alla risposta qui sopra, se sei una persona curiosa che cerca quello che dentro casa, nel suo quartiere, nella sua città non trova; allora devi fare in modo di trovare le cose che stai cercando in un’altra maniera. Una volta ci chiedevamo spesso perchè a Pesaro non c’era un posto dove potessimo ascoltare dei concerti che ci piacevano, poi un giorno un nostro amico ci disse, non c’è questo posto perchè c’è poca gente a cui interessa la musica che volete ascoltare. Non era tutto vero, c’è poca gente è vero ma solo a Pesaro. In italia sono in tanti. certo bisogna fare chilometri per vedersi un festival e ritrovarsi che sembra una festa di amici delle elementari, perchè è cosi: conosco persone da nemmeno 5 anni e mi sembra di averci fatto le scuole insieme. Con molte persone poi hai solo parlato


What is the relationship between music and drawing for you?

Listen music while drawing is very important, when you draw you stay all day in house in front of a desktop or a computer, therefore you need of music to concentrate. The radio distract. For me is fundamental have an adequately musical competence above the average. I think that is a necessary thing, a choise. Is different listen everything to research that you want listen.

“do it yourself”, what mean for you?

Many people tried to do the own definition of “do it yourself”. I think that is a difficult thing to explain if you never tried to print, record or make a cake to know someone. It’s a lot connected to the answer above-mentioned, if you are a person that research that isn’t findable in house, is the own quarter, in the own city; therefore you must do so that of find the thinghs that you are researching in another way. Once we asked us frequently because in Pesaro there wasn’t a place for our prefer concert, then a day an our friend said, there isn’t this place because there is few people that like your music. Wasn’t all true, of course there is a lot of people but only in Pesaro. In Italy there are many festivals. Of course you must cover various kilometers to watch a concert and meet people like in a friend’s party, because is so: I know people from less of 5 years but seem that are my old freinds. With many people then you only speak by mail and is strange meet they.

What is there on the East of the East

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Cosa c’è ad est dell’est?

A l’est dell’est c’è l’ovest. Se poi fai un giro completo ritorni al punto di partenza. cosa vuol dire la tua domanda?

Tu ti occupi anche di grafica? se si, quali sono le differenze nello sviluppo di un progetto grafico o di unlibro a fumetti?

Entrambi i progetti partono da delle idee, di solito un progetto grafico, copertina, libro, illustrazioni è molto più facile e veloce da realizzare. Un libro a fumetti è più complicato, diciamo che scrivere un fumetto è come fare il regista in un film. Hai la sceneggiatura, lo storyboard, i personaggi, la caratterizzazione dei personaggi, il montaggio. molte volte come per la grafica un’idea che ti sembrava figa poi quando la realizzi non risulta all’altezza. Queste cose cambiano e si trasformano lavorando. Se si è in due è più facile e viene qualcosa di più bello. Sopratutto se entrambe le persone coinvolte si stimano.

Cosa pensi del rapporto tra testo e immagini in un libro? come andrebbe organizzato secondo te, sopratutto in un librodi illustrazioni?

Questa domanda sembra stupida, in realtà è molto intelligente! Grazie per avermela posta!Alle volte per persone come me che leggono e rileggono tanti fumetti non hanno chiaro il problema. Ad esempio Gianni non riesce a leggere i fumetti perchè non riesce a capire cosa deve guardare prima se l’immagine o leggere il testo.

On the East of the East there is the West. If you do a full turn you return in the start point. What mean your question?You attend also of graphic design? If yes, what are the differences in the develop of a graphic project or of a comic strip book?

Both the projects start from ideas, usually a graphic project, cover, book, illustrations are more easy and quick to produce. A comic strip book is more complicated, we can say that to wite a strip story is like do the film director. You have the film-script, the storyboard, the cast, the characterization of persons, the editing. Various time an idea that appeare great, then when is realized don’t satisfy the original idea. Various time this thinghs change working. If you have a work partner is better, above all if both rete oneself highly.

What do you think about the relationship between text and images of a book? How you would organize this relationship in a book?

This question semm stupid but is very intelligent! Thank you to asked me this! Sometimes for person like me that read and read again many cartoon strip stories haven’t frank the problem. For example Gianni don’t success to read the carton strip because don’t success to understand what have to watch before: the image or the text. Gianni like most my cartoon strip because there are few descriptions and because my characters not much talk. The E.P. Jacobs’s cartoon strip, for example, are difficult to read, each square is commented on, many times follow in slavish way the action of the strip. There are cartoon strip that are very simple to read as there


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A Gianni piacciono molto i miei fumetti perchè ci sono poche descrizione e i miei personaggi parlano poco. I fumetti di e.p. Jacobs ad esempio sono difficili da leggere ogni vignetta è commentata, molte volte segue pedissequamente l’azione che si svolge all’interno della vignetta. Ci sono fumetti molto facili da leggere come ci sono molto libri facili da leggere ci sono anche fumetti difficili, come libri, dove per entrare nel meccanismo di lettura devono passare un po’ di pagine. Nei libri illustrati le cose sono meno complicate, lì le parole hanno il loro spazio più delineato: da una parte i disegni dall’altra le lettere. I libri illustrati fanno parte del complicato schema dell’apprendimento: dai libri con tante completamente disegnati che ti danno una idea di tempo che scorre e quindi di immagini consequenziali, via via passando in libri con sempre meno illustrazioni fino ad arrivare al Libro. I fumetti invece sembrano qualcosa di più estraneo a tutto questo ragionamento. Possono avere regole di consequenzialità ma non servono sempre. Uno dei libri fondamentali su questo argomento per capire il fumetto è di Scott Mc Cloud, in italia l’hanno appena ristampato e vale la pena leggerlo. Un saggio, ma è disegnato quindi è facile da leggere.

Cosa ti piacerebbe fare da grande?

Quello che facevo da quando ero piccolo.

Se non dovessi guadagnare dei soldi per vivere, cosa faresti tutto il giorno?

Guadagnerei dei soldi per vivere.


are many books simple, there are also cartoon strip and book difficult, where to start to understand have to wait some pages. In the illustraded book is less complicate, here the word have the own sketched space: here the drawings, there the letters. The illustrated books are part of the complicate system of the learning: from the books totally drawed to have and idea of the roll of the time and therefore of consequential images to arrive to the book. The cartoon strip instead seam something of more extraneous to this thinking. Could have consequentiality’s rules but not ever are helpful. One of the fundamental book on this argument is the strip cartoon of Scott Mc Cloud, in Italy was just reprinted and is worth to read it. Is an essay, but is drown therefore is simple to read.

What you will be when you grow up?

That i did when i was small.

If you would aren’t bound to gain money for live, what would you make in all day long?

I would earn money for live.

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Claudia StefenelliSono Claudia, ho �4 anni. Ho frequentato l’ISIA di Urbino ed ora lavoro a Perugia dagli zup associati.

I am Claudia, i am �4 years old.I attended to ISIA di Urbino, and now i work to zup associate, in Perugia.

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Daniele Frattolin

Url:http://www.dentrodaniele.blogspot.com

Età biologica: �4 anni.Tipico prodotto della Bassa Friulana.Cresce in campagna sognando di traslocare in una grande città, alla fine si trasferisce a Urbino per studiare. Lì scopre la passione per l’illustrazione e la fotografia, conosce persone intelligenti e curiose, e si stabilisce nella biblioteca della sua scuola (anche se la bibliotecaria lo odia). Si diploma e successivamente emigra con la fidata amica Claudia a Perugia. Perennemente alla ricerca di un miglioramento, sia artistico che umano, attualmente vive, lavora e disegna. Ma soprattutto progetta una svolta.

Biological age: �4 yearsTypical product of the “Bassa Friulana”.He grow up in the country, dreaming to move in a big city,in the end he move in Urbino to study.In this city he discoveries the passion for the illustration and the photography, meets many interesting people, and settles in the library of the school (but the librarian doesn’t like him)He graduates, and goes with his trustworthy friend, Claudia, in Perugia. He is costantly searching for an artistic and human improvement. Now he lives, works, and draws. But especially, he is designing a changment.

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Lorenzo AnziniMi chiamo Lorenzo, ho una visione della vita “fuori registro” che porto anche all’interno dei miei disegni. Sono orfano di un segno che mi contraddistingua nella moltitudine e provetto alchimista della realizzazione di immagini.

I disegni che realizzo mi piacciono solo al momento

Buona visione

My name is Lorenzo, my vision of the life is twisted, and i bring this point of view in my illustrations. I am orphan of a sign marks me in the moltitude, and an alchimist of the images creation.

I like my drawings only in the moment i do them.

Good vision.

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Paolo Tami

Email:[email protected]:http://www.stripescope.com

Mi chiamo Paolotami, ho �3 anni e mi piace capire le cose.Paul Valery ha scritto:“non c’è niente di più misterioso della chiarezza”.Quant’è vero.

Studiando grafica a Urbino ho scoperto che ci sono tantissimi modi per esprimersi con le immagini: io faccio illustrazioni e spesso prendo l’ispirazione da un disco o una canzone che mi piace.

I film lunghi preferisco guardarmeli da solo, così nessuno si lamenta perché durano troppo.

Non mangio animali, non ho fatto il militare perchè peso poco, ho fatto la cresima per i soldi.

Credo sia tutto.

My name is Paolotami, i am �3 years old, and i like to understand the things. Paul Valery wrote:“there is nothing more mysterious than the clearness”.That is true.

Studing graphic design in Urbino i understood there is many ways to express yourself with the images: i do illustrationand often i get ispiration from a disc or a song i like.

I like to watch the long film alone, so nobody groans because the film leasts too much.

I eat no animals, i do no militar service because i am too thin, and i have done the confirmation for the money.

I think it’s all.

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[...] Finalmente il viaggio conduce nella città di Tamara. Ci si addentra per vie fitte di insegne che sporgono dai muri. L’occhio non vede cose ma figure di cose che significano altre cose [...]

Italo Calvino - Le città invisibili

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BASE-V è un gruppo di artisti di San Paolo, in Brasile.Questa realtà è nata nel �00� con la pubblicazione del magazine sperimentale “V”, dopo questa esperienza il sito del gruppo è diventato una comunita di artisti e grafici dediti alla sperimentazione, al confronto, con lavori proveniente da tutto il mondo. Il gruppo lavora con diversi media, produzione di media “artigianali”, grafica, istallazioni, miscelando supporti e materiali, partecipando in mostre in gelleria, e facendo interventi nel contesto urbano.Le pubblicazioni indipendenti sono un forte compo di attività, inclusa la produzione della seconda edizione di “V” e la nascita del nuovo magazine web chiamato “Maguila”, del quale siamo ormai al decimo numero. Il gruppo ha partecipato in alcune importanti pubblicazioni, e progetti di design, come StereoPublication, 45//30 Magazine, Blank Magazine, Simples Magazine, e ha lavorato con partners come Trama Records, Next Five Minutes, Tactical Media Brazil, Projeto Nave e ha esposto alla Hype Gallery di londra, al museo delle arti contemporanee di Bogotá, la Galleria Choque Cult e il Museo delle arti contemporanee americano, entrambi in Brasile.I progetti futuri includono la pubblicazione di edizioni fatte a mano, un libero xerox e le nuove edizioni di “V” magazine e “Maguila”, così come lavoreremo per aprire uno spazio per la libera sperimentazione nelle arti visive e nel design.BASE-V cerca di affacciarsi verso nuovi orizzonti, specialmente nelle arti visive, e nell’editoria, usando tanto tecniche millenarie quanto tecnologie digitali, per permettere a tutti di accedere alle proprie produzioni, fatte da noi e da gli altri artisti in giro per il mondo.Oggi BASE-V è formato da Danilo Olivera, Davida Magila, Anderson Freitas, e Rafael Coutinho.

BASE-V is a group of artists from São Paulo, Brazil. It started in �00� with the publishing of the experimental magazine “V”. After that, the group´s web site became a comunity of experimental graphic artists, exibiting works from all over the world ever since. The group works with several medias, from artesanal publications to graphic instalations, mixing supports and materials, participating in galery shows and street interventions. Independent publications have been a strong field of production, including the second edition of “V” and the birth of a digital magazine called “Maguila”, witch is now coming to its �0th issue. The group has participated in some important publications and design productions, such as StereoPublication, 45//30 Magazine, Blank Magazine, Simples Magazine and worked with partners like Trama Records, Next Five Minutes, Tactical Media Brazil, Projeto Nave and expositions at Hype Gallery (London), Museum of Contemporary Art of Bogotá (Colombia), Choque Cultural Gallery and Museum of Contemporary Art of Americana (both in Brazil). Future Projects includes the publishig of manufactured editions, a xerox book and new editions of “V” magazine and “Maguila”, as well as working to open space for free experimentations in graphics arts and design. BASE-V tries to create new fields, especially in graphic arts and publications, using milenar techniques or digital media, to expand the acess to all this production, from us and other artists around the world.Today, BASE-V is formed by Danilo Oliveira, David Magila, Anderson Freitas e Rafael Coutinho.

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Email:[email protected]

Tutto ebbe inizio in un giorno di inverno in cui ci portarono con la scuola, agli ex essiccatoi di tabacco di Città Di Castello, alla fondazione Alberto Burri.Mentre i giorni passavano ripensai spesso alle opere in mostra, imprimendo volutamente quelle immagini nella mia memoria, ad un substrato fertile dal quale sarebbero poi scaturiti i primi slanci verso i maestri e i primi tributi creativi. Ricordo come il nostro interesse per le superfici pittoriche cominciò a crescere e di come ci lasciavamo trasportare dalle nuove percezioni del segno e del colore. Cominciavo ad osservare con attenzione i segni dell’usura del tempo, ogni piccolo graffio, e a sviluppare un “ feticismo per i cascami “ della società, per i pezzi rovinati di un ingranaggio consegnato all’oblio. Con il passare degli anni dall’ Istituto d’arte all’ atelier b, numerose esperienze insieme a personaggi come Giulio Federici, Lorenzo Collura, Giorgio Bartocci, hanno permesso di condividere e far convergere, a volte, percorsi artistici differenti tra loro. Così da imperneare la ricerca personale, intorno ad una necessità di scambio di influenze e di sperimentazioni di gruppo. Contaminate da grafica, pittura, scultura e street art, le collaborazioni hanno preso forme svariate come quelle degli happening realizzati durante l’evento Smoking minds, o come la serie “ Notturna “ dei neri , che è un frammento di uno studio intrapreso da me e Giorgio nel corso degli anni. Un racconto autobiografico a tappe; dove ognuna di queste rappresenta una svolta progettuale ed esecutiva.

Everything started in a winter day during a school trip to the ex-drirer of tobacco of Città di Castello, at the fonundation of Alberto Burri. With the days passing i thing much again at all works in exhibition, marking these images in my mermory, to a fruitfull substratum where would be started the first jump to the masters and to the firsts creavite tributes. I remember as our interest for the pictorial surfaces begin to become and as we let ourself go from the new perception of the sing and color. I started to exame the sings of the time, every little scratch, and to the developed a “ fetish for the wastes” of society, for the ruined pieces of a gear destined to the end. With the years passing, from the art istitute, to the atelier b, the many experiences with persons like Giorgio Bartocci, allowed the different artistic courses to be shared and to converge. In this way, the personal research around a need to exchange of influences and of group experimentations.With graphic design, painting, sculpture and street art contaminations, the collaborations had assumed different ways like the Smoking mind happenings, or the collection “nocturne” of the black, that is a fragment of a study i am doing for years, with giorgio. An autobiographic novel with steps; where the different experiences are all important projectual and executive change.

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Performance - Estate 2006, Fernandez + Giorgio Bartocci, Elvira Pagliuca e Luca UbertiniPerformance - Summer �006, Fernandez + Giorgio Bartocci, Elvira Pagliuca e Luca Ubertini

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[...] Se ho incluso la Visibilità nel mio elenco di valori da salvare è per avvertire del pericolo che stiamo correndo di perdere una facoltà umana fondamentale: il poter mettere a fuoco visioni a occhi chiusi, di far scaturire colori e forme dall’allineamento di caratteri alfabetici neri su una pagina, il pensare per immagini. [...]


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CtismAll’inizio era tutto piu’ semplice.

Passati i primi periodi di ignoranza totale sull’argomento mi finirono tra le mani i primi “documenti” che provavano che cio’ a cui mi stavo avvicinando era una cultura presente nel mondo da parecchi anni,che esistevano regole,codici e situazioni ben precise.

Iniziarono le prime bozze,i primi errori e le prime conquiste,tutto procedeva come avrebbe dovuto.

Il quadro iniziava a farsi sempre piu’ chiaro: una volta che fossi diventato abbastanza bravo sia stilisticamente che tecnicamente,avrei fatto amicizia con qualche”oldschooler” che mi avrebbe introdotto nel giro giusto,quello che ti permette di fare treni e muri ovunque,conoscere persone e cosi’ via.

Le cose non andarono cosi’.

Passai anni in cui dipingere a spray era un’evento piu’ unico che raro (due o tre volte l’anno),non conoscevo writer e cosi’ quelli che dipingevano nella mia citta’ divennero presto personaggi mitologici, vedevo solo le tags e i loro pezzi e questo mi bastava per crearmi il “mio mondo dei graffiti”.

Pian piano iniziai a comprare i primi spray e fare i miei pezzi che nonostante la poca pratica davano dei buoni risultati,almeno ai miei occhi.

Le prime jam arrivarono,le soddisfazioni anche ,ma mancava decisamente qualcosa.

Url:http://www.fotolog.com/ctism

At the beginning everything was more simple.

After the initial period of total ignorance about this argoment i found the first “documents” that the wrting culture was an important substructure in the last years, with root, rules, language, and situations.

I started to do draws, errors, my personal conquests, everything went on in thi right way.

The environment started to simplify itself, when i will be more skilled, about style and technic, i could meet some “oldschooler”. These guys will introduce me in the right party,that allows you to do trains and walls everywhere.

The story was different.

I passed years painting � or 3 times for year, i didn’t know many writers, the ones of my city became heroes for me, i watched only the tags, and few pieces, but that was enough to allow myself to creat my personal “graffiti world”.

Little by little i started to buy my spraies, and to do my first pieces, for me, these first pieces were something that i can’t explain to you, in these moments.

With the arriving of the first jam, the satisfactions arrived, but something was missing.

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Ero all’inizio di un percorso ma avevo la sensazione che tutto fosse gia stato scritto e prestabilito:dovevo fare i pezzi a spray,outlines,effetti luce,tags,treni ecc.Non stavo vivendo New York nei primi 70,quindi avevo a mia disposizione tutti gli spray,tappini e luoghi dove potere coltivare la mia passione.

In tutto questo trovavo qualcosa che non andava.

Leggendo i libri in cui si raccontava la nascita di quest ‘ “espressione” la cosa che mi affascinava oltre al prodotto “pezzo” era la ricerca dei luoghi,dei mezzi giusti per dare effetti particolari alle proprie scritte e i piccoli segreti che ogni writer custodiva gelosamente.

Senza che me ne accorgessi il mio modo di disegnare inizio’ a cambiare.

Le forme si modificavano e la struttura delle scritte anche:stavo rimettendo in gioco tutto.Iniziai ad aprire veramente gli occhi e a guardare non solo quello che capitava nella mia citta’ ma nel mondo.Mi accorsi che altri stavano facendo cio’ che io stavo solo pensando:dovevo raggiungerli e superarli.Di lì in poi credo di poter dire che iniziarono veramente i “miei graffiti” (CTISM).

I was at the first step of a way, but i had the feeling that everything was already written:I had to do the pieces with spray, outlines, light effects, tags, trains, ecc... I was not in the 70’s New York, and so i could use every spray, caps, i want, in every place.

But something was missing.

Reading books about the history of the writing/graffitism, i understand my interest about the research of the place where i could do my pieces, the right medias to arrive a special effects in my pieces, and the little secrets every writer have.

Without i could understand the mutation, my approach to writing changed.

The shapes and the pieces structures changed, i was rising everything. I started to open really my eyes, and to watch what is happening in the world, more than in my cities.I understood that some people are doing what i am only thinging, i had to win this competition.Since this moment i started to do “my graffiti” (CTISM).

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Urban signsUrban Signs è una mostra dove vengono esposti i lavori di diversi writers. Dalla scultura, all’aerosol art, fino al design, l’ingegno non conosce freni al proprio linguaggio, specie se mosso da necessità. Dome, Satone, Nash, Biser, Rusl, Index, Trak, The teeth project. Questi sono i nomi coinvolti nella manifestazione, che si tiene a Karlsruhe, in Germania.L’esposizione, inaugurata il �5 Gennaio, è stata pensata sul modello di un’ analoga manifestazione, tenutasi in Italia l’anno scorso, con il medesimo nome, Urban Signs, in Veneto.Il nome è il sunto della mostra, nella quale vengono forniti numerosi e diversificati input visivi, questi costituiscono i “segni” che l’individuo, di volta in volta differente,lascia intorno a se, nella sua Urbe, nel suo contesto. La città è il luogo dove questi linguaggi, quello della street art e del writing, sono nati, dove si sono plasmati fino a diventare universalmente riconosciuti. Ormai è sempre più frequente vedere talenti della street art esibire le proprie opere in gallerie. Questo, seppur lontano dai principi contestatori e sovversivi, che animavano i primi writers americani, è uno sviluppo importante, poiché sancisce il passaggio da uno dei tanti micro universi locali, ad una realtà complessa e stratificata, nella quale ci si rapporta, non con altri writers, ma con persone appartenenti a diverse estrazioni culturali, con interessi anche molto diversi.

Urban Signs is an exposition, with many works of different writers. From the sculpture, the aereosol art, to the design, the creativity doesn’t know limit to its language, especially if it is moved by need. Dome, Satone, Nash, Biser, Rusl, Index, Trak, The teeth project. These are the names of the protagonists of the event, in Karlsruhe, Germany.The expo, opened in the �5 january, is devolped like the Urban Signs of the last year in Venetian, Italy.The name is the concept of the expo, where there are many different visual inputs, these are the signs the people leave around himself, in his Urbe, in his environment.The city is the place where these languages, street art and writing were born, where they shaped themselves, and become famous. Today often we see skilled guys shows them works in the galleries. This is far from the original concept of this disciplines, with their sovversive contents like in the american culture, but is an important devolpment, because marks the passage from one of the many different local universes, to one more complicated reality, where we are exposed to the judgements of different cultural level people, with different interests.

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Boa Mistura

Url:http://www.boamistura.com

Boamistura è un gruppo di creativi spagnoli, attivi nel campo del graphic design, dell’architettura, della street art e del writing, precisamente di Madrid. Sono attivi dal �00�. Nella loro produzione sono presenti progetti, conferenze, e mostre, di vario genere.Di seguito una carrellata di immagini riguardanti i loro lavori.

Boamistura is a spanish art group, they work in various disciplines, like graphic design, architecture, street art and writing. They come from Madrid.We will show you their production, by the �00�.In their portfolio there are many different projects, conferences and exposition. In the next pages you could be a selection of images about their works.

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FF3300 issue #2

Education

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