Ciudad Universitaria Santa Anita, 2020
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Ciudad Universitaria Santa Anita, 2020
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© UNIVERSIDAD DE SAN MARTÍN DE PORRES
Unidad Académica de Estudios Generales
Cuaderno de trabajo publicado con fines académicos, 2020
Elaborado por: Revisado por: Aprobado por: Versión
Equipo docente Comisión de
Acreditación y Calidad
Coordinación Académica de la
UAEG 01
Fecha: 23/01/2019
Fecha: 30/01/2019
Fecha:01/03/2019
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Actividades I
Asignatura de Danzas
Folklóricas I
Cuaderno de Trabajo para uso
Exclusivo de los estudiantes
Primer ciclo 2020-I
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ÍNDICE DE CONTENIDOS
PRESENTACIÓN 06
UNIDAD 1:
CONOCIMIENTO RITMICO DEL CUERPO Y LOS PASOS
BÁSICOS DE LA DANZA PROPUESTA
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UNIDAD 2:
CONCEPTUALIZACION DE DANZA Y PRINCIPALES
SECUENCIAS COREOGRAFICAS
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UNIDAD 3:
COREOGRAFIA GRUPAL, USO DE VESTUARIO Y
EXPRESIÓN DE LA DANZA
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UNIDAD 4:
PUESTA EN ESCENA DE LA COREOGRAFÍA FINAL DE LA DANZA
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ANEXOS 42
GLOSARIO 55
FUENTES DE INFORMACION 59
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Equipo docente de la Asignatura
PRESENTACIÓN
El arte tiene como objetivo fundamental, promover la expresión de cada
individuo a partir de su historial personal y percepción de la misma, y del mundo
que lo rodea.
La propuesta del área de las danzas folklóricas promueve el fortalecimiento
de la identidad personal y colectiva, la cultura, la capacidad creadora, la
transformación social en libertad, el reconocimiento, respeto y valoración de las
diferencias, buscando el desarrollo de la sensibilidad y estética.
Es así que el enfoque del área consiste en:
a) Considerar la danza como una interpretación de la naturaleza y del
medio social, es la proyección del ser, obedece a una necesidad humana individual
y social de expresar ideas, sentimientos, creencias y valores.
b) Permitir el uso de los diversos lenguajes artísticos para expresar
vivencias y emociones, lo que promueve un equilibrio afectivo y el desarrollo de un
espíritu creativo y lúdico en constante descubrimiento y transformación de su
identidad individual y social. Los estudiantes necesitan desarrollar su sensibilidad,
imaginación y percepción del mundo, su capacidad de observación discriminar los
elementos de su entorno, interpretar los mensajes expresados en una danza, entre
otros.
c) La apreciación se complementa y enriquece con información cultural
e histórica relacionada con las danzas permitiendo que los estudiantes expresen
su opinión crítica fundamentada.
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COMPETENCIA
Ejecuta de manera eficiente diversos géneros
dancísticos andinos peruanos, desarrollando un dominio corporal, escénico y musical identificándose con los elementos culturales peruanos.
CAPACIDADES
Observa e imita movimientos motrices teniendo
en cuenta los pasos básicos y estructura musical,
aceptando sus limitaciones rítmicas y corporales.
Realiza principales figuras coreográficas de la
danza propuesta, expresando creatividad y
mejorando sus habilidades
Coordina y expresa el mensaje de la danza en
una coreografía dancística.
Actúa y Escenifica la coreografía de la danza con
creatividad y destreza.
ACTITUDES
Respeto a la persona
Compromiso
Conservación ambiental
Búsqueda de la excelencia
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PAUTAS PARA EL USO DELCUADERNO DE TRABAJO
Esté Cuaderno de Trabajo será utilizado para el desarrollo de la asignatura de Actividades – Danzas Folklóricas, presenta un conjunto de acciones significativas que se deberán realizar con el objetivo de alcanzar los logros previstos en los aprendizajes.
Las actividades propuestas en el Cuaderno de Trabajo están diseñadas en el marco
del desarrollo del dominio Práctico, las cuales transitan desde acciones reproductivas hasta construcciones propias donde prima el desarrollo de las coordinaciones auditivas motrices.
Para resolver las actividades propuestas se sugiere participar activamente en las
sesiones de aprendizaje.
El cuaderno de trabajo contempla actividades individuales y actividades en equipo. La mayoría de ellas son para ser realizadas en el aula con la guía del docente, sin embargo, algunas son para realizarlas como actividades domiciliarias o trabajo de campo; ambas modalidades fortalecen la capacidad de autoaprendizaje del estudiante.
Es muy importante que responda las preguntas empleando letra legible, lenguaje formal y respeto a las normas ortográficas y de puntuación.
Resolver las preguntas para la autoevaluación formuladas al final de cada tema permitirá afianzar algunos contenidos que son requisito fundamental para las siguientes sesiones. Si tuviera dificultad consulte a su profesor o efectúe investigaciones personales.
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UNIDAD 1
CONOCIMIENTO RITMICO DEL CUERPO Y LOS PASOS BÁSICOS DE LA DANZA PROPUESTA
CAPACIDAD
Observa e imita movimientos motrices teniendo en cuenta los pasos básicos y estructura musical, aceptando sus limitaciones rítmicas y corporales.
CONTENIDOS PROCEDIMENTALES
Realiza activación corporal de lo particular a lo general, Imita los
primeros pasos de la danza propuesta. definición, importancia e
identificación de los elementos de la danza andina. Prueba
diagnóstica.
Ejecuta los primeros pasos de la danza propuesta, identificando su
espacio propio y general cuando lo realiza al ritmo de la melodía.
Característica, clasificación y evolución de las danzas andinas,
Reconoce y utiliza los diferentes niveles en la ejecución de la
danza (alto, medio, bajo), al realizar secuencias simples.
Evalúa la primera unidad de aprendizaje.
CONTENIDOS CONCEPTUALES
SEMANA 1 Esquema corporal
SEMANA 2 Las Danzas Andinas.
SEMANA 3 Secuencias simples con los pasos aprendidos.
SEMANA 4 PRIMERA PRUEBA DE EJECUCION.
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SEMANA 01
Esquema corporal: definición, importancia e identificación de los elementos de la danza andina.
Producto de la sesión
Ejecutar movimientos corporales teniendo en cuenta la estructura musical mejorando
sus limitaciones coordinativas.
CONOCIMIENTO
¿Cuál es la diferencia entre Esquema Corporal
y Expresión corporal?
Sabías que…
La danza como tal; cuenta con
muchos elementos importantes para
poderla ejecutar. El ESQUEMA
CORPORAL; es un elemento que
permite la toma de conciencia que los
individuos hacen de su cuerpo,
mediantes movimientos básicos o
movimientos al ritmo de sonidos o
melodías musicales.
Respecto a esto, Josefa Lora Risco
(1986) define al esquema corporal de
esta manera: “Representa el conjunto
de experiencias corporales vividas en
relación con el mundo interior y
exterior” (p. 4).
Otro elemento importante es la
EXPRESIÓN CORPORAL; por el cual,
él individuo pueda transmitir el mensaje
de la danza al ejecutarla. Por ejemplo,
si se baila una marinera el mensaje y
expresión será de enamoramiento.
Nora Ros (2011) nos comenta:” La
Expresión Corporal; es parte del vivir
del ser humano, es una forma más de
lenguaje, una manera más que posee
el hombre para comunicarse y
expresarse con y a través del cuerpo”.
(p.1)
El reconocimiento de los elementos
de la música; es uno de los pasos más
importantes para el aprendizaje de la
danza. EL PULSO MUSICAL; es un
elemento rítmico de un tiempo
constante, que se percibe
ininterrumpido durante la interpretación
de una pieza musical. Se puede
comparar con los latidos del corazón.
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¿Cuáles son los elementos de la danza?
¿Qué entiendes por pulso y acento musical?
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¿Por qué considerarías importante identificar los elementos musicales? __________________________________________________________________
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Organízate con el grupo en bloque frente al profesor, identifica los elementos de
la música cuando escuches la melodía de la danza propuesta.
2. Realiza el mismo ejercicio con diferentes géneros musicales, pero ahora ejecuta
diferentes movimientos
Sabías que…
EL ACENTO MUSICAL; así como en las palabras existen silabas que se acentúan unas más que otras; en una canción, melodía o ritmo; se percibe una regularidad de apoyo en ciertos sonidos, que destacan por su mayor fuerza.
LA FRASE MUSICAL; es la parte melódica de una canción, se puede decir también que es la división de la música, y generalmente está determinada por los versos de la canción. Su uso más frecuente se da cuando se ejecutan las secuencias
coreográficas en las danzas andinas
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3. Partiendo de esto; a manera de activación corporal, comienza de manera
paulatina a ejecutar los pasos que propongo de la danza.
4. Imita la secuencia con los pasos de la danza propuesta.
5. Luego, socializa con tus compañeros y comparte tu experiencia del trabajo
realizado.
6. Retoma y ejecuta lo aprendido durante la clase, y no olvides la importancia de la
activación corporal y sus efectos en el organismo, para poder evitar las lesiones
y dolores corporales.
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SEMANA 02
Las Danzas Andinas
Producto de la sesión
Reconocer auditivamente la danza propuesta y ejecutar los primeros pasos.
CONOCIMIENTO
¿Qué entiendes por DANZA, según
Herminia García Ruso?
Basándonos en el concepto proporcionado;
podrías mencionar ejemplos de Danzas
Andinas.
Recuerda que…
LA DANZA, es la primera forma de
expresión del hombre a través del
movimiento.
Según Herminia García Ruso: “La
danza nace con la propia humanidad
siendo un fenómeno universal que está
presente en todas las culturas, en todas
las razas y en todas las civilizaciones...a
través de ella se comunican
sentimientos de alegría, tristeza, amor,
vida muerte…liberación de tensiones
emocionales…tales como: ritual, mágico
religioso, artístico, etc.” (p.15.)
Las Danzas Andinas; son las danzas
que se desarrollan en la zona Andina o
Sierra. Muchas de ellas tienen la
finalidad de mantener actual el
sentimiento de cómo se llevaban a cabo
las actividades en tiempos remotos, y
que de esta manera sigan existiendo al
paso del tiempo.
La danza tiene una función porque es
un conjunto de elementos que se
relacionan con otras actividades, y al
ejecutarse; nos transmiten un mensaje.
La música que la acompaña, por lo
general es la característica de la
comunidad, localidad o etnia en que se
desarrolla.
En las danzas Andinas se integran
muchas disciplinas artísticas, como son
la música, el canto, el teatro, la
coreografía además la textilería, la
vestimenta acorde con la zona y hasta la
gastronomía. (Propio)
Cada una de ella tiene un origen o
comienzo que pueden dar por muchas
circunstancias y características que las
diferencian.
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¿Cuál es el nombre de la danza que se está ejecutando? (según información del
anexo)
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¿Cuál es el origen de la danza que se está ejecutando? (según información anexa)
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Investigar y mencionar ejemplos de danzas:
Según su localización
Sabías que…
El Perú es un país pluricultural y multiétnico y por esta razón, con mucha diversidad en sus danzas, y para su mejor estudio se consideran ciertas clasificaciones.
POR SU LOCALIZACIÓN pueden ser según sus:
Comunidades; Aymaras, Boras, Quechuas, Shipibos, etc.)
Regiones; Costa, Sierra, Selva. A la vez pueden clasificarse
también por: SU FUNCION O ACTIVIDAD;
danzas que representan o tratan de trasmitir actividades particulares que se realizaron o realizan en determinadas tribus, comunidades o ciudades; como son: Danzas Agrícolas, Danzas Satíricas, Danzas Guerreras, Danzas Carnavalescas, Danzas Hieráticas, etc.
SU PERIODO HISTÓRICO; es decir por la época en que se practicaron. Así tenemos: Del Incanato, De la Colonia, De la Emancipación, De la Republica, Contemporáneas (recopilación). LA DANZA ANDINA es una forma de expresión artística que ha evolucionado desde la época precolombina hasta nuestros días. En un principio, los bailes y las danzas andinas estaban relacionadas con los rituales religiosos, el culto a los dioses y la agricultura. Sin embargo, durante la época de la conquista los bailes del Perú se fueron adaptando. Dicha adaptación se hizo para incluir elementos europeos y africanos: las dos culturas principales que fueron introducidas en nuestro país. Dentro de las danzas andinas también evoluciono la vestimenta y la música, y en la actualidad sigue evolucionando con forme al avance de la tecnología y la ciencia que va llegando hasta los pueblos más remotos de nuestros andes,
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Según su función o actividad
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Según su período histórico
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Investigar y describir la evolución de una danza incaica que se ejecute en la
actualidad
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Ejecuta movimientos articulares y estiramientos antes de empezar los pasos de
la danza.
2. Imita y ejecuta los pasos específicos de la danza propuesta.
3. Inicia ejecutando los pasos a partir de la marcha, utilizando el mismo criterio de
la semana anterior.
4. No olvides la importancia de identificar los elementos de la música, porque te
permiten ejecutar la danza al ritmo de la melodía, como te lo demostré en la clase
anterior.
5. Partiendo de la identificación de los elementos de la música, comienza a ejecutar
los siguientes nuevos pasos de la danza propuesta.
6. Luego, socializa con tus compañeros el trabajo realizado y comparte la
importancia del curso.
7. Por medio de una retroalimentación retoma todo lo realizado en la clase de hoy
y no olvides la importancia de la activación corporal y sus efectos en el
organismo.
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SEMANA 03
Secuencias simples con los pasos aprendidos
Producto de la sesión
Reconocer los niveles y planos de los movimientos corporales en la danza y ejecutar
sus primeras secuencias de pasos.
CONOCIMIENTO
Menciona los pasos que se han ejecutado
hasta la presente semana.
Recuerda que…
El cuerpo en el espacio ocupa un
lugar, dicho espacio tiene niveles y
planos según su altura a partir del
suelo.
Normalmente, el espacio vertical
se divide en tres niveles:
• Nivel alto o superior; supone una
elevación de todo el cuerpo se
pueden considerar a los saltos,
caminar en punta de pies, elevación
de brazos
• Nivel medio; es el que se
encuentra entre los dos niveles
anteriores, por ejemplo andar
normalmente.
• Nivel bajo o inferior; es el más
próximo al suelo y puede estar en
contacto con diferentes partes del
cuerpo. Ejemplo: sentado tendido,
reptar; rodar, en 4 puntos de apoyo
etc.
Estos conceptos serán aplicados al
ir ejecutando los pasos básicos de la
danza propuesta.
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¿Cuál de los pasos aprendido será de nivel alto, medio o bajo?
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¿Por qué considerarías importante los niveles
y planos de los movimientos corporales en la
danza?
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Organizándote en bloque frente al profesor, imita y ejecuta los pasos específicos
de la danza propuesta.
2. Agregare otras secuencias de pasos, utilizare el mismo criterio de la semana
anterior.
3. Ten presente siempre el identificar los elementos de la música que te indique en
la primera clase.
4. Enseñare las últimas secuencias de pasos sueltos para luego iniciar con la
primera parte de la coreografía de la danza.
5. Luego, intercambia criterios con tus compañeros sobre el trabajo realizado e
identifica la importancia de todo esto.
6. No olvides la importancia de la activación corporal y sus efectos en tu organismo.
a) Van a ocupar todo el espacio de trabajo como se los indique y realizaran
elongaciones y respiraciones coordinadas para su recuperación.
b) Consulta sobre las dudas que todavía puedas tener con respecto a lo
ejecutado hasta la clase de hoy.
Además…
Al mismo tiempo el cuerpo opta
posiciones en planos:
• Plano Vertical; donde el cuerpo se
mantiene recto como un poste.
• Plano Horizontal; posiciones
donde el cuerpo se mantiene recto en
forma horizontal, como una mesa,
con o sin ayuda.
• Plano Sagital; es la posición en
extensión que comienza arqueando
la espalda hacia atrás.
Para alcanzar un movimiento
expresivo en la danza, hay que
trabajar diferentes acciones en los
tres niveles y planos, además, saber
pasar de uno otro con armonía y
fluidez.
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SEMANA 04
PRIMERA PRUEBA DE EJECUCION
Producto de la sesión Identificar y respetar los elementos de la música en el momento de la ejecución de
la Práctica.
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la
práctica
Organízate en grupo formando bloques, frente al
profesor y ejecuta las secuencias enseñadas
hasta la fecha.
NIVEL ALTO NIVEL MEDIO
NIVEL BAJO
Recuerda que…
La evaluación es de criterio
individual, pero se considera también
la coordinación a nivel grupal.
Es importante traer para la
evaluación el material solicitado.
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UNIDAD 2
CONCEPTUALIZACION DE DANZA Y PRINCIPALES SECUENCIAS
COREOGRAFICAS
CAPACIDAD
Realiza principales figuras coreográficas de la danza propuesta, expresando creatividad y mejorando sus habilidades.
CONTENIDOS PROCEDIMENTALES
Practica secuencias coreográficas. Identifica la diferencia entre
danza y baile.
Practica una secuencia coreográfica principal y realiza el análisis
de la danza propuesta
Ejecuta la primera parte de la coreografía grupal de la danza
andina.
Se evalúa las capacidades de las Unidades I y II.
CONTENIDOS CONCEPTUALES
SEMANA 5 Folklore: música. Danza y baile. Diferencias y Secuencia coreográfica básicas grupales
SEMANA 6 Análisis y Sincronización grupal de la danza Andina
SEMANA 7 Coreografía grupal de la danza. Características de la Danza Andina Propuesta.
SEMANA 8 EXAMEN PARCIAL
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SEMANA 05
Folklore: música. Danza y baile. Diferencias y Secuencias coreográficas básicas grupales Producto de la sesión
Ejecutar las secuencias coreográficas de la danza propuesta con los pasos básicos.
CONOCIMIENTO
¿Qué otras manifestaciones culturales
forman parte del folklore?
Recuerda que…
Folklore es el conjunto de expresiones culturales tradicionales de un pueblo, así como la disciplina que se encarga del estudio de estas materias. La palabra, como tal, es un anglicismo que se forma con el vocablo folk, que significa ‘pueblo’, y lore, que traduce ‘acervo’ o ‘saber’, El término folklore fue concebido por el británico William John Thoms en 1846 para denominar lo que en aquel momento se conocía como ‘antigüedades populares’. El folklore es la expresión de la cultura en todas sus manifestaciones: la artesanía y la medicina popular, las historias orales, las leyendas, la música y la danza, entre muchas otras cosas. La música folclórica es la música que se transmite de generación en generación por vía oral (y hoy en día también de manera académica) como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico o de raíz. La música folclórica se ha mantenido viva, desde los tiempos de la industrialización, fundamentalmente en el ámbito rural, no siendo hasta mediados del siglo xix que comenzó a aparecer un interés en el mundo académico por el estudio de este arte popular. Danza y baile son sinónimos, que señala o identifica lo mismo; pero en el campo folklórico esto difiere un poco, así nos refiere Sam Román, C. (1996): Baile es la expresión del movimiento individual y bi-personal libre y creativo sin función específica, pudiendo ser ocasional, superficial y temporal. Por otro lado la danza es la manifestación vivencial, individual y colectiva de un grupo humano, que cumple una funcionalidad, en el espacio que se ejecuta, cumpliendo reglas específicas que podrían ser rituales socio mágico religiosa, telúricas, cosmogónicas (dar respuesta al origen del universo y de la propia humanidad) y generacionales, imitativas,
onomatopéyicas y plásticas. (p. 15).
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¿Cuál sería; según los conceptos citados, la diferencia
entre baile y danza?
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La propuesta que se está ejecutando, ¿Será baile o
danza?
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Diagrama las primeras figuras coreográficas ejecutadas.
(Diagrama)
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la práctica
1. En la medida que avancemos con los pasos, podremos ir armando nuestra
coreografía.
2. Ten en cuenta los elementos de la música y ejecuten secuencias nuevas de la
coreografía de la danza, que les propondré el día de hoy.
3. Por bloques enseñare y luego corregiré la nueva secuencia propuesta.
4. Por medio de la práctica no olvides identificar los elementos de la música, para
que exista la coordinación grupal.
5. Recuerda la importancia de la activación corporal y sus efectos en el organismo.
a) Haz una retroalimentación de lo ejecutado durante la clase.
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b) Evaluare lo aprendido durante la clase; elementos de la música, memoria
de secuencias y coordinación grupal.
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SEMANA 06
Análisis y Sincronización grupal de la danza Andina. Producto de la sesión Ejecutar la secuencia del proceso establecido de manera grupal coordinadamente.
CONOCIMIENTO
Basándonos en la información proporcionada; ¿entre que culturas se dio el mestizaje que dan origen a las Danzas Andinas actuales?
Sabías que…
. Los países andinos están ubicados en América del Sur y se distinguen del resto porque por ellos pasa la Cordillera de los Andes. Éstos son Colombia, Venezuela, Perú, Bolivia Chile, Argentina y Ecuador. Dentro de las costumbres que encontramos en las regiones andinas están las danzas típicas. En todo pueblo o comunidad enclavada a lo largo de toda la cordillera de los andes, se pueden encontrar una variedad de danzas donde se usan varios instrumentos que son el resultado del mestizaje entre varias culturas africanas, europeas y americanas que han hecho lo que es hoy en día la cultura andina sur americana, en todos sus aspectos incluyendo por supuesto sus danzas típicas y sus tradiciones propias de cada pueblo que lo hacen diferenciarse de los otros dando como resultado unos rasgos culturales muy marcados e interesantes. A continuación te mencionaremos algunas danzas de las comunidades que se encuentran en la cordillera de los andes. Pato Bonbiao (Venezuela) Bambuco (Colombia) San Juanito (Ecuador) Wititi (Perú) Huaylarsh (Perú) Diablada Puneña (Perú) Tinkus (Bolivia) Caporales (Bolivia) Tobas (Bolivia) Samba (Argentina) Chacarera (Argentina) Carnavalito (Chile)
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Investiga y Menciona danzas folclóricas con el mismo nombre pero que se ejecuten en dos o más países andinos. __________________________________________________________________
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Menciona otras Danzas folclóricas de cada uno de los países que integran la cordillera de los andes. __________________________________________________________________
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PROCEDIMIENTO Organizándose para la ejecución de la práctica
1. Organizándote en bloque frente al profesor, realizaremos la activación corporal,
luego realizaras los pasos básicos con música, ten en cuenta que al bailar
identificaras los elementos de la música y ejecutaras secuencias nuevas de la
coreografía de la danza.
2. Por bloques, corregiré la nueva secuencia propuesta.
3. Por medio de la práctica demostrare la importancia de identificar los elementos
de la música, y así lograr la coordinación grupal.
4. Recuerda la importancia de la activación corporal y sus efectos en el organismo.
a) Realizaras por ultimo una retroalimentación de lo ejecutado durante la
clase.
b) Evaluare lo aprendido durante la clase. Elementos de la música, memoria
de secuencias y coordinación grupal.
5. Reunidos en grupo realizaremos un conversatorio sobre el dilema ético:
¿Conservar la ejecución tradicional de la danza o estilizarlas para las exigencias
de los nuevos tiempos? Realizaras apuntes y escribirás tu opinión, recuerda que
todas las opiniones sobre el tema son válidas y se respetan.
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SEMANA 07
Coreografía grupal de la danza. Características de la Danza Andina – Afroperuana Propuesta.
Producto de la sesión Ejecutar de manera coordinada la coreografía básica.
CONOCIMIENTO
¿Qué características tiene la danza ejecutada
según la información brindada? (Revisar anexo)
Recuerda que…
Las danzas que se ejecutan en nuestro país, siempre tienen una costumbre con la que guardan relación.
Fiestas Religiosas, o Fiestas No-Religiosas (Cosecha, Siembra, Carnavales, Ganaderas, Guerreras, etc.) o un Status Social del ejecutante (Indígena, Mestizo, De Jóvenes Casaderos, Nivel Económico, etc.), como Proceso De Fiestas (las vísperas, día central, cierres de celebración, etc.)(Recopilación)
Según la RAE; la característica; es una cualidad que permite identificar a algo o alguien, distinguiéndolo de sus semejantes. Puede tratarse de cuestiones vinculadas al temperamento, la personalidad o lo simbólico, pero también al aspecto físico.
Recuerda también que el mensaje de la danza es el conjunto de signos, símbolos o señales que se tratan de transmitir a través de su ejecución. Este mensaje va a depender del tipo o género de la danza ejecutada. (Recopilación).
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¿Cuál sería el mensaje de la danza?, según la información brindada. (Revisar
anexo)
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la práctica
1. Realiza la activación corporal general mediante el repaso de los pasos sueltos
aprendidos.
2. Organízate frente al profesor, ten en cuenta los elementos de la música y ejecuta
la secuencia coreográfica de la danza; que se enseñó.
3. Por bloques corregiré la nueva secuencia propuesta.
5. Recuerda la importancia de la activación corporal y sus efectos en el organismo.
a) Realizaremos por ultimo una retroalimentación de lo ejecutado durante
la clase.
b) Evaluare lo aprendido durante la clase. Elementos de la música,
memoria de secuencias y coordinación grupal
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SEMANA 08
EXAMEN PARCIAL Producto de la sesión
Ejecutar la secuencia coreográfica básica, identificando y respetando los elementos
de la música; y demostrar coordinación grupal al momento de realizar la propuesta.
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución del EXAMEN
PARCIAL
Organízate con el bloque propuesto, frente al
profesor y ejecuta las secuencias enseñadas
hasta la fecha.
En grupo organízate y ejecuta la coreografía
creada por ustedes, recuerda que debes de
mantener y evidenciar el mensaje de la danza.
Puedes utilizar los pasos aprendidos o sugerir
otros.
Utiliza una prenda del vestuario de la danza a
ejecutar.
Recuerda que…
La evaluación es de criterio
individual, pero se considera también
la coordinación a nivel grupal.
Es importante traer para la
evaluación el material solicitado.
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UNIDAD 3
SECUENCIAS COREOGRÁFICAS Y USO ADECUADO DEL
VESTUARIO.
CAPACIDAD
Coordina y expresa el mensaje de la danza en una coreografía dancística.
CONTENIDOS PROCEDIMENTALES
Ejecuta secuencias coreográficas de la danza y manipula
adecuadamente el vestuario.
Identifica y ejecuta figuras coreográficas de la danza teniendo en
cuenta la expresión correspondiente al mensaje de la danza.
Ejecuta coreografías grupales. Reconoce instrumentos musicales
correspondientes a la danza propuesta.
Expresa el mensaje de la danza ejecutando la coreografía
propuesta.
CONTENIDOS CONCEPTUALES
SEMANA 9 Vestuario de la danza: origen y evolución. Coordinación grupal de la danza propuesta.
SEMANA 10 Coreografía y mensaje de la danza: definición y ejecución
SEMANA 11 Instrumentos musicales andinos; identificación y clasificación dentro de la danza propuesta, Secuencia coreográfica grupal
SEMANA 12 SEGUNDA PRUEBA DE EJECUCIÓN. Se evalúa hasta la tercera unidad de aprendizaje.
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SEMANA 9
Vestuario de la danza: origen y evolución. Coordinación grupal de la danza propuesta.
Producto de la sesión
Utilizar correctamente los materiales correspondientes a la danza propuesta en el
momento de su ejecución.
CONOCIMIENTO
¿Por qué considerarías importante el
VESTUARIO?
Sabías que…
Los vestuarios y adornos que se utilizan de forma habitual en todo el Perú, difiere mucho de una región a otra; y esto se debe a la influencia de su historia, creencia, costumbre y cultura, de cada pueblo. Atuendos que diferencian a mujeres casaderas de las que ya están casadas o del hombre campesino del que ocupa una posición importante en la sociedad.
La vestimenta, nos refiere Roberto Arone (2010): “Permite también comprender el status, su condición social, su procedencia y ocupación de las personas. Y como resultado de la combinación de las influencias pre-hispánicas con las vestimentas europeas, que los nativos se vieron forzados a usar durante la era de la colonia, la gente se distingue una de otra”. (p. 5)
Así nos refiere Arturo Jiménez Borja (1998): “A lo largo del tiempo y en distintas culturas, el vestido ha tomado formas distintas; puede ser un cinto, pintura corporal, peinado, un taparrabo… el vestido ha recorrido un largo camino desde la antigüedad hasta nuestros días”. (p.26.)
También tenemos que el Área de Difusión; es el lugar de origen o lugar donde se ejecuta el baile o danza. Nombres de lugares con la se identifican, ocasiones y fechas en las que se danza o se han venido ejecutando desde tiempos remotos.
(Propio)
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Según la información brindada, ¿Cuál es el área de difusión de la danza
propuesta? (revisar también la información del anexo)
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¿Cuál es el vestuario de la danza que estamos desarrollando? (según anexo)
VESTUARIO DAMAS VESTUARIO VARONES
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Colócate en el lugar correspondiente designado en las sesiones anteriores.
2. Ten en cuenta los elementos de la música, y ejecuten las secuencias nuevas de
la coreografía de la danza.
3. Por bloques se seguiré corrigiendo las nuevas secuencias propuestas.
4. Por medio de la práctica, es importante que identifiques los elementos de la
música, para que exista la coordinación grupal.
5. Aprenderás el uso correcto del material específico de la danza que se enseña.
6. Seguiré orientando sobre la importancia de la activación corporal y sus efectos
en el organismo.
a) Ejecuta una retroalimentación de lo realizado durante la clase.
b) Se evalúa lo aprendido durante la clase. Elementos de la música, memoria de
la coreografía simple y coordinación grupal.
C) Insistiré en el uso correcto de los materiales .
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SEMANA 10
Coreografía y mensaje de la danza: definición y ejecución
Producto de la sesión Ejecutar la coreografía grupal, al ritmo de la melodía correspondiente a la danza.
CONOCIMIENTO
¿Cómo explicarías el concepto de figuras
coreográficas?
Sabías que…
La coreografía, son disposiciones
que debe adoptar el grupo humano
en el espacio.
Según la propuesta de Carlos Sam
Román (1996), la palabra
coreografía: “Viene de la voz latina
CHORUS; conjunto de personas con
determinada acción, como estar
cantando, bailando, discutiendo o
conversando; y GRAPHOS; se
refiere a los signos lineales o figuras
que se plasman a través de la
ejecución de movimientos por un
grupo de personas…”. (p. 23).
Estas serán representadas desde
un plano en el que el punto de vista
se encuentra perpendicular respecto
del suelo y la imagen obtenida ofrece
un campo de visión orientado de
arriba abajo.
Cuando se va desarrollar una
coreografía, se toma como matriz los
juegos, las rondas, las acciones
cotidianas: de la agricultura, de la
caza, ganadería, etc. Entre las
principales formaciones o figuras que
se utilizan tendremos, el círculo, la
hilera, la cadeneta, la cuadrilla, etc.,
cada una de ellas con sus
correspondientes variantes.
Se podría decir también que la
coreografía son los movimientos
grupales, que se ejecutan
coordinadamente, expresando una
idea o un mensaje que puede estar
basado en un hecho cotidiano, mito o
leyenda de un lugar. (Recopilación)
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¿Qué formaciones hemos aprendido en la clase de esta semana? (diagramar)
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Explicare la importancia de los movimientos coordinados durante la ejecución de
la danza, como también les comento situaciones de la danza y que instrumentos
son los que se utilizan.
2. Ejecuta la activación corporal, con las secuencias coreográficas de la danza que
ya te enseñe.
3. Ocupa el lugar que te designé en la clase anterior.
4. Continuare agregando secuencias de pasos para ir completando la coreografía
final.
5. Distribuidos adecuadamente irán rotando al grupo base, para el aprendizaje de
las secuencias nuevas.
6. Por medio de la práctica te recuerdo la importancia de identificar los elementos
de la música, y que en todo momento hay que tomarlos en cuenta para lograr
así una coordinación grupal.
7. Se evalúa lo aprendido durante la clase. Elementos de la música, memoria de
secuencias y coordinación grupal.
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SEMANA 11
Secuencia coreográfica grupal y reconocimiento de la música de la danza propuesta
Producto de la sesión Ejecutar de manera coordinada la coreografía con la melodía. Las figura coreográficas.
CONOCIMIENTO
¿Cómo se dieron inicio los instrumentos?
Recuerda que…
Los primeros instrumentos sonoros debieron ser cáscaras, caracoles, fragmentos de huesos, troncos, hojas, caña y cualquier otro material que produjese sonido. Existen instrumentos nativo y otros que son producto del mestizaje El canto, por su parte se desarrolló simultáneamente y en estrecha relación con los instrumentos musicales. Entonces podemos decir que los instrumentos y el canto son medios que ayudan a enriquecer la música. La música peruana tiene orígenes muy remotos desde mucho antes del imperio de los incas. En culturas como Mochica, Chimú y Paracas de la costa, existen indicios primitivos, que tenían una música creada con instrumentos arcaicos los cuales utilizaban para celebrar y adorar a sus Dioses, siempre acompañados de la danza. La cultura Nazca fue una de las culturas que más aporto al conocimiento musical, empleando la llamada escala cromática en sus rusticas antaras de ceramio. En la actualidad continúan la asimilación de nuevos instrumentos -como sintetizadores, guitarras eléctricas, baterías y armónicas- y la creación de nuevos géneros, como la chicha o cumbia peruana, que permiten a la música peruana abrirse a nuevas influencias, para extenderse, nacional e internacionalmente, más allá del terreno reservado a lo vernacular.
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En el caso del canto, ¿Cómo se desarrolló?
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¿Qué instrumentos percibe Ud. que se utilizan en la melodía de la danza
propuesta?
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¿Porque considerarías importante la activación corporal?
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¿Qué otra figura podrías considerar que no se haya mencionado y que se utiliza
en la ejecución de su danza?
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. practicarás la coreografía hasta donde esta
propuesta y se seguiré aumentando nuevas
secuencias
2. Ejecuta la activación corporal con las
secuencias coreográficas de la danza que ya se
tienen (de menos a más).
3. Organízate en los bloques que ya se ha
coordinado en sesiones anteriores frente al
profesor, teniendo en cuenta los elementos de la
música, ejecutan de manera correcta la
coreografía propuesta por el profesor.
4. Se seguirá agregando secuencias para de
esta manera llegar a terminar la coreografía.
5. Por grupos evaluare la secuencia propuesta,
teniendo en cuenta identificar los elementos de la
música, y lograr la coordinación grupal.
6. Evalúo lo aprendido durante la clase.
Elementos de la música, memoria de la
coreografía simple y coordinación grupal.
7. Insistiré en el uso correcto de los materiales.
Recuerda que…
Las figuras coreográficas más
utilizadas en la elaboración de
coreografías son las siguientes:
Circulo
Columnas
Filas
“V”
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Semana 12
Ensamble de figuras coreográficas. Segunda prueba de
ejecución
Producto de la sesión
Ejecutar las figuras coreográficas al unir los bloques de las figuras predeterminadas,
con destreza y seguridad.
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la
Segunda Prueba de Ejecución.
Organízate con el bloque propuesto, frente al
profesor y ejecuta las secuencias enseñadas
hasta la fecha.
Recuerda que…
La evaluación es de criterio
individual, pero se considera también
la coordinación a nivel grupal.
Es importante traer para la
evaluación el material solicitado.
La segunda prueba de ejecución
incluye toda la tercera unidad.
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UNIDAD 4
PUESTA EN ESCENA DE LA COREOGRAFÍA FINAL DE LA DANZA
CAPACIDAD
Actúa y Escenifica la coreografía de la danza con creatividad y
destreza.
CONTENIDOS PROCEDIMENTALES
Realiza secuencia coreografía propia de la danza propuesta.
Interpreta el mensaje de la danza.
Coordina adecuadamente los pasos con el vestuario de la danza
propuesta.
Se desenvuelven con naturalidad en la coreografía final utilizando
todos los elementos y materiales de la danza.
Ejecutar la danza propuesta con creatividad y destreza, utilizando
adecuadamente el vestuario y transmitiendo el mensaje de la
danza.
CONTENIDOS CONCEPTUALES
SEMANA 13 Expresión corporal: mensaje de la danza.
SEMANA 14 Coordinación coreográfica de la danza.
SEMANA 15 Escenografía; definición, análisis y practica de puesta en
escena de la coreografía final de la danza
SEMANA 16 EXAMEN FINAL. Tiene carácter integrador y evalúa la competencia de la asignatura y las capacidades de las cuatro unidades.
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SEMANA 13
Expresión corporal: mensaje de la danza. Producto de la sesión
Ejecutar la secuencia coreográfica de la danza propuesta de manera coordinada.
CONOCIMIENTO
En tus propias palabras; ¿Cuál es la relación entre expresión corporal y
mensaje de la danza?
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¿Cuál es el mensaje de la danza que interpretas?
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¿Consideras importante interpretar el mensaje de la danza, Por
qué?______________________________________________________________
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Explico el propósito de la sesión
2. Diálogo con los estudiantes sobre el Tema
que corresponde a esta semana.
4. Realiza la activación corporal general
mediante el repaso de la coreografía hasta
donde se ejecutó la semana anterior.
5. Luego colócate en tu posición de la
coreografía para la ejecución de la misma.
6. Se seguirá completando la coreografía,
teniendo en cuenta los elementos de la música
para la mejora de la coordinación grupal.
7. Por bloques corregiré la nueva secuencia
propuesta.
8. Por medio de la práctica se demuestra la
importancia de identificar los elementos de la
música, para que exista la coordinación grupal.
10. Ejecutaran una retroalimentación de lo
realizado durante la clase.
11. Evaluare lo aprendido durante la clase:
Elementos de la música, memoria de
secuencias, coordinación grupal y uso de
material correspondiente.
Sabías que…
La expresión corporal; Como
expresión artística se basa en la
forma en que se interpretan
emociones por medio de los
movimientos: inconsciente y
consciente. Se caracteriza por la
disciplina que lleva a expresar
emociones. El propósito principal es
sentir libertad en la ejecución de cada
movimiento artístico basado en los
sentimientos que quieren expresar.
Por ejemplo, si se quiere hacer una
ejecución de éstas, se utiliza la
creatividad para inventar formas y
movimientos de lo que se está
actuando, además de que tienen que
sentirse en completa libertad. La
expresión corporal es una actividad
que normalmente desempeñan
personajes como artistas, bailarines,
mimos, etc. Esta actividad consiste
en utilizar el cuerpo para representar
ideas, sentimientos y sensaciones.
El mensaje de la Danza; es el
Desarrollo del tema, Consiste en dar
a entender la actividad que se está
realizando, así como el orden en la
estructura, simbolismo, gestos
sonoros y que a través de la
expresión corporal comunica los
siguientes aspectos: alegría, tristeza,
fuerza, aplomo, destreza, habilidad,
salero,
Galanteo, Garbo.
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SEMANA 14
Coordinación coreográfica de la danza. Producto de la sesión
Ejecutar la coreografía finalizada de la danza propuesta con naturalidad y destreza.
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Ejecuta la activación corporal con las secuencias coreográficas de la danza que
ya se tienen.
2. Ten en cuenta los movimientos coordinados durante la ejecución de la danza.
3. Organízate en tu posición de la coreografía establecida en sesiones anteriores,
frente al profesor.
4. Continuaré agregando secuencias de pasos para concluir la coreografía.
5. Distribuidos adecuadamente irán rotando al grupo coreográfico base, para el
aprendizaje de las secuencias nuevas.
6. Por medio de la práctica se les recuerda la importancia de identificar los
elementos de la música, y que en todo momento hay que tomarlos en cuenta
para lograr así una coordinación grupal.
7. Evalúo lo aprendido durante la clase. Elementos de la música, memoria de
secuencias, coordinación grupal y uso correcto del material.
Graficar y explicar la secuencia coreográfica finalizada de la danza propuesta
Figura de vista cenital Explicación
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FIGURA COREOGRAFICA EXPLICACIÓN
(Sacar copia y aumentar para terminar las figuras coreográficas)
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SEMANA 15
Escenografía; definición, análisis y practica de puesta en escena de la
coreografía final de la danza
Producto de la sesión
Ejecutar la coreografía final utilizando adecuadamente el material específico
correspondiente a esta danza.
CONOCIMIENTO
Investiga ¿Cuáles son los elementos de la escenografía?
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En la danza folclórica que elementos consideras que son parte de la
escenografía
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¿Consideras importante la escenografía para la interpretación de la danza?
¿Por qué?
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PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de la clase
1. Ejecuta la activación corporal con las
secuencias coreográficas de la danza que ya se
tienen (de menos a más).
2. Organízate en los bloques que ya se ha
coordinado en sesiones anteriores frente al mío,
teniendo en cuenta los elementos de la música.
3. Utiliza correctamente los implementos que
lleva esta danza.
4. Por grupos evaluare la coreografía final,
teniendo en cuenta identificar los elementos de
la música y lograr la coordinación grupal.
5. Consolidare el aprendizaje y orienta a los
estudiantes sobre la importancia de la activación
corporal y sus efectos en el organismo.
6. Evaluaré lo aprendido durante la clase.
Elementos de la música, memoria de la
coreografía simple y coordinación grupal.
7. Insistiré en el uso correcto del material.
Sabías que…
La escenografía es el arte de realizar
decoraciones escénicas. El término,
que tiene su origen en un vocablo
griego, también permite nombrar al
conjunto de los decorados que se
utilizan en una representación
escénica. Se denomina escenografía
tanto al arte y técnica de diseño y
decoración de espacios escénicos,
como al conjunto resultante de
elementos visuales que constituyen
de forma realista, ideal o simbólica el
lugar en el que se desarrolla una
acción y que conforman una
producción escénica o
escenificación. Estos elementos
pueden ser corpóreos (decorado y
utilería), la iluminación, la
caracterización de los personajes
(vestuario, maquillaje, peluquería); o
bien la propia puesta en escena de
los diversos espectáculos en vivo
(teatro, danza, ópera, etc.), así como
en el cine, televisión, eventos,
muestras y exposiciones. Algunos
especialistas catalogan la
escenografía como un clásico del
arte efímero-
Escenificar significa poner en escena
una obra o espectáculo puede ser
teatral o dancístico.
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SEMANA16
EXAMEN FINAL Producto de la sesión
Ejecutar de la coreografía final de la danza propuesta, en una puesta en escena, con
naturalidad y destreza dominando el uso del vestuario adecuado e interpretando el
mensaje de la danza.
PROCEDIMIENTO
Organizándose para la ejecución de el
Examen Final
Organízate con el bloque propuesto, frente al
profesor y ejecuta las secuencias enseñadas
hasta la fecha.
Ejecutan la danza poniéndola en escena, frente a
un público y jurado de danza.
Recuerda que…
La evaluación es de criterio
individual, pero se considera también
la coordinación a nivel grupal.
Es importante traer para la
evaluación el material solicitado.
También se tomara en cuenta la
correcta ejecución de la danza,
expresión y presencia en el
escenario., debidamente vestidos.
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ANEXOS
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DANZAS ANDINAS
DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA LOS CAPORALES
1. Características de la Danza “Caporales”
Múltiples expresiones del arte popular coreográfico nacieron en diversas épocas del
largo trajinar del homo altiplanicus. Unas vienen desde el brumoso tiempo preincaico,
otras desde el incario y la colonia. En cada una de esas épocas se fueron creando y
modificando durante sucesivos procesos de transculturación y aculturación, múltiples
estampas coreográficas o danzas.
En el marco de la cultura popular puneña, en aquella parte que comprende a la danza
y la música, existe sorda polémica sobre la identidad de algunas expresiones
coreográficas que son constantemente cultivadas, ejecutadas, practicadas por los
pueblos de la región de Puno. En este campo, viene de la vecina y realmente
hermana República de Bolivia, el reclamo constante por la identidad boliviana de
ellas, con argumentos no siempre validados por la historia, junto con adjetivos
insultantes, que hacen aparecer a los puneños como perpetradores de plagio, robo,
estafa y otras cosas más.
Por desgracia, hay en nuestros medios hechos y fenómenos que dan pábulo a ese
sostenido vituperio, debido a la grosera y consumada imitación de ciertas estampas
coreográficas, pero sobre todo –y lo que es más grave- a causa de la apropiación de
su identidad, cuando no al silencio culpable sobre el debido reconocimiento público
de su bolivianidad.
El tema debe ser objeto de investigación científica; mientras tanto, caben aún
algunas ideas, valiéndonos a manera de ejemplo de una de las danzas en cuestión:
Los Caporales.
1. El Contexto
Como se sabe, la meseta del Collao, ese gran promontorio que se destaca por sus
dimensiones en la cordillera sudamericana de Los Andes, ofreció históricamente a
los primeros pobladores y a los que con el tiempo vinieron después, la base física
caracterizada principalmente por un colosal cuerpo de agua –el Lago Titicaca y
afluentes- en medio de tierras altas de orografía llana, llamadas por todo ello,
Altiplano.
En ese retazo de planeta florecieron culturas que se turnaron en la ocupación,
aprovechamiento y control del inmenso territorio o de alguno de sus confines. Es muy
sabido el prolongado pasado común que antecede a la fundación de Perú y Bolivia.
Sería ocioso repetir todo lo divulgado por muchos estudiosos al respecto y por
nosotros mismos en algunos escritos[i], puesto que para el propósito de este breve
h t t p : / / w w w . u s m p . e d u . p e / e s t u d i o s g e n e r a l e s / |51
trabajo interesa dejar sentado que, en ese mismo espacio geográfico convivieron
gentes que produjeron logros culturales multifacéticos y sincréticos. Una de las
dimensiones de ese multifacetismo es el arte popular coreográfico que como en
cualquier parte del mundo nace del ensamble inteligente e indivisible de la música
(ritmo y melodía) con la danza (el movimiento corporal).
Múltiples expresiones del arte popular coreográfico nacieron en diversas épocas del
largo trajinar del homo altiplanicus. Unas vienen desde el brumoso tiempo preincaico,
otras desde el incario y la colonia. En cada una de esas épocas se fueron creando y
modificando durante sucesivos procesos de transculturación y aculturación, múltiples
estampas coreográficas o danzas.
2. LA DANZA DE LOS CAPORALES
El término Saya (baile) alude a un género de danzas afro bolivianas que experimentó
una serie de cambios en su proceso evolutivo. Empezó con los Tundiques, danza
típica de la comunidad negra que vive en el ubérrimo valle de los Yungas,
perteneciente a la circunscripción de La Paz, Bolivia, en donde están las localidades
de Chicaloma, Coroico y otras.
En sus inicios el Tundique –según el investigador paceño Luis Machicao Avaroa –
era danza ejecutada solo por hombres, quienes mientras se desplazaban iban
cantando y tocando pequeños bombos. Arrastraban cadenas, bajo el severo mando
de un negrero o “caporal”. No había pues mujeres en el grupo. Según Machicao la
danza expresa “los sentimientos de los esclavos negros desarraigados en el siglo
XVI para venir a trabajar como esclavos de los españoles en las minas de plata de
Potosí”.
La Agrupación Puno de Arte Folklórico y Teatro APAFIT, institución puneña que
durante varios años presentó danzas altiplánicas ante diversos públicos del Perú,
tuvo en su repertorio la danza de los Tundiques, que la tomó de un conjunto de
Yunguyo y este a su vez de Bolivia.
El Tundique derivó, con el correr de los años, en la Tuntuna gracias a la liberación
de ataduras en el hombre –que además dejó el bombo- y la inserción de la mujer en
el conjunto de danzantes. Los movimientos se tornaron más ágiles, la vestimenta se
modernizó con el uso característico de blondas en los brazos de los danzarines, pero
en todo caso, sin perder el ritmo propio de los tundiques que se mantiene hasta hoy:
Dos golpes seguidos en sonido sordo de bombo, un breve espacio de silencio y otra
vez dos golpes seguidos y así sucesivamente. En el siempre cambiante proceso,
melodías y cantos fueron apareciendo con profusión en el vecino país, sin dejar ese
marco rítmico.
Más tarde, en base a las experiencias anteriores vino la Saya propiamente dicha, de
movimientos gráciles, elegantes, delicados de las mujeres y de briosos y varoniles
desplazamientos de los hombres. Entre ellos estaba en primera línea el caporal
(capataz elegido por los colonizadores españoles para supervisar el trabajo de los
esclavos, que dirige la danza agitando un látigo). La Saya ganó gran difusión y
aceptación en los países andinos.
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Una de las figuras de danzante en esa Saya, esto es el Caporal, se reprodujo en
número apreciable llegando a constituir un conjunto separado de danzarines, lo que
dio como resultado la conformación de la Danza de los Caporales.
Confirmando ese proceso, el experto folklorista boliviano Jorge Godínez Quinteros
señala que “El Caporal es una danza… cuyas raíces están en la SAYA, ritmo y baile
que deviene a su vez del TUNDIQUI… La independencia del Caporal de la Saya o
del Tundiqui o de la Tuntuna nació por 1971 en la entrada de la festividad del Gran
Poder… nació mucho después de la creación de Bolivia”.
Ese desarrollo dancístico continuó con la introducción de nuevas figuras dancísticas
como las “machinas” y caporales extraordinarios. El gusto de las juventudes por la
danza se expandió no solo en Bolivia, sino también en el Perú y otros países vecinos.
En Puno ganó práctica masiva a cargo de numerosas agrupaciones, al punto que se
ha integrado con fuerza a la coreografía popular puneña. Puneños y amigos de
puneños de otras ciudades especialmente del sur y centro del Perú, han afirmado su
impresionante propagación creando múltiples grupos y conjuntos de Caporales.
Hasta instituciones de identidad puneña se han empeñado en su difusión y ejercicio.
La Asociación Central Folklórica Puno con sede en Ate, así como algunas otras
entidades representativas de provincias y distritos de Puno en Lima y Callao
organizan recurrentes concursos de Saya Caporal como si se tratara de una estampa
puneña; el Club Departamental Puno en el Concurso Nacional de Música Puneña
que se llevó a cabo en 2015 puso entre las formas musicales concursales al boliviano
Caporales como si fuera puneño.
3. Vestimenta y Danza
La vestimenta original de los varones consistía en: sombrero de ala ancha, camisa
holgada, faja o cinturón, pantalón de corte militar, botas y látigo, mientras que la
mujer usaba una blusa de mangas anchas, pollera, que en la actualidad se ha ido
acortando hasta ser una minipollera, calzados y el característico sombrero tipo
Borsalino o también conocido en Bolivia como sombrero de cholita.
Los pasos de la danza, al igual que la vestimenta, están en constante evolución y la
popularidad de la danza en los países vecinos de Bolivia se debe en parte a la gran
difusión de la canción "Llorando se fue" de los Kjarkas, a quienes también se les
debe el hecho de haber creado confusión usando el término Saya (baile) en lugar de
Caporal. La música de la Saya (baile) es interpretada casi en su totalidad por
instrumentos de percusión mientras que la de los caporales es una mezcla entre
ritmos de huayños y Tundiques.
4. Coreografía
Hoy en día la saya propiamente dicha, es una danza de mayor agilidad, representada
y bailada por las personas negras, cambiando el estilo de música y obviamente la
vestimenta del caporal, de ahí que el caporal y la saya son danzas relacionadas pero
no iguales.
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La danza de los Caporales se caracteriza por ser una danza de movimientos ágiles
y atléticos en la que los varones especialmente hacen gala de giros, contorsiones,
patadas al aire, saltos acrobáticos y acompañamiento de gritos de coraje y euforia,
pues su estilo musical tiene cierto aire y ritmo marcial. Mientras las mujeres se
destacan por mostrar y resaltar la sensualidad y femineidad a través del vestuario y
de los movimientos gráciles.
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DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA SAYA AFRO-BOLIVIANA
1. Características de la Danza “SAYA AFRO-BOLIVIANA”;
La Saya Afro-Boliviana es una manifestación cultural expresada en música, danza,
poesía y ritmo propio del pueblo afro-sudamericano asentado en la meseta del
Collao, uno de los lugares donde se establecieron los esclavos traídos de África.
Nace como un mestizaje propio del ritmo de música del hombre andino y del ritmo
propio de las etnias africanas. La Saya es una música de folclor popular que surge
tras el mestizaje multiétnico ocurrido tras la conquista española. Aunque no hay
reseñas escritas o imágenes alusivas a ello, muchas de las letras de las sayas hacen
referencia a su origen africano.
La Saya afro-boliviana que nace de la expresión de los negros mulatos que habitan
la región de Los Yungas ubicado en la franja subandina de Bolivia al norte de la
ciudad de La Paz. Es una danza que se realiza liderado por una voz cantante, es un
estilo de música y danza que puede ser considerado como el producto de la fusión
de elementos africanos, aymaras y españoles.
2. Origen de la danza;
Los intereses económicos que movían la práctica del comercio de esclavos en el
siglo XVIII hicieron que la población africana emigre a Latinoamérica. Y como la
música y la danza es parte de la vida del ser humano, esta también viajó a la tierra
de Los Andes, donde se adaptó a prácticas ancestrales ya existentes.
Su origen africano está implícito en la deformación del vocablo Nsaya de Origen
Kikongo (Africa); así la saya etimológicamente significa: trabajo en común, bajo el
mando de un (a) cantante principal. Está compuesta de música, danza, poesía y
ritmo donde se utiliza bastante la metáfora y la sátira, tocando temas de la esclavitud
y de la situación actual.
La Saya afro-boliviana presenta elementos del ancestro africano; sin embargo posee
algunas peculiaridades sincréticas aymaras como la vestimenta, especialmente en
las mujeres.
3. Mensaje de la danza;
Tiene una vinculación directa a la actividad agrícola y festiva, de gran importancia en
las relaciones sociales y de reciprocidad entre los pueblos.
Es una de las danzas más hermosas, bailada por los descendiente afro-bolivianos
de la yunga paceña. Por eso que tanto hombres como mujeres ejecutan la danza
con alegres cantos y movimientos muy agiles y exóticos.
4. Proceso y estructura coreográfica;
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Las características de la Saya Afro-Boliviana en su proceso y estructura coreográfica
tradicional o antigua son bien definidas. Los hombres entonan, con sus potentes
voces, coplas que las mujeres repiten con bellos matices de sus voces de sopranos.
Los movimientos del baile son muy cadenciosos y sensuales. Las mujeres con el
porte muy erguido, moviendo la cadera y con pasos cortos marcan la coreografía.
Los hombres con mucha plasticidad tocan el bombo y el regué-regué llevando el
ritmo.
El acompañamiento de tambores y guanchas y las coplas entre solista y coro surgen
de las raíces africanas, mientras la vestimenta adoptada por las mujeres se asemeja
al traje de las mujeres aymaras así como instrumentos musicales netamente
autóctonos tales como charango, zampoña, flauta; en la actualidad también está
acompañada por el sonido de la guitarra. El canto es ejecutado en castellano.
Antiguamente las dos filas de bailarines eran guiadas por los mayores del pueblo. El
capitán de baile hacía orden y lugar para los bailarines con el chicote, los dos
Caporales con los pequeños cascabeles ajustados a las pantorrillas marcaban el
ritmo siguiendo al tambor mayor.
Las características de la Saya son bien definidas. Los hombres entonan, con sus
potentes voces, coplas que las mujeres repiten con matices de sus voces de
sopranos.
Los movimientos del baile son muy cadenciosos y sensuales. Las mujeres con el
porte muy erguido llevan el compás con las caderas avanzando la coreografía con
pasos cortos que marcan el compás del ritmo de los bombos y regue-regues que los
hombres ejecutan contorsionándose con mucha plasticidad.
La saya representa una mezcla de sentimientos, los cuales pueden ser alegría y
tristeza, entre otros.
Las mujeres formando dos hileras van por delante y los varones van atrás portando
los instrumentos musicales.
En la actualidad, al través del proceso de globalización y modernización de las
culturas se ven cambios significativos tanto en la música como en las coreografías,
haciéndose más atractivos para el público visitante, para el público espectador y
para los jóvenes.
5. Área de difusión;
La Saya constituye una de las máximas expresiones folklóricas de los negros de
Chicaloma, ya que través de la danza y la música, los negros recuerdan su origen,
que los liga al África, lugar de origen de sus antepasados.
Las poblaciones de Coroico, Mururata, Chicaloma, Calacala, coscoma, Irupana son
ahora enclaves de producción cultural afroyungueño. La saya es una expresión
musical y coreográfica que se caracteriza por presentar elementos africanos. Sin
embargo en Bolivia, La Saya es practicada por todas las poblaciones negras
dispersas en los Yungas.
La forma de expresión de la Saya es particular, no tiene parangón con ninguna danza
andina o amazónica, es la síntesis cultural de los afroyungueños. Talvez por eso
nadie puede interpretar la Saya si no son los propios afroyungueños.
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No hay matices ni semejanzas, la Saya es la Saya, el caporal es el caporal. Por lo
tanto la danza y música de la saya es una manifestación cultural afro- yungueña
propia de los negros.
6. Instrumentos musicales;
El lenguaje musical del negro deja expreso todo su sentimiento, en las interminables
melodías que bailan al son de tambores y bombos.
El ritmo y la forma de interpretar, empieza con raíces africanas, que a su vez se
clasifican en tres grupos. Coplas de carácter cívico coplas dedicadas a su Santo
patrón (Sr. Del Gran Poder) y finalmente las dedicadas a la libertad.
La Saya es interpretada por instrumentos de percusión, nueve membranófonos y un
idiófono, divididos de la siguiente manera:
Membranófonos
Tambor o bombo mayor 2
Sobre tambor 2
Requinto 2
Sobre requinto 2
Gangingo 1
Idiofonos
Coancha 1
Cada bombo tiene diferentes sonidos, el ritmo que se toca es diferente en cada
bombo y están fabricados de cuero de oveja y madera de ajuajo.
En la actualidad intervienen también instrumentos musicales netamente autóctonos
tales como charango, zampoña, flauta; en la actualidad también está acompañada
por el sonido de la guitarra. El canto es ejecutado en castellano.
7. Vestimenta;
VESTIMENTA DE LAS DAMAS: Las mujeres llevan una blusa de colores vivos,
adornados con cintas de diferentes colores y con riquísimos bordados en el pecho y
las mangas. La pollera es de Chola Paceña de diferentes colores y calidad. En una
mano y una mantilla andaluz.
VESTIMENTA DE LAS VARONES: Los hombres llevan una camisa con mangas
cortas o largas, el pantalón es de color blanco, suspendido hasta la rodilla, una faja
aymará en la cintura. Llevan una pañoleta de seda, la cual va amarrada al cuello, el
sombrero puede ser de paja o paño negro y en los pies sandalias o abarcas.
La danza de la Saya está estructurada como una tropa de danzantes de hombres y
mujeres. Originariamente el caporal o capataz se diferencia de los demás danzarines
por llevar una vestimenta diferente: con un chicote en la mano, como signo de
autoridad, un pantalón o colán blanco decorado, botas gruesas con cascabeles y
otros adornos que lo diferencian del resto de los componentes. El Caporal en la Saya
representa la jerarquía y el orden dentro de la danza.
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A parte del Capataz, hay la mujer guía que ordena los cantos en la Saya y dirige el
grupo de mujeres.
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DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA ZAPATEADORES DE CHOCAN
La Danza Zapateadores de Chocán, se baila en la comunidad de Chocán en el
departamento de Piura, todo esto en las fiestas de octubre para la Festividad del
Señor Cautivo de Ayabaca y en diciembre para la celebración del Niño Dios.
La danza es efectuada por ocho a doce bailarines, de los cuales, los dos mayores
escogían para hacer cruzadas de izquierda a derecha y consistía en zapatear en
homenaje a la fiesta a manera de ofrenda no sin antes hacer votos de peregrinaje y
obediencia a la comunidad y a la cofradía. El mejor zapateador era designado
mayordomo para la próxima Fiesta o Bajada de Reyes.
Esta Danza Zapateadores de Chocán es ejecutada desde hace mucho tiempo,
algunos estudiosos señalan que se ejecuta desde mediados del siglo XIX, se conoce
una estructura casi tradicional durante su interpretación y que tiene la siguiente
estructura:
1. Entrada: Parte en la que luego de acompañar a la imagen durante la
procesión, los zapateadores le “piden” permiso a la imagen para ofrecer su
danza y sus mejores zapateos.
2. Ofrecimiento de la danza: Parte en que se ofrece en forma grupal la danza,
se suceden una serie de figuras coreográficas, que se han ensayado con
bastante anticipación, los cambios entre figuras son señalados por el guía de
cada fila o columna.
3. Los Zapateos: Parte de la danza en la que cada Zapateador estará solo
frente a la imagen para brindar su mejor zapateo, en esta parte es el
zapateador quien se inspira y ofrece una serie de Zapateos cada vez
subiendo de complejidad.
4. Despedida: Parte de la danza en la que los Zapateadores se despiden
ofreciendo llegar el siguiente año, a fin de seguir participando de esta
festividad religiosa. Historia
La devoción es grande entre la población del departamento de Piura y estos desde
inicios del siglo XIX dan inicio a diversas formas de ofrecimiento al Señor de Chocán
entre ellas ofrecen sus mejores danzas y bailes, como los mejores Zapateadores.
Pero aquellos que conforman la Cofradía del Señor de Chocán, se reúnen desde
varias semanas antes de las festividades religiosas para ensayar los pasos y figuras
que van a ofrecer a la santa imagen, son los mejores en cada familia que tienen la
especial responsabilidad de representar a su familia y son conscientes que solo
estarán algunos instantes solos frente a la imagen y será el Señor de Chocán o el
Señor Cautivo que contemple únicamente a este Zapateador, este contacto es de
apenas un minuto o menos tiempo más que suficiente para que el zapateador toque
a la Santa imagen con el algodón que lleva en la punta de su bastón, algodón que
será luego dividido en pequeños copos para ser entregados a cada miembro de la
familia.
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Es decir, entonces, que el Zapateador de Chocán debe ser un excelente danzarín,
con grandes dotes de resistencia ya que esta danza la ejecutan durante más de 30
minutos frente a la imagen y otras dos horas en acompañamiento religioso a la santa
imagen, igualmente el danzarín debe mostrar sus mejores galas y adornos, así como
llevar la ofrenda que le va a entregar al prioste de la fiesta, ofrenda que no es
personal, sino que la lleva el Zapateador en representación de toda la familia. Vestimenta
Esta era una danza exclusivamente de varones, pero al existir familias sin hijos
varones hoy en día también participan jóvenes mujeres que visten el mismo traje de
los varones, el vestuario es el siguiente:
Pañoleta en el cabeza (Morado, azul o rojo)
Pañoleta blanca adornada con greca dorada y espejo estrella.
Camisa blanca de manga larga.
Poncho de dos colores (Morado, azul o rojo), adornado con espejos estrellas y
cintas satinadas.
Escapulario con la imagen del Señor Cautivo de Ayabaca o del Señor de
Chocán.
Faja tejida en telar de color blanco y azul.
Pantalón blanco.
Escarpines de color Morado, azul o rojo bordados con lentejuelas, pedrerías y
mostacillas, adornados además con espejos estrellas y cintas satinadas.
Bastón de mando de color rojo adornado con espejos estrellas y cintas
satinadas.
Enjalmes que sujetan en el poncho.
Zapatos de color negro. Acompañamiento musical
La Danza Zapateadores de Chocán era efectuada por doce bailarines, de los
cuales salían dos llamados mayores, a quienes escogían para hacer las cruzadas de
izquierda a derecha, y que los dos cajeros con pincullos tocaban para que bailen, por
otro lado, los zapateadores lo hacen al son de la monótona música de la caja y
pincullo se danzaba a puro zapateo haciendo las cruzadas, esta singularidad era
novedosa por ser una distracción muy agradable para las gentes del ayer.
En la actualidad la Danza Zapateadores de Chocán es acompañada por banda
típica del lugar con instrumentos de metal, y en algunas ocasiones por conjuntos
musicales con instrumentos nativos de la zona como quenas, bombos, antaras,
acordeón, guitarras, entre otros.
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DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA DANZA PACASITO
La danza Pacasito se origina en la comunidad altiplánica de Chocán, de la provincia
de Ayabaca, del departamento de Piura, con la llegada de los españoles fue instituido
en honor al Señor del Cautivo, festividad que se celebra en el mes de octubre. Ésta
actividad artística se danza en todo Piura, y musicalmente tiene ritmo de influencia
ecuatoriana. ¿Por qué el nombre Pacasito?
Se hace referencia de que su nombre se debe a un reptil propio de la zona llamado
pacaso. Otras versiones sostienen que el vocablo quechua regional «Pacasito» que
significa escondido se implica a la danza por que los varones se esconden debajo
de las faldas de las mujeres para no ser sujetados por los capataces que los obligan
a retornar a sus puestos de labores sin permitirles pasar la fiesta luego de
la procesión del Señor Cautivo de Ayabaca.
La danza Pacasito, tiene un hondo significado que se relaciona a la solidaridad y la
protección, como también a la alegría y el enamoramiento, consecuentemente en
sus coreografías lo realizan en grupo y en parejas, con características de cortejo.
VESTIMENTA DE LA DANZA PACASITO
La vestimenta de la danza Pacasito se relaciona al campo y a su época. Las mujeres llevan puestos:
Un sombrero de paja
Blusas de seda coloridas
Mantilla de seda multicolor
Pechera con abundantes cintas multicolores que se cuelgan
Una falda de color negro con ribete rojo
Fustán blanco
Pañuelo sobre la cabeza
Ojotas
Portan en la mano un pañuelo blanco Los varones llevan puestos:
Un tocado de color blanco sobre la cabeza, con adornos de fantasía y espejos
Ponchitos de color rojo o azul
En el pecho llevan un pequeño detente de la imagen de Señor del Cautivo
Camisa y pantalón blanco
Una chalina
Botas a manera de escarpines que son bordados
Zapatos de color negro
Pañuelo blanco en la mano
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COREOGRAFÍA
Según lo prefiera el grupo ejecutante, puede iniciarse la danza como una ceremonia
procesional en que van llevando un anda de la imagen que veneran en la zona de
influencia. Luego, llegados a la plaza, el público hará espacio para ver a los
«zapateadores chocanos» que iniciarán su danza como primer homenaje en la fiesta,
con pasos y movimientos semejantes al sanjuanito ecuatoriano; lo demás son
evoluciones, círculos, medias lunas, figuras que se realizarán más para recrear a los
espectadores, debiendo ser bien coordinadas y ejecutadas por los danzantes.
La danza Pacasito es una danza de grupo, y si bien se ejecutan movimientos en
parejas, no representa en sí demostraciones de galanteos del hombre a la mujer. INSTRUMENTOS MUSICALES DE LA DANZA
La danza Pacasito, es acompañado musicalmente con instrumentos de viento
como, quenas y rondadores, de cuerda como guitarras y violines, recientemente
incorporaron mandolinas y charangos, como se manifestó anteriormente la influencia
rítmica es de tono sanjuanito propio de Ecuador. Esta danza inicialmente es realizada
con impulso religioso, para luego combinar con lo típico de gusto popular.
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DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA HUAYLARSH MODERNO
HISTORIA
El Huaylarsh es una danza social campesina cuyo origen probable se remonta desde
el establecimiento de los primeros ayllus en la parte sur de Huancayo, de las zonas
altas del Valle del Mantaro, Canipaco y norte de Huancavelica.
El Huaylarsh es la florescencia de la vida, que de acuerdo con la evolución natural
del ecosistema andino se lleva a cabo en febrero, marzo y abril de cada año, pero
cuando interviene la mano del hombre, para la actividad agraria, es decir para la
preparación de tierras para el cultivo, “pulun ashpi”, Barbecho “Chacmay”, siembra
“Talpuy”, deshierbo, “jacha chutay”, cultivo, “allpanchay”, “achmi”, “juluy”, de habas
“chayanchay”, “llamtay” y “alhuish” de arvejas “alchay”, de cereales “lutuy”, de
quinua, “quinua ahui”, de frejol “llamatay ticay”, et, etc., ya es el trabajo del hombre
el que florece, como también en la cogida de frutos andinos “pallay”, recolección de
combustible para el hogar “tullpa”, “yamtapallay”, “chamiza faena”.
El Huaylarsh Moderno o Huaylas de Salón es una adaptación del Huaylas cuyos
pasos requieren menos esfuerzo para su realización. Se baila sobre una pista de
madera. La vestimenta de las mujeres es bordada con varias polleras, y el de los
hombres es también bordado, y con una abertura en el botapié. Ambos sexos bailan
con zapatos de tacón.
Se relaciona con las cosechas y las tareas agrícolas, con lo que festejan la riqueza
agrícola, el rendimiento de las cosechas y la producción de la zona. También es
acompañada por instrumentos como el saxofón, violín, clarinete y arpa DEFINICIÓN
Tema fundamental del Huaylas moderno es el enamoramiento y la competencia en
el baile por parejas como un medio de trasuntar alegría. Los conjuntos por lo general
representan una entrada, baile por parejas y una despedida, todo esto figuras
variadas y uniformes, los desplazamientos son veloces y sorprendentes; a mayor
figuras y desplazamientos, más interés, incluso cuando se desarrolla el baile por
pareja, los demás realizan figuras de cortina para destacar a la pareja bailante y para
la belleza visual del espectáculo que no debe ser aburrido con cuadros muertos. ORIGEN
El Huaylarsh es una danza cuyo origen se pierde en el tiempo y espacio. Su mayor
difusión se encuentra en los pueblos de la zona sur de Huancayo
como: Pucará, Sapallanga, Huancán, Huayucachi, Viques, Chongos Bajo, etc.
La Danza es ejecutada por el Huaylarsh y las wamblas (jóvenes).
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Esta danza se puede apreciar en el mes de febrero; mes de carnaval como un culto
a la naturaleza. Sobre todo, a la fecundidad de la tierra, así como también a la llegada
de las lluvias. El Huaylas moderno, surge como contrapartida del Huaylas antiguo,
cuyo vestuario es mucho más lujoso. La coreografía representa el enamoramiento
de las aves, complementada con otros pasos. Es una migración CAMPO – CIUDAD. VESTUARIO DEL HUAYLAS MODERNO Damas:
Sombrero de lana color vicuña
pañal bordado en terciopelo o velour
maquitos bordados del mismo color que el pañal,
cotón de color negro
faja Huanca moderna
fustán de lino picado o labrado
fustán de castilla tasqueado o bordado
zapatos negros de planta baja. Varones:
Sombrero de color vicuña de lana de oveja
camisa blanca de lino
pañuelo al cuello de diverso color
chaleco bordado
faja huanca moderna
pantalón negro de calla o abertura blanca en el volapié
zapatos negros de rostro bajo
pañuelo de mano.
Coreografía: Se baila en parejas, imitando las diversas fases o etapas del
enamoramiento de las aves del campo, como: El chiwuaco paclay, anca muyuy,
escobillado, estaca tacay, etc. Así mismo se efectúa un movimiento de figuras.
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DANZAS AFRO PERUANAS
DATOS INFORMATIVOS DEL FESTEJO - RITMO
1. Característica de las Danzas Afroperuanas; Dentro de las
características más resaltantes y comunes tenemos su ritmo alegre, festivo y
vivaz de su música; que en épocas de antaño serian ejecutadas en tambores
de parche, calabazas o cajones de fruta, acompañando estos sonidos están
también las quijadas de burro, las cajitas limosneras y otros instrumentos más
que con el pasar de los años desaparecerán o evolucionaran.
Otra de las características principales de las danzas africanas era que por
medio de ellas adoraban a sus Dioses. Dioses que representaban a los
fenómenos naturales así tenemos a SHANGO, YEMAYÁ; OSHÚN, y otros
más.
Nicomedes Santa Cruz (1970) nos menciona:”….es adorado en primer lugar,
OBATALA o ARISHALA Dios del Cielo, SHANGO Dios del Rayo; con sus tres
mujeres: OYÁ Rige las tormentas, OSHÚN Diosa de las Aguas dulces,
YAMEYÁ Diosa del Mar y del Amor casto…”. (p.24.)
Estas danzas ofrecidas a sus Dioses poseen movimientos pélvicos-ventrales,
con contoneos y saltos, que serán malinterpretados como movimientos
lascivos por los españoles. Ellos no entendían el mensaje que esto encerraba.
Con respecto a esto Nicomedes Santa Cruz nos dice:”….pantomima
coreográfica del acto sexual sin mayor trascendencia que invocar los poderes
de la Naturaleza en beneficio de la colectividad.
2. Origen del “Festejo”; con respecto a su origen se cree es Congo; pero
cabe resaltar que estrictamente no se refería a que fuera de ese lugar del
áfrica; porque se sabe por investigaciones que a ellos se les reconocía por su
procedencia de castas y no por el lugar; así nos refiere Denys Cuche (1973)
en su libro producto de su investigación:
El Mercurio Peruano del año 1791 indico su procedencia: “Las castas principales de
los negros que nos sirven son diez: La de los Terranovos, Lucumés, Mandingas,
Cambundas, Carabalíes, Cangaes, Chalas, Huarochiries, Congos y Mucangas. Sus
nombres no todos son derivados precisamente del país originario de cada casta…”.
(p. 15).Por otro lado Nicomedes Santa Cruz (1970) escribe en su libro:
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“Presumiéndose su origen Congo, su función de divertimento colectivo, dentro
de los caracteres generales de la música africana;…”. (p. 61).
Este género en sus principios existía solo como música, mas no como baile
en sí. Así nos menciona Nicomedes Santa Cruz (1970):
En el primer semestre del año 1949, algunos grupos familiares de negros
herederos de sobrevivencias folklóricas negro-peruanas (limeños,
chancayano más tarde- cañetanos y chinchanos), fueron incorporados por vez
primera, como profesores de música y danza Afroperuanas, en las flamantes
“Academias Folklóricas”. (p. 61).
El mismo autor también nos comenta también con respecto al origen de las
secuencias bailables de la danza: “Ellos, los improvisados “profesores”,
obligados por las circunstancias, tuvieron que inventarles una coreografía al
Festejo, que aún se cantaba con acompañamiento de…”. (p. 61).
3. Mensaje de la danza; El Festejo es un ritmo afroperuano en el que se
muestra la alegría, la quimba y el júbilo de la raza negra transmitiendo un
mensaje erótico - festivo.
4. Pasos básicos del Festejo; son varios los pasos que se utilizan y los
nombres que se les da es para que de alguna manera identificarlos; Descanso,
Básico, Lateral, Corrida, vuelta y contra vuelta, Pasos compuestos, Golpe de
pelvis, etc.
Se tomaron pasos de la danza Son de los diablos como de otros géneros que
si se practicaban; nos refiere Nicomedes Santa Cruz (1970): “tomaron pasos
del son de los diablos, contoneos de figuras del agua „e nieve y hasta del
zapateo criollo; los aplicaron a pareja mixta en baile y les marcaron
emplazamientos ligeramente copiados a la resbalosa…”. (p. 61).
5. Estructura coreográfica; es una danza de coreografía libre; individual,
pareja o grupal, donde las parejas pueden ser de parejas mixtas o de mujeres.
Nicomedes Santa Cruz (1970) nos refiere: “…su coreografía libre y para solista
o solistas con participación de los circunstantes.” (p. 61).
6. Área de difusión; por algunos escritos y por la historia podemos darnos
cuenta que estos bailes se dieron donde se habían situado a los negros traídos
por los españoles para el trabajo tanto doméstico, agrícola, como minero.
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Estos lugares son: Lima, Chancay, Cañete y Chincha; por mencionar algunos.
Nos hace la referencia Nicomedes Santa Cruz (1970):”….herederos de
sobrevivencias folklóricas negro-peruanas (limeños, chancayanos y – más
tarde- cañetanos y chinchanos”. (p. 61).
7. Instrumentos musicales; en la actualidad se pueden observar que
básicamente se utiliza el cajón, el cencerro, el checo y el tambor de parche.
Como también con el pasar de los años se le han adicionado instrumentos
modernos como son las tumbadoras y los bongoes, supliendo sonidos de
tambores antiguos.
8. Vestimenta del Festejo; con respecto a los vestuarios no se tiene
mucha bibliografía; pero se asume que debieron ser las ropas utilizadas
diariamente por as negras dedicadas a los quehaceres de las haciendas,
como los negros dedicados al campo
Mujeres:
Blusas con bobos o
mangas amplias.
Faldones.
Interiores o enagües.
Para el diario calzados sencillos, pero para cuestiones de baile
fue descalzo. Pueden incluirse pañuelos amarrados en la
cabeza.
Varones:
Camisas.
Pantalones.
Fajas que utilizaban para sujetar los pantalones.
Para el diario calzados sencillos, pero para cuestiones de baile
fue descalzo.
(DATOS DE RECOPILACION DE CAPACITACIONES)
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DATOS INFORMATIVOS DE LA DANZA SON DE LOS DIABLOS
1. Característica y origen de la Danza “Son de los Diablos”; es una
danza característica de las fiestas de carnaval, perteneciente al folklore
afroperuano de nuestra costa, constituido por comparsas o cuadrillas de no
menos ocho danzarines, que lo ejecutan al ritmo de percusiones. Nicomedes
Santa Cruz al respecto nos dice:”…alegrando las calles en días de Carnaval.
Una Cuadrilla estaba integrada por ocho o diez diablos, comandados por un
Diablo Mayor”.
Los diablos durante su recorrido se detenían en las esquinas, formando ruedos
y, alternativamente bailaban en el centro ejecutando “pasadas de zapateo
criollo”; demostrando movimientos de agilidad basados en saltos acrobáticos
y vueltas de fondo místico y pagano al son de la música.
2. Orígenes de la danza; Sus orígenes lo encontramos tanto en el Teatro
Litúrgico Medieval como en los rituales antiquísimos africanos del Congo y La
Guinea. Así nos comenta Mónica Rojas (2004):
Por medio de las muchas acuarelas que nos ha dejado Pancho Fierro,
podemos apreciar que las cuadrillas de esta danza, antes de que pasen a
ejecutarse en Carnavales; salían en importantes Fiestas Religiosas.
Nicomedes Santa Cruz (1970) dice: “Algunas acuarelas del pintor mulato
Pancho Fierro (1803-1879) muestran épocas anteriores al Son, quizás cuando
su aparición coincidía con la Epifanía, Domingo de Cuasimodo o bien
precediendo la Procesión en la Infraoctava del Domingo de Corpus”.
3. Mensaje de la danza; básicamente es satírico, porque se mofa de ciertos
modos y costumbres, impuestos por los conquistadores, en los cuales;
personajes y autoridades fueron ridiculizados
4. Pasos de la danza; es una de las pocas danzas afroperuanas como tal,
algunos de sus posos lo toma el género festejo cuando les crean coreografías.
Así tenemos el paso básico de son de los diablos, el de descanso, la marcha,
el lateral, saltitos en lateral, corrida/patada/vuelta, paso doble, los zapateos,
descanso con cruce y patada, paso de salida, etc.
5. Proceso y estructura de la danza; cuando la danza pasa a ejecutarse
en escenarios se le presenta de la siguiente manera: El Diablo Mayor y su
séquito desean llevarse el Alma de un hombre, pero su Viuda se resiste y debe
pagarle un “aguinaldo” al Diablo mayor, pero lo que ella tiene no le alcanza,
esta pide al público le ayude hasta que complete la ofrenda, pasando un
pañuelo y cuando está completo, lo arrojara al centro del circulo de los diablos.
Luego vendrá la lucha por el alma entre el Diablo Mayor y el Arcángel donde
el segundo sale triunfante, recogiendo el alma del hombre, entregándosela a
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la viuda.
En la estructura coreográfica la ejecución en pasacalle, será así: los diablos
por lo general marchan en una columna, hasta llegar a una esquina donde se
ponen a bailar formando rueda que gira primero hacia un lado y luego hacia el
otro; para luego formar filas, paralelas, en medio de las cuales se ubica el
Diablo Mayor. Muchas veces llegan hasta ejecutar contrapuntos de zapateos
entre los más avezados y se atreven a salir al ruedo, ganara el que ejecute el
zapateo más complicado sin repetir ningún movimiento
6. Área de difusión; Se sabe que en Lima cercado se practicó casi desde
que llegaron los españoles, pero también se sabe que además de los
palenques que existieron en Lima, también existieron otros palenques como
es del Valle Huaura. (Con respecto a los palenques eran refugios de negros
que se fugaban de las haciendas y se convertían en cimarrones por lo tanto
hay palenques en muchos lugares de cerca de las ciudades, no eran oficiales
se dedicaban al robo para subsistir)
Nicomedes Santa Cruz nos dice: “Hasta en los años veinte del presente siglo
fue posible ver por el centro de Lima y distrito de La Victoria las pintorescas
Cuadrillas del Son de los Diablos, alegrando las calles en días de Carnaval”.
7. Instrumentos musicales; en la actualidad se pueden observar que
utilizan la guitarra, el cajón, la cajita, la quijada de burro, pero también existen
testimonios que en algún momento se utilizaron el arpa, el cencerro, el checo
y el tambor de parche.
Nicomedes Santa Cruz (1970) comenta: “La orquesta se componía de guitarra
(o arpa), cajita y quijada de burro (carachacha)”.
En tiempos pasados, en una celebración del Señor de los Milagros de 1671,
«los músicos se acompañaban de arpa y cajón» dice que esta sería la primera
referencia sobre el cajón aunque es difícil de confirmar ya que Vargas Ugarte
no tuvo acceso al documento original de la época. Sin embargo R. Santa Cruz
nos reta a pensar si cucharas, machetes, calabazas, cencerros, semillas,
quijadas de animal o cualquier objeto cotidiano capaz de producir sonido fue
siempre visto como «instrumento musical».
8. Vestimenta del Son de Los Diablos; el vestuario que utilizan tiene
mucha característica de los trajes utilizados en esa época, como por ejemplo
los pantalones hasta las rodillas como era en la época virreinal con medias
blancas y alpargatas, pero con el detalle que eran de varios colores o
únicamente rojos. Su cara la cubrían con una máscara que representaban
demonios, y pelucas elaboradas en soga o de lo contrario pañoletas
amarradas en la cabeza.
Diablo Mayor; lleva una máscara más grotesca que tiene una corona, además
una capa y un látigo en su mano.
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Basándonos en los estudios hechos por investigadores tenemos que
Nicomedes Santa Cruz (1970) nos dice: “Vestían casaca y pantalón rojo,
mascara, cuernos, rabo y zapatillas de soga; completando el atuendo una
pequeña capa y muchos cascabeles”. (DATOS DE RECOPILACION DE
CURSOS DE ACTUALIZACIONES)
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DATOS INFORMATIVOS DEL FESTEJO - ALCATRAZ
1. Característica de las Danzas Afroperuanas; Dentro de las
características más resaltantes y comunes tenemos su ritmo alegre, festivo y
vivaz de su música; que en épocas de antaño serian ejecutadas en tambores
de parche, calabazas o cajones de fruta, acompañando estos sonidos están
también las quijadas de burro, las cajitas limosneras y otros instrumentos más
que con el pasar de los años desaparecerán o evolucionaran.
2. Origen del “Festejo”; se cree que su origen es congo; pero cabe
resaltar que estrictamente no se refería a que fuera de ese lugar del áfrica;
porque se sabe por investigaciones que a ellos se les reconocía por su
procedencia de castas (Terranovos, Lucumés, Mandingas, Cambundas,
Carabalíes, Cangaes, Chalas, Huarochiries, Congos y Mucangas) y no por el
lugar de donde procedían.
Este género – FESTEJO - en sus principios existía solo como música,
mas no como danza en sí. Así nos menciona Nicomedes Santa Cruz (1970):
“…en el primer semestre del año 1949, algunos grupos familiares de
negros herederos de sobrevivencias folklóricas afro-peruanas (limeños,
chancayanos y – más tarde- cañetanos y chinchanos), fueron incorporados
por vez primera, como profesores de música y danzas Afroperuanas, en las
flamantes Academias Folklóricas”. Nicomedes también nos refiere con
respecto al origen de las secuencias bailables de la danza: “…Ellos, los
improvisados “profesores”, obligados por las circunstancias, tuvieron que
inventarles una coreografía al Festejo, que aún se cantaba con
acompañamiento de instrumentos de percusión”.
Específicamente con el alcatraz, algunos entendidos dijeron, que la palabra
“Alcatraz” es una corruptela (forma equivocada) de la palabra “Alcataz” que
quiere decir CUCURUCHO DE PAPEL y es el que se le pone en la espalda
baja; en donde tanto el hombre como la mujer, con una vela empiezan a tratar
de quemarlo.
3. Mensaje de la danza; Danza con un mensaje erótico-festivo. Es un ritmo
afroperuano en el que se muestra la alegría, la quimba y el júbilo de la raza
negra.
4. Pasos básicos del Festejo; Nicomedes Santa Cruz nos refiere que se
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tomaron pasos del son de los diablos, contoneos del figuras del agua´e nieve
y hasta del zapateo criollo; los aplicaron a pareja mixta en baile y les marcaron
emplazamientos ligeramente copiados a la resbalosa.
Son varios los pasos que se utilizan y los nombres que se les da es para que
de alguna manera identificarlos:
Básico / Descanso / Lateral / valentina simple / mambo cha cha / valentina
de 3 rep / contoneo de caderas, etc.
5. Proceso y estructura coreográfica; es un baile de pareja suelta.
Hombre y mujer llevan en la parte posterior de la cintura, un pedazo papel o
algo similar; el hombre con una vela encendida trata de prender el “cucurucho”
mientras la mujer baila moviendo las caderas, sin que ninguno de los bailarines
perdiese el ritmo. Actualmente en la coreografía también la mujer trata de
quemar al hombre.
Como es un baile de coreografía libre, no tiene una estructura, solo el
interactuar y cortejarse.
6. Área de difusión; baile del genero Festejo, vigente especialmente en
Lima e Ica. En sus principios este se baile se daba en las reuniones a
manera de elegir a alguna pareja, pero con el pasar del tiempo para a ser
un baile de coquetería y entretenimiento.
7. Instrumentos musicales; en la actualidad se pueden observar que
básicamente se utiliza el cajón, la guitarra, el cencerro, entre otros. La música
es interpretada por solista y coro de cantantes. Los temas más conocidos
pertenecen a Don Porfirio Vásquez y a su hijo Abelardo como “Al son de la
tambora” y “Negrita ven”, respectivamente.
8. Vestimenta del Festejo; con respecto a los vestuarios no se tiene
mucha bibliografía; pero se asume que debieron ser las ropas utilizadas
diariamente por las negras dedicadas a los quehaceres de las haciendas,
como los negros dedicados al campo.
Las mujeres para poder mover mejor las caderas, ataban un pañuelo a la
altura de las mismas y de esta manera recogían las grandes faldas a manera
de bombachas, permitiéndoles ejecutar un baile más sensual.
Mujeres Varones
Blusas con bobos o mangas amplias. Camisas
Faldones Pantalones
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Interiores o enagües Fajas
Pueden incluirse pañuelos
amarrados en la cabeza.
Por lo general descalzos
Por lo general descalzos Chalecos
pañoletas
(DATOS DE RECOPILACION DE CURSOS DE ACTUALIZACIONES)
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DATOS INFORMATIVOS DE LA ZAMACUECA
1. Característica de la Danza; Se considera a este estilo musical como madre
de la Cueca, la Zamba, y la Marinera. En sus principios era acompañado
musicalmente por el laúd.
La Zamacueca clásica es conocida también como Canto de Jarana o
Marinera Limeña. El Canto de Jarana, es una forma más hispano o gitana, donde
el lamento y la rebeldía son sinónimos expresivos.
La Zamacueca se baila empuñando un pañuelo blanco con la mano derecha
(tanto la dama como el varón), el cual es agitado alborotadamente en el aire por
sobre la altura de la cabeza, según algunas pinturas de esa época encontradas.
La zamacueca, al ser un baile de galanteo, a la vez de pareja independiente
y suelta, su coreografía es consecuencia de una serie de movimientos que
configuran el asedio del varón a la dama.
2. Origen de la “ZAMACUECA”; El origen de la zamacueca proviene del
mestizaje musical-cultural que se dio entre los gitanos y los mulatos que habitaban
Lima durante el Virreinato del Perú. La forma corista y el tundete de su música,
tiene una dulzura de origen africano; el temperamento, la sátira y la ejecución de
guitarra tiene un origen Gitano; pero esta variante se da aquí en el Perú.
La terminología proviene de "zamba" y "clueca", en alusión a aquel asedio
similar al que efectúan los gallos a las gallinas
Su origen se remonta a los siglos XVII y XVIII en donde esta forma mestiza
musical comienza a destacar en el Rímac, Barrios Altos, en barrios del Callao y
en bares ubicados entre los puentes, callejones y balcones limeños.
Con el pasar de los años la zamacueca llega a Chile, transformándose en la
cueca chilena, a través del Puerto de Valparaíso gracias a músicos del Perú.
Desde Chile pasó a Mendoza (Argentina) en donde se denominó ''Cueca Cuyana'';
luego llegó, procedente de Arequipa, a Bolivia y desde ahí, pasó al noroeste de
Argentina, donde se transformó en la ''Cueca Norteña'', más tarde en Zamba y
Zamba Alegre, cabe reafirmar que todas estas son variantes (o sub-géneros) de
la Zamacueca Peruana.
Luego de la Guerra del Pacífico (entre el Perú y Chile) los peruanos llamaron
“Marinera” a la Zamacueca de estilo Norteño, en honor a la Marina de Guerra del
Perú. La Marinera Norteña tiene también una influencia del Tondero; que es
anterior a la Zamacueca, y por ahí su influencia indígena.
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3. Mensaje de la danza; Se representa el asedio amoroso a una mujer por
parte de un hombre con el propósito de conquistarla. Este requerimiento se
plasma en cada mudanza o figura, la mujer intenta rehuir al asedio del varón, el
cual lo consigue hasta el final.
4. Pasos básicos de danza; son varios los pasos que se utilizan y los nombres
que se les da es para que de alguna manera identificarlos.
Paso básico (marcha), lateral, lateral con vuelta y contra vuelta, paso del
vacunado, lateral con pañuelos (MUJERES: pie derecho; pañuelo arriba-abajo /
pie izq.; pañuelo solo arriba. HOMBRES: pie derecho; pañuelos abre-cierra / pie
izq.; pañuelos separados); Los careos.
5. Proceso y estructura coreográfica; No se da de una forma estricta; pero
en el proceso del baile se representa el cortejo entre hombres y mujeres, el
vacunado y sobre todo en baile en pareja y coqueteo por medio de los careos que
es característico de este baile, como también se da en la marinera; puesto que se
puede considerar a esta como la madre.
6. Área de difusión; Género muy de culto, limitado a una ejecución correcta
solamente entre artistas de origen limeño, sobre todo criollos, mulatos y negros.
Los máximos exponentes de dicho baile y forma musical se reunían en la
afamada “Fiesta de Amancaes”; en donde se exponían concursos de platos
típicos de distintas regiones, Caballo de Paso Peruano y por supuesto música
criolla.
7. Instrumentos musicales; El ritmo se tocaba principalmente con laúd (antes
de convertirse en la actual guitarra) o arpa, en donde se tamborileaba el ritmo
antes de la apariencia del ahora popularmente conocido cajón peruano.
En la actualidad se pueden observar que básicamente se utiliza la guitarra y
el cajón con acompañamientos de instrumentos que se utilizan también en otras
danzas afroperuanas.
8. Vestimenta de la Zamacueca; La vestimenta esta recreada a la usanza del
siglo XVII, XVIII y XIX; es común, de vestir diario y de campo donde podemos
apreciar una auténtica vestimenta de las negras peruanas con vestidos largos a
media pierna, medias gruesas y largas, alpargatas y de repente un pañuelo
recogiendo el pelo o un sombrero de paja que protege la cabeza del fuerte sol al
que estaban expuestos los negros peruanos en las chacras y cañaverales
costeños del Perú, inclusive desde épocas de esclavitud.
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En el caso de los varones llevaban camisas, pantalones a media pierna; fajas
que utilizaban para sujetar los pantalones y calzaban alpargatas. En la actualidad
se ha tomado esta forma de vestir para ejecutar dicho baile, tanto el de las mujeres
como el de los hombres.(Recopilación de cursos de actualización)
DATOS INFORMATIVOS DEL TONDERO
1. Característica de la Danza; Menciona Augusto Montoya en uno de sus
artículos: “…el tondero, danza muy antigua de pareja mixta con características
vivaces, de ritmo alegre y expresión mimética (imitativo), con modalidades de
“forma” diferente en cada pueblo donde se baila y que hasta cierto punto se define
ritual amoroso que va hacia una conclusión lógica en lo mimético”.
2. Origen del “TONDERO”; la peruanidad de este baile es inobjetable. El lugar
exacto donde se originó no se ha establecido con precisión. Hay versiones que
señalan que su cuna estaría en Piura, otros en Lambayeque y otros La Libertad.
En todo caso, no existen objeciones respecto a que fueron los pueblos del norte
del Perú los que la crearon y la mantuvieron vigente hasta la actualidad.
En cuanto al grupo o comunidad que le dio vida, los autores no se ponen de
acuerdo; como tampoco coinciden con la época de su creación, siendo casi
imposible en la actualidad llegar a una conclusión exacta en tales aspectos. Por
tal razón se agrupan las distintas versiones:
Teoría indigenista, Teoría africanista, Teoría hispanista y Teoría del mestizaje;
esta última es la más aceptable porque este baile sería producto del mestizaje
motivado por la conquista, fundiendo elementos indígenas, negro y español.
Según Pina Zúñiga (investigadora), el tondero es también fruto de la influencia
de nuestro medio cuyas remembranzas legendarias atestiguan que fue un
amalgamiento vigoroso de la raza malgache y nuestra raza Tallán, dando origen
a esta danza tan propia e inconfundible de nuestro folklore norteño.
3. Mensaje de la danza; el mensaje es único: el enamoramiento. Pero depende
de la intensión de los bailarines sobre lo que deseen expresar y lo que hagan en
el momento de la ejecución. No es lógico señalar que toda persona que baile un
tondero tenga que enamorar ya que aquí la voluntad y la situación juegan un rol
importante.
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En cuanto a las expresiones que observamos notamos picardía, seducción,
coqueteo, habilidad destrezas; el sentir y las costumbres del norte peruano.
4. Pasos básicos de danza; así tenemos:
Pasos de espera;
Huida;
Marcación;
Morropano; simple y doble
Zapateo hacia adelante;
Zapateo hacia atrás.
Función de los pasos básicos:
Pasos de espera; el de mujer distinto al del varón y que cumplen la función de
presentación y a veces de insinuación antes de iniciar el recorrido.
Huida; paso típico presente en casi todas las modalidades del tondero, que nos
permite avanzar si se desea con rapidez.
Marcación; paso infaltable utilizado para enlazar o rematar los pasos.
Morropano; paso predominantemente de la zona de Morropón
Zapateo hacia adelante; también llamado caballito o taconeo.
Zapateo hacia atrás; es un paso que no existía anteriormente y que es más
bien la creatividad de los bailarines
5. Proceso y estructura coreográfica; En el proceso se puede mencionar que
primero la pareja marcará el terreno sobre el cual ejecutará la danza "rodeo”, para
posteriormente realizar "careos" y "huidas" que representan la búsqueda de la
pareja, pues la dama parece tratar de huir pero a la vez incita a la persecución.
Finalmente la fuga donde los bailarines realizan con habilidad y espontaneidad,
pasos que muestran sus condiciones con zapateos espontáneos que muestran
sentido rítmico y creatividad.
La estructura coreográfica; la mayoría de recopiladores lo que han hecho es
narrar lo que han visto, pocos han tratado de definir una estructura en el baile
pero entendemos como la estructura básica y quizá tradicional la siguiente:
Espera, parte inicial en la los bailarines se preparan para ejecutar el baile. Se
van conociendo y se van mostrando las intenciones si se desea.
Careos, huidas y rodeos; parte en la los bailarines ejecutan sus
desplazamientos expresando con astucia sus intenciones para con la pareja; es
la parte en donde el mensaje del baile se aprecia en todo su esplendor.
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Fuga; tercera y última parte en la que los bailarines expresan con mayor fuerza
y agilidad su presencia ante la pareja. Se hace presente aquí una competencia.
6. Área de difusión; Los movimientos ágiles y airosos de los bailarines en
pequeño espacio se combinan con sugestivos contorneos, teniendo algunos
pasos específicos según la zona donde se practique, predominando en los
pueblos de la Costa Norte del Perú: Moche (Trujillo), Mórrope (Lambayeque),
Morropón, Paita, Sechura, Catacaos (Piura), y otros.
7. Instrumentos musicales; pueden ser cantados acompañados con cajón y
guitarra, pero también los que son tocados por bandas.
La estructura musical es tripartita, es decir que consta de TRES PARTES.
Según Augusto Montoya la primera parte se denomina Introducción que es
precisamente el tema o motivo que en la segunda parte se va a ejecutar. La
segunda parte se llama Desarrollo por lo dicho anteriormente y, la tercera parte
se llama Fuga, que es la más alegre y fogosa con la que termina su interpretación.
8. Vestimenta que utilizan para representar el Tondero; Muchas veces se oye
decir Traje de Tondero, pero realmente es sinónimo de desconocer la relación
que hay entre una y otra expresión, debemos manifestar que no existe un vestido
específico de Tondero que se use especialmente para ejecutar este baile.
El vestuario de Tondero puede ser cualquier vestido tradicional del norte. Para
las mujeres, las sayas o polleras en algunos casos, en otros lugares utilizan el
anaco o túnica prehispánica que todavía utilizan muchas comunidades del norte
de Perú, predominando los colores negro y blanco. Los campesinos utilizan su
ropa de faena.
Para el caso de una presentación podemos considerar las prendas siguientes:
Los varones:
Sombreros de palma u otro tipo de paja.
Pantalón negro, blanco, crema o caqui.
Camisa a rayas, en otros lugares totalmente blanca.
Las fajas (a manera de correa).
Alforjas de hilo fino de algodón.
Pañuelo.
Las mujeres:
Camisón.
Falda.
Fustanes.
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Aretes de filigrana (conocidas también como lloronas).
Pañuelo
Cántaros de arcilla, (son los usados para la elaboración de la
chicha de jora).
Potitos o calabazas.
En ambos casos el baile se ejecuta sin zapatos.
(DATOS DE RECOPILACION DE CURSOS DE ACTUALIZACIONES)
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GLOSARIO ACENTO: Refiere a la mayor intensidad dada al sonido de una pisada. Enfatizar algún movimiento. ALTERNAR: Refiere a la realización del mismo movimiento realizado por algún miembro corporal, pero de la lateral contraria. APOYO: Movimiento donde no existe sonido y se da a partir de un cambio de peso. BAILE: Arte de bailar, ejecutar movimientos acompasados con el cuerpo, brazos y pies. COORDINACIÓN: es la capacidad que tienen los músculos estéticos del cuerpo de sincronizarse bajo parámetros COREOGRAFÍA: Arte de la danza, ejecutar movimientos acompasados. es el arte de crear estructuras en las que suceden movimientos; el término composición también puede referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos COREÓGRAFO: Persona que hace la coreografía de un espectáculo de danza o baile. DANZA: Término genérico que designa al conjunto de manifestaciones coreográficas artísticas sin importar factores culturales, temporales o geográficos. La danza aparece prácticamente en todas las manifestaciones multitudinarias y privadas. Puede ser espectáculo por sí misma, o formar parte de otros de mayores dimensiones. DANZA FOLCLÓRICA: Estudio de usos y costumbres, tradiciones espirituales y
sociales de expresiones orales y artísticas que permanecen en un pueblo
evolucionado (no primitivo) reflejan valores culturales que se transmiten de
generación en generación, obedecen a estructuras como el grupo étnico definido por
factores como la geografía, la historia, el clima, la cultura.
EXPRESIÓN CORPORAL: Se refiere a los movimientos del cuerpo con cierta gracia
y vitalidad
GIRO: Movimiento circular en donde se involucra a todo el cuerpo sobre su propio eje. Semejante al movimiento de rotación de la Tierra. GUAPEO: Se refiere al grito o expresión de alegría que denota triunfo a lo que has ganado o vas a ganar. LÚDICO: se identifica con el ludo que significa acción que produce diversión, placer y alegría y toda acción que se identifique con la recreación y con una serie de expresiones culturales como el teatro, la danza, la música movimiento artístico. - toda acción que realizan los seres humanos con talento. vestuario.- la indumentaria que se utiliza en la danza. PULSO: en música es una unidad básica que se emplea para medir el tiempo. Se
trata de una sucesión constante de pulsaciones que se repiten dividiendo el tiempo
en partes iguales
RITMO: Es el orden del movimiento
SALTO: Impulso corporal hacia arriba con separación del piso y desplazamiento. SEGMENTACIÓN: la buena articulación del cuerpo en sus cinco segmentos. VUELTA: Movimiento en trayectoria circular que implica la traslación del cuerpo en cualquier dirección, fuera de su eje. ZAPATEO: Golpe dado con la planta del pie.
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FUENTES DE INFORMACIÓN
Fuentes Bibliográficas
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talleres de folklore. (Ensayo). Lima: Universidad Inca Garcilazo de la Vega.
2. Lora, J. (2005). Educación Psicomotriz y Aprendizajes Escolares ,
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4. Escobar, C. (1997). Al Ritmo de Nuestro Folklore. (2da. Reimpresión). Bogotá:
San Pablo.
5. García, H. (1997). La Danza en la Escuela. (2da. Ed. 2003). Barcelona –
España: INDE editor.
6. Vilar, J. (2011). Viaje a través de la Historia de la Danza. E.U.A: Palibrio editor.
7. Portugal, J. (1981). Danzas y Bailes del Altiplano. Lima – Perú: Universo S.A.
8. Paniagua, F. (1981). Glosas de Danzas Del Altiplano Peruano. (Boletín). Lima:
Editorial Los Pinos.
9. Arone, R. (2010). Vestimenta Tradicional en el Perú. (Breve Reseña). Lima:
CCSM – Escuela del Folklore de la UNMSM.
10. Zuñiga, p. (1984). Música y danzas folclóricas de Piura: Editor Centro de
Folklore "José María Arguedas".
Fuente hemerografica
10. Ros, N. (2011). Expresión corporal en educación: Aportes para La formación
Docente. Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Revista
Iberoamericana de Educación (ISSN: 1681-5653).
