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MICHELANGELO DA

CARAVAGGIO

Juliana Baratta Biassini Grupo R1A 2012-2013 Historia del Arte Escuela Superior de Diseño

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INDICE

Datos de la foto de portada 3 Introducción 4-5 Capítulo I Milán, Roma, Flores y Frutas 6-7 Capítulo II El mundo de la calle y los burdeles 8 Nápoles y muerte Capítulo III Naturalismo 9 Capítulo IV Imágenes 10-13 Capítulo V La Buenaventura 14-17 Opinión Personal. Comentario 18 Fuentes mas citadas 19

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Dibujada por Octavio Leoni, Retrato de Caravaggio Florencia, Biblioteca Marucelliana.

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Introducción

El Barroco tiene su origen en Italia, y mas concretamente en Roma, en el transito de los siglos XVI al XVII, muchas manifestaciones del Manierismo de la segunda mitad del XVI son considerables para algunos autores como (1)protobarroco. El Barroco se extiende rápidamente por los países europeos católicos y absolutistas: España, Portugal, Francia, Austria. Más tarde, las colonias americanas de estos países son también escenario de manifestaciones artísticas barrocas, con una presencia muy notable del clasicismo en Francia e Inglaterra. En cambio, en los países protestantes, la ausencia de imágenes en las iglesias comporta el predominio a las artes plásticas, de temas profanos como el retrato o la pintura de genero. Entre 1700 (muerte de Carlos II de España) y 1715 (muerte de Luis XIV de Francia) el Barroco se puede considerar finalizado para dar paso al Rococó. El espíritu barroco subsiste en muchas obras del XVIII, lo que lleva a algunos autores a hablar de tardo barroco. El arte Barroco se puede considerar la manifestación de un poder (Iglesia y las monarquías absolutas) que busca impresionar, emocionar y hacer ostentación de su grandeza. Es un arte totalmente escenográfico, en el que arquitectura, pintura y escultura se conjugan en programas estéticos y alegóricos complejos. Para entender el Barroco, cabe recordar algunos de los elementos claves del periodo histórico: la Contrarreforma católica (triunfo del catolicismo); el Absolutismo monárquico; Guerra de los treinta años; cambios radicales, aparición del parlamentarismo moderno a Holanda e Inglaterra, los avances científicos, la aparición del racionalismo filosófico, el desarrollo del capitalismo comercial y la irrupción de una burguesía rica y poderosa de países atlánticos (sobretodo Holanda). Podemos resumir el arte reflectado de este momento contradictorio y critico en las antinomias entre barroco católico / barroco protestante: naturalismo / clasicismo; temática religiosa / temática mitológica y profana: arte cortesano y eclesiástico / arte intimo y familiar. La utilización de termino barroco para designar el arte del siglo XVII y las primeras décadas del XVIII, procede de la critica que hacían los neoclásicos de manifestaciones artísticas que consideraban contrarias al buen gusto y a las normas del clasicismo. Es un arte con soluciones estéticas y formales propias pero que en absoluto se puede entender como opuesto al clasicismo. Según Wölfflin, el Barroco se define principalmente por oposición al Renacimiento: frente a la visión lineal renacentista, la visión pictórica barroca; frente a la composición en planos, la basada en la profundidad; frente a la forma cerrada, la abierta; frente a la unidad compositiva basada en la armonía, la subordinación a un motivo principal; frente a la claridad absoluta del objeto, la claridad relativa del efecto. Así, el Barroco «es el estilo del punto de vista pictórico con perspectiva y profundidad, que somete la multiplicidad de sus elementos a una idea central, con una visión sin límites y una relativa oscuridad que evita los detalles y los perfiles agudos, siendo al mismo tiempo un estilo que, en lugar de revelar su arte, lo esconde»

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El siglo XVII es sin duda, el siglo de oro de la pintura europea. El dominio técnico, la variedad temática y estilística, la capacidad para reflejar la realidad al lienzo y la gran cantidad de pintores (Velázquez, Rembrandt, Rubens, Caravaggio, Poussin, etc.) representan un momento culminante del arte universal. El barroco se define por las siguientes características: el dominio técnico absoluto tanto de la pintura al olio sobre lienzo como de la pintura al fresco; el predominio del color sobre la línea (efectos de profundidad, perspectiva y volumen); la luz, elemento fundamental en la pintura barroca (utilización de la técnica del claroscuro); el movimiento y las composiciones complicadas, con perspectivas insólitas y una distribución asimétrica de volúmenes; el realismo (imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y la concepción de la belleza propias del sigo anterior) y el gusto por las perspectivas ilusionistas. Cabe también nombrar otras características generales del Barroco aplicables a la pintura como lo son la búsqueda de emoción, la teatralidad, la integración de la pintura en el espacio arquitectónico, entre otras. En cuanto a los temas, están relacionados con los intereses de los clientes, que son fundamentalmente la Iglesia, los reyes y la nobleza, y en algunos países, la burguesía comerciante en asenso. Pero en el Barroco también existe una clientela burguesa a la que le agradan los retratos individuales y de grupo y la pintura de genero, dentro de la cual hemos de destacar la aparición del paisaje como tema principal de un cuadro. La pintura de genero era la preferida del publico burgués para decorar sus mansiones y así mostrar orgullo de su estilo de vida. Los centros fundamentales de la pintura barroca europea son Italia, Francia, los Países Bajos y España. En esos momentos, Roma estaba a la sazón dominada en pintura por diversas variantes manieristas. La de mayor autoridad era sin duda la encarnada por Federico Zuccaro (c. 1540-1609) quien había sido sucesor de Vasari en la decoración de la cúpula de la catedral de Florencia y había trabajado también en Inglaterra y España, de donde hacia poco que había regresado después de pintar para Felipe II en El Escorial: Zuccaro era el representante más calificado de la cultura artística establecida, presidente de la Academia de Roma y autor de uno de los tratados mas característicos del Manierismo (Idea 1607). Pero la estrella en alza a la sazón era Giuseppe Cesari (1568-1640), solo tres años mayor que Caravaggio y cuyo estilo, de rebuscada gracia formal y vistoso cromatismo, le estaba trayendo encargos de mayor importancia, y que muy pronto seria nombrado Caballero de Cristo por el Papa Clemente VIII. Fue precisamente en el taller de este pintor, conocido luego comúnmente como el Caballero de Arpino, donde a poco de estar en Roma encontró acomodo durante unos meses de ayudante aquel joven desconocido llegado de Lombardía, cuyas obras opuestas de modo radical a las tendencias allí reinantes. En la historia de la pintura, no se registra precedentemente una división tan honda y polémica como la que iba a provocar Caravaggio entre aficionados y colegas, con imitadores entusiastas y repudios que llegarían hasta la condena apocalíptica. También a este nivel sociológico en la relación artista-critica-publico, se advierte que con Caravaggio se esta entrando en una nueva época.

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Capítulo I :

Milán, Roma, Flores y Frutas

El nombre de Caravaggio siempre se ha asociado con un naturalismo atrevido y revolucionario. Para sus contemporáneos, su arte, nacido de los sentidos y basado en modelos al natural, casi tenia poder mágico y causaba asombro y fascinación. Inicio su carrera como pintor de un género lírico y distinguido con cuadros de gitanos, músicos y jugadores de cartas, que cautivaban por su belleza y la precisión del detalle naturalista. Sin embargo, acabo por convertirse en el artista religioso mas destacado de su época, pues creó un arte católico profundamente arraigado en la espiritualidad contemporánea de la Contrarreforma. Además de ser el pintor mas famoso de Italia, así como el más célebre de Europa, era temido por su difícil y extraño carácter. Alardeaba, de su originalidad y se burlaba de la autoridad; era osado y provocador, y en 1606 mató a un hombre, lo cual le llevo a pasar los últimos años de su vida en el exilio. Su mayor don era la empatía, su capacidad para hacer de la narrativa religiosa algo nuevo e intenso, y es por esto y por su personalidad cautivadora por lo que apunta tan directamente a la Edad Moderna. No obstante, pese a que el arte religioso de Caravaggio era motivo de turbación para sus contemporáneos, desde una perspectiva mas profunda se halla en equilibrio con la espiritualidad del siglo XVI. Refleja el ánimo exaltado de un catolicismo restaurado, pero su inquietante fondo sombreo refleja el terror y los miedos de una época en crisis espiritual, y el derrumbe de una fe universal.

Michelangelo Merisi nació el 29 de septiembre de 1571 en Caravaggio-Italia, (de ahí su apodo de Caravaggio). Era un pintor activo en Milán, Roma, Sicilia, Malta y Nápoles entre los años de 1592 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco. Michelangelo procedía de una familia provinciana de clase media de Caravaggio (aunque la parte de su madre, los Aratori, quizá tuviera ascendencia noble). No eran ricos, pero poseían algo de tierras y dinero y algunos miembros formaban parte de la Iglesia. Caravaggio se formó en el norte de Italia, bajo la influencia de la pintura realizada en Lombardía y Venecia (regiones que tenían un mayor contacto con la tradición artística del norte de Europa). En el otoño de 1592, Caravaggio un desconocido artista lombardo llegó a Roma con veinte años, donde su arte, basado en el realismo y no en figuras idealizadas, destacó por un estilo diferente al resto de pintores romanos, y fue rápidamente reconocido por mecenas y coleccionistas. El viaje a la cuidad representaba una parte esencial de la educación ambiciosa de un joven artista y Caravaggio “fue a Roma con el deseo de aprender una admirable disciplina con diligencia”. Ante todo, los artistas eran atraídos por las antiguas esculturas, y los pintores manieristas de mediados de siglo. Federico Zuccaro, capturó los sueños y el sufrimiento del artista provinciano en una serie de dibujos que hizo de la juventud de su hermano mayor, Taddeo. Sin embargo, a mediados de siglo, el arte era insulso y muchos pintores progresaban con dificultad bajo la sombra del Miguel Ángel. Fue entonces cuando surgió la maniera statuina, un arte idealizado, según el cual las figuras, dispuestas en poses difíciles y poco naturales, parecían estatuas, con un color de piel pálido y de aspecto pétreo

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blanqueado, exentas de vida y pasión. Alrededor de la década de 1580, empezaron a surgir nuevas ideas que desafiaban el idealismo académico del manierismo de mediados de siglo, y es que en Roma, el centro de la Contrarreforma, altos eclesiásticos y escritores redefinían los ideales del pintor cristiano, haciendo hincapié en cualidades como la sencillez, la claridad y un estimulo emocional para la piedad y en que los pintores debían ser estrictamente fieles a los textos religiosos.

Hacia mediados de 1592 (aun en Roma), Caravaggio, contactó con el pintor Giuseppe Cesari, quien le ofreció trabajo en su taller. Durante esa época pinto varios cuadros, entre los que se incluyen Muchacho cogiendo fruta (su primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco. Estas tres obras demuestran una particularidad física y un aspecto de su realismo. Caravaggio abandonó el taller de Cesari en enero de 1594. Es en Roma, donde forma parte del circulo de artistas e intelectuales del Cardenal del Monte. A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, esta claro que asimilo estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel. La utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional.

La cuidad de Caravaggio: detalle de un mapa del siglo XVIII.

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Capítulo II:

El mundo de las calles y los burdeles

Nápoles y muerte

Caravaggio abandono el estudio de Giuseppe Cesari de forma drástica, en una situación empañada por indicios de violencia y enemistad. Su fortuna económica estaba en su punto más bajo, fue entonces cuando comenzó a forjar importantes amistades, como el pintor Próspero Orsi, el arquitecto Onorio Longhi y el joven siciliano Mario Minniti. Orsi, establecido en las altas esferas de la ciudad, le introdujo con los grandes coleccionistas mientras que Longhi, le llevó al mundo de las peleas callejeras romanas. Minniti le sirvió de modelo y años más tarde fue su ayudante en Sicilia. La enfermedad y la ambición le animaron a hacerlo; estaba cansado de hacer el papel del pintor de bodegones lombardo y de que se minusvalorara su genio con los inmensos elogios a Cesari. Prospero era un poderoso defensor de nuevos talentos y tenia buenas relaciones con muchas familias nobiliarias, tales como el Cardenal Del Monte, un coleccionista a la caza de nuevos artistas y de obras que no fueran excesivamente costosas. La introducción de Caravaggio en el circulo del cardenal Francesco María Del Monte fue muy significativa, ya que gracias a éste se extendería su fama y obtendría los cargos mas prestigiosos de la cuidad.

Con una vida azarosa debido a su carácter pendenciero, Caravaggio fue encarcelado en varias ocasiones. Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo: San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo, que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida, que irrumpe desde un punto por encima de la escena para iluminar el gesto de la mano de Cristo.

En 1906 fue acusado de asesinato por lo que escapó a Nápoles donde pasó varios meses pintando obras como La flagelación de Cristo. A finales de ese mismo año viajó a Malta, donde le nombraron caballero de la Orden de Malta. En octubre de 1608 se traslada a Siracusa, Sicilia, donde pintó varios lienzos de gran tamaño como el Entierro de santa Lucía. En Nápoles vuelve a ser herido en una de sus ínfimas tabernas por encararse a unos aventureros. Caravaggio muere a los 37 años el 18 de julio de 1610 en Port'Hercole.

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Capítulo III:

Naturalismo

La obra de Caravaggio corresponde a la de un verdadero genio de la pintura. Su formación inicial se desarrolla en las tradiciones manieristas y en el empleo del color de la escuela veneciana, experiencias que deja atrás cuando abre un taller propio en Roma y comienza a plantear un tipo de pintura que se sale de los cánones típicos del renacimiento tardío. En su primera etapa, cultivó sobre todo obras de género y naturalezas muertas, combinando a veces ambas temáticas. Pero muy pronto comenzó a realizar obras de temática religiosa, atraído por la posibilidad de venderlas a la abundante clientela eclesiástica. Preocupado por los problemas de la luz en la obra pictórica, Caravaggio trabaja el claroscuro, con marcados contrastes entre las zonas de sombra y las de luz dentro del cuadro que marcan a la perfección los volúmenes de las figuras y objetos representados. Por otra parte, trata de dar a sus figuras el máximo realismo posible, sin atisbo alguno de idealización, lo que le llevó en ocasiones a trabajar directamente del natural. La actitud de este artista era totalmente rebelde, lo cual concuerda con su actitud artística. Podemos destacar tres características claves en la pintura de Caravaggio:

• La búsqueda del naturalismo, de la realidad, huyendo de la idealización de los personajes. Los modelos de Caravaggio son a menudo hombres y mujeres vulgares, no ideales de belleza.

• El tenebrismo, o sea, los contrastes violentos de luz y sombra. La técnica del claroscuro llevada al limite. Encontramos zonas intensamente iluminadas que centran la atención del espectador en los puntos que interesan al pintor.

• Las composiciones asimétricas, las perspectivas forzadas y los puntos de vista insólitos.

Con el paso de los años este realismo inicial acabará convirtiéndose en verdadero dramatismo, para lo cual recurre a composiciones cada vez más complicadas. El realismo de Caravaggio culmina en el cuadro La muerte de La Madre de Dios (1606), la ultima de sus grandes pinturas romanas, encargada por los Carmelitas Descalzos por la Iglesia de Santa María de la Sácala. Los frailes rechazaron la obra porque la consideraron poco respetuosa con la figura de la Virgen; la incomprensión por parte de los clientes no era una novedad para Caravaggio, los personajes del cual son siempre tan realistas que a menudo eran considerados indignas de una reputación sacra. Curiosamente este arte popular que buscaba Caravaggio tuvo éxito entre las minorías cultas formadas en las enseñanzas de San Carlos Borromeo*, pero fue rechazada por el pueblo que no entendió esta nueva manera de representar los temas religiosos. San Carlos de Borromeo*: cardenal y arzobispo de Milán participo en el Concilio de Trento y elaboro unas normas y consejos sobre la forma en que el arte se había de integrar en la liturgia cristiana. Proponía una religiosidad basada en la humanidad y la caridad.

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Capítulo IV:

Imágenes

“La Vocación de San Mateo”. (ROMA. 1600).

Chico mordido por una lagarto

1596

óleo sobre lienzo

65,8 x 52,3cm

Fundación Roberto Longhi, Florencia- Italia

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Baco enfermo

1593-1594

Galería Borgese, Roma- Italia

Cesto con Frutas

1596

óleo sobre lienzo

Pinacoteca Ambrosiana de Milán-Italia    

Cristo en la columna 1607

pintura al óleo

134,5 x 175,5cm

Museo de Bellas Artes de Ruan,

Francia.

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Muerte de la madre de Dios

1606

óleo sobre lienzo

369 x 245cm

Museo de Louvre, Paris-Francia.

Marta y María Magdalena

1598

97,8 x 132,7cm

Instituto de Artes Detroit, Estados Unidos.

 

La resurrección de Lázaro

1609

pintura al óleo

380 x 270cm

Museo Nacional de Mesina-Italia.

Crucifixión de San Pedro 1601

óleo sobre lienzo

230 x 175cm

Santa María del Popolo, Roma-Italia

David vencedor de Goliat

1600- pintura al óleo

110 x 91cm

Museo del Prado, Madrid  

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San Francisco de Asís en éxtasis

1599

óleo sobre lienzo

93,9 x 129,5cm

Wadsworth Atheneum,

Estados Unidos.

Narciso

1597-1599

pintura al óleo

110 x 92cm

Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma- Italia.

   

Siete obras de misericordia

1607

pintura al óleo, 390 x 260cm

Pio Monte de la Misericordia, Nápoles- Italia

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Capítulo V:

La Buenaventura

PRIMERA VERSION:

(Buona ventura) 1593-1595

Oleo sobre lienzo 115cm × 150 cm

Roma, Pinacoteca Capitolina, Italia

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SEGUNDA VERSION:

(Buona ventura) Caravaggio. 1595 Oleo sobre lienzo

93cm x 131cm Museo del Louvre, Paris Francia

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El cuadro titulado: La buenaventura, realizado al óleo sobre lienzo, sobre el cual existen dos versiones, la primera de 1594 (actualmente en los Museos Capitolinos en Roma, y la segunda de 1595, que se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, con el título de La diseuse de bonne aventure. La datación de ambas obras es objeto de debate. La buenaventura es una de las dos piezas de género realizadas por Caravaggio en el año 1594, (siendo la otra Partida de cartas). Se cree que La buenaventura es la primera de las dos, y data del período durante el cual el artista había dejado el taller de Giuseppe Cesari para trabajar con independencia vendiendo sus cuadros a través del marchante Constantino. Con ella, introduce la temática de género que hasta entonces sólo se cultivaba por los flamencos: escenas de la vida cotidiana que pretenden aleccionar al observador.

En cuanto a la descripción, el cuadro muestra a un joven vestido como un petimetre, al que una chica gitana lee la palma de la mano. El chico parece encantado al mirarle a la cara, no se da cuenta de que ella está quitándole poco a poco el anillo al tiempo que acaricia su montículo; a esta ufana mirada masculina ella responde con su propia mirada astuta y silenciosa. La atención del espectador se centra en esas miradas que permiten adivinar lo que cada uno de los personajes piensan, en lugar de lo que ocurre en las dos manos de los personajes. Aquí hay un contraste tajante: varón y mujer, rico y pobre, respetado y despreciada. Aún más: él está confiado, descuidado, sin peinar, con el cuello y la ropa abiertos, como si acabara de comer o no hubiera terminado de vestirse, la capa algo suelta; ella está muy pendiente, con la ropa bien sujeta (de aspecto recatado aunque no es honesta); los colores son contrastados, verde para la mujer y rojo el varón. Ella le roba, él no lo sabe. Él tiene la cara a la luz, mira con franqueza pero ella no y está en la sombra; él tiene la boca húmeda, ansiosa, un poco blanda y le brillan los labios; ella el brillo lo tiene en la punta de la nariz: meter la nariz es saber sin apasionarse pero la boca de él es de un deseo, quiere conocer qué le pasará y lo qué hará con la mujer. Él le abre la mano y la deja hacer, ella la sujeta con las dos suyas, la tiene, y la va tocando, dominándolo, aunque ella sólo tiene sus dos manos porque él lleva una espada.

Esta escena requiere una lectura a varios niveles: contiene en efecto connotaciones moralizadoras, por lo que se refiere a las falsas profecías y la seducción interesada. Se trata pues de una clase de escena de género alegórica sobre el fraude, y la ingenuidad, próxima a la literatura y el teatro contemporáneos.

El encuadre apretado con personajes cortados a medio cuerpo, permite al espectador entrar en el cuadro. El fondo unido y neutro (característica de Caravaggio) hace resaltar a los personajes, concentrando la atención del espectador sobre la escena. La luz desempeña un papel importante en la puesta en escena: un único rayo lateral cae sobre los personajes y les confiere valor (esta luz direccional es típica de Caravaggio). No obstante, esta luz cálida, dorada, imitando el sol y no de origen indeterminado, se relaciona con su primer período. Fuerte y abstracta crea juegos de reflejos sobre las superficies brillantes. Caravaggio aquí utiliza una gama cromática cálida, limitada y contrastada. Se observa una gran ruptura con el manierismo por la representación inmediata, la autenticidad de las figuras pintadas al natural (traje típico de la gitana), los volúmenes redondos y simples (no hay líneas «serpentinas» ni de cuerpos alargados) y la ausencia de colores ácidos y anti naturalistas.

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La buenaventura es una obra característica del primer estilo de Caravaggio, que introduce varias novedades como las antes mencionadas (por ejemplo la luz direccional). La buenaventura de 1594 despertó considerable interés entre los artistas jóvenes y los más modernos coleccionistas de arte de Roma, pero según Manzini, la pobreza de Caravaggio le obligó a venderla por una pequeña suma de dinero. Fue entonces cuando entró en la colección de un banquero adinerado, el Marqués Vincente Giustiniani (aficionado del arte). La versión del Louvre (1595) está bien conservada y fue restaurada en 1984-85, mientras que la de los Museos Capitolinos está en peores condiciones. Bellori (que se refiere a la segunda versión del cuadro) deja claro que Caravaggio pretendía que La Buenaventura fuera un manifiesto del naturalismo. Cuenta que cuando Caravaggio abandonó el estudio de Caballero empezó a “pintar según su inclinación”. Con una osadía desafiante, expreso su desdén por aquellos ídolos del mundo artístico de Roma, por las famosas pinturas de Rafael y el magnifico estatuario de la Antigüedad. Por el contrario, consideraba la naturaleza como el único tema adecuado para su pincel. Para demostrar esta opinión:

(…) cuando le enseñaron las estatuas mas famosas de Fidias y Gliconio para usarlas como modelos, se limito a señalar a un grupo de personas para afirmar que la

naturaleza le había dado muchos maestros. Y para dar autoridad a sus palabras, llamó a una gitana que pasaba por la calle y se la llevó a su casa, y la retrató leyendo el futuro, según la costumbre de las gitanas egipcias. Pinto a una joven que posa una

mano enguantada sobre su espada y ofrece la otra, desnuda, a la muchacha, quien la sostiene y la examina; y con estas dos medias figuras, Michel captó la verdad con tal

pureza que confirmó sus convicciones.

Sin embargo, la relación de la pintura de Caravaggio con la naturaleza es compleja y velada. La primera descripción que se conoce de los gitanos en Italia data de principios del siglo XV, cuando se les dio acogida como peregrinos. Pronto esta acogida se convirtió en miedo y desprecio y, a mediados de siglo, ya eran descritos en todas partes de su habilidad y destreza en el arte de robar y en el manual jurídico de Antón María Cospi Il Giudice Criminalista, se recoge una buena recopilación de estereotipos gitanos. “Son ladrones por naturaleza”, y “las mujeres roban gallinas y mientras fingen leer el futuro en la palma de la mano, roban a los hombres de a pie”. Condenados a vagar eternamente y a vivir en la pobreza, los gitanos llevaban una vida miserable, y el gitano era un símbolo de pobreza.

También eran personajes habituales de la comedia del arte, un género teatral popular que solía representarse al aire libre. Muchas de estas comedias son intrigas de las que se juega a ocultar y a descubrir, que giran en torno a intrincadas redes de artimañas y mentiras, y en las que la inocencia y la virtud son victimas de oponentes asuntos y corruptos. El cuadro siguió interpretándose de la siguiente manera: el poeta Octavio Tronserelli, en su obra L´Apollo de 1634, dedicó tres poemas a La Buenaventura (aunque se refería a la versión del Louvre), y en cada uno jugaba con el tema de la ilusión y la realidad. En uno de ellos afirma:

Hasta en pintura la mujer miente:

Nunca se despoja de artimañas, Unos pueden pensar que es real,

Y otros creer que vive (…)

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CONCLUSION

En lo que a mi humilde opinión se refiere, puedo decir que Caravaggio fue un gran genio y un “pintor de la humanidad”. Fue un pintor, del cual vemos reflejada su personalidad en cada una de sus obras. En cuanto a lo que a su estilo se refiere fue un pintor revolucionario, y creador del llamado “tenebrismo”, un efecto novedoso de intenso claroscuro que en su momento no todos vieron con buenos ojos; calificando a Caravaggio como el “anticristo de la pintura”. Ya que, la utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. No obstante, su manera revolucionaria de concebir la pintura le hace ser uno de los mas importantes artistas de todos los tiempos. Es uno de los más originales e influyentes pintores del arte italiano del siglo XVII. Su obra, hizo revivir la pintura italiana sobre la nebulosa irrealidad del arte manierista de los últimos años del siglo XVI. Caravaggio se inclinó por una poética naturalista, carente de cualquier idealización. A pesar de no tener discípulos, sí que tuvo una legión de seguidores (los caravaggistas). Entre los italianos, el artista mas destacado del corriente caravaggistas será Artemisia Gentileschi (1593-1652), pintora de grandes lienzos de figuras femeninas de la Biblia de carácter enérgico como Judith, que trata con intenso dramatismo. Dentro de los seguidores de Caravaggio, podemos considerar los franceses Louis Le Nain (1593-1648) y Georges La Tour (1593-1652), así también como el valenciano Josep Ribera (1591-1652), que vivió y trabajo muchos años en Nápoles donde fue conocido como “el españolito”.

Caravaggio continuó siendo famoso durante todo el siglo XVII, pero su influencia fue considerada por muchos como perniciosa. El tratadista y pintor español Vicente Carducho lo calificó en 1633 de “genio maléfico”. El interés por Caravaggio declinó en el siglo XVIII, puesto que imperaba el arte neoclásico y el academicista, totalmente contrapuesto al caravaggiesco. A pesar de avivarse la curiosidad por este pintor a mediados del siglo XIX, todavía había quienes como Ruskin veían en él “la perpetua búsqueda del horror y la fealdad, y la obscenidad del pecado”. Caravaggio posee una de aquellas vidas convulsas y atormentadas propias de los que nadan contra corriente. Se trata de un pintor “maldito”, es uno de aquellos artistas que posee una biografía casi tan magnética e interesante como su arte. Amado por algunos y odiado por otros, su obra suscitó una gran polémica y escandalizó a las mentes más conservadoras y preocupadas por el decoro en la plasmación de temas religiosos. Una vida de claroscuros, intensamente trágica, controvertida y misteriosa como lo son sus obras.

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BIBLIOGRAFIA LIBROS:

JESUS HERNANDEZ PERERA. Historia Universal del Arte. Renacimiento (II) y Manierismo. VOL. VI

Ed. Planeta D.D A.A

A.A V.V

HELEN LANGDON, 1998. Caravaggio. Ed. Edhasa, primera edición noviembre de 2002

PEDRO MEDINA. Història del´art. 20 EDICION: enero del 2009

Ed. Columna Group

J. PIJOAN. Historia del arte . Ed. Salvat

WEBGRAFIA

-artepedrodacruz.wordpress.com

-www.editorialtaurus.com

-www.buscabiografias.com/bios/biografía/ver/Detalle/8882/ Caravaggio

-www.biografiasyvidas.com/biografía/c/Caravaggio.htm

-aprendersociales.blogspot.com.es/2007/03/el-caravaggio-vida-y-obras-apasionantes.html

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