LUCE - Unicamp e... · Reggiani Spa Illuminazione Luce e Architettura Toyo Ito Álvaro Siza...

Reggiani Spa Illum

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uce e Architettura

Toyo ItoÁlvaro SizaO.M.UngersSverre Fehn

Gabetti & IsolaTadao Ando

Basilica Palladiana di Vicenza

LUCEe ARCHITETTURA

Luce e Architettura

Copyright © 1998-2002 Reggiani Spa Illuminazione

v.le Monza 16 - 20050 Sovico MItel 039 20711 fax 039 2071999

[email protected] www.reggiani.net

Seconda edizione 2002

ISBN 88-85209-13-0Stampato in Italia

BIBLIOTECA DELLA LUCE REGGIANI

Luce e Architettura

Luce e Architettura

a cura diReggiani Spa Illuminazione

Indice

8 Introduzione

10 1995 Tadao Ando

40 1996 Gabetti & Isola

64 1997 Sverre Fehn

88 1998 O.M. Ungers

110 1999 Álvaro Siza

134 2001 Toyo Ito

156 Postscriptum

9 Foreword

10 1995 Tadao Ando

40 1996 Gabetti & Isola

64 1997 Sverre Fehn

88 1998 O.M. Ungers

110 1999 Álvaro Siza

134 2001 Toyo Ito

157 Postscriptum

Contents

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Introduzione

Vicenza, Palazzo della Ragione: la “Basilica” di Andrea Pal-ladio, che nel Cinquecento involucrò il vecchio edificio go-tico di Domenico da Venezia con due ordini di arcate, ulti-mati da una balaustra adorna di statue.Qui, per iniziativa di Reggiani, tra il 1995 e il 2001 è stataesposta l’opera architettonica di Tadao Ando, Sverre Fehn,Gabetti & Isola, O. M. Ungers, Álvaro Siza e Toyo Ito. Nella sala grande all’interno della Basilica, oltre il ritmodelle serliane, la luce - “the tremulous energy” di cui parlaTadao Ando - viene invogliata dalla passione simmetricadelle grandi finestre ad arco acuto e degli occhi superiori,sotto la ripercussione lontana dell’alta copertura a carena.Accettando e discutendo l’autorità di questo luogo, cer-cando con esso una relazione, ognuno degli architetti ha tro-vato un modo particolare per intonare e far vedere le pro-prie opere: ci ha detto cosa ha fatto (e con quali sentimenti)e come guardarlo.E assecondando i propositi di ognuno, cercando di seguirefedelmente il chiaroscuro del suo sguardo, Reggiani ne hainterpretato il teatro personale, progettando e realizzandocon i propri apparecchi l’illuminazione diurna e notturna.Dunque, dentro la visione del vecchio maestro, le opere diquesti grandi architetti del Novecento, e - tra la luce tratte-nuta dal primo e quelle sognate dagli altri - la luce di Reg-giani, la quale non è che un ultimo dono, reso possibile daquelli precedenti, da ciò che uomini elevati d’Oriente e Oc-cidente hanno pensato per noi, e a noi reso visibile.Li salutiamo ancora una volta, provando gratitudine.

Reggiani S.p.A. Illuminazione

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Foreword

Vicenza, Palazzo della Ragione: the “Basilica” designed byAndrea Palladio, who in the 16th century enclosedDomenico da Venezia’s old Gothic building in two rows ofarches, completed by a balustrade ornamented by statues.An exhibition of work by architects Tadao Ando, SverreFehn, Gabetti & Isola, O.M. Ungers, Álvaro Siza and ToyoIto was held there between 1995 and 2001 on the initiativeof Reggiani. In the great hall inside the Basilica, beyond theserliana windows, the light, which Tadao Ando describes as“tremulous energy”, is enticed by the symmetrical largepointed-arch windows and the oculi above them, beneath thedistant reverberation of the high, hull-shaped roof.In a process that involved accepting and questioning theauthority of this place and seeking a relationship with it,each of the architects found his own way of displaying hisworks and fitting them in with their surroundings, thusdemonstrating what he had done (and with what feelings)and how his creations should be viewed.When designing andinstalling the daytime and night-time lighting system,Reggiani endeavoured to support the intentions of each oneof them, faithfully reproducing the light and shade they visu-alised, to interpret their personal theatre. Thus the works of these great 20th-century artists were dis-played in the building created by Palladio, amid the lightcaptured by the old master and imagined by the others andthe lighting supplied by Reggiani, which is merely a last giftmade possible by the earlier ones, by all that some of thegreatest minds of East and West have created for us andmade visible to us.We express our gratitude to them once again.

Reggiani S.p.A. Illuminazione

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Architectural works

Tadao Ando.

Luce e Architettura Tadao Ando. Opere di architetturaLight and Architecture Tadao Ando. Architectural works

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All’interno del Pantheon ho vissuto per la prima volta l’e-sperienza dello spazio. Allorché la luce penetra in questoedificio dall’occhio di nove metri della cupola, lo spazioarchitettonico risplende; una luce analoga non esiste innatura e solo l’architettura può offrire una simile visione.Un’altra concezione spaziale dell’Occidente che fa partedelle mie memorie, è quella di Piranesi e, in particolare,quella degli interni delle Carceri. Mentre lo spazio dell’ar-chitettura tradizionale del Giappone è dominato dall’oriz-zontalità, la tridimensionalità degli spazi nelle Carceri diPiranesi è eminentemente verticale e ha il movimento di unaspirale. L’ordine geometrico del Pantheon e la verticalitàdegli spazi piranesiani sono meravigliosamente in contrastocon la tradizione dell'architettura giapponese. Il mio lavoromira a coniugare queste opposte concezioni spaziali. Pensoche l’architettura tragga forma da tre componenti. In primoluogo, dall’autenticità dei materiali, quali il calcestruzzo avista e il legno naturale. In secondo luogo, dalla purezza geo-metrica, come la si può ammirare nel Pantheon. Infine, dallanatura, la natura ordinata dal lavoro dell’uomo, e resaastratta nelle sue manifestazioni. Allorché la luce, il cielo,l’acqua divengono presenze composte dai materiali e dallageometria, assumono una configurazione astratta, e quandole manifestazioni astratte della natura, i materiali e la geo-metria si compongono, allora l’architettura dimostra il pro-prio potere.

L’opera

L’opera

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Basilica Palladiana di Vicenza 95Palladian Basilica, Vicenza 95

It was inside the Pantheon that I first experienced the con-cept of space. When the light penetrates into this buildingfrom the nine-meter opening in the cupola, the architecturalspace glows with a light that doesn’t exist in nature; onlyarchitecture can offer a similar vision. Another spatial con-cept of western culture that forms part of my memory isexpressed in the work of Piranesi, especially in the “Carceri”cycle. While the traditional architectural space of Japan isdominated by horizontality, the three-dimensional nature ofspace in Piranesi is eminently vertical, and has the move-ment of a spiral. The geometrical order of the Pantheon andthe verticality of the Piranesian spaces suggest a marvelouscontrast with the tradition of Japanese architecture. Mywork aims at joining these contrasting concepts of space. Ibelieve that there are three components from which archi-tecture takes shapes. First of all, from the authenticity of thematerials used, like concrete facework or natural wood.Secondly, from the power of geometry, so admirable in thePantheon. Finally, from nature; nature is ordered through thework of man, and made abstract in its manifestations. Whenlight, sky, water become presences composed of materialsand geometry, they take on the abstract manifestations ofnature, materials and geometry are joined in a single com-position, it is then that architecture demonstrates its truepower.

The work

The work


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La luce è all'origine di ogni essere. Colpendo la superficiedelle cose, la luce crea il loro profilo; raccogliendo le ombredietro alle cose, conferisce loro profondità. Alla frontiera traluce e oscurità, le cose sono articolate e acquisiscono unaforma individuale, e nello stesso tempo scoprono qui nuoveinterrelazioni, ricollegandosi all'infinito. La luce dà auto-nomia alle cose, e nello stesso tempo definisce i loro rispet-tivi rapporti. Potremmo dire che la luce porta l'individuale adistinguersi nel contesto delle sue relazioni. La luce, crea-trice delle relazioni che riempiono il mondo. E pur essendoun'origine per tutti gli esseri, non è in nessun modo unafonte immobile. La luce è un movimento tremulo che nellesue incessanti trasformazioni continua a reinventare l'uni-verso. L'architettura – che si sforza di tagliare via un po' diquesta luce onnipresente, e di contenerne la presenza in unpunto fisso; che ha sempre cercato, durante i secoli, diintrappolare questa luce con tutta la sua vitalità intatta – nonè ciò che purifica le capacità della luce, dandole un nuovoruolo nelle nostre coscienze? La luce, che regala ad ognimomento nuova forma agli esseri e nuove interrelazioni allecose, e l'architettura, che condensa la luce nella sua essenzapiù concisa. La creazione dello spazio in architettura non èaltro che la concentrazione e la purificazione del potere dellaluce. Percezioni come queste del rapporto tra architettura eluce non sono tanto costruite sulla base delle idee quantoinvece sono tratte dagli strati di esperienza spaziale che sonostati impressi nel mio essere fisico. L'esperienza, diciamo,dell'architettura giapponese – la casa da tè, ad esempio, in cuilo spazio è suddiviso semplicemente per mezzo della carta,tesa su un delicato telaio di legno. Penetrando attraverso unatale parete, l'abbondante luce esterna si diffonde silenziosa-mente all'interno. Così filtrata, la flessuosa luce si dilata e si

La mostra

La mostra

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Light is the origin of all being. Striking the surface of things,light grants them outline; gathering shadows behind things,it informs them with depth. Along borders of light and dark-ness, things are articulated, and obtain individual form,while here, too, they discover interrelationship, and becomeinfinitely linked. Light grants autonomy to things, and at thesame time, prescribes their relationships. We might say, lightelevates the individual to distinction in the context of itsrelationships. Light: the creator of the relationships thatconstitute the world. And, while the origin of all being, it isby no means an immobile source. Light is tremulous motion- out of its ceaseless transformation, light continually re-invents the world. Architecture - which endeavors to slice off some of thisomnipresent light, and sustain its presence in a fixed place;which has sought, through the ages, to carefully ensnare thislight with all of its vitality intact - is it not that which puri-fies the capabilities of light, bringing light to a new presencein our consciousness? Light, which grants, with eachmoment, new form to being and new interrelationships tothings, and architecture, which condenses light to its mostconcise being. The creation of space in architecture is noneother than the condensation and purification of the power oflight.Such perceptions as these of the relationship of architectureand light are not so much constructed from ideas, perhaps,as they are drawn from the layers of spatial experience thathave been etched into my physical being.Experiences, say, of Japanese architecture - the tea house, forexample, where space is partitioned simply by means ofpaper, stretched over a delicate wood frame. Passing throughsuch a partition, the abounding exterior light quietly dif-

The exhibition

The exhibition


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unisce all'oscurità, producendo uno spazio pervaso dalla gra-dazione monocromatica. L'architettura giapponese ha dasempre cercato, per mezzo della tecnologia sensibile, discomporre la luce fin nelle sue minime particelle. Le modi-fiche impercettibili che realizza al livello dell'energia tremulatrasformano quasi impercettibilmente lo spazio in essere.L’architettura occidentale un tempo usava massicce pareti dipietra per dividere l’interno dall’esterno. Le finestre, ricavatein pareti così spesse da sembrare un rifiuto del mondoesterno, erano piccole e di costruzione rigorosa. Queste fine-stre, anche più che permettere alla luce di entrare, brillavanodi un intenso splendore, come fossero esse stesse la veraincarnazione della luce.Forse erano l’espressione del forte desiderio dell’uomo, abi-tante nell’oscurità, della luce. La brillantezza di un raggio diluce, che penetrava il profondo silenzio di quell’oscurità,costituiva un’evocazione del sublime. Le finestre erano fattenon per l’intrattenimento visivo, bensì esclusivamente per lapenetrazione senza mediazioni della luce. E la luce che tra-passava in questo modo l’interno dell’architettura producevaspazi di costruzione solida e risoluta. Le aperture così rigo-rosamente costruite catturavano il movimento della luce conprecisione. Lo spazio veniva inciso – come una scultura chenasce – da una linea di luce che penetrava l’oscurità e il cuiaspetto si modificava con il succedersi dei momenti.Nei tempi moderni, l’architettura ha liberato le finestre dallalimitazione strutturale, consentendo loro di poter essere libe-ramente costruite in tutte le dimensioni. Questo non ha peròsignificato la liberazione della luce in architettura; piuttosto,la vitalità della luce – che un tempo veniva curata con infi-nite attenzioni – è stata lasciata allo sbando, rendendola inef-ficace fino a perdersi. L’architettura moderna ha prodotto un

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fuses into the interior. Filtered in this manner, the supplelight dilates, and mixes with darkness, producing spaceinformed by monochromatic gradation. Japanese architec-ture has traditionally endeavored, by means of its sensitivetechnology, to break light down to its very particles. Thesubtle changes it achieves at the level of tremulous energybring space almost imperceptibly into being. Western archi-tecture once used massive stone walls to partition the inte-rior from the exterior. Windows, let into walls so thick as toseem a rejection of the outside world, were small andseverely constructed. Such windows, almost more than theyallowed light to enter, shone with intense brillance, as if thevery embodiment of light, themselves. They expressed, per-haps, the strong, fundamental desire of man, inhabiting thedarkness, for light. The brillance of a shaft of light, pene-trating the profound silence of that darkness, amounted toan evocation of the sublime.Windows were made - not for visual entertainment - butpurely for the unmediated penetration of light. And lightthat pierced, in this manner, the interior of architecture pro-duced space of solid, resolute construction. The severelybuilt openings caught the movement of light with precision.Space was carved - like a sculpture in the making - by a lineof light that pierced the darkness, its appearance alteredwith each succeeding moment. In modern times, architecturehas liberated windows from structural limitation, allowingthem to be freely constructed in any size. This has notmeant, however, the liberation of light in architecture;rather, the vitality of light - which was once groomed withinfinite care - has been allowed to scatter, ineffectually, andbe lost. Modern architecture has produced a word ofexceeding transparency - a world of homogeneous light,

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mondo di eccessiva trasparenza, un mondo di luce omo-genea, solo ed esclusivamente luminosa, del tutto priva dioscurità. Il mondo della luce, simile ad un lampo fotograficonella sua diffusione, ha significato la morte dello spazio cosìcome l’oscurità assoluta. Per l’uomo antico, la luce fungevada misura del tempo. Potenti raggi di luce, proiettati sullaterra da un sole così distante – luce che cambiava direzione,angolazione e intensità a seconda del luogo, della stagione edell’ora del giorno – davano una forma fondamentale alsenso spaziale dell’uomo. Questa luce, attirata attraverso leaperture all’interno delle strutture da lui costruite, permet-teva all’uomo che vi abitava di capire il proprio essere in rela-zione a ciò che lo circondava.Dal medioevo ai tempi pre–moderni, sia nell’architetturagiapponese sia nell’architettura occidentale, la luce richie-deva un’attenta manipolazione in risposta ad un notevolenumero di vincoli. Di conseguenza, ci si rendeva prestoconto, all’interno dell’architettura, del rapporto che legaval’uomo e la natura. Nei tempi moderni, quindi, l’espansionedel potenziale tecnologico ha reso l’illuminazione architettu-rale troppo facile, priva di sensibilità, con il risultato che nonsi è più portati a percepire il carattere individuale dei luoghi.Anzi, attraverso la luce artificiale non si è nemmeno consa-pevoli del proprio rapporto con la natura.Per questi motivi, ritengo essenziale il ruolo della luce natu-rale, la quale può riuscire a parlarci, in qualsiasi punto delnostro ambiente costruito e con una sorprendente immedia-tezza, di “luogo” e “tempo”. Attraverso una precisa ricerca euna profonda attenzione, cerco di guidare la luce all’internodell’architettura in modo che pervada lo spazio di profonditàe crei luoghi essenzialmente stimolanti.La luce, da sola, non crea luce. Deve esserci oscurità affinché

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bright to the exclusion of all else, and devoid of darkness.This world of light, halation-like in its diffusion, has meantthe death of space as surely as absolute darkness. Forancient man, light performed as a measure of time. Powerfulrays of light, projected onto the land by the vastly distantsun - light that varied in direction, angle, and intensity,depending on the place, the season and the time of day - gavefundamental form to man's sense of space. This light, drawnthrough openings into the interior of his built structures,enabled man, who dwelt inside, to understand his ownbeing, relative to his surroundings.From medieval to pre-modern times - in both Japanese andWestern architecture - light required cautious handling inresponse to a considerable variety of constraints. As a result,one was readily made aware, in the interior of architecture,of the relationship that bound man and nature. In moderntimes, then, the expanse of technological potential has ren-dered architectural lighting effortless, and devoid of sensi-tivity, with the result that one is no longer made to feel theindividual character of places. Indeed, with artificiallighting, one is not even conscious of one's relationship withnature.For such reason, I view as profound the role of natural light,which can speak to us – at any point in our built environ-ment– with remarkable immediacy of “place” and “time”.Through precise inquiry and detailed attention, I seek tolead light into the interior of architecture in a manner thatwill inform space with depth, and produce richly stimulatingplaces.Light, alone, does not make light. There must be darknessfor light to become light – resplendent with dignity andpower. Darkness, which kindles the brilliance of light and

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la luce diventi luce – risplendente di dignità e potere.L’oscurità, che ingentilisce lo splendore della luce e ne rivelail potere, è una parte innata della luce. Tuttavia, la ricchezzae la profondità dell’oscurità sono andate perse nella vita con-temporanea. La componente oscura è scomparsa dalla nostracoscienza, e le sottili sfumature che luce e oscurità generano,le loro risonanze spaziali, sono quasi dimenticate. Oggi, chetutto si staglia sotto una luce omogenea, ho assunto l’im-pegno di approfondire il rapporto tra luce e oscurità.La luce, la cui bellezza nell’oscurità è quella dei gioielli chesi nascondono tra le mani. La luce, che scavando l’oscurità epenetrando i nostri corpi riporta vita nella nostra vita. È lo spazio costruito di luce come questa che ho cercato, adesempio, in “Church of the Light”. In questo caso, ho prepa-rato una struttura con spesse pareti di cemento – una“costruzione dell’oscurità”. Ho quindi tagliato un’apertura inuna parete, permettendo alla luce di penetrare – in condi-zioni rigorosamente vincolate. In quel momento, un dardo diluce ha bruscamente fratturato l’oscurità. Parete, pavimentoe soffitto hanno intercettato la luce, e la loro esistenza è statarivelata nel momento in cui tutti insieme hanno iniziato arimbalzare avanti e indietro la luce riflessa, avviando infinitee complesse interrelazioni. Era nato lo spazio. E ancora, adogni incremento o mutamento dell’angolo di penetrazionedella luce, l’essere delle cose e le loro interrelazioni vengonoricreati. Lo spazio, in altri termini, non arriva mai a matu-rare, ma è costantemente reso nuovo. In questo luogo di con-tinua nascita, le persone saranno in grado di evocare le riso-nanti implicazioni della vita. L’architettura deve esprimereluoghi la cui vitalità di spirito può liberare l’uomo nel con-testo della vita quotidiana. La luce è ciò che risveglia l’archi-tettura alla vita; ciò che le infonde potenza.

La mostra

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reveals light's power, is innately a part of light. Yet, the rich-ness and depth of darkness has been lost from contemporarylife. The element of darkness has disappeared from our con-sciousness, and the subtle nuances that light and darknessengender, their spatial resonances – these are almost for-gotten.Today, when all is cast in homogeneous light, I am commitedto pursuing the interrelationship of light and darkness.Light, whose beauty within darkness is as of jewels that onemight cup in one’s hands. Light that, hollowing out darknessand piercing our bodies, blows life into “place”.It was space constructed of such light as this that I sought,for example, in “Church of the Light”. Here, I prepared a boxwith thick enclosing walls of concrete – a “construction ofdarkness”. I then cut a slot in one wall, allowing the pene-tration of light – under conditions of severe constraint. Atthat moment, a shaft of light sharply fractures the darkness.Wall, floor, and ceiling each intercept the light, and theirexistence is revealed, as they simultaneously bounce backand forth among them reflected light, initiating complexinterrelationships. Space is born. Yet, with each increment ofchange in the angle of light’s penetration, the being of things,and their relationships, are recreated.Space, in other words, never begins to mature, but is contin-ually made new. In this place of ceaseless birth, people willbe able to evoke the resonant implications of life.Architecture must set forth places whose vitality of spirit canliberate man in the context of daily life. Light is whatawakens architecture to life; what informs it with power.

The exhibition


La mostra

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Promo Luce Modulo illuminotecnicoPromo Luce Lighting Technology Module

Tadao Ando ProgettoTadao Ando Design

The exhibition


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La mostra

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Promo Luce PiantaPromo Luce Plan view

The exhibition

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La geometria dell’allestimento richiede tre diversi momentidi gestione dell’impianto d’illuminazione:scalinate: sono un “esterno”, e perciò richiedono la gestionedi una batteria di potenti proiettori allineati parallelamentealle gradinate per riprodurre un grande flusso luminoso, ditipo solare;torri: sono un “interno” nello spazio delimitato dalle gradi-nate; l’illuminazione è ottenuta con fasci di luce riflessadalle pareti verticali; pareti: disposte perimetralmente, costituiscono il supportopiù “museale” all’allestimento; sono stati scelti dei proiet-tori, anche con sagomatori lenticolari e con il controllo degliabbagliamenti diretti e riflessi.

Progetto illuminotecnico

Promo Luce Disegno sezione

trasversale

Criteri di illuminazionea) solo opere (preferibile in

aperture serali)b) opere e pareti (luce

diurna e intermedia)

Promo Luce Cross section

Illumination criteriaa) only works (preferably

during evening opening hours)

b) works and walls (day-time and intermediate light)

Controllo dei fasci luminosi


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The geometry of the layout requires handling the lightingsystem in three different phases:stairs: these are an “external” feature and as such require abattery of powerful spotlights positioned in parallel on thesteps, to give the effect of a large flow of light, as in a seriesof sunbeams;towers: these are an “internal” feature of the space boundedpby the steps; the lighting is obtained using beams of lightreflected from the vertical walls;walls: these are on the perimeters, and constitute the mostmuseum-like support of the project’s layout; spotlights havebeen chosen, also with lens type framing projectors anddirect and reflected glare control.

The lighting installation

Promo Luce Disegno sezionelongitudinale

Criteri di illuminazionea) solo opere (preferibile inaperture serali)b) opere e pareti (lucediurna e intermedia)

Promo Luce Longitudinal section

a) only works (preferablyduring evening openinghours)b) works and walls (day-time and intermediate light)

Light beam control



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Luce è visione e contrasto, comprensione e intuito. Palladiocattura e conserva la luce. Ando la vive, la interpreta, la pre-senta. In un ambiente dalla luminosità conservata, TadaoAndo costruisce. Ecco dunque che la luce guida all’esposi-zione. Le luminose gradinate accolgono il visitatore. Leaperture delle torri invitano all’accoglienza e alla visionemeditata. I lunghi percorsi conducono a molti approfondi-menti.

Omaggioall’architettura

palladiana


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Basilica Palladiana di Vicenza 95


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Light is vision and contrast, understanding and intuition.Palladio captures light and keeps it. Ando lives it, inter-prets it, and presents it. Tadao Ando builds in an ambienceof luminosity conserved. The result is light that guides thevisitor to the works on view. Lighted stairs receive the vis-itor. The openings of the towers welcome him to the workand invite meditation. The long paths provide many oppor-tunities for appreciating the works in depth.

Homageto Palladian architecture



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Proiettore da superficie e/o da binario per lampade ad aloge-nuri metallici, caratterizzato da due corpi distinti, in presso-fusione di allumino. Il gruppo ottico protetto dal sistemaPOLYBLOK è orientabile e separato dal sistema di alimenta-zione, garantendo un’ottimale equilibrio termico.

Dati tecnici degli apparecchi

Sunlight 5535

Proiettori in pressofusione di alluminio, completi di trasfor-matore, applicabili a superficie e/o da binario, per lampadealogene con riflettore dicroico. Sono dotati di un innovativosistema di orientamento contenente il cavo di alimentazione,inoltre il radiatore con uno speciale trattamento per la dissi-pazione termica separa il trasformatore dal corpo contenentela lampada, accrescendo l’affidabilità e la sicurezza.La dotazione di sagomatori di luce, paraluce, filtri colorati oanti UV, ne accresce la versatilità e l’impiego particolarmenteadatto come luce d’accento.

Eidos 2100

Apparecchi da incasso, regolabili a scomparsa - orientamentodel fascio di luce: 65° sull’asse verticale e 356 ° sull’asse oriz-zontale - per l’illuminazione generale e d’accento, per tutte lesorgenti luminose ad alto risparmio energetico.Sono dotati dell’innovativo sistema di ancoraggio MOLLA-BLOK che consente l’applicazione su controsoffitti da 0 a35mm, senza necessità di usare utensili o di smontare partidell’apparecchio.

Downspot


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Technical features of the luminaires

Wall, ceiling, and/or track mounted luminaire for metal halidelamps, featuring two separate bodies made of die-cast alu-minium. The optical unit, which is protected by the POLY-BLOK system, can be adjusted, and is separate from the con-trol gear system, ensuring optimum thermal equilibrium.

Sunlight 5535

Die-cast aluminium luminaires complete with transformer,ideal for wall, ceiling, and/or track mounting, for halogenlamps with dichroic reflector. These models are fitted with aninnovative adjustment system that contains the power cable.The radiator, which is specially treated to ensure good heat dis-sipation, separates the transformer from the lamp holder,ensuring high reliability and greater safety.The addition of framing projectors, anti-glare attachments,colored or anti-UV filters, guarantees more versatility, andmakes this model particularly suitable for accent lighting.

Eidos 2100

Recessed luminaires adjustable down to zero output with lightbeam adjustment - 65° in a vertical axis and 356° in a hori-zontal axis. Ideal for general and accent lighting, Downspotluminaires are suitable for all high-energy saving light sources.Downspot luminaires are fitted with the innovative MOL-LABLOK system for fixing to false ceilings, adjustable toaccommodate 0 - 35mm, which requires no tools and no dis-mantling of the luminaire.

Downspot



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Tadao Ando, pur non avendo svolto studi regolari di archi-tettura, è divenuto negli ultimi due decenni uno dei prota-gonisti dell’architettura internazionale, dopo aver aperto lostudio che reca il suo nome a Osaka nel 1969. Da quella dataha realizzato opere, per lo più in Giappone, che lo hannosegnalato alla critica internazionale. Numerosi, soprattutto negli anni recenti, i progetti elaboratiin occasione di importanti concorsi internazionali. Dal 1979 Tadao Ando ha ricevuto numerosi riconoscimentiin Giappone e all'estero: il Premio Annuale dell’Istituto diArchitettura del Giappone (1979), la Alvar Aalto Medal(1985), il Premio Annuale del Ministero dell’EducazioneGiapponese (1986), il Mainichi Art Prize (1978), laMedaille d’Or de l’Academie d’Architecture (1989), ilCarlsberg Architectural Prize (1992), l’Arnold W. BrunnerMemorial Prize (1991), il Japan Art Grand Prix (1994). Èmembro onorario dell’American Institute of Architects e delRoyal Institute of British Architects. Tadao Ando ha tenuto conferenze nelle principali universitàinternazionali e ha insegnato negli Stati Uniti all’Universitàdi Yale, alla Columbia University e all’Università di Harvard.Mostre monografiche sulle opere di Tadao Ando sono stateorganizzate in Giappone (Osaka e Tokyo), negli Stati Uniti(Museum of Modern Art, New York), in Francia (CentreGeoges Pompidou, Parigi), in Spagna (MOPU, Madrid;Fundaciò “La Caixa”, Barcellona). Le opere di Tadao Andosono state pubblicate nelle principali riviste specializzateinternazionali e in volumi monografici in Giappone e negliStati Uniti.

Profilo dell’architetto


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Despite the absence of regular architectural studies in hisbackground, Tadao Ando has, over the last two decades,become one of the leading figures in international architec-ture, having set up the studio that bears his name in Osakain 1969. Since that year, his projects, particularly those inJapan, have drawn the attention of critics throughout theworld.He has also been responsible, particularly in recent years,for a large number of projects competing for important inter-national contracts. Tadao Ando has received a great deal of recognition for hiswork since 1979, both in Japan and abroad: the AnnualPrize awarded by the Japanese Institute of Architecture(1979), the Alvar Aalto Medal (1985), the Annual Prizeawarded by the Japanese Ministry of Education (1986), theMainichi Art Prize (1978), the Medaille d’Or de L’Academied’Architecture (1989), the Arnold W. Brunner MemorialPrize (1991), the Carlsberg Architectural Prize(1992), theJapan Art Grand Prix (1994). He is an honorary member ofthe American Institute of Architects and the Royal Instituteof British Architects.Tadao Ando has lectured in the most important universitiesthroughout the world and has taught in the United States atYale, Columbia and Harvard Universities. Monographicexhibitions of Tadao Ando’s work have been organized inJapan (Osaka and Tokyo), the United States (Museum ofModern Art, New York), France (Centre Georges Pompidou,Paris), Spain (MOPU, Madrid; Fundacio “La Caixa”,Barcelona). Ando’s works have been covered in leadinginternational specialist magazines and monographic vol-umes in Japan and the U.S.A.

Profile of the architect


Luce e Architettura Tadao Ando. Opere di architettura.

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Architectural works


Gabetti & Isola.

Luce e Architettura Gabetti & Isola. Opere di architetturaLight and Architecture Gabetti & Isola. Architectural works

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Alla prima, eclatante “rottura” con il movimento modernofanno seguito molte altre, che la mostra di Vicenza, per laprima volta, ha riproposto in maniera organica.L’esposizione ospitava infatti cinquantanove progetti,frutto di invenzioni sorprendenti che, puntualmente,negano mode e tendenze; dagli interventi per case private,a quelli per ambienti pubblici e istituzionali, dal designfino alla progettazione urbanistica, ciò che emerge è ilrifiuto dei vincoli estetici, la libertà di spaziare dall’archi-tettura regionale al razionalismo senza rimanerne intrap-polati, la fatica di ripartire, ogni volta, da zero.

L’opera

L’opera

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The first sensational “break” with the modern movementwas followed by several others, which the Vicenza exhibi-tion proposed, for the first time, in an organic manner.The event presented fifty-nine projects, the results of one ofthose creative bursts which, with surprising regularity,break with trends and fashions. With systems for privatehomes, for public and institutional environments, from basicdesign to urban planning schemes; what emerges is a rejec-tion of aesthetic constraints – the freedom to adopt stylesfrom the regional to the rationalist without being trapped inthese categories – the challenge of starting afresh, startingfrom square one, each time.

The work

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Gabetti e Isola proposero una sorprendente lettura delsalone della Basilica Palladiana di Vicenza: disegni e modellitrovarono posto in una foresta artificiale formata da novantaalberi con foglie di rame che svettavano su recinti di mura-tura a secco di calcestruzzo colorato. Un’invenzione per pre-sentare invenzioni, ma anche un’esperienza completa deimateriali e dei simboli dell’architettura di Gabetti e Isola.Tra i lavori più conosciuti, oltre alla Bottega d’Erasmo, lamostra presentava il Centro Residenziale Ovest Olivetti aIvrea (1971), il caseificio “La Tuminera” a BagnoloPiemonte (1980), il Palazzo di Giustizia di Alba (1987), ilMonastero delle Carmelitane a Quart (1989), il QuintoPalazzo Uffici Snam, a San Donato Milanese (1991), nume-rosi complessi residenziali, tra i quali quello di Villa S.Annaall’Isola d’Elba (1994).Tutte le opere erano illustrate da disegni originali, modelli,fotografie e audiovisivi, e in particolare dagli “schizzi” a chi-na e ad acquarello, nati dalla sapiente mano di Aimaro Isolae dotati della capacità di descrivere, con pochi tratti, l’ideada cui prende forma l’intero progetto.

La mostra

La mostra

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Gabetti & Isola proposed a surprising reading of the hall of thePalladian Basilica at Vicenza: drawings and models are pre-sented in an artificial forest made up of ninety trees with copperleaves that dress the bare but coloured concrete surroundingwalls. An invention for presenting inventions, but also a com-plete experience of materials and symbols of the architecture ofGabetti & Isola.Among the best-known works – besides the Bottega d’Erasmo –the exhibition presented Olivetti’s West Residential Centre, Ivrea(1971); “La Tuminera” dairy at Bagnolo Piemonte (1980); thePalace of Justice at Alba (1987); the Carmelite Monastery atQuart (1989); the Fifth SNAM Headquarters Building at SanDonato Milanese (1991); and numerous residential complexes,including the Villa St. Anna on the Isle of Elba (1994).All the works were illustrated by original drawings, models,photos, and audio-visuals. Specially noteworthy were the“sketches” in China ink and water colour, born of the skilfulhand of Aimaro Isola and imbued with that capacity todescribe, with just a few lines, the idea from which an entireproject takes its form.

The exhibition

The exhibition

Gabetti & Isola ProgettoGabetti & Isola Design


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La mostra

Promo Luce Modulo illuminotecnicoPromo Luce Lighting technology module

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The exhibition


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La mostra

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The exhibition

La luce zenitale è l’elemento base del progetto illuminotec-nico. I proiettori, collocati sulle catenarie della Basilicamediamente a 15,37 mt. da terra, sono SunLight versionefascio stretto, HQI-T 150W, riflettore parabolico ad alta effi-cienza. L’ottica, che in origine genera nell’asse un fasciomolto intenso, è morbidamente decrescente verso la latera-lità. Il sagomatore consente il controllo del fascio luminosodelimitato ai tavoli di supporto ai plastici. La luce proiettatanon tocca i disegni ma crea attenzione e meditazione sulmodello.

Il proiettore Murale ad ottica asimmetrica, per lampadafluorescente da 11 W, IP 54, in origine per installazione sumuri e pareti da cui distribuire con morbidezza e profonditàl’illuminazione dei percorsi sottostanti, viene modulato daGabetti & Isola rivoluzionandone la funzione e la flessibi-lità.


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Promo LuceCross section


trasversale

Illuminazionedei plastici

Proiettori SunLight con sagomatore

quadro-piramidale


Illuminazionedei disegni

Proiettore Murale

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Zenithal light is the basic element of the lighting installation.The projectors, which are arranged on the basilica’s catenariesat an average of 15.37m above ground level, are Sun Lightluminaires with narrow beam, HQI-T 150 W, and high-effi-ciency parabolic reflector. The optics – which initially generatea very intense beam in the axis – are gradually softened towardsthe sides. The framing projector makes it possible to control thelight beam, delimited at the boards on which the models areplaced. The projected light does not touch the drawings, butdraws attention to them, and encourages meditation on themodel.

The Murale asymmetric projector for 11 W fluorescent lamps,IP54, was originally developed for installation on walls, fromwhich the illumination of the paths below could be distributedwith softness and depth. Thanks to Gabetti & Isola, the pro-jector has been modulated, revolutionizing its function and flex-ibility.


Illuminationof the relief modelsSun Light projectors with square-pyramidal framing projector

Lighting installation



Illuminationof the drawingsMurale Projector


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La Basilica Palladiana viene analiticamente divisa in 10stanze che determinano un grande impianto scenografico.Le due apparecchiature luminose prescelte sono in sintoniacon la capacità di sviluppo progettuale di elementi unitari ecomponibili voluta dai maestri Gabetti & Isola.La genialità del progetto fa sorgere da tante notti, da tantemeditazioni, i vivi disegni, autentiche opere dei maestriGabetti & Isola. Luce di proscenio e di fondo. L'equilibrioraggiunto, basato su illuminamenti museali, 300-150-80lux, è una cadenza che consente la visione, la meditazione,il ricevimento di un grande mai abbandonato lavoro.


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The Palladian Basilica is analytically divided into ten roomsto create a large scenographic complex. The two lightingitems chosen are in harmony with the capacity of developingthe unitary and modular elements required by Gabetti &Isola.The project’s geniality enables the living drawings –authentic creations of the two masters – to rise out of manynights, from much meditation. Proscenium and backgroundlight. The balance achieved, based on museum-type lightingsystems, 300, 150, 80, lux, is a cadence that makes possiblethe vision, the meditation, the reception of a great never-abandoned work.




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Sunlight 5535


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Apparecchio da incasso e/o da superficie IP54, per lampadefluorescenti compatte .La parabola e lo schermo di protezione con prismatura oriz-zontale, indirizzando il fascio luminoso esclusivamente sulpercorso.


Murale 6011



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Recessed and/or surface mounted luminaire (IP54) for compactfluorescent lamps. The reflector and protective shield with hor-izontal prisms direct the beam of light exclusively to the requiredpath.

Murale 6011

Wall, ceiling, and/or track mounted luminaire for metal halidelamps, featuring two separate bodies made of die-cast alu-minium. The optical unit, which is protected by the POLYBLOKsystem, can be adjusted, and is separate from the control gearsystem, ensuring optimum thermal equilibrium.

Sunlight 5535



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Nati entrambi a Torino, allievi prediletti di Carlo Mollino, idue indiscussi maestri Gabetti e Isola firmano i loro primiprogetti a partire dal 1950, non ancora trentenni. E nonsono progetti di poco peso: tra il 1953 e il 1956 i due rea-lizzano la Bottega d’Erasmo di Torino, capolavoro indi-scusso dell’architettura neo-liberty. È subito scandalo, per lelibertà coraggiose che questi due giovani si concedono,andando, come loro stessi scriveranno per motivare quellescelte - “oltre le colonne d’Ercole di recente tradizione”-.Quali siano queste colonne d’Ercole, i “nemici” di allora egli studenti di oggi ben lo sanno: l’adesione incondizionataal movimento moderno. Quel movimento che all’epoca per-vase l’intera Europa, ma che Torino, orgogliosa delle proprieradici, fatica ad accettare in modo passivo. Ma, allora, aquali modelli rifarsi? A nessuno, né allora, né poi: “Noi due- scrivono Gabetti e Isola nel testo scelto per presentare lamostra - non siamo mai stati puristi: si è detto di noi comedi artisti tardo liberty, come di architetti eclettici: gente dipoca fede, che non aveva giurato sui registri della Bauhaus(...). Ci è anche stato chiesto quali fossero le tavole dellanostra legge, antica o nuova che fosse: e noi non abbiamopotuto-voluto rispondere. A noi la cosa proprio non inte-ressava, nel senso che non ci riguardava”.

Profilo degli architetti

Profilo degli architetti

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The two architects were both born in Turin, protégés ofCarlo Mollino. The two undisputed masters signed their firstprojects starting from 1950, while still in their twenties. Theprojects were of some importance: between 1953 and 1956the two men designed Turin’s Bottega d’Erasmo, unchal-lenged masterpiece of neo-Art Nouveau architecture. Theevent created a scandal for the courageous freedom thatthese two young men enjoyed – and for having gone (as theythemselves were to write in explaining their choices)“beyond the Hercules’ columns of recent tradition”. Whatthese Hercules’ columns are, the enemies of those days andthe students of today know well: unconditional adhesion tothe modern movement. A movement which in that era waspervading the whole of Europe, but that Turin, proud of itsroots, found it hard to accept. So, then: what models were tobe adopted? None: neither then, nor later. “We two – wroteGabetti & Isola in the text for presenting the exhibition –“have never been purists: people refer to us as artists of thelate Art Nouveau period, as eclectic architects; people withlittle faith, who did not swear allegiance on the Bauhausregisters (...) We have also been asked what are the tabletsof our law, whether old or new. And we didn’t want toanswer, couldn’t answer. It just didn’t interest us, in the sensethat it was no concern of ours.”

Profile of the architects

Profile of the architects

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Architectural works

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Sverre Fehn

Luce e Architettura Sverre Fehn. Opere di architetturaLight and Architecture Sverre Fehn. Architectural works

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Caratteristica peculiare delle opere di Fehn è, infatti, lacapacità di riflettere un “pensiero” del costruire lontanodalle mode, frutto di una costante meditazione sul sensodell’architettura, dei suoi rapporti con l’uomo e l’ambientenaturale, e sul significato dell’abitare.Apprezzato fin dai primi esordi di architetto degli anni cin-quanta - il Museo dell’artigianato di Lillehammer è del1949/56 - ha dato dimostrazione di una originale vena diprogettista. Ne sono prova, tra l’altro, il Padiglione dellaNorvegia all’Expo di Bruxelles (1958) e il Padiglione deiPaesi Nordici ai Giardini della Biennale a Venezia (1960).Capace di coniugare in maniera del tutto personale l’inse-gnamento dei grandi architetti del Novecento, da LeCorbusier a Mies van der Rohe, da Louis Kahn a CarloScarpa - del cui insegnamento nel campo della museografiane è il più coerente erede - nonché rispettoso delle modalitàe delle regole di un mestiere esercitato in forma pressochéartigianale, Fehn manifesta nei suoi lavori l’estrema cura deldettaglio, così come per tutto l’insieme dell’opera.Dal 1963 ha costruito alcune abitazioni unifamiliari inNorvegia e in Svezia: la Villa Busk a Bamble documenta laprogressiva maturazione della sua ricerca in questo campo.Intimamente legato alla storia e alla cultura del suo Paese,così permeata da un forte senso di integrità, Fehn realizzaarchitetture raffinate, indifferenti alle mode e ricche di fre-sche invenzioni: in particolare i musei che ha progettato ecostruito in Norvegia, da quello di Hamar del 1979 pergiungere, attraverso il notissimo Museo dei ghiacci aFjarland (1991), al Museo Aukrust ad Alvdal.L’architettura di Fehn si incontra soprattutto “dentro”, nonsoltanto in termini spaziali, ma anche nei termini concet-tuali della profonda interiorità della sua ricerca, tesa ad asse-

L’opera

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A particular feature of the works of Fehn is the capacity toreflect a “thought” of constructing far away from currentfashions, the result of a constant meditation on the sense ofarchitecture, of its relationship with man and the naturalenvironment, and on the meaning of “inhabiting”.Appreciated from his very first appearance as an architect inthe 50’s – the Lillehammer Crafts Museum dates to 1949/56– he has always shown the most original side of thedesigner’s character. As proof, examples of this trait includethe Norwegian Pavilion at the Brussels Expo (1958) and theNordic Countries Pavilion at the Gardens of the VeniceBiennial (1960).Capable of bringing together in an entirely personal way theteachings of the great architects of the 20th century – LeCorbusier, Mies van der Rohe, Louis Kahn and Carlo Scarpa– of whose teaching in the field of museum design Fehn isthe most coherent heir, as well as respectful of the ways andrules of a skill exercised in an almost craftsman-like form,Fehn manifests extreme attention to the details of his works,as he does for his works as a whole.Since 1963 he has built several one-family homes in Norwayand Sweden: Villa Busk at Bamble documents the progres-sive maturing of his research in this field. Intimately linkedto the story and culture of his country, which is so stronglypermeated by a sense of integrity, Fehn achieves refinedarchitecture, indifferent to fashions and rich in fresh inven-tion. Of special note, the museums that he designed and builtin Norway: from the Hamar Museum, built in 1979 to thewell-known Ice Museum at Fjarland (1991) and theAukrust Museum at Alvdal.Fehn’s architecture is often found above all “inside” – notonly in spatial terms, but also in the conceptual terms that

The work

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condare l’obiettivo di “aiutare ad abitare”. La sua architet-tura si trova “dentro” anche in senso materiale, nell’assimi-lazione totale con la costruzione. “Il linguaggio architetto-nico è la costruzione stessa”, ha dichiarato Fehntematizzando la sua poetica. Egli mostra così il suo interesseper l’uso dell’architettura non già come esercizio stilistico,ma come pratica di un mestiere, caratterizzata da un cali-bratissimo senso della misura.

L’ opera


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form part of the profound interiority of his research – withthe aim of favoring the objective of “helping to inhabit”. Hisarchitecture is found “inside” also in the material sense, inthe total assimilation with the construction. “The languageof architecture is the building itself”, Fehn has declared,giving voice to his poetry. Thus he shows his interest for the use of architecture not justas an exercise in style, but as practising a skill, character-ized by a well-balanced sense of measure.

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La mostra di Sverre Fehn nel salone della Basilica Palladianadi Vicenza intendeva raccogliere e sintetizzare la produzioneprogettuale del maestro scandinavo, annoverato tra i piùfecondi e autorevoli rappresentanti dell’ultima generazionedei grandi architetti europei.L’esposizione dei materiali originali e delle riproduzionifotografiche della sua opera, circa trenta tra realizzazioni eprogetti, era organizzata secondo un doppio registro - cro-nologico e tematico - che rese possibile la lettura dell’evolu-zione artistica dell’autore, sia la comparazione di progettiinerenti le stesse tematiche. Ampie didascalie, riproducentianche brani autografi di Fehn illustranti i suoi progetti,accompagnavano il visitatore tra gli ambiti dell’ampio cor-redo di disegni, schizzi, appunti, modelli e fotografie, scan-dito da pannelli illustrati tenuti sospesi a pochi centimetrida terra. Una struttura lignea, diagonalmente posizionatanello spazio basilicale, originava due spazi audiovisivi chefacilitavano l’approccio all’opera con la proiezione di diapo-sitive e di videofilmati realizzati appositamente in occasionedella mostra.

La mostra

La mostra

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Sverre Fehn’s exhibition in the hall of the Palladian Basilicawas intended to bring together and synthesise the designproduction of the Scandinavian master, who is numberedamong the most prolific and authoritative representatives ofthe latest generation of great European architects.This exhibition of original materials and photographicreproductions of his works – about thirty items, includingrealizations and projects – was organized according to adouble register (chronological and thematic) which enabledvisitors to “read” the author’s artistic evolution, and com-pare projects within a given theme. Generous captions,reproducing also Fehn’s autograph pieces illustrating hisprojects, accompanied the visitor among the rich collectionof drawings, sketches, memos, models, and photographs,completed by illustrated panels suspended a few centimetresfrom the ground. A wooden structure, positioned diagonallyin the space of the basilica, creates two audio-visual areasthat make the visitor’s approach to the work easier thanks tothe projection of slides and videos specially prepared for theexhibition.

The exhibition

The exhibition

Sverre Fehn GnomoneSverre Fehn Gnomon


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La mostra

Modulo illuminotecnicoLighting technology module

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The exhibition


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La mostra

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PiantaPlan view

The exhibition

La divisione della Basilica creata dalla grande parete tra-sversale progettata dall’architetto Sverre Fehn crea duegrandi campi visivi compatibili con l’angolo di visione del-l’occhio umano.Gli apparecchi di illuminazione, rimodulati secondo lecampiture del progetto, sono necessariamente sistemi a dif-fusione omnidirezionale e con ottiche a controllo di abba-gliamento per mantenere la spazialità visiva del progetto.Ineguagliabile quindi la struttura “Gnomone” atta a sup-portare 6+6 Meridiana medi.


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Disegno sezione trasversale

Cross section

Controllo deifasci luminosi


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The division of the Basilica created by the large transversewall designed by the architect Sverre Fehn created two largevisual fields compatible with the visual angle of the humaneye.The lighting fixtures, formed into modules correspondingwith the way in which the project was split-up, are neces-sarily omni-directional diffusion systems fitted with glare-controlled optics to retain the project’s visual spaces. The“Gnomon” structure therefore, which is designed to support6+6 Meridiana Medio luminaires, is of incomparable effect.


Disegno sezione longitudinaleLongitudinal section

Light beam control



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L’esposizione ricostruisce l’intero percorso umano e profes-sionale di Sverre Fehn attraverso schizzi e disegni originali,modelli, immagini fotografiche e videofilmati, il tutto corre-dato da un notevole apparato didascalico attraverso il qualelo stesso Fehn racconta il suo personale punto di vistariguardo al mestiere di architetto. Caratteristica peculiaredelle opere di Fehn è la capacità di riflettere un “pensiero”del costruire lontano dalle mode, frutto di una costantemeditazione sul senso dell’architettura, dei suoi rapporticon l’uomo e l’ambiente naturale, e sul significato dell’abi-tare. Testimone delle vicende storiche dell’architettura eu-ropea del dopoguerra, Sverre Fehn ha saputo interpretarecon coerenza la tradizione costruttiva dei paesi nordici,rispettosa della natura e del paesaggio, così come dell’usosapiente dei materiali da costruzione. Le due novità dell’al-lestimento sono costituite dalla sezione multimediale - cheattraverso l’uso del computer rende possibile navigare fratesti e immagini all’interno dell’opera architettonica di Sver-re Fehn - e da Reggiani Spa Illuminazione, che ha illuminatola mostra con un progetto coerente con le esigenze inter-pretative dell’opera dell’architetto. Per l’occasione, gli appa-recchi della linea Meridiana sono stati montati su una so-spensione ideata da Sverre Fehn, che permette di realizzarele più innovative e articolate composizioni. È nato così Gno-mone (la sospensione) con Meridiana.


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The exhibition reconstructs the entire personal and profes-sional life of Sverre Fehn through original drawings andsketches, models, photographic images and videos, allaccompanied by a carefully-prepared captioning schemethrough which Fehn explains his personal point of view con-cerning the architect’s profession. A particular feature of theworks of Fehn is the capacity to reflect a “thought” ofbuilding far away from fashion, the result of a constant med-itation on the sense of architecture, its relationship with manand the natural environment, and on the meaning of inhab-iting.As a witness to the historic events of European architecturesince the second world war, Sverre Fehn has succeeded incohesively interpreting the building traditions of the Nordiccountries, so respectful of nature and the countryside, and inthe wise use of building materials. The two innovations ofthe layout are in the form of the multi-media section which,thanks to a computer, allows the visitor to navigate betweentexts and images within Sverre Fehn’s architectural work,and in the role of Reggiani Spa Illuminazione, who devel-oped a project coherent with the interpretative demands ofthe architect’s work for the event’s lighting. For the exhibi-tion the luminaires of the Meridiana range were fitted on asuspension that Sverre Fehn designed himself, which allowsthe most innovative and well-balanced compositions to beformed. This gave life to Gnomon (the suspension) withMeridiana.




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Gnomone è una versatile struttura metallica che incorpora unsistema completo di binario elettrificato, idoneo ad accoglieree alimentare i proiettori della linea Meridiana. Gnomone èsospesa mediante cavi d’acciaio che rendono estremamenteflessibile la sua installazione senza vincoli di altezza, inoltre ilprogettista può scegliere la quantità e la qualità della luce piùconsona all’effetto illuminotecnico desiderato.


Gnomone 2854

Proiettori dalle applicazioni infinite, realizzati in pressofusionedi alluminio, per il massimo rendimento luminoso delle piùmoderne sorgenti luminose a elevato risparmio energetico. Ilfascio di luce regolabile, agendo su una levetta frizionata postasotto uno sportello esterno dell’apparecchio, consente di cali-brare il fascio di luce sulla superficie da illuminare.

Meridiana


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Gnomon is a versatile metal structure that incorporates acomplete system of track-mounted power cables, ideal forhousing and powering the projectors of the Meridiana range.Gnomon is suspended using steel cables that make itextremely flexible to install, without height limits. Thedesigner may choose the quantity and quality of the lightmost in keeping with the desired lighting effect.

Gnomon 2854

Die-cast aluminium projectors ideal for a multitude of applica-tions to ensure the maximum luminous yield with the mostmodern high energy-saving light sources. The light beam, whichcan be adjusted using a clutch-type lever placed under a hatchon the outside of the device, allows the beam to be adjusted asrequired on the surface to be illuminated.

Meridiana



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Sverre Fehn, grande maestro scandinavo, si è laureato inarchitettura nel 1949. Dopo aver lavorato con Jean Prouvé aParigi, nel 1971 inizia a insegnare alla facoltà di Oslo, cittàdove svolge tuttora la sua attività professionale. Ha inse-gnato nelle principali università europee (A.A.School,Londra) e americane (Cooper Union, New Jork; School ofArchitecture, Yale University).Testimone delle vicende storiche dell’architettura europeadel dopoguerra, ha saputo interpretare con coerenza la tra-dizione costruttiva dei paesi nordici, rispettosa della naturae del paesaggio, così come dell’uso sapiente dei materiali dacostruzione.Noto internazionalmente per il rigore e la coerenza del suoimpegno professionale e culturale, Sverre Fehn ha condottola sua personale ricerca sui fondamenti umanistici ed eticidel costruire, a partire dal profondo rispetto per la natura eil territorio, e da un’attenzione costante per la dimensioneumana dell’abitare. Nel 1996 ha vinto il concorso banditoper l’ampliamento del Teatro di Copenhagen. Nel 1997 glisono stati conferiti l’ “Heinrich Tessenow” e il “Pritzker Ar-chitecture Prize”.


Profilo dell’autore

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Sverre Fehn, the great Scandinavian master, gained a degreein architecture in 1949. After working with Jean Prouvé inParis, in 1971 he started teaching at the faculty of Oslo, acity where he still continues his professional activity today.He has taught in the main European Universities (A.A.School, London) and American Universities (Cooper Union,New York; School of Architecture, Yale University).He has witnessed the historic events of European architec-ture since the second world war, and succeeded in cohesivelyinterpreting the building traditions of the Nordic countries,so respectful of nature and the countryside, and in the wiseuse of building materials. Internationally well-known forthe rigour and coherence of his professional and culturalcommitment, Sverre Fehn has conducted his personal searchon the humanistic and ethical foundations of building,starting out from a profound respect for nature and environ-ment, and from a constant attention to the human dimensionof living and inhabiting. In 1996 he won the competitionorganized for the extension of the Copenhagen Theatre. In1997 he was awarded both the “Heinrich Tessenow” prizeand the “Pritzker Architecture Prize”.



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Architectural works

O.M. Ungers

Luce e Architettura O.M. Ungers. Opere di architetturaLight and Architecture O.M. Ungers. Architectural works

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Dopo avere costruito una serie di edifici per abitazione, fracui la propria casa a Colonia (1959), la sua attività ediliziasubisce una brusca interruzione. Soltanto alla fine degli anni‘70 gli offrono nuove occasioni di costruire.I principali progetti di Ungers: a Francoforte, il DeutschesArchitektur-Museum (1979/84) e, alla Fiera - oltre alla “Gal-leria” e al Padiglione 9 (1980/83) - una torre per uffici(1980/83); a Karlsruhe, la Badische Landesbibliothek(1980/92); a Brema, l’Istituto di Ricerche Polari Alfred-Wegener (1980/84); a Washington, la residenza dell’Am-basciatore della Germania (1988/94); ad Amburgo, la NuovaKunsthalle (1997).

L’opera

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After having built a series of homes, including his own homein Cologne (1959), his building activities were abruptlyinterrupted. Only at the end of the 70s was he offered newopportunities for building.His main projects include: in Frankfurt, the Deutsches Ar-chitektur-Museum (1979/84) and - in the Exhibition Center,besides the “Galleria” and Pavilion 9 - an office tower(1980/83); in Karlsruhe, the Badische Landesbibliothek(1980/92); in Bremen, the Alfred Wegener Institute for PolarResearch (1980/84); in Washington, the Residence of theGerman Ambassador (1988/94); in Hamburg, the NeueKunsthalle (1997).

The work

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L’allestimento di O.M.Ungers per l’esposizione delle sueopere nel salone della Basilica Palladiana di Vicenza, ha rap-presentato ancora una volta una novità assoluta nel modo direlazionarsi alle storiche strutture del monumento.Caratteristica peculiare delle rassegne vicentine é l’interpre-tazione, di volta in volta diversa, del tema del “mostrare”all’interno del medesimo spazio, come opportunità offerta alvisitatore per meglio comprendere la poetica, e la conce-zione architettonica del protagonista della rassegna, chia-mato a progettare la propria mostra personale.L’allestimento si è sviluppato attraverso due sezioni: laprima con sede all’interno del salone del Cinquecento dellaBasilica Palladiana, si articolava orizzontalmente racco-gliendo, su novanta tavoli-teca posti simmetricamente alcentro del salone, il materiale documentario originale, fracui spiccavano i numerosi modelli in legno di grandedimensioni, e tavole di progetto con relativi schizzi prepa-ratori, i progetti di mobili e gli esemplari prodotti. Una ras-segna di gigantografie a colori è stata appesa su di una paretedel salone, mentre sul lato opposto sono stati esposti alcunioggetti di design. La seconda sezione con sede nelle LoggePalladiane, era dedicata agli audiovisivi collocati all’internodi un’apposita costruzione progettata per l’occasione dall’ar-chitetto tedesco.

La mostra

La mostra

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O. M. Ungers’ layout for exhibiting his work in the hall ofthe Palladian Basilica, Vicenza, represents once again anabsolute innovation in the way of relating the contents to themonument’s historic structure.A special feature of events at Vicenza is the interpretation,which varies each time, of the theme of “showing” within thesame space – a theme presenting an opportunity to the vis-itor to better understand the poetry and the architecturalconcept of the featured artist who has been called on todesign his own personal exhibition.The layout develops through two sections, the first of whichis housed in the Palladian Basilica’s Salone del Cinquecento(16th Century Hall), arranged horizontally and gatheringtogether – on 90 display tables placed symmetrically at thecentre of the hall – the original documentary material,notably the numerous large wooden models, drawing boardswith relative draft sketches, the projects for furniture and theexamples produced. A series of enormous colour pho-tographs has been hung on one of the hall’s walls, while anumber of design objects have been arranged opposite. Thesecond section, situated in the Palladian Loggias, is dedi-cated to audiovisuals, arranged inside a unit speciallydesigned for the occasion by the German architect.

The exhibition

The exhibition

O.M. Ungers ProgettoO.M. Ungers Design


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La mostra

Modulo illuminotecnicoLighting technology module

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The exhibition


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La mostra

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PiantaPlan view

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La presentazione delle opere su cubi e percorsi dalle precisegeometrie richiede fasci luminosi modellati e controllati. Lageometria dispositiva dei corpi illuminanti deve generareun illuminamento medio costante sulle opere.

Modellazione del fascio luminoso: ha richiesto lo sviluppodi uno speciale modellatore cut-off che mantenesse libero ilfascio luminoso centrale, togliendo molta luce diffusa, perevitare sconvenienti effetti velanti all’interno dell’ambiente;per l’illuminamento delle pareti il fascio viene invecemodellato mediante lente di Fresnel per gestire i picchi diilluminamento sull’asse ottico del riflettore.Queste caratteristiche sono alla base della geometrica di-sposizione dei corpi illuminanti, che evita l’eccessivo accu-mulo di luminosità al centro della sala espositiva, evitandodi creare centri di interesse non gestiti nel progetto del prof.Ungers.


Promo Luce Disegno sezione trasversale

Criteri di illuminazionea) solo opere (preferibile in

aperture serali)b) opere e pareti (luce diurna e

intermedia)

Controllo dei fasci luminosi


Criteri seguitiModellazione del

fascio luminoso

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The presentation of the works on cubes and along paths fea-turing precise geometry require modelled and controlled lightbeams. The geometrical arrangement of the lighting fixturesmust generate a constant average illumination of the works.

Modelling the light beams required the development of a spe-cial cut-off modeller in order to keep the central lightingbeam free, removing diffused light, thus preventing unwanted“veiling” effects within the environment. For lighting thewalls the beam is modelled using Fresnel lenses to handle thepeaks of illumination on the optical axis of the reflector.These characteristics form the basis of the geometricalarrangement of the lighting fixtures, which prevents excessaccumulation of luminosity in the centre of the exhibitionhall, thus preventing the creation of centres of interest whichare not part of Prof. Ungers’ project.



Longitudinal sectionIllumination criteriaa) only works (preferablyduring evening opening hours)b) works and walls (day-timeand intermediate light)


Light beam control

Criteria followedModellingthe light beams


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La gestione della luce naturale all’interno della BasilicaPalladiana è di eccezionale attualità e raffinatezza tecno-logica. Il progetto del Prof. Ungers è di straordinariorispetto per questa struttura e guida lo sviluppo dell’im-pianto di illuminazione.La versatilità tecnologica Reggiani riteniamo si esprimanel controllo del rapporto tra l’illuminamento delle operee dell’ambiente.


palladiana


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The way the natural light inside the Palladian Basilica ishandled is exceptionally innovative and technologicallyhighly refined. Prof. Ungers’ project shows exceptionalrespect for this structure and guides the development of thelighting system carefully.The versatility of Reggiani technology is expressed in con-trolling the ratio between illumination of the works and theenvironment itself.




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Wall, ceiling, and/or track mounted luminaire for metal halidelamps, featuring two separate bodies made of die-cast alu-minium. The optical unit, which is protected by the POLYBLOKsystem, can be adjusted, and is separate from the control gearsystem, ensuring optimum thermal equilibrium.

Sunlight 5535



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Nato a Kaisersesch (Eifel) nel 1926, si laurea con Egon Eier-mann alla TH di Karlsruhe, nel 1950 e apre uno studio aColonia.Nel 1963 inizia l’attività didattica che lo vede fino al ‘68 pro-fessore alla TU di Berlino, dal 1975 al ‘86 professore allaCornell University - si era trasferito negli USA nel 1970,aprendo uno studio a Ithaca, N.Y. - alla Harvard University(1973 e 1978), alla UCLA (1974 e 1975); negli anni1979/‘80 insegna alla Hochschule für Angewandte Kunst diVienna e dal 1986 al ‘90 alla Kunstakademie di Dusseldorf.Nel 1976 apre uno studio a Francoforte S.M. e nel 1983 aKarlsruhe. Recentemente ha aperto uno studio a Berlino.La carriera accademica e professionale di Oswald MathiasUngers delinea una figura carismatica, dotata di grandis-simo prestigio internazionale, non a torto considerata puntodi riferimento fondamentale dell’architettura contempo-ranea tedesca.La rivisitazione critica del Classicismo, l’ammirazione per igrandi maestri del Rinascimento, la ricerca assidua e quasimaniacale del senso della “regola” architettonica, la consa-pevolezza dell’essenza dell’architettura come fatto urbano esociale, sono tutti elementi che contraddistinguono la rifles-sione e l’opera di Ungers.I suoi scritti e le sue opere sono stati pubblicati nelle mag-giori riviste e in numerosi libri in Europa, USA e Giappone.



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Born at Kaisersesch (Eifel) in 1926, Ungers graduated withEgon Eiemann at the Karlsruhe TH in 1950 and then openeda studio in Cologne.In 1963 he began his teaching career in which, until 1968,he was Professor at the Berlin TU; from 1975 to 1986 he wasprofessor at Cornell University (he had transferred to theUSA in 1970, opening a studio at Ithaca, N.Y.); at HarvardUniversity (1973 and 1978); and at UCLA (1974 and1975). In 1979/80 he taught at the Hochschule fürAngewandte Kunst, Vienna, and from 1986 to 1990 at theKunstakademie, Düsseldorf. In 1976 he opened a studio inFrankfurt a/M and in 1983 another at Karlsruhe. He hasrecently opened a studio in Berlin. The academic and profes-sional career of Oswald Mathias Ungers reflects a charis-matic figure, endowed with great international prestige – anarchitect rightly considered as a fundamental reference pointof contemporary German architecture. The critical re-evalu-ation of Classicism, the admiration for the great masters ofthe Renaissance, the assiduous, almost frenzied, search forthe sense of architectural “rules”, the awareness of theessence of architecture as an urban and social reality – theseare all hallmarks of Ungers’ work, and testify also the depthof his reflection upon it.His writings and works have been published in leading mag-azines and in numerous books in Europe, the USA and Japan.



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Architectural works

Álvaro Siza

Luce e Architettura Álvaro Siza. Opere di architetturaLight and Architecture Álvaro Siza. Architectural works

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1. Comincio il progetto quando vado a vedere un terreno(programma e condizionamento vaghi, come succede quasisempre). Altre volte comincio prima, a partire dall’idea cheho di un luogo (una descrizione, una fotografia, qualcosache ho letto, un’indiscrezione). Escludo che rimanga moltodel primo abbozzo. Ma tutto ha un inizio. Un luogo vale perquello che è e per quello che vuol essere – cose a volte op-poste, eppure mai senza un rapporto. Molto di quello cheho disegnato finora (e molto di quello che hanno disegnatogli altri) fluttua all’interno del primo abbozzo.Disordinatamente. Tanto che ben poco rimane del luogoche rievoca tutto. Nessun luogo è deserto. Posso sempre es-sere uno degli abitanti. L’ordine è l’avvicinamento degli op-posti.2. Dicono che disegno nei caffè, che sono un architetto dipiccole opere (ma, avendo provato a fare le altre, penso chele piccole siano più difficili). È vero che disegno nei caffè.Ma non lo faccio come Toulouse-Lautrec, o per qualchePrix de Rome, fra le rovine. L’ambiente di un caffè non ispi-ra né trasporta. È uno dei pochi – qui a Porto – che permet-ta anonimato e concentrazione. Non si tratta di una fuga daltavolo delle riunioni, dall’interdisciplinarità, dal telefono,dai testi dei regolamenti, dai cataloghi di prefabbricati o da-gli attrezzi che semplificano tante cose, dal computer alleriunioni di vicinato. Si tratta di conquistare – questa è la pa-rola – delle basi per lavorare con questo e per questo.(Quanti caffè ho frequentato! Cambio quando mi accorgodi prestare troppa attenzione alle miscele del tè o del caffè.)3. Alcuni dei miei ultimi progetti sono passati attraverso unlungo dibattito con gruppi organizzati di inquilini o di futu-ri inquilini. Niente di particolarmente nuovo. Ho lavoratocosì in altre circostanze, e così ho desiderato lavorare. Nel

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1. I begin a project when I go to see a site (a programme andvague determining factors are nearly always there). Some-times I begin with the idea I have of a place (from a descrip-tion, photo, something I have read or some sort of clue). Ican always not say I spend much time on the first sketch. Buteverything has a beginning. A place is worth what it is andwhat it wishes to become – often opposed notions but neverunrelated. Much of what I have designed up to now (andwhat others have design-ed) wavers within the first sketch.In a disorganised fashion. So much so that very littleremains of the place which recalls all of it. No place is unin-habited. I can always be one of the inhabitants. Order is thebringing together of opposites.2. It is said that I design in cafés, that I am an architect ofsmall works (given that I have also tried other projects, Ithink the small ones are the most difficult). It is true that Idesign in cafés but I don’t do it like Toulouse-Lautrec, or forsome prix de Rome, among the ruins. You do not get inspiredor carried away by a café atmosphere. It is one of the fewplaces - here in Porto - that allow anonymity and concen-tration. I am not trying to get out of meetings or away frominterdisciplinary methods, or the telephone, or rule books, orprefab catalogues or tools that simplify so many things fromcomputers in neighbourhood meetings. I am trying toacquire - this is the word - the basis for my work, throughthis and for that. (I have worked in so many cafés! I changecafé when I start paying too much attention to the blends ofcoffee or tea.)3. Some of my recent projects have gone through a stage oflong discussions organised by householders or future house-holders. Nothing new in that. I have worked, or wanted towork, that way in other circumstances. In Portugal after the

The work

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L’ opera

Portogallo uscito dalla rivoluzione del 1974 non si trattavanonostante tutto, di volere o meno. Una volta aperte le pri-gioni, la lotta per la casa - a Porto, a Lisbona o nell’Algarve -superò i limiti della casa, del quartiere, della cooperativa.Raggiunse la città. Fu un’esperienza breve. Assunto comemetodo, ciò che è movimento degenera in comodo alibi, inmoderatore alienante, restio a impegnarsi nella riformula-zione del desiderio – il nostro e quello degli altri.4. Delle mie opere, di quelle recenti e di quelle che hannogià qualche anno, dicono che si basano sull’architettura tra-dizionale della regione. Anche queste opere mi hanno fattoconoscere la resistenza di un operaio, l’ira di chi passa e dichi giudica. La tradizione è una sfida all’innovazione. È fat-ta di inserti successivi. Sono conservatore e tradizionalista,ossia mi muovo tra conflitti, compromessi, metissaggio, tra-sformazione.5. Mi dicono (alcuni amici) che non ho una teoria di sup-porto né un metodo. Che niente di quello che faccio indicadelle vie. Che non è pedagogico. Una specie di nave in balìadelle onde, che inspiegabilmente non sempre naufraga (di-cono anche questo). Non metto a dura prova le tavole dellenostre navi, almeno in alto mare. Gli eccessi le mandano inpezzi. Studio le correnti, i mulinelli, cerco le insenature pri-ma di rischiare. Posso esser visto passeggiare solo in coper-ta. Ma tutto l’equipaggio e tutti gli attrezzi stanno lì, il capi-tano è un fantasma. Non oso metter mano al timone, quan-do s’intravede appena la stella polare. E non indico una viachiara. Le vie non sono mai chiare.6. Non mi piacerebbe eseguire con le mie stesse mani quel-lo che disegno. Né disegnare da solo. Sarebbe come steriliz-zare. Il corpo – mano, mente e tutto – non finisce nel corpodi ciascuno di noi. E nessuna parte è autonoma.

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The work

1974 revolution, and despite it all, there was no question ofchoosing. After the prisons were opened, the housing short-age in Porto, Lisbon or Algarve, went beyond the limits ofhouses, quarters and co-operatives. It reached the city. Itwas a short-lived experience. When that which is movementis adopted as a method, it degenerates into a comfortable ali-bi, an alienating moderator, loath the commit itself to re-for-mulating desire – ours, and that of others.4. Some people say that my recent works and my works of afew years back, are based on the traditional architecture inthe region. These works too, have led me to understand howa worker might be opposed to them or the anger of a passer-by who judges them. Tradition is a challenge to innovation.It is made up of subsequent inserts. I am a conservative anda traditionalist: that is I move among conflicts, compromis-es, hybrids and transformations.5. They (some friends) tell me that I do not have a theoreti-cal framework or a method. That I give no clues about thedirection to be taken. And that this is not being pedagogical.A kind of ship at the mercy of the waves, that inexplicablydoes not always sink (which is something else they tell me).I do not give our ships’ planks a good try out on the open sea.Excesses break them up into pieces. I study the currents,eddies. I look for the heaven before taking risks. I can be seenwalking alone up and down the deck. But the entire crew andall the equipment is there, the captain is a ghost. Wheneverthe pole-star is only just visible, I do not dare take the helm.I can not point to any clear way. The ways are not clear.6. I would not like to execute my own designs. Nor would Ilike to design alone. It would be like sterilising. Our body -hand, mind and all - is not confined to each of us. No onepart is autonomous.


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7. Le mie opere non finite, interrotte, modificate, non han-no niente a che fare con l’estetica del non finito, o con lacredenza nell’opera aperta. Hanno a che fare con la snervan-te impossibilità di portare a termine, con gli ostacoli chenon riesco a superare.8. Discuto con un operaio come sistemare un mosaico di 30x 30 su un pavimento dalla geometria irregolare: in diago-nale (come propongo) o parallelamente a una delle pareti.Mi dice: noi, a Berlino, non facciamo come dice lei. Il gior-no dopo, torno in cantiere. “Aveva ragione. È più facile daeseguire” (mi dice l’operaio). Ci siamo trovati d’accordosullo stesso punto: costruire nel modo più pratico e razio-nale, come accadeva nel Partenone, o a Chartres, o nella ca-sa Milà.E oggi: riscoprire la magica stranezza, la singolarità dellecose evidenti.

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7. My works are not complete. But the fact that they areinterrupted or modified has nothing to do with an aesthetictheory or a belief in the open-ended work. It has to do withthe debilitating impossibility of concluding, with obstacles Ican not overcome.

8. I am talking to a worker about how to set up a 30 x 30mosaic on a geometrically irregular floor: diagonally (as Isuggest) or parallel to one of the walls. He says: in Berlinwe are not used to doing it the way you say. The followingday I go back to the work site. “You were right. It’s easierthis way” (the worker tells me). We agreed on the samepoint: we have to build in the most rational and practicalway possible, as happened in the Parthenon, in Chartres orin the Milà house.And today: we have to rediscover the magic strangeness,ther special nature of obvious things.


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Luce e Architettura Álvaro Siza.. Opere di architetturaLight and Architecture Álvaro Siza. Architectural works

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Vicenza, 15 ottobre 1999. Sala Grande della Basilica Palla-diana. Immerso nella sconfinante luce delle sue lampadesotto l’alta copertura a carena, Álvaro Siza - attorniato damolti - si aggirava fra i tavoli. Si soffermava innanzi a mo-delli e disegni, dedicando racconti o commenti.La sera, a cena, praticamente abbracciato, parlava con tutti,si lasciava fotografare da tutti, scriveva il suo nome per tut-ti. Ma nella mattina del giorno seguente - entro la qualitàvertiginosa del Teatro Olimpico - riprendeva la sua remotaintonazione d’assenza, come nel vuoto una desiderosa eco.In quel luogo di finzione suprema s’immedesimava, resti-tuendosi l’infanzia, la ritualità austera di Matosinhos, por-tando i propri sogni in un sommesso dormiveglia della vo-ce, pensando a sé con riluttanza, da lontano, cercando quelche resta del non detto, facendo baluginare qualcosa.Parlava con noi - e ci piaceva - Álvaro Siza, architetto om-broso.

La mostra

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Vicenza, 15 October, 1999. The Main Hall of the PalladioBasilica. Bathed in the all-pervasive light of his lamps, un-der the light keel covering, Álvaro Siza, surrounded bymany people, wandered around the tables. He stopped infront of models and drawings, telling stories and makingcomments.In the evening, during dinner, surrounded as if in an em-brace, he talked with everybody, letting himself be pho-tographed by everybody, and writing his name for every-body. But the following morning, inside the vertigo-likequality of Teatro Olimpico, he took up again his distant in-tonation of absence, almost an echo of desire in the emptyspace. In that place destined to utmost fiction he was givinghimself back his childhood, the austere rituality of Mato-sinhos, carrying his dreams in the murmuring lullaby of hisvoice, from far away thinking about himself reluctantly,looking for what had not been said yet, letting glimmersomething.Álvaro Siza, the shady architect talked with us, and weliked him.

The exhibition

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Promo Luce Modulo illuminotecnicoPromo Luce Lighting Technology Modul

Álvaro Siza ProgettoÁlvaro Siza Design

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La luce dell’alba raggiunge la Sala Grande della Basilica Pal-ladiana urtando al lato privo di finestre e generando una lu-minosità asimmetrica. Il progetto illuminotecnico di ÁlvaroSiza non fa che riprendere quest’effetto della luce naturale.Il riflettore/rifrattore delle lampade Lorosae (ossia “luced’albore”) diffonde la luce verso l’alto e la riflette verso ilbasso, facendo ritornare nella Basilica quella luce morbidis-sima.Le lampade sono disposte secondo la metrica familiare a Si-za, che non casualmente provvede a un illuminamento ade-guato, di tipo museale.



trasversale



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The light of dawn reaches the Sala Grande of the PalladianBasilica, striking the side without windows and creating anasymmetrical luminosity. Alvaro Siza’s lighting technologydesign merely captures this effect of the natural light. Thereflector/refractor of the Lorosae luminaires (i. e. “DawnLight”) diffuses the light upwards and reflects it down-wards, causing that ultra soft light to return to the Basilica.The luminaires are arranged according to Siza’s familiarcomposition, which not coincidentally creates proportionatelighting, like that of museums.






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Lampade a sospensione a luce diffusa, per l’illuminazione ge-nerale di piccoli e grandi ambienti. Diffusore opalino, cavi disospensione in acciaio.Due versioni: l’una del diametro di 70 cm, destinata a grandispazi, e l’altra - del diametro di 40 cm - per ambienti di altez-za convenzionale. Lorosae valorizza il comportamento delmetacrilato, materiale assai vantaggioso per leggerezza e inal-terabilità cromatica (non ingiallisce). Infatti, la curvatura dellacoppa sfrutta in senso illuminotecnico le caratteristiche diquesto materiale trasparente, che rifrange i raggi luminosi in-cidenti con angolature superiori ai 30°, e riflette quelli radenticon angolature inferiori ai 30°. Quindi, la coppa diffonde i dueterzi della luce che riceve dalla lampada e riflette il terzo re-stante. Ne deriva un’armoniosa diffusione della luce: proiezio-ne dominante verso il basso (con accurata lettura degli am-bienti) e morbidissima diffusa verso l’alto.


Lorosae


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Pendant with diffused light for general lighting of small andlarge environments. Opal white diffuser, steel suspension cables.Pendant with diffused light for general lighting of small andlarge environments. Two versions: one with diameter 70 cm, designed for largespaces, and the other - 40 cm in diameter - for rooms of con-ventional heights. Lorosae enhances performance as regardslighting with methacrylate reflectors; such material is quiteadvantageous as regards light-weight and colour fastness (itdoes not turn yellow). In fact, the curvature of the bowl exploitsthe characteristics of this transparent material in terms of light-ing technology: it refracts the incident light rays with anglesexceeding 30° and reflects the very close light rays with anglesless than 30°. Hence the bowl diffuses two thirds of the light itreceives from the lamp while it reflects the remaining third.Consequently there is an agreeable diffusion of the light: domi-nating projection downwards (with accurate perception of theenvironments) and very soft diffusion upwards.

Lorosae



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Álvaro Joaquim Melo Siza Vieira nasce nel 1933 a Mato-sinhos, vicino a Porto, in Portogallo. Tra il 1949 e il 1955studia alla Escola de Belas Artes di Porto, portando a ter-mine il suo primo progetto nel 1954.Dal 1955 al 1958 collabora con l’architetto Fernando Tá-vora; tra il 1966 e il 1969 insegna alla Scuola di Architettura(ESBAP). Nel 1976 viene nominato assistente alla cattedradi progettazione. È stato Visiting Professor al Politecnico diLosanna, alla University of Pennsylvania, alla Scuola “LosAndes” di Bogotà, e Kenzo Tange Visiting Professor alla“Graduate School of Design” della Harvard University.Continua a insegnare alla Scuola di Architettura di Porto.Tra i suoi molti progetti, segnaliamo le 1200 case a Ma-lagueira (Evora), la Scuola Superiore di Educazione di Se-tubal, la Facoltà di Architettura di Porto e la Bibliotecadell'Università di Aveira, il Museo Galiziano di Arte Con-temporanea a Santiago de Compostela, il Museo d'Arte Mo-derna e l'importante complesso Boavista di Porto.Dal 1985, sta coordinando il piano di ricupero della “Zona5” del complesso residenziale Schilderswijk a l'Aja; ha ela-borato il progetto per gli isolati 6-7-8 del “CeramiqueTerrein”, a Maastricht e sta dirigendo la ricostruzione delquartiere “Chiado” di Lisbona, distrutto da un incendio. Al-tri importanti lavori sono il progetto principale della Pracade Espanha/Avenida Malhoa (Lisbona) e quello del CentroMeteorologico del Villaggio Olimpico di Barcelona.È doctor honoris causa dell'Università di Valenza (1992) edel Politecnico di Losanna (1993).



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Álvaro Joaquim Melo Siza Vieira was born in Matosinhosnear Porto, Portugal, in 1933. From 1949-55 he studied atthe Escola de Belas Artes in Porto, his first design built in1954. From 1955-58 Siza worked with the architect Fer-nando Tavora. He taught at the School of Architecture (ES-BAP) from 1966-69 and was appointed Assistant Professorof Construction in 1976. He has been a Visiting Professor atthe Ecole Polythéchnique of Lausanne, the University ofPennsylvania, the Los Andes School in Bogota and at theGraduate School of Design of Harvard University as KenzoTange Visiting Professor. He continues to teach at the PortoSchool of Architecture.Among his designs, 1200 homes in Malagueira, Evora, theSetubal College of Education, the Porto Faculty of Architec-ture and Aveiro University Library, the Galicia Museum ofContemporary Art in Santiago de Compostela, the PortoModern Art Museum and a major mixed-use developmentin Boavista.He has been co-ordinating the Schilderswijk Zone 5 Reno-vation Plan in The Hague, Holland, since 1985, and draw-ing up a scheme for blocks 6-7-8 in Ceramique Terrein,Maastricht. He is also supervising reconstruction of the fire-damaged area of Chiado in Lisbon. Other major works in-clude the Praca de Espanha/Avenida Malhoa Master Planin Lisbon and the design for the Meteorological Centre ofthe Olympic Village in Barcelona.Doctor Honoris Causa by the University of Valencia (1992)and by the Ecole Polythéchnique of Lausanne (1993).



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Toyo Ito

Luce e Architettura Toyo Ito. Opere di architetturaLight and Architecture Toyo Ito. Architectural works

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Le opere di Toyo Ito si sottraggono alla presa della critica invirtù dei paradossi che esprimono. All’origine di quanto Itoha costruito o progettato, vi è il tentativo di liberare l’archi-tettura dalla gravità e la denuncia dei conflitti che scandi-scono la convivenza della forma con la pesantezza. Discen-de da questa opposizione l’insistita ricerca che Ito ha svoltosui materiali da costruzione impiegati nelle sue opere, apartire, perlomeno, dalla casa d’alluminio a Fujisawa-shi,Kanagawa del 1970-71 (ma all’uso di questo materiale egli èritornato con la casa a Sakurajosui, Tokyo, del 1997-2000).Da allora, nel corso dei trent’anni trascorsi da questa primaesplorazione delle potenzialità dei materiali costruttivi nontradizionali (ma, è bene ricordarlo, si tratta di una stradapiù volte tentata nel corso del Novecento), la ricerca di Itosi è sviluppata sino a rendere esplicito che l’obiettivo da luiperseguito è quello di un radicale svuotamento di ciascunadelle caratteristiche che l’architettura ha tratto dalla tradi-zione da cui anch’egli ha preso le mosse. Sin dalle opere de-gli anni Settanta, infatti, Ito ha imposto al suo linguaggiouna progressiva rarefazione.Mentre l’apparato linguistico si è venuto progressivamenteriducendo alla semplice ma non ingenua dichiarazione del-le valenze ottiche e tattili dei materiali impiegati senza com-menti percepibili, la struttura delle costruzioni ha finito colperdere importanza e significato, al punto che molte delleopere di Ito possono essere studiate come una successionedi variazioni sul tema del rivestimento. Se ciò è riscontrabi-le sin dagli anni 1970-1980, ancor più chiaramente questevariazioni divengono la cifra di opere recenti. Nel comples-so del parco agricolo di Oita (1995-2001), ad esempio, lacopertura polimaterica è una maschera geometrica priva distruttura, mentre anche il progetto per la riconfigurazione

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The works of Toyo Ito escape from the bounds of criticismby virtue of the paradoxes they express. At the origins ofeverything that Ito has built or designed is the attempt tofree architecture from gravity and reveal the conflicts thatexpress the coexistence of form and heaviness. This opposi-tion engenders the emphatic investigation Ito has made intothe construction materials used in his works, at least start-ing with the aluminum house at Fujisawa-shi, Kanagawa,1970–71 (and he returned to the use of this material for thehouse at Sakurajosui, Tokyo, 1997–2000). From that pointon, over the thirty years that have passed since this first ex-ploration of the potential of non-traditional building mate-rials (though it should be remembered that this is a routethat was tried several times over the course of the 20th cen-tury), Ito’s research developed so as to render it explicit thatthe objective he was pursuing was the drastic voiding out ofevery characteristic that architecture had taken from thetradition out of which he had come himself. Since his work in the 1970s, Ito has progressively pareddown his language. While his linguistic apparatus was in-creasingly reduced to the simple though not ingenuous dec-laration of the visual and tactile value of the materials usedwithout perceptible commentary, the structure of the build-ings tended to lose importance and meaning, to the pointthat many of Ito’s works can be studied as a succession ofvariations on the theme of cladding. While this can be foundsince 1970–1980, these variations become even more clear-ly the key feature of his more recent works. In the Oita Agri-cultural Park complex (1995-2001), for example, the mul-tiple material covering is a geometric mask without struc-ture, while the design for restructuring the Thessaloniki wa-terfront (1997), though it dealt with an extended and com-

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del lungomare di Salonicco (1997), pur riguardando unfronte urbano esteso e complesso, prefigura una sorta di av-volgente rivestimento per l’intero prospetto della città. Se-guendo questo indirizzo di ricerca (e approfondendo così ilconfronto con i paradossi da essa prospettati), le opere diIto finiscono per esaltare le valenze ottiche dei materiali e,al contempo, per ricorrere a forme sempre più libere.Gli impianti dei suoi progetti tendono ad assumere configu-razioni sinuose e insinuanti, mentre i rivestimenti tradisco-no le originarie geometrie di figure semplici e stereometri-camente definite per prediligere curve complesse e configu-razioni avvolgenti. Contemporaneamente, il conflitto tra lalibertà della forma e la necessità della gravità viene dichia-rato con maggior insistenza.Per questa ragione, Ito giunge a sospendere le sue costru-zioni su vuoti virtuali, disegnando figure che sembrano gal-leggiare nell’aria, sostenute dalla leggerezza dello spazio edall’immaterialità degli involucri (si veda, ad esempio, ilprogetto del complesso per la Plaza di Morioka del 2000).Ossessionata dalla leggerezza, l’architettura di Ito sembra ri-fuggire tutto ciò che può evocare gravità e appoggio. Anchegli spessori (da qui l’impiego spesso eterodosso o estenuatodei materiali di rivestimento, come nel caso del progettoper la “torre acrilica” di Hannover, del 1999) tendono ascomparire, apparendo come linee tese tra due punti, tradue estremi, mentre i prospetti assumono non di rado l’a-spetto di velari, come nel caso dell’ospedale Cognacq-Jay aParigi (1999 e seg.), oppure di veri e propri schermi vapo-rosi, opacizzati da molti effetti e comunque restii ad accetta-re l’ovvietà della trasparenza. Le implicazioni di questa ri-cerca risultano con tutta evidenza nell’opera più significati-va tra quelle concepite da Ito negli ultimi anni, la Mediateca

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plex urban front, also prefigured a kind of enveloping sheathfor the city’s entire face. Following this line of pursuit (and further investigating theencounter with the paradoxes presented by it), Ito’s worksend up enhancing the visual value of the materials while si-multaneously using increasingly free forms. The frame-works of his designs tend to take on supple and subtle con-figurations, while the cladding abandons the originalgeometries of simple and stereometrically determined fig-ures to privilege complex curves and enveloping configura-tions. Simultaneously, the conflict between the freedom ofform and the necessity of gravity is revealed with increasedemphasis. For this reason, Ito came to hang his construc-tions in virtual voids, designing figures that seem to float inthe air, supported by the lightness of the space and the im-materiality of the shells (seen, for example, in the design ofthe Plaza of Morioka complex from 2000). Obsessed with lightness, Ito’s architecture seems to refuteanything that might evoke gravity or support. Even thick-ness (from this comes the frequently unorthodox and lan-guid use of cladding materials, as in the case of the designof the “acrylic tower" of Hannover in 1999) tends to disap-pear, appearing as lines stretched between two points, be-tween two extremes, while the façades not infrequently as-sume the appearance of a velarium as in the case of the Co-gnacq-Jay hospital in Paris (ongoing since 1999), or actualvaporous screens that are rendered opaque by a variety ofeffects and nonetheless resistant to accepting of the obvious-ness of transparence.The implications of this pursuit are clearly evident in Ito’smost important work of the last few years, the Sendai Me-diatheque (1995–2001). The construction resembles a giant

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di Sendai (1995-2001). La costruzione somiglia a un gigan-tesco acquario. Le pareti vetrate filtrano la luce all’interno,che pare invaso da un liquido variamente illuminato dai ri-flessi che le vetrate, insistentemente elaborate ed eloquente-mente sospese e libere, lasciano filtrare all’interno. Qui l’im-ponente apparato strutturale subisce una metamorfosi in-quietante, poiché le colonne composite in tralicci d’acciaiosono piegate lungo l’asse verticale e acquistano una non deltutto inattesa valenza naturalistica.A dispetto della loro conformazione, i pilastri interni - secosì è lecito dire - creano dei vuoti che tagliano tutto l’edifi-cio, e nel liquido luminoso che attraversano mimano la pre-senza di alghe marine, completando così l’immagine che disé la costruzione intende comunicare.La metafora adottata non è oscura: ai filamenti fluttuantinell’acquario Ito affida il compito di liberare definitivamen-te lo spazio da ogni immagine evocante la necessità, il biso-gno, l’uso. All’interno di questo vuoto sospeso, tra scenarimuti e attoniti, animati soltanto dalle metamorfosi struttu-rali che li attraversano, il vivere contemporaneo viene offer-to come spettacolo congelato a coloro che qui nuotano tra iparadossi irrisolti che l’arbitrarietà mette in scena.

L’opera

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aquarium. The glazed walls filter light to the inside, whichseems to be flooded by a liquid that is variably lighted bythe reflections that the glass panes, emphatically elaboratedand eloquently and freely suspended, allow to filter inside.Here the imposing structural apparatus undergoes a dis-turbing metamorphosis, as the columns made of steel gridsare bent along the vertical axis and take on a not entirelyunexpected naturalistic quality. In spite of their structures,the interior columns, if it can be so said, create voids thatcut through the entire building and in the luminous liquidthat they cross through mime the existence of seaweed andcomplete the image that the structure in itself intends toconvey. The metaphor used is not obscure: Ito enlists thefloating filaments in the aquarium to definitively free thespace from any image that evokes necessity, needfulness, orpurpose. Inside this suspended void, between mute, dumb-founded scenes that are animated only by the structuralmetamorphoses that cross them, contemporary life is pre-sented as a frozen spectacle to those who swim between un-resolved paradoxes that are produced by the arbitrary. ToyoIto (1941) graduated in architecture in Tokyo in 1965. Afterworking with Kiyonori Kikutake, he began his independentbusiness in 1971, working primarily in residential build-ings. Since 1990 he has participated in several importantinternational competitions, including those for enlargementof MoMA in New York and for Caac in Rome. He has taughtin many universities in Europe, Japan and the United Statesand participated in many international exhibitions, includ-ing: Architectural Association, London; Moca, Los Angeles;and Biennale of Venice. Ito’s works are regularly shown inmajor international magazines and have been the subject ofseveral monographic publications.

The work


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Bosco di notte, luna forse, e penombra dei sentieri.Noi qui, per vedere le opere di Toyo Ito. Ma egli chiede cor-pi sconfinanti: disorienta lo sguardo, lo pone al termine dilunghi involucri o sul loro avvolto chiarore. Apparizione in-completa, oratio obliqua parole di luce. Tra opaco e traspa-rente, fluida sommessa presenza di un giardino della mente,oltre un’intonazione di fusuma.

La mostra

La mostra

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Wood at night, the moon perhaps, dim light of paths. We arehere to see the works of Toyo Ito. But he demands figureswhich go beyond their limits: he disorients the gaze, placingit at the end of long sheathes or on their enveloped glow.Incomplete apparition, oratio obliqua, words of light.Between the opaque and the transparent, the subdued fluidpresence of a mind's garden, beyond a fusuma intonation.

The exhibition

The exhibition

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Toyo Ito ha progettato un allestimento che – oltre ad asse-condare la natura delle opere esposte – intraprende una sot-tile trattativa con l’edificio palladiano che ospita la mostra.Ito riprende il tema della trasparenza, già radicalizzato nellaMediateca di Sendai, disponendo nella sala diciannove co-lonne, cave e sospese, di un leggero tessuto traslucido, alteundici metri e illuminate dall’alto, alla cui base è un tavolotrasparente, che si fa schermo per la proiezione d’immaginie insieme supporto per i modelli. L’atteggiamento multime-diale viene ribadito dalla presenza di una sala di proiezionea pianta ovale, ove scorrono – intrecciate o sovrapposte finoa diventare simultanee – le opere di Ito. La colonna sonoraè di Ryoji Ikeda.



trasversale

Promo LuceCross section


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Toyo Ito designed a display that – in addition to accordingwith the nature of the exhibited works – enters into subtlenegotiations with the Palladian building that hosts the exhi-bition.Ito returns to the theme of transparency that he had alreadyradicalized in the Sendai Mediatheque. He uses 19 hollow,suspended columns of a light translucent material that are11 meters high and lighted from above. A transparent tableis at their base, forming a screen to project images as well assupport the models. The multimedia approach is reassertedby an oval projection room where Ito’s works are run – inter-secting and overlapping to the point of becoming simultane-ous. The soundtrack is by Ryoji Ikeda.







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Promo Luce Modulo illuminotecnicoPromo Luce Lighting Technology Module



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ZeroZeroUno con ricuperatore conico

L’allestimento, che presenta le opere di Toyo Ito entro torriluminescenti, rende molto complesso lo schema luminoso,poiché chiede di distribuire una porzione di flusso com-plesso in un angolo assai ristretto, in modo da illuminare lepareti della torre senza invaderne l’area centrale, ove si ren-dono visibili i progetti. L’ottica di ZeroZeroUno agisce pre-cisamente nella porzione controllabile del flusso luminoso:il ricuperatore conico centrale smorza e assorbe la porzionenon richiesta del flusso, evitando la sua riflessione versol’ottica primaria, che potrebbe riemetterlo senza controllo.Il fascio risultante conserva il grado d’intensità necessario acoprire la ragguardevole altezza delle torri.

ZeroZeroUno with conical funnel

The design of the display presenting the works by ToyoIto within luminous towers makes the lighting plan ex-tremely complex as part of the total luminous flux mustbe distributed within an extremely narrow angle in orderto light the walls of the tower without invading the cen-tral area where the designs are visible. The ZeroZeroUnooptics act precisely in the controllable portion of the lu-minous flux. The central funnel attenuates and absorbsthe part of the flux not required, preventing it from beingreflected towards the primary optics which could reemitit out of control. The resulting beam retains the level ofintensity necessary to cover the considerable height ofthe tower.


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Proiettori da superficie con ricuperatore conico e regolazionedell’apertura del fascio luminoso, per lampade ad alogenurimetallici monoattacco MT-CDM-T con bruciatore ceramicoda 150w.


ZeroZeroUnocon

ricuperatoreconico


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Surface-mounted spotlights with conical funnel and light beamadjustment, for single-ended metal halide lamps MT-CDM-Twith 150w ceramic burner.

ZeroZeroUnowith ConicalFunnel



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Toyo Ito, nato a Seoul nel 1941, si è laureato in architetturaall’Università di Tokyo nel 1965. Dopo aver lavorato conKiyonori Kikutake, ha fondato il proprio studio (URBOT,Urban Robot) a Tokyo nel 1971, poi ridefinito come ToyoIto and Associates, Architects nel 1979.Attualmente insegna all’Istituto di Scienza Industriale del-l’Università di Tokyo ed è vice commissioner di KumamotoArtpolis.Le sue opere più importanti sono i musei municipali di Yat-sushiro e Shimosuwa, la cupola di Odate, il Resort Com-plex di Nagano, la “T Hall” di Taisha e la Mediateca di Sen-dai.Ha ricevuto innumerevoli riconoscimenti, i più recenti deiquali sono l’Educational Minister’s Art Academy Encoura-gement Prize in Japan nel 1998, il Japan Minister’s ArtAcademy Prize nel 1999, l’Arnold W. Brunner MemorialPrize in Architecture dell’American Academy of Arts andLetters nel 2000 e il titolo di “Academician” dell’Interna-tional Academy of Architecture (IAA), sempre nel 2000.


Profilo dell’autore

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Toyo Ito was born in Seoul in 1941 and graduated in archi-tecture from the University of Tokyo in 1965. He workedwith Kiyonori Kikutake, and then he founded his own stu-dio (UR-BOT, Urban Robot) in Tokyo in 1971 and renamedit Toyo Ito and Associates, Architects in 1979.He currently teaches at the Institute of Industrial Science atthe University of Tokyo and is vice commissioner of Ku-mamoto Artpolis.His most important works include the metropolitan muse-ums in Yatsushiro and Shimosuwa, the Odate dome, the Re-sort Complex of Nagano, the “T Hall” of Taisha, and theSendai Mediatheque.He has received several acknowledgements, the most recentof which include the Educational Minister’s Art AcademyEncouragement Prize in Japan in 1998, the Japan Minister’sArt Academy Prize in 1999, the Arnold W. Brunner Memor-ial Prize in Architecture from American Academy of Artsand Letters in 2000 and the title of “Academician” of the In-ternational Academy of Architecture (IAA), also in 2000.



Luce e Architettura. PostscriptumLight and Architecture. Postscriptum

A partire dall'anno 1985, abbiamo dato avvio a un ciclo digrandi mostre, che vede protagonisti i maestri dell'architet-tura contemporanea maggiormente riconosciuti a livello in-ternazionale, invitati a esporre la propria opera nel grandio-so salone della Basilica Palladiana di Vicenza, dove essi scel-gono - di volta in volta, e con piena responsabilità - il modoin cui presentarsi al pubblico.Il tema del “mostrare” in relazione all'architettura è certa-mente di non facile approccio, data l'inevitabile assenza del-l'oggetto specifico a cui si fa riferimento. Consapevoli di ta-le difficoltà, abbiamo fin dall'inizio scelto di caratterizzarele rassegne attraverso il progetto di allestimento, specifica-mente pensato in funzione dello spazio monumentale dellaBasilica.L'allestimento, oltre che sostegno fisico per i materiali daesporre, diventa così un tramite fra spettatore e autore, rap-presentando di per sé un'esperienza di architettura che aiu-ta a comprendere il linguaggio e la poetica dell'architetto. Ilnostro obiettivo principale è sempre stato quello di favorirel'avvicinamento di un pubblico più vasto ai temi dell'archi-tettura contemporanea, nel tentativo di sviluppare una sen-sibilità diffusa che in seguito si traduca in una maggiore at-tenzione al rinnovamento dell'ambiente urbano e del pae-saggio.Nel corso degli anni, abbiamo accumulato molte esperien-ze, condivise con le aziende che ci hanno supportato sulpiano tecnico, così da costituire un patrimonio culturale dirilievo nell'ambito della ricerca sulle forme di rappresenta-zione dell'architettura.

Abaco Associazione Culturale per l'Architettura

Postscriptum

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In 1985, we began a cycle of major exhibitions featuring topinternational names of contemporary architecture, invited todisplay their works in the magnificent rooms of thePalladian Basilica at Vicenza where they have a completelyfree choice to decide the best way to present themselves to thepublic. How to display architecture is never an easy theme toapproach given the inevitable absence of the specific objectitself. Aware of this difficulty, our aim has always been tocharacterise the display through its design, specifically con-ceived in relation to the imposing spaces of the Basilica.As well as providing a physical support for the materials tobe exhibited, the display thus becomes an interface betweenobserver and creator, itself providing an experience of archi-tecture and thus helping the observer understand the archi-tect's language and poetics. Our main objective has alwaysbeen to help the public approach contemporary architecturein an attempt to develop a more widespread awarenesswhich can then be transformed into greater attention torenewal of the urban environment and landscape.We have gained considerable experience, shared with thecompanies who have collaborated with us on a technical lev-el, building up a cultural heritage of some importance interms of research into forms of representing architecture.

Abaco Associazione Culturale per l'Architettura

Postscriptum

Postscriptum

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BIBLIOTECA DELLA LUCE REGGIANI

Luce e architetturaLight and architecture

Reggiani Spa Illuminazionev.le Monza 16 - 20050 Sovico MItel 039 20711 fax 039 [email protected]

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ENTI PROMOTORI

Comune di VicenzaProvincia di VicenzaRegione del VenetoIstituto Universitariodi Architettura di VeneziaOrdine degli Architetti di VicenzaAssociazione Industrialidi VicenzaCamera di Commercio I.A.A. di Vicenza

ORGANIZZAZIONE

AbacoAssociazione Culturale per l’Architettura

VOLUMI GIÀ PUBBLICATI:VOLUMES ALREADY PUBLISHED:

IL MARCHIO REGGIANI.ICONOLOGIA

REGGIANI. INIZIODI UN AUTORITRATTO

ESPERIENZA.PINO USICCO

LUIGI VERONESI. CRONACADI UN’ESPERIENZAAMERICANA.

A DIALOGUE WITH LIGHT TONI ZUCCHERI

I QUADERNI SCIENTIFICILUIGI MANZONI

LA LUCE. PROGETTOSCIENZA FILOSOFIALUIGI MANZONI

DA BELLINI A TINTORETTO. L’ARTE DELLA LUCE. EREMITANI PADOVA

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OMBRE DI PIETRA. PROLEGOMENIA UNA POLITICA PERI BENI CULTURALIPAOLO PORTOGHESI

TADAO ANDO. LA LUCE.BASILICA PALLADIANA VICENZA

GABETTI & ISOLA. OPERE DI ARCHITETTURA. BASILICA PALLADIANA VICENZA

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