Nigel  Warburton  LA  QUESTIONE  DELL’ARTE      “Questo  libro    ruota  attorno  alla  questione  di  cos’è  l’arte  e  come  può  essere  definita,  esaminando  parecchi  dei  più  importanti  tentativi  filosofici  che  hanno  tentato  di  rispondere  alla  questione  dell’arte  del  xx  secolo,    arrivando  alla  conclusione  che  l’arte  non  è  definibile  e  tuttavia  se  dobbiamo  porci  questa  domanda  (che  cos’è  l’arte?)  è  meglio  concentrarsi  su  opere  particolari  e  domandarsi  perché  esse  sono  importanti  per  noi.”      I.  capitolo    Forma  significante    Il  primo  capitolo  si  apre  con  una  teoria  di  Clive  Bell  su  ciò  che  è  l’arte,  giustificandone  all’interno  del  suo  libro  una  seria  considerazione  della  pittura  di  Cézanne  (per  Bell,  Cézanne  occupava  il  posto  più  alto  nel  cielo  del  post-­‐impressionismo).  Il  libro  di  Bell  è  ben  più  di  una  tirata  retorica  in  difesa  di  una  scuola  artistica  all’avanguardia:  esso  contiene  una  teoria  riguardo  a  che  cosa  sia  l’arte  visiva  e  un  programma  al  modo  di  guardare  i  dipinti.    Questa  teoria  può  essere  riassunta  nella  formula  “  l’arte  è  forma  significante”.    Alcuni  oggetti  creati  dalle  mani  dell’uomo,  sono  stati  dotati  di  produrre  un’emozione  estetica      in  osservatori  sensibili.  Il  potere  di  produrre  un’emozione  estetica  è  inerente  alla  forma  significante,  che  è  una  combinazione  di  linee,  forme  e  colori  posti  in  certe  relazioni  tra  loro.  Non  ogni  forma  possiede  una  forma  significante  ma  se  un  oggetto  ha  forma  significante  è  perché  possiede  queste  relazioni.  La  rappresentazione  e  il  suo  valore  artistico      “  Per  apprezzare  un’opera  d’arte  non  abbiamo  bisogno  di  portare  con  noi  nulla  della  vita,  nessuna  conoscenza  delle  sue  idee  e  faccende,  nessuna  familiarità  con  le  sue  emozioni  .  “  La  sola  conoscenza  che  l’osservatore  deve  possedere    è  un  senso  della  forma,  del  colore  dello  spazio  tridimensionale.    (la  tridimensionalità  è  importante  secondo  Bell  perché    ci  permette  di  conoscere  lo  spazio  altrimenti  saremmo  di  fronte  a  dipinti  insignificanti  ,  superfici  piatte).  Bell  inoltre  disprezza  ciò  che  chiama  <<  pittura  descrittiva>>  perché  sostiene  che  un  dipinto  di  questo  genere    si  limita  a  comunicare  informazioni  suggerendo  emozioni  qualora  ci  fossero,  piuttosto  che  fungere  da  oggetti  di  emozione.  Non  bisogna  usare  l’arte  per  essere  condotti  alle  emozioni  della  vita.    L’emozione  estetica  -­‐  è  una  caratteristica  dell’arte,  ad  esempio  la  bellezza  di  un’ala  di  farfalla  o  un  fiore  non  è,  secondo  Bell,  dello  stesso  genere  della  forma  significante  di  un  dipinto.  Sono  le  combinazioni  di  linee  e  colori  prodotti  da  mano  umana  possono  sollevarci  all’emozione  estetica.  L’artista  cerca  di  vedere  una  sedia  come  pura  forma  priva  di    associazioni  e  di  funzione,  e  ciò  da  origine  ad  un’emozione  profonda  e  ispirata.  La  visione  estetica  della  pura  forma  della  sedia  da  parte  dell’artista    è  la  visione  di  un  oggetto  liberata  da  tutte  le  preoccupazioni  quotidiane  che  mette  a  nudo  l’oggetto    come  esso  è  in  se  stesso.  L’emozione  dell’artista  nei  confronti  di  questa  visione  viene  allora  espressa  nel  dipinto  della  sedia.  Copie  e  contraffazione    -­‐    La  persona  che  copia  o  contraffà  non  si  trova  nello  stesso  stato  mentale  dell’artista  e  quindi  non  è  in  grado  di  riprodurre  perfettamente  le  linee,  le  forme  e  i  colori.  Buone  copie  sono  possibili,  ma  per  far  ciò  non  è  necessario  vedere  come  un  osservatore  esperto,  ma  sentire  come  un  artista.    Non  tutti  sono  in  grado  di  apprezzare  l’arte  visiva.  Coloro  che  non  ne  sono  capaci  non  provano  emozioni  estetiche    è  come  esser  “  sordi  ad  un  concerto  “.  Quindi  per  provare  l’effetto  della  

forma  significante  bisogna  essere  un  osservatore  sensibile.  Bell  sostiene  che  in  tutte  le  opere  d’arte  c’è  una  qualità  senza  la  quale  un’opera  d’arte  non  può  esistere.  Che  qualità  è  condivisa  da  tutti  gli  oggetti  che  provocano  le  nostre  emozioni  estetiche?  =  la  forma  significante.  Una  delle  accuse  più  serie  sollevate  contro  la  teoria  di  Bell  è  quella  di  circolarità  viziosa.  Forma  significante  ed  emozione  estetica  sono  definite  l’una  nei  termini  dell’altra  e  quindi  non  si  costituisce  una  spiegazione  soddisfacente  dell’arte.  Bell  inoltre  sostiene  che  di  fronte  ad  un’opera  d’arte  si  può  provare  un’emozione    estatica  o  entusiastica,  e  diversa  da  quella  che  si  può  provare    dall’emozione  del  bello  naturale,  tuttavia  le  osservazioni  risultano  di  scarsa  utilità    perché  si  ritorna  nel  solito  circolo  vizioso  ,  dove  il  solo  vero  indicatore  di  che  cosa  sia  un’emozione  estetica  può  essere  individuato  nell’altro  termine  chiave  della  teoria,  la  forma  significante.  La  teoria  di  Bell  è  quindi    è  priva  di  contenuto  e  anche  se  trovasse  una  risposta  rimarrebbero  comunque  alcune  difficoltà  di  fondo.  Per  esempio  io  potrei  dire  che  i  dipinti  di  tizio  manifestano  del  tutto  chiaramente  una  forma  significante,  un’altra  dirà  l’opposto  di  quanto  ho  detto  io.  Se  pur  essendo  entrambi  sinceri  nel  giudizio  secondo  Bell  uno  ha  ragione  e  l’altro  ha  torto,  non  è  possibile  che  contemporaneamente  i  dipinti  di  tizio  siano  dotati  di  un’emozione  estetica.  Non  fornendo  alcuna  teoria  decisionale  lasciando  coloro  che  non  hanno  un’opinione  nell’incertezza.      Bell  e  Cézanne      Bell  amava  la  pittura  di  Cézanne  perché  pensava  che  ciò  che  la  rendesse  grande  fosse  proprio  il  suo  allontanamento  dalla  rappresentazione  in  direzione  della  forma  pura.  L’arte  secondo  Bell  non  aveva  niente  a  che  fare  con  la  rappresentazione,  se  si  ha  rappresentazione  questo  è  accidentale.  In  alcuni  casi  l’elemento  rappresentativo  è  così  centrale  in  un  dipinto  che  sarebbe  assurdo  marginalizzarlo  come  un  semplice  pretesto  per  la  creazione  di  strutture  formali  .  John  Berger    ammette  che  l’unità  compositiva  contribuisca  alla  forza  dell’immagine  dal  piano  ma  non  solo,  concorrono  altri  elementi  .Bell  si  accontentava  di  trattare  le  opere  come  indipendenti  dal  contesto  in  cui  si  trovavano,  ciò  secondo  Bell  ci  permetterebbe  di  concentrarci  sugli  aspetti  formali  mettendo  da  parte  distrazioni  di  carattere  psicologico.  Decontestualizzare  un’opera  d’arte  però  è  un  ostacolo  piuttosto  che  un  aiuto    alla  nostra  comprensione,  può  servire  ad  esercitare  l’occhio  ma  l’apprezzamento  dell’arte  va  oltre  il  semplice  esercizio.        Riassunto      La  teoria  di  Bell  è  una  teoria  estetica  che  si  concentra  esclusivamente  sugli  aspetti  visivi  delle  opere  d’arte:  le  intenzioni  degli  artisti,  lo  sfondo  storico  e  così  via  sono  irrilevanti.  Ciò  che  fa  di  qualcosa  un’opera  d’arte  è  la  sua  capacità  di  produrre  un  certo  effetto  sull’osservatore  sensibile  per  mezzo  della  sua  apparenza.                      

   II.  capitolo    ESPRESSIONE  DI  EMOZIONI      Per  Bell  la  grande  arte  rimane  stabile  e  non  nascosta  perché  i  sentimenti    che  suscita  sono  indipendenti  dal  tempo  e  dallo  spazio,  l’arte  secondo  lui  non  è  una  categoria  atemporale  ,  ma  una  categoria  che  evolve  come  evolvono  le  società  in  cui  le  opere  d’arte  sono  create.  Collingwood  non  condivideva  le  concezioni  di  Bell  sull’atemporalità  dell’arte  così  fornisce  un’analisi  più  complessa  e  sistematica  dei  generi  di  cose  che  sono  ingenuamente  chiamati  arte  dalle  vere  opere  d’arte.  Egli  distinse  la  vera  arte  dall’artigianato.  L’artigianato  è  un’attività  che    trasforma  del  materiale  grezzo  in  un  prodotto  concepito  precedentemente  ,  esso  sa  cosa  fare  prima  di  farlo.  La  progettazione  tuttavia  non  è  una  caratteristica  necessaria,  né  distintiva,  dell’attività  artistica.  Sebbene  le  opere  d’arte  siano  eseguite  tramite  un’attività  di  tipo  artigianale,  l’arte  non  deve  essere  identificata  con  l’artigianato.  Questo  perché  l’arte  non  è  solo  questione  di  tecnica,  non  si  può  insegnare  come  può  essere  insegnata  un’abilità  tecnica.  Collingwood  viene  spesso  criticato  perché  non  riconosce  il  ruolo  dell’artigianato  nell’arte,  difendendosi  a  questa  accusa  dice  esplicitamente  che  le  caratteristiche  progettuali  dell’artigianato  possono  essere  presenti  anche  nelle  opere  d’arte,  ma  non  è  sempre  così.  E’  presente  un  elemento  di  progettazione  nell’atto  stesso  della  produzione  e  per  quanto  l’abilità  tecnica  sia  necessaria,  la  sola  abilità  non  è    sufficiente  a  fare  di  una  tela  una  vera  opera  d’arte.  Cos’è  arte  per  Collingwood?      E’  chiaro  che  non  è  artigianato,  non  è  cioè  il  prodotto  di  tecniche  utilizzate  per  raggiungere  fini  prestabiliti.  La  vera  arte  è  l’espressione  immaginativa  di  emozioni,  per  espressione  non  si  deve  intendere  un  trapelare  di  emozioni  all’esterno,  non  una  sollecitazione,  ma  è  il  processo  di  chiarificazione    di  un  sentimento  iniziale  vago  che  diventa  chiaro  attraverso  la  propria  espressione.  L’espressione  riuscita  di  un’emozione  permette  all’osservatore  o  al  pubblico  di  diventare  consapevoli  di  quell’emozione,  in  quanto  il  processo  di  creazione  artistica  si  concentra  sulla  natura  di  quella  particolare  emozione  per  la  persona  che  ne  ha  esperienza  e  la  esprime.  Chi  contempla  un’opera  d’arte  secondo  C.  deve  esprimere  emozioni,  proprio  come  fa  l’artista,  diventando  così  egli  stesso    un  artista  nel  processo  di  apprezzare  l’arte.  L’arte  ha  la  capacità  di  chiarire  e  individuare  emozioni  specifiche.  Per  C.  non  si  può  rispondere  con  l’osservazione  alla  domanda  se  qualcosa  è  arte  o  meno,  la  risposta  dipende  dalla  considerazione  dello  stato  mentale  dell’artista    Due  generi  di  attività  che  egli  relega  nella  categoria  dell’arte  :  arte  magica-­‐  arte  ricreativa  Secondo  C.  sono  entrambe  forme  d’artigianato  e  non  vera  arte.  La  magia  è  utile  perché  le  emozioni  che  essa  eccita  hanno  una  funzione  pratica  nelle  faccende  di  tutti  i  giorni.  Esempio  :  una  canzone  patriottica  è  un’opera  d’arte  magica,  poiché  il  suo  scopo  è  quello  di  suscitare  un  particolare  genere  di  sentimento  patriottico,  che  può  essere  in  seguito  essere  incanalato  verso  l’azione  per  la  madrepatria.  Quindi  l’arte  magica  serve  a  uno  scopo,  “utilitaristica”.  L’arte  ricreativa,  al  contrario  è  “edonistica”  perché  non  ha  altro  fine  se  non  quello  di  produrre  sensazioni  piacevoli,  essa  è  costruita  con  tutta  l’abilità  di  un’opera  di  ingegneria  allo  scopo  di  produrre  un  effetto  prestabilito.  Arte  di  intrattenimento  :  ad  esempio  i  film  di  Hitchcock  secondo  C.  hanno  una  propria  legittimità,  cioè  mirano  a  suscitare  particolari  emozioni,  ma  non  è  vera  arte.  C.  pensa  che  l’arte  di  intrattenimento  porta  con  sé  gravi  pericoli  ed  il  suo  predominio  in  una  società    è  sintomo  di  decadenza  morale.    

Collingwood  idealista  :  sostiene  che  un’opera  d’arte  può  anche  non  essere  reale,  può  essere  anche  una  cosa  immaginaria.  Un  tumulto,  una  flotta.  Un’opera  d’arte  non  ha  bisogno  di  essere  tangibile  può  anche  esistere  nella  mente  dell’artista.        C.  fu  influenzato  dal  filosofo  italiano  Benedetto  Croce.  Sia  croce  che  C.  pensavano  all’arte  in  termini  di  espressione  e  ,  in  particolare,  di  una  trasformazione  particolare  di  sentimenti  imprecisi  in  sentimenti  precisi.  Essi  credevano  che    per  un’opera  il  possesso  di  una  forma  esteriore  non  fosse  essenziale  al  suo  status  di  opera  d’arte.  Credevano  anche  che  l’arte  fosse  un  linguaggio,  per  linguaggio  nel  senso  più  ampio  del  termine,  includendo  ogni  attività  corporea  attraverso  cui  esprimiamo  emozioni.          Riassunto  :      La  sua  teoria  se  da  una  parte  accoglie  troppe  cose  nel  regno  della  vera  arte,  dall’altra  esclude  molte  opere  d’arte  paradigmatiche.  Un’applicazione  rigorosa  delle  osservazioni  sull’arte  magica  ad  esempio  sembrerebbe  escludere  la  grande  arte  del  Rinascimento  visto  che  la  funzione  dell’arte  religiosa  è  quella  di  evocare  o  rievocare  certe  emozioni  che  devono  essere  liberate  nelle  attività  della  vita  quotidiana.  La  teoria  di  Collingwood,  come  quella  di  Bell,  è  per  molti  aspetti  penetranti  ma  non  risponde  alla  questione  di  cos’è  l’arte.  Il  clamoroso  fallimento  di  simili  teorie  generali  sull’arte  ha  condotto  i  filosofi  a  dichiarare  che  l’intero  progetto  di  cercare  di  definire  l’arte  è  mal  concepito  perché  l’arte  è  indefinibile,  e  cercare  l’essenza  costituisce  un  errore  logico.                                                    

   III.  Capitolo    SOMIGLIANZE  DI  FAMIGLIA    Le  inadeguatezze  delle  varie  definizioni  proposte  fino  a  quel  momento  non  derivavano  tanto  dalle  qualità  esclusive  dell’arte  ,  ma  da  un  errore  logico.  Forse  non  esisteva  la  definizione  corretta  di  arte  e  l’unica  cosa  da  fare  da  parte  dei  filosofi  dell’arte  era  quella  di  mettere  in  luce  i  complessi  schemi  di  somiglianze  tra  ciò  che  chiamiamo  arte.        Wittgenstein  disse  che  per  alcuni  termini  il  denominatore  comune  non  poteva  esserci  facendo  riferimento  ad  un  esempio  sulla  parola  gioco,  il  divertimento  sembra  essere  una  caratteristica  comune  a  molti  giochi,  non  a  tutti  i  giochi  si    partecipa  per  divertirsi  e  sebbene  sia  una  caratteristica  non  è  necessaria  di  tutti  i  giochi.  Alcuni  giochi  non  sono  per  niente  divertenti  e  tuttavia  sarebbero  pur  sempre  dei  giochi  (esempio  giochi  romani-­‐  gladiatori).  Anche  le  regole  potrebbero  essere  delle  condizioni  necessarie  perché  un’attività  costituisca  un  gioco,  ma  non  può  essere  l’essenza  di  gioco.  Se  comprendiamo  pienamente  la  parola  gioco  dovremmo  essere  in  grado  di  specificare  ciò  che  tutti  i  giochi  hanno  in  comune.  Tutti  i  giochi  devono  avere  qualche  elemento  essenziale  in  comune  ,  o  altrimenti  non  avremmo  giustificazioni  per  chiamarli  giochi.  Wittgenstein  suggerì  che,  almeno  per  alcuni  termini  ,  l’assunzione  di  questo  denominatore  comune  era  sbagliata  .  Egli  chiamò  questi  termini  <<  termini  basati  su  somiglianze  di  famiglia>>.  Questa  metafora  delle  somiglianze  di  famiglia    mostra  come  possiamo  usare  sensatamente  una  parola  come  gioco  anche  se  in  pratica  non  siamo  capaci  di  trovare  un  singolo  denominatore  comune  a  tutti  i  giochi  e  che  possa  servire  a  definirli.  Secondo  Wittgenstein  i  concetti  basati  sulle  somiglianze  di  famiglia  possono  esser  spiegati  in  modo  adeguato  per  mezzo  della  presentazione  di  esempi.  Tutto  ciò  può  sembrare  tangenziale  rispetto  alla  domanda  cos’è  l’arte  ?  una    domanda    a  cui  Wittgenstein  non  ha  fornito  una  risposta.  I  suoi  “seguaci”  hanno  suggerito  che  il  termine  arte  non  può  essere  definito.  Arte  come  gioco  è  un  termine  basato  su  somiglianze    di  famiglia,  di  conseguenza  non  esiste  una  singola  essenza  comune  condivisa  da  tutte  le  opere  d’arte,  così  che  una  definizione  semplice  non  è  possibile.      Weitz    sostiene  che  Bell  cercava  di  definire  ciò  che  non  può  essere  definito.    A  sua  volta  formula  una  teoria  inserendo  dei  concetti  aperti  e  concetti    chiusi  .  Arte  è  un  concetto  aperto  che  corrisponde  alla  nozione  wittgensteiniana  di  termine  basato  su  somiglianze  di  famiglia.  Uno  dei  principali  argomenti  di  Weitz    contro  la  definizione  dice  che  cercare  di  definire  l’arte  nel  modo  tradizionale  ovvero  chiudendo  il  concetto  rende  impossibili  le  condizioni  stesse  della  creatività  nelle  arti.  Non  si  può  chiudere  il  concetto  di  arte  perché  impedirebbe  ad  opere  come  My  Bed  di  Trecey  Emin  –  1999,  Fountain  di  Duchamp  di  diventare  opere  d’arte  solo  perché  sono  oggetti  reali  e  non  hanno  subito  un’elaborazione  sufficiente  per  giustificare  il  fatto  di  considerarle  come  artefatti  dotati  di  significati  complessi.  Egli  afferma  che  lo  stesso    carattere  espansivo,  avventuroso  dell’arte  ,  i  suoi  continui  cambiamenti  e  nuove  creazioni  rendono  logicamente  impossibile  assicurare  un  insieme  di  proprietà  definitorie;  riteneva  che  fosse  sempre  un  errore  cercare  di  specificare  che  cosa  dovrebbe  essere  considerato  arte  e  che  i  nuovi  movimenti,  forme  d’arte  richiederanno  decisioni  dai  critici  di  professione.      Status  estetico-­‐  Alfred  Lessing    “gli  artisti  devono  produrre  opere  belle  ed  originali,  quando  riusciranno  a  raggiungere    l’originalità,  diciamo  che  le  loro  opere  sono  grandi,  non  solo  perché  le  loro  opere  sono  belle,  ma  anche  perché  hanno  dischiuso,    sia  gli  artisti  che  gli  amanti  dell’arte,  orizzonti  sconosciuti  

ed  inesplorati  di  bellezza”.  Né  le  conclusioni  di  Weitz  né  quelle    di  Lessing  sul  valore    della  creatività  e  dell’originalità  sono  ovviamente  vere  come  sembrano.  Weitz  non  dimostra  ma  da  per  scontato  che  qualunque  definizione  dell’arte  renderà  impossibile  la  creatività.  Non  è  vero  che  la  chiusura  del  concetto    crea  problemi  ma  piuttosto  è  vero  che  tutte  le  teorie  dell’arte    hanno  fornito  definizioni  restrittive.    Il  filoso  Maurice  Mandelbaum  ha  risposto  alla  tendenza  anti-­‐  essenzialista  di  Weitz  riguardo  alla  definizione  di  arte  osservando  che,  se  dobbiamo  prendere  sul  serio  le  dichiarazioni  di  Wittgenstein  a  proposito  delle  somiglianze    di  famiglia,  allora  dovremmo  notare  che  ciò  che  i  membri  hanno  in  comune  è  una  connessione  genetica  di  tipo  biologico.  Mandelbaum  sostiene  che  come  c’è  una  caratteristica  comune  non  esibita  di  una  famiglia  (genetica)  analogamente  potrebbe  esserci  una  proprietà  non  esibita  condivisa  da  tutti  i  giochi  o  da  tutte  le  opere  d’arte.                                                                              

     IV.  Capitolo  CONTESTI  ISTITUZIONALI    The  Physical  Impossibility  of  Death  in  the  Mind  of  Someone  Living  di  Damien  Hirst  (1989)  consiste  in  uno  squalo  tigre  morto  collocato  in  una  grande  vasca  di  vetro  e  acciaio,  sospeso  in  una  soluzione  al  cinque  per  cento  di  formaldeide.    L’elemento  principale  dell’opera-­‐  lo  squalo-­‐  non  è  stato  alterato  in  modo  visibile,  ma  è  semplicemente  un  grosso  animale  morto.  Ciononostante  è  stato  accolto  come  un’opera  d’arte  importante.  Come  molte  delle  opere  di  Hirst  quest’opera  esamina  alcuni  aspetti  della  nostra  relazione  con  la  morte.  Come  può  trattarsi  di  arte?  Che  cosa  ha  provocato  il  cambiamento  dello  status  dello  squalo?  Il  mistero  è  simile  a  quello  a  cui  ha  dato  inizio  Duchamp  con  Fountain  ecc.    La  teoria  istituzionale  dell’arte  ha  la  risposta  a  questo  mistero,  il  mistero  di  come  oggetti  fabbricati  da  macchine,  animali  e  perfino  persone  possano  essere  trasformati  in  opere  d’arte.  Questa  teoria  si  sviluppa  durante  l’arte  del  XX  sec.    Come  risposta  alle  nuove  correnti  e  il  suo  principale  sostenitore  è  il  filosofo  americano  George  Dickie  .  Ciò  su  cui  la  teoria  pone  l’accento  non  è  l’aspetto  di  un’opera  d’arte  ma  piuttosto    il  contesto  :  di  com’è  stata  considerata  e  trattata  da  chiunque  l’abbia  creata  e  da  coloro  che  l’hanno  esposta  e  apprezzata.  E’  una  teoria  che  spiega  che  cosa  le  opere  d’arte  hanno  in  comune  richiamando  la  nostra  attenzione  sulle  loro  proprietà  non  esibite,  relazionali.  Il  fattore  centrale  per  stabilire  se  un  oggetto  sia  o  non  sa  un’opera  d’arte  è  la  storia  di  come  è  stato  considerato  e  trattato,  piuttosto  che  qualcosa  di  visivamente  osservabile.  Un  modo  per  caratterizzare  questo  genere  di  teoria  è  quello  di  descriverla  come  una  teoria  procedurale  dell’arte,  terminologia  resa  popolare  dal  filosofo  Stephen  Davies.  Egli  contrappone  le  definizioni  procedurali  a  quelle  funzionali:  le  prime  spiegano  perché  qualcosa  sia  un’opera  d’arte    facendo  riferimento  a  pratiche  sociali  che  modificano  il  suo  status,  piuttosto  che  a  caratteristiche  intrinseche  dell’opera  in  questione.  Le  definizioni  funzionali  dell’arte  si  concentrano  invece  sugli  scopi  a  cui  l’arte  deve  servire  ,  come  esprimere  emozioni  o  suscitare  un  piacere  estetico.  In  questo  senso  le  teorie  di  Bell  e  Collingwood  sono  funzionali  ;la  teoria  istituzionale  dell’arte  di  Dickie  è  procedurale.  Dickie  sviluppo  la  teoria  istituzionale  dell’arte  a  partire  dalle  osservazioni  di  Danto  .  Danto  era  dell’idea  che  ciò  che  rende  qualcosa  un’opera  d’arte  può  non  essere  osservabile  suggerendo  che  è  la  teoria  artistica  che  la  introduce  nel  mondo  dell’arte  e  che  le  impedisce  di  divenire  un  tutt’uno  con  l’oggetto  reale  che  essa  è  ;  è  la  teoria  artistica  con  cui  le  scatole  di  Warhol  sono  associate  che  conferisce  loro  lo  status  di  arte,  non  qualcosa  che  le  distingua  visivamente    a  quelle  presenti  in  un  magazzino  o  in  supermercato.  Anche  2  oggetti  visivamente  indistinguibili  possono  avere  proprietà  differenti  che  possono  essere  determinate  dal  contesto  della  loro  prestazione.  La  visione  non  comprende  solo  l’immagine  che  si  forma  sulla  retina  Ciò  CHE  SI  SA  E  SI  CREDE  INFLUENZA  Ciò  CHE  SI  VEDE.    Se  prendiamo  in  esame    un  dipinto  di  Van  Gogh,  che  mostra  alcuni  uccelli  in  volo  sopra  un  campo  di  mais  e  successivamente  aggiungessimo  la  didascalia  <<  questo  è  l’ultimo  quadro  di  Van  Gogh  prima  del  suicidio>>    l’immagine  retinica  del  dipinto  prima  che  si  aggiungesse  la  didascalia  è  uguale  a  quest’ultimo.  Sapere  che  Van  Gogh  commise  il  suicidio  poco  dopo  aver  completato  il  dipinto  modifica  il  modo  in  cui  questo  ci  appare.  I  corvi    che  volano  sopra  il  campo  di  mais,  per  esempio,  sembrano  molto  più  minacciosi  di  quanto  sarebbero  apparsi  prima.  Se  per  Bell  e  Collingwood  il  valore  dell’arte  è  sia  morale  sia  estetico  per  Dickie  la  questione  di  che  cosa  sia  l’arte  può  essere  separata  dalla  questione  di  quale  genere  di  cose  dovremmo  tenere  in  alta  stima  o  desiderare  di  fare  oggetto  della  nostra  attenzione  (può  essere  arte  anche  un  qualcosa  che  non  ha  valore).  Dickie  è  interessato  solo  all’aspetto  

classificatorio  della  questione  dell’arte.    Il  primo  requisito  della  definizione  è  che  un’opera  d’arte  sia  un  artefatto.  La  proprietà  di  essere  un  artefatto  e  il  conferimento  dello  status  costituisce  congiuntamente  condizioni  sufficienti  perché  qualcosa  sia  un’opera  d’arte.  Se  entrambe  le  condizioni  sono  soddisfatte  all’oggetto  a  cui  lo  status  è  stato    conferito,  è  garantita  la  qualifica  di  opera  d’arte.  La  nozione  di  artefatto  di  Dickie  è  abbastanza  ampia  da  non  escludere  nessun  oggetto  o  idea,  poiché  anche  un  pezzo  di  legno  levigato  dal  mare  e  depositato  sulla  spiaggia,  non  alterato  da  mano  umana,  potrebbe  diventare  un  artefatto  essendo  esposto  in  una  galleria.  Quindi  la  prima  definizione  non  limita  ciò  che  può  diventare  arte.  La  seconda  condizione  è  necessaria  perché  qualcosa  sia  un’opera  d’arte,  si  basa  sulla  nozione  di  conferimento  di  uno  status  di  <<  candidato  per  l’apprezzamento>>  è  una  formula  piuttosto  vaga  e  viene  usata  la  parola  candidato  perché  Dickie  non  sostiene  l’idea    che  un  oggetto  o  un  evento  debbano  realmente  essere  apprezzati  da  tutti  per  costituire  un’opera  d’arte.  E’  sufficiente  che  siano  presentati  come  possibili  oggetti  di  apprezzamento,  ma  quest’ultimo  può  anche  non  aver  luogo.  Non  è  la  qualità  a  essere  in  discussione.  Egli  lascia  il  concetto  di  arte  aperto  così  aperto  che  concede  a  tutti  la  possibilità  di  produrre  un’opera  d’arte,  indipendentemente  dal  livello  di  abilità  tecnica  ,conoscenza  delle  pratiche  artistiche,  consapevolezza  della  scena  artistica  attuale  o  capacità  visive.  E  inoltre  non  sembra  ammettere  che  1-­‐l’outsider  art  sia  arte  a  pieno  diritto  (cioè  tutti  coloro  che  operano  per  piacere,  “autodidatti”  )  perché  non  appartengono  al  mondo  dell’arte    capace  di  conferire  lo  status  di  opera  d’arte.  Ad  esempio  nel  caso  di  Bellocq  ,  un  fotografo  che  scattò  una  serie  di  foto  a  delle  prostitute,  probabilmente  intorno  al  1912.Un  blocco  di  negativi  fu  scoperto  nella  sua  casa  dopo  la  morte  e  sviluppate  successivamente  da  un  fotografo.  Si  discusse  di  Bellocq  come  di  un  genio  naif,  che  aveva  involontariamente  raggiunto  un  nuovo  approccio  al  nudo.  La  bellezza  di  queste  foto  dipende  dal  modo  in  cui  le  prostitute  sono  mostrate  rilassate  nelle  loro  stanze.  Dickie  spiega  bene  nella  sua  teoria  cos’è  successo  nel  caso  di  Bellocq,  infatti  le  foto  di  quest’ultimo  prendono  lo  status    di  found  art  .Dickie  sostiene  che  il  fotografo  lavorava  senza  alcuna  valenza  artistica  e  molti  elementi  da  noi  oggi  lodati  erano  accidentali  più  che  voluti  e  prendono  significato  solo  nell’arte  modernista  e  post-­‐impressionista.  Fu  il  fotografo  (affermato)  che  sviluppò  le  sue  foto  (appartenente  al  mondo  dell’arte)  e    conferì  lo  status  di  candidato  per  l’  apprezzamento.    In  genere  la  teoria  di  Dickie  viene  criticata  dagli  amanti  dell’arte  perché  banalizza  l’arte  e  poi  perché  secondo  le  sue  teorie  tutto  il  mondo  si  ridurrebbe  ad  un’opera  d’arte.  L’unica  via  di  uscita  sembra  essere  quella  di  ammettere  che  possa  aver  luogo  un  de-­‐conferimento  dello  status  di  arte  oltre  al  conferimento.  Ma  anche  questa  soluzione  porta  con  se  un  carico  di  assurdità.  Si  aprirebbe  una  guerra  su  ciò  che  arte  e  ciò  che  non  è  arte.  Riconoscendo  alcune  inadeguatezze  Dickie  riformula  la  sua  teoria  in  5  definizioni:    

1. un’opera  d’arte  è  un  artefatto  di  un  genere  creato  per  essere  presentato  a  un  pubblico  appartenente  al  mondo  dell’arte.  

2. Un  artista  è  una  persona  che  partecipa  con  cognizione  di  causa  alla  produzione  di  opere  d’arte  

3. Un  pubblico  è  un  insieme  di  persone  i  cui  membri  sono  in  qualche  misura  preparati  a  comprendere  un  oggetto  che  venga  loro  presentato.  

4. Il  mondo  dell’arte  è  la  totalità  di  tutti  i  sistemi  appartenenti  al  mondo  dell’arte.  5. Un  sistema  appartenente  al  mondo  dell’arte  è  una  cornice  per  la  presentazione  di  

un’opera  d’arte  a  un  pubblico  appartenente  al  mondo  dell’arte  da  parte  di  un  artista.    Questa  teoria  non  risponde  alla  questione  :  cos’è  l’arte?      

Il  filosofo  Jerrold  Levinson  :  cerca  di  raggiungere  l’obiettivo  di  racchiudere  in  una  definizione  ciò  che  costituisce  un’opera  d’arte  ,  definendo  l’arte  in  termini  delle  proprietà  non  esibite  condivise  da  tutte  le  opere  d’arte.  Per  Levinson  arte  non  è  un  termine  basato  su  somiglianze  di  famiglia  privo  di  denominatore  comune.    Un  oggetto  è  un’opera  d’arte  solo  se  è  stato  seriamente  inteso  per  essere  considerato  come  tale  ;non  si  può  trasformare  ogni  cosa  in  un’opera  d’arte  ;  per  renderla  tale  si  deve  avere  un  diritto  di  proprietà  su  di  essa(la  si  deve  possedere).        1-­‐  Levinson  a  riguardo  dell’outsider  art  disse  che  le  intenzioni  inconsce  possono  essere  sufficienti  per  fare  qualcosa  di  un’opera  d’arte          Ur-­‐arte  =  ?  pag.104    La  classificazione  su  ciò  che  per  noi  è  arte  spesso  deriva  dalla  relazione  con  l’arte  precedente,  incontriamo  indubbiamente  un  problema  nel  momento  in  cui  risaliamo  alla  prima  arte  in  assoluto.  Ci  deve  essere  stato  in  qualche  momento  della  preistoria  la  prima  opera  d’arte,  ma  ciò  che  l’ha  resa  tale  non  è  sicuramente  la  relazione  con  l’arte  precedente.  Semplicemente  non  c’era  arte  precedente.  Tutto  ciò  viene  chiamata  da  Levinson  Ur-­‐arte.                                                                    

 V.  Capitolo  E  allora  ?    L’ipotesi  più  plausibile  è  che  il  termine    <<  arte  >>  sia  indefinibile  non  solo  al  livello  delle  proprietà  esibite,  ma  anche  a  quello  delle  proprietà  relazionali  non  esibite.    Mandelbau  sostiene  che  molto  probabilmente  arte  è  un  termine  basato  su  somiglianze  di  famiglia  che  sfuggirà    sempre  ai  tentativi    di  fissarlo  in  una  definizione,  si  noti  che  questa  conclusione  è  ancora  più  incerta  di  quella  di  Weitz.  Egli  pensava  che  cercare  l’essenza  dell’arte  costituisse  un  errore  logico.  Secondo  l’ipotesi  di  Nigel  Warburton,  arte  è  un  concetto  indefinibile  poiché  questa  è  l’ipotesi  più  plausibile  in  base  ai  dati  a  disposizione.  Alcune  opere  d’arte  non  condividono  alcuna  caratteristica  definitoria  comune,  ma  sono  piuttosto  correlati  da  una  rete  di  somiglianze  sovrapposte  e  culturalmente  significative.  Possediamo  schemi  culturalmente    determinati  per  giustificare  l’estensione  del  concetto  di  arte  per  comprendere  nuovi  casi.    Quando  ci  troviamo  di  fronte  ad  oggetti  ansiosi  come  i  readymades  di  Duchamp  o  come  altre  opere  trattate  nel  libro  (Brillo  Box,  My  Bed)    ci  si  pone  subito  la  domanda  ,  ma  questa  è  arte  ?aspettandosi  che  la  risposta    sia  no…  ma  in  realtà  basterebbe  avvicinarsi  un  po’  di  più  all’opera  e  cercare  di  comprenderla.    I  primi  teorici  dell’arte  sono  gli  artisti,  commercianti  d’arte,  proprietari  di  gallerie,  il  filosofo  sopraggiunge  in  un  secondo  momento  per  cercare  il  valore  a  ciò  che  è  accaduto.  Un  filosofo  dice  che  un’opera  è  arte  solo  se  ritiene  che  arte  sia  un  termine  neutro,  privo  di  connessioni  morali  o  comunque  valutative.    Per  Bell  e  Collingwood  era  ovvio  che  l’arte  avesse  implicazioni  morali.  Per  questi  due  pensatori  trovare  la  risposta  alla  domanda  <<  che  cos’è  l’arte>>  era  realmente  importante  perché  entrambi  capivano  che  ruolo  centrale  poteva  svolgere  l’arte  in  una  vita  degna  d’esser  vissuta.    Conclusione  :  La  questione  dell’arte  quand’è  posta  al  livello  generale  di  che  cos’è  l’arte?  Probabilmente  non  ha  risposta  .  Ma  molto  probabilmente  dovremmo  soffermarci  a  concentrarci  e  comprendere  opere    particolari  per  poi  domandarsi  perché  esse  sono  arte    e  cosa  le  rende  importanti  o  meno  per  noi.      Non  ho  riassunto  le  ultime  pagine  (113  a  119)  perché  a  mio  avviso  non  hanno  molta  importanza.    Considerazione  personale  :    questo  libro  ruota  attorno  al  concetto  su  cos’è  l’arte,  e    cerca  delle  caratteristiche  comuni  per  meglio  comprender  e  definire  ,  arrivando  alla  conclusione  che  non  è  possibile  definire  un  concetto  aperto.    L’arte  per  noi  è  molto  spesso  ciò  che  abbiamo  imparato  ed  ereditato  da  un  libro  di  storia  dell’arte    nel  corso  degli  anni,  seguendo  schemi  vecchi    se  pur  importantissimi  per  la  nostra  formazione  che  però  a  volte  non  ci  permettono  di    comprendere    forme    nuove    d’arte  .  A  volte  soprattutto  per  l’arte  contemporanea,  è  complicato  distinguere  l’arte  dalla  non  arte,  perché  ci  troviamo  sempre  nella  solita  scatola  nera  dell’incertezza  ,  con  la  solita  domanda  in  testa  :  ma  è  arte  questa?  Il  vero  messaggio  che  ho  trovato  in  questo  libro  sta  nel  fatto  che  specialmente  nell’arte  contemporanea  il    significato  si  nasconde  molto  spesso  nel  brutto,  con  questo  non  voglio  dire  che  tutte  le  opere  contemporanee  sono  delle  opere  d’arte  perché  ci  troviamo  davanti  a  questa  domanda,  né  che  tutte  le  opere  brutte  abbiano  un  vero  significato  sotto,  ma  quello  che  ci  tengo  a  sottolineare  è  che  l’arte  contemporanea  non  si  preoccupa  dell’apparire  ma  piuttosto  del  suo  messaggio  facendo  ragionare  e  impressionare  (non  sempre)lo  spettatore.