Il Neoclassicismo

Sviluppo: tra il XVIII e l’inizio del XIX secolo

Trae spunto dagli scavi e dagli studi archeologici

Modello: arte greca e romana

Tende a riprodurre la PUREZZA e l’EQUILIBRIO FORMALE

Maggiori centri in Italia: ROMA (Canova), MILANO

Europa: FRANCIA arte ufficiale del periodo repubblicano

e napoleonico (pittore J.L. David)

Titolo: La morte di MaratAutore Jacques-Louis David Data 1793 Tecnica olio su tela Dimensioni 165×125 cm Ubicazione Museo Reale Belle Arti, Bruxelles

Il dipinto raffigura Jean-Paul Marat, una delle menti della Rivoluzione francese, riverso nella vasca (dove si trovava sempre, a causa di una dermatite contratta in ambienti malsani), pugnalato a morte da Charlotte CordayD'Armont. La giovane era andata da lui con una lettera (ancora visibile tra le mani di Marat) nella quale gli chiedeva una grazia ("Al Cittadino Marat: la mia grande infelicità mi dà diritto alla vostra benevolenza"), ma dopo aver consegnato la missiva, lo uccise.

2 armi:

Coltello arma concreta, crudele

Penna arma metaforica, accentua la correttezza e la bontà di Marat

Su di una cassa di legno di fianco alla vasca e usata da Marat come sostegno per scrivere, è scritto il laconico omaggio dell'artista: «À Marat, David». Il calamaio, una penna d'oca, un assegno e una lettera per la Corday reliquie laiche (esposte al funerale).

Il dipinto ha forti richiami caravaggeschiDavid infatti aveva visto i dipinti di Caravaggio in Italia, nell'illuminazione che evidenzia la cruda realtà delle cose e del cadavere. Lo stesso braccio di Marat non è altro che la ripresa quasi letterale del braccio del Cristo nella Deposizione.

Lenzuolo bianco sudario

Spazio indeterminato eternità

L'opera è fortemente neoclassica; lo si scopre ad esempio nel dettaglio del viso dello stesso Marat: l'espressione non trasmette la drammaticità della morte, Marat sembra quasi sorridere, una caratteristica tipica delle sculture dell'arte greca.

La pennellata è precisa, accademica, fine in ogni suo dettaglio.

Il soggetto è tratto da una leggenda romana, secondo cui, durante il regno di Tullio Ostilio, per decidere l'esito della guerra tra Roma e Alba Longa, tre fratelli romani (gli Orazi) si dovettero scontrare contro tre fratelli di Alba (i Curiazi). Dei Curiazi non sopravvisse nessuno mentre dei tre Orazi uno riuscì a ritornare sancendo la vittoria di Roma.

Il giuramento degli OraziJacques-Louis David1784Olio su tela, 330x425 cmParigi, Louvre

Titolo: Amore e PsicheAutore Antonio CanovaData 1787-1793Tecnica marmoDimensioni 1,68x1,101 m / altezza 1,55 mUbicazione Louvre, Parigi

Amore e Psiche sono i due protagonisti di una nota storia narrata da Apuleio all'interno della sua opera Le Metamorfosi, (II sec dc) anche se è considerata risalire ad una tradizione orale antecedente all'autore.

Nella vicenda narrata da Apuleio, Psiche, mortale dalla bellezza eguale a Venere, diventa sposa di Amore-Cupido senza tuttavia sapere chi sia il marito, che le si presenta solo nell'oscurità della notte. Scoperta su istigazione delle invidiose sorelle la sua identità, è costretta, prima di potere ricongiungersi al suo divino consorte, a effettuare una serie di prove, al termine delle quali otterrà l'immortalità. Altre versioni, differenti da quella di Apuleio, narrano invece la morte della ragazza prima dell'ultima prova.

Titolo: Amore e PsicheAutore Antonio CanovaData 1787-1793Tecnica marmoDimensioni 1,68x1,101 m / altezza 1,55 mUbicazione Louvre, Parigi

Quest’opera riassume il principio neoclassico della bellezza più ideale che reale, non turbata dall’impeto della passione.

Ne esiste una seconda versione (1800-1803) conservata all’Ermitage di San Pietroburgo e una terza (1796-1800), sempre esposta al Louvre.

L'opera rappresenta, con un erotismo sottile e raffinato, il dio Amore mentre contempla con tenerezza il volto della fanciulla amata, ricambiato da Psiche da una dolcezza di pari intensità.

Le due figure sono rappresentate nell'atto subito precedente al bacio, un momento carico di tensione, ma privo dello sconvolgimento emotivo che l'atto stesso del baciarsi provocherebbe nello spettatore. La gestualità e il movimentointroducono anche la dimensione del tempo eternizzato dall'artista in un attimo sublime, che rimane in sospeso. Anche i personaggi, nei corpi adolescenziali e con le loro forme perfette, sono idealizzati secondo un principio di bellezza assoluta e spirituale.

Il gruppo scultoreo è posto, con il consenso dell'autore, su una pedana rotante, in modo che lo spettatore possa coglierne in pieno i pregi formali.

La scultura è realizzata in marmo bianco, levigato e finemente tornito, sperimentando con successo il senso della carne, che Canova mirava a ottenere nelle proprie opere. La monocromia, in contrasto alla drammaticità e al pittoricismo barocco, è un canone del neoclassicismo che Canova riprende per menomare la carica espressiva.

In Amore e Psiche si percepisce la tensione verso la perfezione classica ed una protesta contro la finzione, l'artificio ed il vuoto virtuosismo barocco. Ciononostante, quando l'opera venne esposta venne giudicata troppo barocca e berniniana.

Le due figure si intersecano tra di loro formando una X morbida e sinuosa che dà luogo ad un'opera che vibra nello spazio.

L'opera Amore e Psiche è un capolavoro nella ricerca d'equilibrio.

Le due figure sono disposte diagonalmente e divergenti fra loro. Questa disposizione piramidale dei due corpi è bilanciata da una speculare forma triangolare costituita dalle ali aperte di Amore. Le braccia di Psiche invece incorniciano il punto focale, aprendosi a mo' di cerchio attorno ai volti

Paolina BorgheseAntonio Canova1804-1808Marmo, lunghezza 200 cmRoma, Galleria Borghese

In attinenza con l'antica tradizione artistica romana di rappresentare individui mortali in atteggiamenti divini e di esaltare la bellezza femminile morbidamente distesa sul triclinio, la scultura fu commissionata dal marito di Paolina Bonaparte, Camillo Borghese. I nudi artistici non erano molto comuni tanto che i soggetti di alto rango presentavano di solito dei drappeggi posizionati in modo strategico. Si è molto discusso se Paolina Bonaparte abbia effettivamente posato nuda in quanto solo la testa è una rappresentazione realistica, mentre il busto nudo è più attinente ai canoni di bellezza neoclassica.

Paolina tiene in mano una mela che evoca la vittoria di Afrodite nel Giudizio di Paride: quest'ultimo doveva scegliere a chi tra le dee Era, Atena ed Afrodite assegnare un pomo d'oro con sopra inciso "Alla più bella" e Paride scelse la dea dell'amore. La base di legno, drappeggiata come un catafalco, conteneva originariamente un meccanismo che consentiva alla scultura di ruotare.Quando fu realizzata, i visitatori godevano dell'ulteriore beneficio di poterla ammirare al lume di candela (non c'era ancora l'energia elettrica): lo splendore della scultura era dovuta non solo alla raffinatezza del marmo ma anche alla patinatura fatta con la cera (recentemente restaurata e ripristinata)