Antonio Dal Muto - CRITICA D'ARTE - Volume Terzo

8/6/2019 Antonio Dal Muto - CRITICA D'ARTE - Volume Terzo

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PREFAZIONE

GLI ARTICOLI PRESENTI IN QUESTO VOLUME SONO TRATTI

DAGLI INTERVENTI FATTI E SUL QUOTIDIANO LOCALE LA VOCE

DI ROMAGNA NELLANNO 2009.

COME NEL PRIMO E SECONDO VOLUME, PRESENTO UNA

RACCOLTA DI RIFLESSIONI SU ARTISTI LOCALI E NON E SU TEMIGENERALI CHE HANNO A CHE FARE E CON LARTE E CON

LARCHITETTURA, SOFFERMANDOMI SULLE ESPERIENZE

ARTISTICHE CHE SONO AVVENUTE NELLANNO CITATO.

HO CERCATO DI MANTENERE LA MIA CAPACITA DI

OSSERVAZIONE LA PIU OGGETTIVA POSSIBILE E, SOPRATTUTTO,

DANDO CORPO ALLE MIE RIFLESSIONI CON ARGOMENTI SOLIDI,EVITANDO QUELLE DESCRIZIONI PROSAICHE E POMPOSE CHE

TANTO SANNO DI ARTIFICIOSIT FINE A SE STESSA, IN CUI

SEMPRE DIFFICILE RICONOSCERE IL SOGGETTO DELLA SINTESI

CRITICA.

ANTONIO DAL MUTO

[email protected]


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RIFLESSIONI

CRITICHE


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Artisti e Argomenti

MOSTRA SULLA SHOAH

LUCIANO DE LIBERATO

UNA RISPOSTA E UNA RIFLESSIONE

SUL FUMETTO

ILARIO FIORAVANTI

DOMENICO GRENCI

ARCHITETTURA CESENATE

IL SASSOFERRATO E STEFANIA RUSSO

ALDO BORGONZONI

NIVES GUAZZARINI

CONTEMPLAZIONI

ESTETICA

PREMIO MALATESTA NOVELLO EDIZ.2009

ARTE IRREGOLARE

MOSTRA A CASTEL SISMONDO, RIMINI

PIAZZA DEL POPOLO, CESENA

EMILIO TADINI

NUOVO SPAZIO ESPOSITIVO DI ALBERTO COSENTINO


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MOSTRA SULLA SHOAH

E stata inaugurata il giorno 17 la mostra di pittura sul dramma dellOlocausto,

presso la Sala Rubicone ex magazzini del sale - del Comune di Cervia .

Lesposizione stata voluta dallamministrazione comunale e dallAssociazione

Culturale Il Menocchio, per commemorare con il Giorno della Memoria, 27

gennaio, il ricordo di quellimmane tragedia che sconvolse lEuropa, tragedia nota

come lOlocausto. Non mi dilungher sullaspetto storico che lascio a chi ha

maggiori e pi toccanti argomenti di me; mi soffermer, invece, sullaspetto

tematico dal punto di vista pittorico-compositivo che questa esposizione offre al

visitatore.

Lartista, Antonio Dal Muto, si posto davanti alla tragedia storica con intenzione

puramente culturale, sapendo gi prima di iniziare che non avrebbe raggiunto

alcun obiettivo egoico, ponendosi davanti alla domanda: Come si pu rendere

pittoricamente la morte, il senso di abbandono e di totale scoramento da parte di

unumanit che ha intuito come nulla e nessuno potr trarl a fuori dallinferno dei

lager?. La risposta scivolata dietro lo scorrere del pennello, ascoltando il grido

di disperazione che le immagini fotografiche dellepoca ancora riescono a

infondere. Ne uscito un omaggio, un ricordo e una riflessione dedicata a tutta

lumanit coinvolta in questo dramma. Ed lumanit che emerge dalle immagini

di Dal Muto, immagini spente, grigie, volti senza il bagliore della spe ranza:

espressioni di morte tra le pieghe di volti censurati nelle loro dignit perduta e gli

sguardi dei protagonisti. Il cammino di lettura inizia con un quadro che mostra

individui messi in fila come pecore, spinte dentro il recinto spinato di un lager, per

poi proseguire con lopera Lultimo sguardo, lo sguardo di chi, per lultima volta,

vede i suoi cari, la sua casa, la sua citt allontanarsi per sempre dalla sua storia

personale. E uno sguardo, sgomento, attonito, perso nel vuoto di chi intuisce un

risvolto violento, ma non ne ha ancora la piena consapevolezza. Lo sguardo siposa, poi, e si ferma davanti alle icone del dramma: Io cero Non

dimenticatemi La Madre dei Lager sono il titolo di tre ritratti di unumanit

persa per sempre nellanonimato; volti tratti da foto depoca. Tutta lopera un

tributo a chi non ha pi volto, non ha tomba, non ha un passato poich inghiottiti

per sempre dalla storia. Come gli incavi dei sepolcri ipogei cristiani che hanno

conservato lorma di un defunto di cui si perso il ricordo. Maternit senza


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speranza e la Piet, iconograficamente cristiana, sono altre opere dedicate a

chi, varcata la soglia del lager, ha sperimentato il totale abbandono e impotenza,

esprimendo con intima violenza istintiva il grido del perche?, domanda che

ancor oggi risuona, ma che ancora oggi stenta a trovare una risposta condivisa,

globale. Il rosso, il grigio, il nero e il bianco vergato da righe nere, sono i colori cheavvolgono le composizioni umane dell iconografia del dramma. Immagini di

morte. Dal Muto, nella risposta cromatica alla domanda iniziale si chiesto,

inoltre, fin dove fosse possibile spingersi, senza scadere nellasprezza delle

immagini, mantenendo incolume la dignit della persona, anzi: restituendo alla

persona la dignit persa nel dramma del sacrificio, di un sacrificio ancora

sconosciuto nella sua essenza e motivazione spirituale per essere tributato

semplicemente e soltanto alla pura violenza. La risposta venuta attraverso la

ricerca di uno stile compositivo che nulla compartecipasse alla tentazione

espressionista: dignit e ricordo immersi nello sforzo di un ambiente impregnato

dal senso della morte, ma anche della vita a cui le opere invitano, si sforzano di

invitare losservatore a riflettere a cosa pu portare la sopraffazione dellindividuo

sul proprio simile. LOlocausto, un dramma, una lezione e un monito nei confronti

di tutti a comprendere come dietro larroganza ideologica e gli atteggiamenti

contemporanei possano sussistere i semi di drammi futuri. La mostra supera la

storia denunciando la violenza delluomo contro luomo per inseguire un sogno, o

un incubo, ideologico. Ma vien da pensare come povera deve essere quella


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societ, quel consorzio umano che ancora oggi ha bisogno di tali insegnamenti e

moniti. Stranamente una iniziativa artistica che ha trovato il totale disinteresse

delle comunit italiane di religione ebraica. La mostra rimarr aperta ore

1600/1900 - fino al 1 febbraio.

23 GENNAIO 2009


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SU LUCIANO DE LIBERATO

Il giorno 8 febbraio, presso la Galleria LImmagine , gestita dalla sig.ra Maria

Grazia Melandri, stato possibile incontrare il Maestro, di fama internazionale,

Luciano De Liberato e vedere una piccola antologia delle sue opere. Lincontro

stato introdotto da una breve lettura - celebrativa dei cento anni della nascita del

movimento Futurista di alcuni versi del poeta Palazzeschi, letti dalleclettico Enzo

Vanarelli, che hanno messo in evidenza il passaggio di questo ottocentesco

poeta dalla lunga fase romantica della sua poesia, fatta del culto delle piccole

cose, ad una fase modernista della stessa, contaminata dai concetti futuristi e che

ha fatto letteralmente impazzire Palazzeschi il quale abol il romantico incedere

della sua dialettica poetica per esprimersi e in stringati e asciutti slogan quanto in

suoni onomatopeici, evidenziando quella stessa dinamica espressiva

rintracciabile, poi, nella pittura da Boccioni, Balla e Depero. Ma nulla a che vedere

con De Liberato a meno di una lettura storico-evolutiva del segno nellarte.

E Linfinito viaggio del segno

il tema conduttore della mostra.

Evidenti sono le ricerche che il

maestro chietino ha affrontato

sin dai suoi esordi. Nonostante la

sua preparazione accademica,

intesa nel suo pi nobile aspetto,

De Liberato rimasto da subito

affascinato dal segno e dalle sue

potenziali espressivit. Sin

dallopera Sudario del 1975,

passando per Nero del 1979 si

comprende come la tematica

affrontata poco aveva a che fare

con la pittura cos come la

intendiamo, ma piuttosto si rifaceva, e per certi versi persiste su questo concetto,

alla scrittura grafica e alla composizione secondo concetti di designer. Licata ne

un esempio, come lillustre concittadino Giorgio Villa, che avendo da subito, dalla


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fine degli anni 60 del novecento, affrontato lespressione creativa come prodotto

di una elaborazione grafica risultante dalla progettazione e dagli equilibri tra vuoti

e pieni, secondo i dettami costruttivi del designer, raggiunse risultati

sovrapponibili a quelli dellattuale De Liberato. E questo risulta inevitabile.

Quando si intraprende la strada della scomposizione spaziale espressa attraversogeometrie, i risultati possono essere raffrontabili e rapportabili tra diversi artisti

connotati dagli stessi linguaggi, anche se i contenuti sono e saranno diversi. De

Liberato attraversa quindi diversi approcci di ricerca, sviluppando quel segno che

diventer il suo linguaggio personale, un marchio di identificazione, sin dagli anni

80: il colore modulato su onde parallele, strisce armoniche che si affiancano o si

intrecciano. Saranno gli anni 90 a testimoniare la piena maturit del segno

attraverso le matasse, grovigli cromatici che molto ricordano lAction Painting di

Pollock. E a proposito occorre sottolineare per onest intellettuale che se Pollock

ricava, negli anni 60 del novecento, le sue matasse, distribuite su tutta la

superficie, e anche oltre, affidandosi alla casualit e fermandosi nel momento del

raggiunto equilibrio tra i vuoti e i pieni, De Liberato fa il percorso inverso: progetta

e costruisce lapparente caos. Cosicch, la casualit risultante solo apparente;

frutto, in realt, di una rigorosa progettazione. Vedi Calappio o Cio lamore

del 1994. Dal 96 in poi emerge cos, in ma niera definitiva e inconfondibile il

linguaggio del maestro, enfatizzato dal contrasto cromatico di colori che spesso

indugiano sui fondamentali; Teatro del 99, ed esposto in galleria per la prima

volta, la pietra miliare del suo linguaggio, della sua scrittura modulare fatta di

scomposizioni della gamma visiva in unit fondamentali. In questo vedo, seppure

in minima misura, una parentela genetica del linguaggio con lo Schifano della

visione o della televisione. Concettualmente, sappiamo come questo apparato

ricevente si esprima per righe oltre che per punti. E questa lontana parentela

espressiva porter De Liberato un caso o una inevitabile scelta derivata

dallanalisi di stessi comparti sociali? allelaborazione delle opere denominate

Chips. I chip sono componenti dellelettronica e De Liberato li usa, usa il loro

habitat naturale, lo schema elettrico, per ridistribuire il suo spazio mediante unracconto fatto di contrapposte armonie geometriche, vedi Circuito interrotto 3

del 2008. Un discorso a parte meritano le ricerche ultime espresse dalle opere

denominate Mappe e presenti nella mostra: a parer mio, rappresentano non

una evoluzione del linguaggio dellartista, quanto piuttosto una ricerca parallela

che, sinceramente, non so fino a dove arriver, poich il linguaggio ultimo che

conosciamo espressamente favorevole agli angoli e alle intersezioni


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prevalentemente angolari. Ma un artista ha diritto di sperimentare ed ampliare il

proprio linguaggio; vedremo di cosa parler il maestro nel prossimo futuro.

La mostra rimarr aperta fino all8 marzo.

27 febbraio 2009


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Una risposta-riflessione dedicata a ci che ha scritto Daniele

Mario Marani, Presidente della locale sezione di Italia Nostra, il

giorno 3 marzo.

Non posso che condividere lanalisi di Marani e per questo intervengo nel merito,

anche perch su temi importanti, il pi delle volte, manca il dibattito e il silenzio

che ne segue fa cadere il tema nel dimenticatoio. Considero losservazione

introdotta dallamara ironia che, a dirla tutta, contemporaneamente mette in

evidenza come i barbari e i Barberini di antica memoria ancora operano

allegramente, svolgendo il loro compito istituzionale che si pu solo definire

storicoclasta, ossia distruttori della storia o della memoria storica se preferite.

Lesempio delledificio che sostituir il vecchio ex essiccatoio in via Canonico

Lugaresi mander in frantumi un angolo di grande prestigio storico locale,

sottraendolo alla vista e alla memoria dei cittadini, figl i di quella storia. E la

domanda che si pone Marani del perch non si debbano concepire installazioni

museali mi trova concorde, poich fa emergere quanto sia approssimativo

lintervento dellamministrazione in questi casi. Infatti, premettendo lo scrivente

che non fautore della totale paralisi edilizia in citt o a ridosso della stessa, non

si comprende perch certi interventi non vengono e non possono essererimodulati allinterno di un progetto in grado di valorizzare il reperto archeologico,

inserendolo in un percorso che far senzaltro un gran bene al turismo. Invece si

preferisce la pesante soluzione che ancora una volta comunica a tutti che la storia

passata e i suoi reperti sono un gran fastidio e che vanno tolti di mezzo.

Possibilmente di notte o il 15 agosto. Questa non crescita culturale, ma un

retrocedere verso metodi distruttivi in tempo di pace; un andare controsenso

rispetto agli interventi che si fanno per valorizzare la memoria storica di questa

citt. Anche Sarsina, che della sua origine romana ne ha fatto un vanto con Plauto

e con la festa in costume romano testimonianza fresca di questa contraddizione:

in Via 4 Novembre uno scavo per costruire un edificio riport alla luce ambienti

altomedievali e romani, tant che emersero un paio di ambienti domestici con

significative tracce di pavimento a mosaico bianco e nero. Cosa avrebbe potuto

sperare di pi Sarsina per enfatizzare le sue origini cos tanto declamate, proprio a

ridosso della piazza? La risposta sta nella recente colata di cemento delle

fondamenta delledificio in costruzione! Rimodulare il progetto avrebbe voluto


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dire una costruzione sopraelevata di quel tanto da rendere visibile sotto il nuovo

lantico, illuminato da faretti e reso disponibile al turista. Ma si scelta l a

soluzione pi facile e quella congeniale alla stragrande maggioranza degli italiani;

lautolesionismo e la barbarie culturale. Il tutto, per, sempre e immancabilmente

sapientemente giustificato da motivazioni bizantinesche di cui, noi, popoloabituato da secoli allindividualismo e alla sopravvivenza fatta di escamotage e di

furbizie, ne siamo diventati ottimi maestri oratori. A questo punto mi chiedo e

chiedo: La Sovrintendenza ai Beni culturali e alla conservazione degli stessi serve

solo per fare le foto e fare i rilievi?

4 Marzo 2009

PS

Per onest va sottolineato che lamministrazione sarsinate ha poi operato affinch

parte dei ritrovamenti rimanessero in bella vista allinterno delledificio di nuova

costruzione, dove ora vengono organizzate mostre dArte.


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SUL FUMETTO

Tutto fa brodo. Limportante raccontare, raccontare e raccontare. Poco

significativo il fatto che tutto ci che si racconta non altro che frutto di una

fantasia che va a braccetto con la degradazione culturale di una societ che non ha

pi i mezzi per riconoscere che strada sta facendo; poco importa se i racconti sono

frutto di mentalit lontane che hanno gli appigli di una simbologia ancestrale che

non ci appartiene, come quella giapponese con tutte le sue anime e manga,

capaci di far impazzire adolescenti eSseMmeoSi e chattosi e adulti intellettualoidi

che, conoscendo poco o punto de prodotti nostrani, si riempiono la bocca di

termini che fanno tendenza. Ma il peggio quando questi racconti sono

accompagnati da immagini stiamo parlando del fumetto che hanno molto di

isterico e di tendenzialmente patologico, relativamente alla sfera sessuale, e che

poi ritroviamo nei concorsi nazionali sottoforma di tavole ove la fantasia non sa

altro che ricamare falli e vagine sgocciolanti e cimiteri talmen te pieni che sfollano

dalle tombe strapiene i de quius sotto forma di zombie. Ma questa la fantasia,

questa la libert di espressione che totalmente coerente con la libert odierna


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di stuprare, applicare ad un barbone un incendio ludico o mettere s otto una

giovane creatura perch si bevuto o ci si sballato un po troppo per

semplificare il tutto con la formula dellincidente stradale e benedetta dallo Stato

come tale. Siamo nella fase delle libert assolute che in una Italietta come la

nostra assurgono a valori esistenziali intoccabili, strumenti politici di quellapolitica che del pelo che ha sullo stomaco ne fa uno scaldino. Cos nellarte, nella

letteratura e nel fumetto. Sei in grado di reggere un pennello davanti ad una tela?

Allora sei un grande artista e se hai i soldi sei ancora pi grande; sei in grado di

scrivere? Allora sei un letterato da Campiello e se hai i soldi per pagare una casa

editrice il premio tuo, ma anche se paghi per pubblicare un libello di versi sei un

grande poeta; possiedi un po di dialettica fatta di atmosfere vibranti corde

dellanima e di seducente sapore avanguardista beh, allora sei un critico darte.

E nel campo del fumetto? La lotta amico si fa dura Non serve essere impegnati,

occorre essere provocatori e possibilmente stranieri. E gi, noi italiani avendo

smesso, di massima e con qualche eccezione, di esportare cultura sin dagli anni 50

del 900, abbiamo ripreso il vezzo di autodemolirci per osannare lo straniero. Nel

campo del fumetto quante sono le storie in mano ad autori italiani e quante in

mano ai francesi, americani, argentini e soprattutto giapponesi? Almeno il 70 per

cento straniero. Evviva lo straniero e chissenefrega dellitaliano. I vari autori

nostrani affermati sono per lo pi anziani che hanno avuto modo di crescere farsi

rispettare quando il settore era in costruzione, ora, i nuovi, sono fugaci apparizioni

e portano la dentiera: non sono in grado di masticare pesante offrendo prodotti

dai contenuti solidi e sostanziosi. Sono figli del computer. I vari Tappi sono merce

in via di esaurimento e gli osannati Manara sono rimasti impantanati tra eleganti

chiappe veneziane. Ha ragione Brullo quando afferma che nel fumetto italiano c

poca avventura. Il motivo la mancanza di cultura; infatti senza cultura storica,

senza cultura antropologica e sociale, senza cultura geografica non si pu essere

dei novelli Verne, diventa impossibile inventare avventure. Non ci sono

evidentemente sceneggiatori che sappiano concretizzare storie verosimili.

Ma c un minuscolo settore nellambito del fumetto che spetta al Fumetto

storico, ossia quel fumetto che racconta la storia partendo dalla Storia. Chi scrive

autore della Storia a fumetti di Cesena, Rimini, Ravenna e Forl. Dalle Origini

allUnit dItalia cinque volumi editi da Ponte Vecchio. Ebbene, questa poderosa

opera ( pi di 1500 tavole disegnate) caduta nel dimenticatoio e non ha

suscitato alcuna reazione di tipo culturale quando stata pubblicizzata; La Storia


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di Sarsina antica.

Dalle origini allXI

secolo terminata

qualche mese fa, non

ha trovato sponsor egli enti della cittadina

omonima hanno

pianto miseria.

Concludo

sottolineando come

le generazioni della

presente e d

efficientissima

societ amino

leffimero e non

sanno pi conoscere,

o meglio, riconoscere,

dove abita la cultura.

Sono stato rifiutato

dai responsabili

dellultimo concorso

per disegnatori di

fumetto tenutosi a

Ravenna: non hanno

nemmeno accettato

che potessi esporre, fuori concorso, alcune tavole di queste opere, perch non

invitato. E pensare che la proposta la feci un paio di mesi prima che il concorso

chiudesse. Allora: prendiamoci per i fondelli; lasciamo che altri prendano per i

fondelli il prossimo; decantiamo leffimero ( almeno fosse di qualit grafica) e

inebriamoci di stupidaggini ( non forse questa la societ dello sballo?) elasciamo, in ultimo che i letterati facciano i critici darte, di quelli che vedono

ovunque capolavori. Nel frattempo ho iniziato un altro fumetto storico riguardo

unaltra cittadina romagnola. Riuscir a trovare sponsor? Chissenefrega! Sono uno

sconosciuto ammalato della cultura, , e non posso farci niente; ma il peggio che

sono fuori da quegli ambienti che vogliono personuncole ossequiose e referenti,


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squallidi personaggi che per raschiare il successo si guardano bene dal dire quello

che realmente pensano.

13 marzo 2009

PS

La storia a fumetti

della citt a cui

accennavo (

Castrocaro) non

stat pubblicata

perch

lamministrazione ha

pinato miseria (4500

euro per la stampa e

nessun compenso

chiesto per aver

disegnato 6 mesi);

lEnte Terme

castrocarese non si

voluto impegnare e

il Presidente degli

albergatori mi ha

risposto non mi

interessa!


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SU ILARIO FIORAVANTI

Immergere le mani nellumida pasta terrosa e plasmare lidea, che viene spinta

fuori da lontane stanze, celate pieghe dellanimo, attorno ad una struttura

ferruginosa, rappresenta per il Maestro Fioravanti un momento di intensa

preghiera: lesternazione di un sentimento di profonda religiosit che ha

altrettante profonde radici nella Madre Terra, in quella Madre raccontata dai riti

arcaici di una cultura ingoiata dal raziocinio del tornaconto. Arcaicit e senso

cristiano del riscatto; morte e rinascita; materia informe e sublimazione dellidea

nellimmagine espressa. Questa la scultura di Ilario Fioravanti.

Lottantatreenne artista-architetto appartiene ad una razza di sparuti creativi che

fine a se stante; non condivide il globalizzante senso estetico proprio della

scultura che si contenta del prodotto finito come il raggiungimento massimo dello

sforzo creativo; dellesaltazione della tecnica e dellautoglorificazione del concetto

espresso.


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Nulla di tutto questo. Ilario Fioravanti vede la sua scultura come un rosario che

non finisce mai, una contemplazione del mistero espresso attraverso lumile terra,

plasmata con la devozione dellorante: ogni opera una grano di rosario usato per

soffermarsi, un solo istante, sul mistero, deux-ex-machina, che sovrasta, culla,

nutre la totalit delluniverso. E a quellumile terra, la Madre di tutte le creature,utero terragno, il Maestro tributa il massimo rispetto. Per questo, il plasmare la

massa informe di creta, cuocerla, dotarla di anima attraverso luso arcaico del

colore, rappresentano un atto devozionale per Fioravanti, un atto che lascia le sue

imperfezioni di creatura umana nelle crepe, nelle asimmetrie compositive, nelle

impronte delle dita, i cui spessori digitali testimoniano le emozioni, motore della

tensione creativa. Un artista a se stante. Nicchia di un concepire, la terra, la

natura, il paesaggio alla stessa maniera delle religioni arcaiche dei padri fondatori

della terra italica, dei popoli che osservavano con timore reverenziale la presenza

del divino nello stormir delle foglie di boschi antichi, nel fragore delle acque di

fiumi che ancora plasmavano le proprie valli: ogni forma naturale era il dono di in

dio sconosciuto ma presente nella sua furia elementare. Sono ancora le Esperie,

ancelle di Artemide-Diana, a danzar nelle selve? Egeria piange ancora il suo algido

dolore per la morte dellamato Anco Marzio? Non lo sappiamo pi, sappiamo solo

che il senso della deit o delle deit, con Cristo, ha assunto il suo pi alto e unico

valore universale. E Fioravanti ha colto, questo valore, sin dai suoi esordi di artista-

architetto, esprimendo al massimo il suo profondo rispetto per la natura, per

quella terra che sar propria, intrinseca, alla sua devozione: le opere

architettoniche di Fioravanti non hanno mai offeso le antiche sedi delle deit

arcaiche; non hanno mai stravolto il profilo dei colli, ma silenziosamente si sono

poste con profondo rispetto in quella culla uterina che il grembo della Madre

Terra e ne hanno goduto dei suoi frutti. Come esempi o vale il Convento delle

Cappuccine sulla collina antistante il cimitero cesenate. Linventiva che il Maestro

ha, seppur brevemente, fatto, in occasione dellinaugurazione della sua mostra, il

28 marzo, nei confronti di una generazione di architetti imbecilli tali perch

straziano la terra con opere che sono fini a se stesse e che autocelebrano il potereeconomico dei committenti novelle torri altomedievali che con la loro altezza

sottolineavano i successi economici dei loro padroni dimostra come il profondo

rispetto per la Madre terra sia, in Fioravanti, da sempre presente, innato in

unanima devozionalmente attenta ad un mistero a cui si pu solo essere grati; un

rispetto continuamente lacerato, straziato, dagli esempi di urbanizzazione

selvaggia, perch dei selvaggi. Per questo, opere come il Compianto, seppur


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testimonianza del massimo dolore, non manifestano la straziante sofferenza che

colse il giovane DAnnunzio alla vista delopera di Niccol dellArca (XV secolo) a

Bologna, espressa con queste parole: Intravidi nellombra non so che agitazione

impetuosa di dolore. Piuttosto che intravedere, mi sembr esser percosso da un

vento di dolore, da un nembo di sciagura, da uno schianto di passione selvaggia. ,ma, invece, esprimono, nonostante tutto, il silenzio di gratitudine contemplativa

che nasce dal sacrificio di Dio per ri-donare alluomo il senso delle cose. Il senso

della Vita e di se stessi. E di questa gratitudine-testimonianza, non pi ostacolata

dalle resistenze giovanili, fatto il flusso creativo del Maestro Fioravanti, il cui

incedere non rappresenta altro che quellunicuum che fa della sua opera, del suo

porsi, una profonda genialit creativa. Ora c solo da augurarsi che la

cittadinanza, attraverso la Municipalit, mostri compiutamente la sua

riconoscenza verso il Maestro con il conferimento del premio Malatesta Novello,

a cui associo anche la personalit del Prof. Romano Pieri che con i suoi studi ha

dato spessore alla cultura cesenate, spesso distratta e assente, a livello

internazionale.

La mostra, Le stanze

dellanima, curata

dallassociazione Il Vicolo,

visitabile presso il Palazzo

del Ridotto di Cesena.

30 marzo 2009


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SU DOMENICO GRENCI

Recentemente inaugurata presso la Galleria LImmagine di Cesena la mostra

del giovane pittore Grenci, calabrese di nascita ma proiettato verso destinazioni

che superano i confini nazionali. Le immagini esposte hanno come oggetto la testa

femminile, in cui il concetto di ritratto viene superato, ponendo lattenzione alle

posture piuttosto che alle somiglianze con eventuali soggetti reali. Volti di

profilo, di trequarti, teste che mostrano la nuca, insomma un ribaltamento

concettuale allapproccio con un soggetto che diventa analisi di studio pi che

testimonianza storica dello stesso allinterno di un ambiente contestualizzato

storicamente. Il ritratto, il volto, da sempre, stata ispirazione di generazioni di

artisti che oltre agli sguardi finestre sullanima, come ebbe a dire Leonardo,tramandavano messaggi in chiave di lettura storica: un ritratto era anche una

testimonianza storica del costume. Questo concetto morto per sempre, su scala

generale, anche se alcuni esempi di minore impatto sulla storia dellarte

continuano a produrre esempi degni della tradizione italiana del ritratto. Questa

fedelt riproduttiva, che ha iniziato a perdere colpi con il Picasso cubista, con

Modigliani fino a Liechtestein, in cui il ritratto fu, in ultima analisi, solo una

distribuzione volumetrica su uno spazio in cui si giocavano elementi concettuali

collegati a linguaggi dissacratori ma, al contempo, avanguardisti, ha fatto perdere iconnotati storici dellambiente collegato ai soggetti, facendo acquistare alle opere

ben altre dimensioni. Lintroduzione di nuovi linguaggi espressi attraverso un

modo nuovo di usare i colori e il pennello ha fatto perdere, nellosservatore, la

possibilit di entrare nella psicologia dei soggetti ritratti e carpirne le loro anime.

E, in pratica, terminato il tempo in cui il ritratto, nellarte contemporanea, veniva

concepito come una carta didentit di un soggetto allinterno di un ego: ora,

gli stessi sono amorfi e anonimi, sono contenitori vuoti che fanno cornice a volti

senzanima o, se lhanno, perduta in luoghi irraggiungibili perch ignoti. E il caso

di Grenci, che testimonia con la sua pittura pi che il senso estetico - in quanto la

sua figurazione normale da punto di vista rappresentativo - testimonia il vuoto di

unumanit che ha perso i suoi punti di riferimento. E il malessere che avvolge la

societ che viene metabolizzato dallartista-alchimista e riversato sulla tela, la

quale si macchia ma non si colora. Il colore in Grenci lassenza di colore. La sua

monocromia, stemperata da scolature sono la parte viva della personalit

anonima dei soggetti: modelle attonite e fatte di barbiturici, di quella marijuana


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contemporanea che priva lo sguardo della voglia di vivere. Ecco, il ritratto-postura

di Grenci non pi la testimonianza del soggetto dentro il suo mondo, ma la

testimonianza del mondo-societ in cui levento artistico avvenuto. Nellarte

contemporanea, quindi, non avremo pi il ritratto romantico di tenebrosi soggetti

alla Delacroix; non potremo pi parlare del ritratto psicologico di un Goya o di unGericault, ma nemmeno le strazianti figuri di un Bacon che vomitano la loro anima,

anche se deformata dalla drammaticit, pur sempre anima riman e. Per non

parlare di Antonello da

Messina che con i suoi

ritratti aveva anticipato di

quattrocento anni

lintroduzione della

fotografia, quella del

ritratto psicologico, quella

fotografia che nei primi anni

dellottocento restitu

allutente quella sottigliezza

indagatrice della personalit

del soggetto che iniziava a

mancare in certe esperienze

pittoriche.

Risulta chiaro, quindi, che

dalla pittura

contemporanea del ritratto non possibile ritrovare lo spessore della personalit

dei soggetti, poich lo stesso non altro che la proiezione trasparente di uno

spessore, tragico, drammatico o anche normale se vogliamo, che va ricercato al di

fuori della tela. Paradossalmente si ripresenta la lezione di Fontana che taglia la

tela, la lacera per cercare larte al di fuori della stessa: il taglio la porta di

ingresso che apre allocchio indagatore il mondo esteriore in cui, poi, si incontrer

il Ferrarotti della situazione che spiegher come lanima mundi non pi sulla

tela dellartista ma oltre di essa, nei contenuti deleteri o meno dei mass media! La

scelta di Grenci e qui ribadisco il concetto che la scelta di un materiale per una

artista non mai solo razionale di usare il catrame per rappresentare i suoi

soggetti la dice lunga sulla visione del mondo. I ritratti di Grenci sono ritratti del

pessimismo che pervade la contemporaneit, in cui lunico ardire la truffa ai


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danni della collettivit, ridimensionata poi dai drammi cosmici: una chiave di

lettura del mondo. Daltronde al catrame, al bitume non associata la strada su

cui pisciano i cani? Su cui ci vomitano i frequentatori della notte? Su cui

avvengono le stragi del sabato sera? La lista potrebbe essere lunga. Il catrame

quindi come simbolo di una umanit che attonita guarda punti persi n el vuoto incerca di una personalit. I ritratti di Grenci sono associabili ai drammi di Ibsen, di

personaggi in cerca di quegli autori che possano riempire i loro sguardi di un anima

recitativa ma purch sia anima, ma anche di personaggi pirandelliani che stesi sul

loro divano sognano ad occhi chiusi il treno che va. Il problema che la loro anima

persa fuori dalla tela, nel mondo che divora. La mostra rimane aperta fino al 10

maggio.

8 Aprile 2009


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SU ARCHITETTURA CESENATE

La recente pubblicazione del libro di Davide Fabbri Cesena: il potere del

cemento stato linput per una serie di riflessioni, accelerate dai lavori in

corso che stanno interessando la citt di Cesena e quelli futuri presentati pi

volte allopinione pubblica e, recentemente, ribaditi attraverso il periodico

dellAmministrazione di Cesena Cesena Informa. Senza contare che, essendo in

clima elettorale, le varie ricette presentate dai candidati sindaci, inducono

ulteriormente a chiedersi: Dove andr la Cesena del terzo millennio?, ma

soprattutto: Con che faccia?

Analizzando gli interventi in corso (Piazza Amendola; Via Cesare Battisti) e quelli

per il prossimo futuro, (Quartiere Malatesta Novello) salta agli occhi un dato

incontroversibile: Cesena ha rotto con la sua tradizione ma non sa ancora dove

andare! Tradizione, cosa la tradizione, in termini architettonici, quindi funzionali

e quindi estetici? Una definizione o risposta, mi vien da dire, che la tradizione

per una citt come Cesena sta nel volgere lo sguardo alle estetiche del passato,

riproponendo, in termini attuali, elementi estetici che prolunghino le funzionalit

da sempre presenti, a partire dal centro storico, per adeguarle, senza traumi, allefunzionalit attuali. Senza rotture evidenti con il passato come invece sta

avvenendo. La pavimentazione del Centro Storico, motore funzionale, rompe con il

passato in maniera bullesca, imponendo alle scenografie antiche soluzioni

estetico-funzionali adattabili a centri che di storico hanno ben poco. Come Milano.

Non conta pensare tanto ci si abitua, poich, in questottica, sarebbe inutile

qualsiasi confronto e renderebbe inutile e dispendioso lo sforzo creativo. Il

vantaggio di essere filologicamente coerenti con le realt storiche risiede

nellidentit del luogo che si trasmette inevitabilmente ai residenti. Il rischio di

sentirsi milanesi a Cesena sta diventando sempre pi forte: si sta compiendo una

operazione culturale di dismissione delle peculiarit storiche locali ( Cesena Citt

Malatestiana? Perch?) per sposare espressioni architettoniche estranee alla

mentalit di una comunit che ama spesso rispolverare, inorgogliendosi, le

proprie tradizioni e sbandierarle, giustamente, come un elemento di vanto. Ma

forse qualcuno si accorto che questa epoca sta lentamente sacrificandosi alla


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globalizzazione espressiva e allesplosione del cemento che sta distruggendo

tra laltro in una maniera da acuire le problematiche di traffico e di inquinamento

esistenti senza accennare ad uno sforzo innovativo e concettuale da far supporre

una inversione di tendenza alla usuale tendenza allespansionismo urbanistico. Il

rapporto tra la Cesena-centro storico e la periferia-campagna perduto persempre, poich sembra che la campagna sia stata dismessa dalla politica locale,

favorendo lintroduzione squilibrata tra offerta e domanda reale - di poli

industriali nella prima periferia. Ma il vizio di guardare troppo lontano tipico

vezzo italico: si sputa sulla minestra che mangiamo o se vogliamo lerba del vicino

sempre pi verde. E cos che una citt come Reggio Emilia la conosco dagli

anni 50 ha da tempo perso la propria emilianeit oltre che per un senso politico

dellospitalit nei confronti degli extracomunitari assai dubbio, in ag giunta al fatto

che un intero paese calabrese (Cutro) ci si trasferito, ormai connotata da una

periferia caotica dal punto di vista estetico; poco funzionale per il fatto di essere

stata concepita, in gran parte come dormitorio. Il centro ha perso, altrettanto, la

sua funzione di socializzazione perch in mano ad etnie non integrate

culturalmente. Ma al peggio non c mai fine: ultimamente, vezzo politico, lepiazze reggiane saranno allietate da poltroncine disegnate da un certo Tokujin

Yosnova al quale viene permesso di aggiungere ad un emiliano stanco il lessico

della globalizzazione: Calatrava il classico esempio di quella smania italiana

vogliosa di monumentalit esterofila fine a se stessa. Reggio come esempio,

ovviamente, da non imitare. La monumentalit, nella realt italiana cosa del

passato; la stessa Roma ha vicoli che sembrano appartenere a paesotti. E poi,


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basta con i progetti edulcorati artificialmente dalla computer grafica come quelli

sulla rivista dellamministrazione comunale. Nellimmagine computerizzata del

quartiere Malatesta Novello non si vedono le ciminiere in acciaio inox che servono

ad aspirare il monossido di carbonio dal tunnel della secante. Hanno un forte

impatto ambientale tanto da, secondo il mio inutile parere, svilire il quartiereintero.

In sostanza, ancora non sono riuscito a vedere a Cesena quelle sensibilit

architettoniche, rispettose del passato e dellambiente come invece sono presenti,

un altro esempio, nelle opere realizzate da Jan Kleihues ( Mostra di architettura

nella chiesa sconsacrata dello Spirito Santo a Cesena) che si inserisce allinterno di

una struttura seicentesca ( il castello sulla piazza di Shlossplatz a Berlino) con una

moderna eleganza che non mortifica la priorit lestetica dellantica faccia ta e

della corte interna. Ma questa roba dellaltro mondo.

24 Aprile 2009


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SUL GIOVAN BATTISTA SALVI, IL SASSOFERRATO

E STEFANIA RUSSO

Evviva lArte! Diamo a Cesare quel che di Cesare, anzi: diamo a Dio quel che di

Dio, poich lArte quella con la A maiuscola - non che esternazione di uno

stato spirituale, animico e non solo di tecnica mentalizzata, memorizzata, nelle

botteghe darte. Sabato 16 scorso, Cesena stata al centro di inaugurazioni

pittoriche di grande rilievo: la mostra in onore di Giovan Battista Salvi, detto il

Sassoferrato (1609-1685) pensata dal professor Massimo Pulini con il sostegno

dellamministrazione comunale (se ci sono stati sponsor non saprei dirlo perch

non cerano cataloghi disponibili per la stampa e critici darte, ma solo per la

vendita) e altre mostre tra le quali intendo soffermarmi, per i risvolti interessati

che possono scaturire dal raffronto sul concerto di arte, solo a quella di grande

qualit della pittrice bolognese Stefania Russo ( Sala Silvio Severini ENDAS C.so

Mazzini). Dicevo evviva lArte non a caso, poich ancora una volta affidato al

passato della storia della Pittura il

compito di far conoscere cosa

lArte: le armonie compositive, le

capacit esecutive legate alla

capacit di disegnare prima che di

dipingere, le impostazioni

volumetriche e gli equilibri cromaticisono gli ingredienti che nella nostra

contemporaneit sono diventati

perfetti sconosciuti. Per la

stragrande maggioranza degli artisti.

Per meglio comprenderci: alzi la

mano chi non daccordo con me

che se vogliamo ascoltare della

buona musica, godibile anche per la

sua fresca poesia, dobbiamo tornare

agli anni 60 e 70. Burt Bacharach e

Dionne Warwick, Paul Mac cartney, Lucio Battisti, De andr, Gaber il passato

come custode della qualit. E grazie a queste mostre viene reso possibile,

attraverso losservazione da parte dei frequentatori, affinare ed educare locchio

alla pittura dlite di un opera. Non importa se proviene da ambiti storici e sociali


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lontanissimi, poich lArte ha il suo biglietto da visita per farsi conoscere:

larmonia compositiva soprattutto. Lopera del Salvi stata paragonata,

raffrontata e commisurata sulle lunghezze dei grandi che lo hanno preceduto e dei

suoi contemporanei; si parlato, a proposito di influenze, di Raffaello (1483 -1520),

del suo contemporaneo Domenichino (1581- 1641), di Annibale Carracci (1560-1609) dei bolognesi Francesco Albani (1578-1660) e Guido Reni ( 1575 1642) per

arrivare addirittura al fiammingo Duerer (1471-1528), ma la lista potrebbe

allungarsi per svelare solo una cosa: il Salvi stato il fedele esecutore della

tradizione pittorica italiana nella pittura del suo tempo. Di Raffaello ha conservato

leleganza posturale ma con un registro di luci che nulla avevano pi a che fare con

il concetto del bello rinascimentale, idealizzato e messo, trionfalmente, al servizio

della Chiesa; Il Salvi, cosa che non stata detta: ha incarnato della sua

contemporaneit il modo di porsi davanti al divino, aggiungendo al registro

raffaellesco parte della pregnanza caravaggiesca sulluso della luce. Siamo

daccordo con chi afferma che in Salvi non c dramma, non c il dolore intuito del

futuro sacrificio del Cristo, esiste per lo spessore della presenza della divinit,

non pi idealizzata e allontanata dalla realt - che in Caravaggio diventa

prepotentemente carnosa e umana essa, con Salvi, diventa una compagna di vita

o, se vogliamo, del viaggio terreno delluomo. Forse sta proprio in questo aspetto

il fatto che il papa cesenate Chiaramonti volle riprodurre una Madonna con

Bambino, per farne un incisione, dando via a quella produzione di santini che

ebbero nel Sassoferrato il punto di riferimento iconografico ideale. Arte del

passato e Arte contemporanea, un raffronto che non potrebbe reggere se non si

abbandona il concetto che diversi e lontani tra loro sono i canoni espressivi e i

linguaggi pittorici, ma la qualit se c resta fedele a se stessa, poich si presenta

sempre con il solito biglietto da visita: le armonie compositive.

Stefania Russo, un passato di grafico pubblicitario e quindi di abile disegnatrice

(finalmente!) si fa conoscere a Cesena con una retrospettiva che in grado di

mostrare quale cammino ha percorso lartista per arrivare al suo lirismo attuale,

fatto di figurazione mista a grafite e velature delicate di colori. Nonostante la suagiovane et ( e qui trovo la conferma che luso della parola esordie nte , come vo

da sempre affermando, sia una grossa imbecillit voluta per salvaguardare le

banalit dei presunti artisti affermati) la Russo ha gi raggiunto quel virtuosismo

espressivo che raro a vedersi: colori che emergono da anonimi quanto nobili

monocromatismi; velature e trasparenze compositive che non stonano se messe

accanto ad un Morandi; sperimentazioni poetiche di qualche hanno addietro ma


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che hanno lasciato il posto ad una ricerca di linguaggio che sta rendendo

interessanti le solite cose. Non un realismo o verismo alla fratelli forlivesi

Vaccari che appare stantio e sorpassato, bens il trasportare su un piano parallelo

alla realt situazioni normali che vengono raccontate con la delicatezza di chi

sente forte il richiamo della ricerca. Giovan Battista Salvi e Stefania Russo, unraffronto da quale emerge chiaramente cosa lArte.

16 Maggio 2009


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SU ALDO BORGONZONI

Percorrendo la strada che costeggia dappresso il mare, in direzione di Riccione, si

assaliti dalle immagini dei costrutti del legittimo relax e del divertimentificio che

ha caratterizzato da sempre la riviera romagnola, accanto ai quali, pi brucianti,

appaiono i segni del decadimento o trasformazione culturale ( in meglio o in

peggio?) mediato da antiche strutture balneari, esempi di architettura di altri

tempi, come la poderosa quanto elegante Colonia Bologna a Miramare, ancora

dignitosamente in piedi nonostante gli insulti della natura, ma, soprattutto, delle

amministrazioni comunali che si sono succedute da sessanta anni a questa parte, e

che fa il paio con leleganza stilistica, asciutta e lineare, della Colonia Reggio

Emilia a Riccione esempio unico di architettura del ventennio: in malora per i

pregiudizi o per ignoranza?

Segni del tempo quelli che ci

aiutano a riconoscere il

cammino percorso e che hanno

punti di contatto concettuale

con lesposizione dedicata ad

Aldo Borgonzoni (1913 2004),

presso Villa Franceschi in Viale

Gorizia a Riccione. E sono i

segni del tempo, addendi diuna lunga conta, che

scandiscono il susseguirsi delle

ere sociali, dei cambiamenti di

costume che danno corpo alla

concretezza del tempo che

scorre, alla nostra storia

personale e collettiva:

distruggere o lasciardistruggere ( come le suddette

colonie marine) significa spezzare lidentit, la propria e quella del popolo a cui

apparteniamo, per fluttuare in un ambiente reso irriconoscibile dallusa e getta,

dalla fragilit dei prodotti di un consumismo che istituzionalmente possono

conoscere solo frazioni di storia. E lassassinio della nostra identit! Aldo

Borgonzoni - se si possiede la giusta propensione alla cultura, la sensibilit e


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lamore per larte e la storia di questo paese - quel testimone che ha preservato,

attraverso la sua opera e creativit, le tracce e le testimonianze dello scorrere del

tempo, tracce, sapientemente disposte dal curatore della mostra, prof Aldo

Spadoni; dalla sentita e profondamente custodita memoria dellartista, espressa,

con precisa quanto eleganza espositiva, dal prof Ezio Orlandi, presidente dei BeniCulturali dellE. Romagna; e dallattenzione messa nella scelta delle opere da parte

del suo funzionario, il critico darte Orlando Piraccini; presente anche la vedova

Bergonzoni, sig.ra Alfonsina e il figlio dellartista, Giovanbattista, curatore della

omonima fondazione che, con amore filiale, rappresenta il primo custode di una

preziosa memoria, quella di un Maestro dellArte italiana. Ho detto: Borgonzoni

Maestro dellArte italiana, aggiungo, nellArte italiana, poich Borgonzoni ha

pienamente interagito con le sue contemporaneit, operando in un momento

storico della Pittura - a parer mio durato fino alla prima met degli anni 70 del

novecento contribuendo alla costruzione della Storia della Pittura Italiana,

accompagnandola fino alle tappe ultime della sua evoluzione storica. Gli anni 30

del secolo scorso, che hanno visto il suo esordio: le opere, come Ferrovia del 34,

Case abbandonate del 36 mostrano i segni di una impostazione iconografica che

a fatica cerca la via dellintuizione modernista: let doro del paesaggio romantico

italiano appare lontana, e lapparente staticit delle campiture sembrano

attendere una felice intuizione che arriva in Viale Irnerio del 35: il cielo

fosforescente, giallognolo, la chiave di lettura di tutta lopera Borgonzoniana:

dietro lapparente zigzagare della sua ricerca espressiva si celano importanti

momenti intuitivi che segneranno il passo alle generazioni future. Si ripetuto che

lartista appare essere un poliglotta della semantica pittorica con il suo inseguire

le lezioni degli antichi maestri quali Guidi, Mafai, Picasso ecc. questo non vero,

poich Aldo, da libero ricercatore ha dato alle sue emozioni, farcite di inediti

quanto intimi fonemi di un proprio scandagliare, gli strumenti pi adatti al suo

sentire; linguaggi presi in prestito solamente; ha inseguito, e molte opere ne sono

testimonianza, le sue intuizioni espressive e cromatiche che appartengono solo

alla propria sfera interpretativa. Un concreto esempio, a parer mio, nelAutoritratto del 40, dove possibile scorgere, vero, risonanze

espressionistiche, ma laggiunta della materia pittorica ad ispessire certe parti

dellimmagine cosa se non una intuizione della pittura che verr, lopera di Burri

o quella informale? In apparente contraddizione con il proprio linguaggio lo

stesso Sughi: nella La stanza di un uomo del 68 appare in total e dissonanza con

Il cipresso abbattuto del 70. Il giudizio pu essere dato solo in prospettiva. Ed in


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prospettiva possiamo concludere che Borgonzoni stato testimone di tempi e

culture diverse: il periodo anteguerra, il dopoguerra, i grigi anni 50 e i favolosi

anni 60, dove la sua ricerca sembra chiudersi in se stessa, come interno del 62

per poi esplodere nei rossi di Pazzia del 63 per ritornare negli anni 80 in Bosco

virgiliano alla esplosione metafisica e intimistica. Borgonzoni, testimone quindidei sui tempi e costruttore della ricerca sulluomo e sui significati esistenziali e

sociali che lo hanno avviluppato sotto e davanti il suo scrutare. Un plauso alla

neoeletta giunta comunale riccionese che ha voluto accanto allesordio estivo

della citt un segno di quella cultura che accomuna, nello scorrere del tempo, nei

suoi segni e nelle sue tracce, le architetture delle colonie rinnegate e le opere del

Maestro Borgonzoni.

29 Giugno 2009


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SU NIVES GUAZZARINI

In quel di Sarsina, Centro Culturale di Via Roma - dove belzeb, cacciato

quotidianamente dalla basilica, rientrato dalla finestra con un omaggio artistico

dedicato ad uno dei tanti strumenti luciferini molto in voga nella nostra

quotidianit per ingannare i sempliciotti, ossia la nota mostra sui Tarocchi in

corso una esposizione di lavori scultorei ad opera dellartista cesenate Nives

Guazzarini. La Mostra avviene in contemporanea con unaltra, a Rimini, in piazza

Cavour, Sala degli Archi. Lapproccio analitico alle opere scultoree in ceramica

della mostra di Sarsina, dal tema Terre appese, parte dalla considerazione come

questa artista, a cui non manca il completo sostegno tecnico della conoscenza

della materia forgiata, avendo studiato ceramica a Faenza, abbia sviluppatoconcetti espressivi fortemente personali tali da rendere riconoscibili le opere della

stessa artista anche in ambienti decontestualizzati. Non un caso che da tempo

vado affermando come la scultura ( e la ceramica tale va consi derata ormai ) abbia

ancora vaste dimensioni espressive da scoprire e che una ricercatrice come la

Guazzarini sembra essersi incamminata lungo uno di questi percorsi non ancora

esplorati da altri scultori. Chi segue le mie riflessioni sapr come considero, invece,

la pittura contemporanea. Elementi originali e appartenenti alla sfera personale

dellartista, vanno inquadrati allinterno di una dimensione concettuale, tappa

fortemente connotata, questultima, frutto di un lungo cammino di ricerca in cui la

figurazione non fine a se stessa, plasmata solo per fini estetici come di solito

siamo abituati a vedere, tanto per citare un esempio, nello scultore cesenate

Leonardo Lucchi, ma funge da supporto a obiettivi concettuali in cui lessere

antropomorfo esprime la sua essenza esistenziale. Donna oggetto, da appendere

appena usata, ma compiacente di questo uso? Uomini in mostra tanto da finire in

una cornice che li isola dal mondo esterno, poich vale la forma e non il

contenuto? Lo spirito escluso? Parlando con lartista ribadii il concetto che uno

scultore dovrebbe essere a conoscenza della produzione altrui per evitare la

sovrapponibilit della propria produzione con quella di altre mano: appare, cos, in

questa prospettiva, essenziale la ricerca, il continuo rimettersi in discussione e la

Guazzarini, con le sue tematiche ha pienamente compreso, senza laiuto della mia

citata considerazione, da tempo, come larte, intesa solo dal punto di vista estetico

appare tramontata; sono i contenuti fortemente indirizzati che possono rendere

interessante una produzione artistica. Ivo Sassi, ceramista del monumentale e che


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ha in corso una esposizione a Cesena e a Cesenatico, pur mantenendo una sua

connotazione appare in molte opere piccole sfere e totem sovrapponibile alla

lezione di Pomodoro in quella espressivit che io identifico come scultura

analitica dove il carezzevole liscio di superfici esterne sono messe in forte

contraddizioni con le rugosit del loro interno. La sovrapponibilit diventa quindi ilmetro di misura della ricerca in ogni artista e la Guazzarini, e lo dico con onest

intellettuale, sembra non essere sovrapponibile a nessun scultore che conosco per

la presenza, appunto, di elementi fortemente personali, presenza costante nelle

sue sculture e inequivocabile frutto di

una continua e tenace ricerca. La

preziosit e la valenza artistica delle sue

opere sono proprio in questa

personalizzazione delle forme

accompagnate da un profondo senso dei

significati veicolati dalle opere stesse.

Un invito quindi a chi legge di andare a

vedere queste mostre, tenendo

presente che in quella di Sarsina

esistono manufatti che danno

allesposizione una traccia di leggibilit

legata ad un percorso artistico ben

preciso: dalla fase informale allultima

produzione della figurazione

concettuale.

27 Luglio 2009


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SU CONTEMPLAZIONI

Visitare la mostra Contemplazioni, divisa tra Castel Sismondo e il Palazzo del

Podest, a Rimini, significa porsi, ancora una volta e con maggiore convinzione, la

domanda. Cosa , allora, lArte?. E quanto mai urgente, una volta per tutte,

stabilire se, per comprendere e giudicare, occorra riappropriarci dei parametri di

riferimento storici ( i maestri dellArte del passato) o stabilire che, non occorrendo

percorrere la prima strada, lArte libera manifestazione creativa a prescindere.

Questa ultima supposizione, ma che frequentemente sembra essere diventata

lunico riferimento, ha dei vantaggi e anche pericoli di disgregazione culturale.

LArte non forse cultura? Vero che lArte, volente o nolente, rimane pur

sempre testimonianza dei tempi che sono contemporanei allartista, il quale,

inevitabilmente, risente delle variazioni umorali del suo tempo.

Agazzani, critico dArte e

curatore della mostra, ha

fatto un buon lavoro ma ha

anche, mi sembrato, dare

limpressione,

nellassemblare la mostra, di

aver seguito la seconda

strada suaccennata, vale a

dire che arte anche

approssimazione artistica.

Nel senso che assieme ad

opere interessanti e

stilisticamente perfette

convivono banalit espressive. E questo non va bene se si vuole risollevare le sorti

di quella pittura come mi parso intendere fossero le intenzioni del curatore -

che sta soffrendo i malumori, le ignoranze, gli estremismi e i vuoti esistenziali del

tempo che viviamo. Molta enfatizzazione si data alla presenza della pittura

iperrealista, corrente nata negli anni sessanta in America e che, come al solito,

sbarcata almeno una decina di anni dopo in Italia. Anche se liperrealismo

americano non nasce dal nulla, alla sua base c lesperienza rinascimentale dei


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pittori italiani come Antonello da Messina ( ritratto di uomo) e Piero della

Francesca ( la riproduzione perfetta dellarmatura indossata dal Duca Federico da

Urbino nella pala di Brera) tanto per citare due esempi . Le opere di Papetti,

Monatanari, e compagni iperrealisti ecc. sono stilisticamente perfette che non ci

si pu esimere dal sottolineare la capacit tecnica di riproduzione fotografica desoggetti espressi, ma sono al contempo anonimi, nel senso che la mano di

qualsiasi iperrealista potrebbe aver fatto le opere degli autori citati. E questo

vero anche a distanza di anni e con condizioni ambientali totalmente differenti. In

buona sostanza: lopera iperealista esclude lartista; non rende riconoscibile

lartista, perch priva della personale impronta emotiva dellesecutore: quanto

ricche, sono le opere, di accorgimenti tecnici tanto prive dellanimo dellartista

sono. Ma quello dello stupire parte essenziale dellArte; pensiamo a chi per la

prima volta si trovato ad ammirare la Cappella Sistina affrescata da

Michelangelo. Ma non basta stupire. Occorre comunicare. E qui sta la chiave di

lettura della mostra, dove convivono opere che comunicano emozioni accanto ad

opere che non lasciano tracce nella memoria: esistono opere che ad una profonda

lettura lasciano vedere svarioni significanti sullesecuzione anatomica dei

personaggi: e pi si ha la pretesa di essere perfezionisti e pi questi svarioni

denunciano la mancanza di una attenta osservazione e studio dellanatomia

umana.


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Ma una cosa ancora pi evidente in questa mostra-testimonianza dei tempi che

viviamo - tempi di grandi sbandate e di miraggi darte la sovrapposizione di

linguaggi che una volta nulla avevano a che fare con la Pittura intesa nel senso

tradizionale. Esistono paesaggi che, qualche anno fa, li potevamo ammirare solo

nelle illustrazioni di fiabe; esistono immagini che possono benissimo far parte delfotogramma di un fumetto. Cosa voglio dire? Che allora arte anche lillustrazione

di una fiaba di Anderseen; allora arte anche le illustrazioni di Brian K. Vaughan -

Pia Guerra, Y: l'ultimo uomo. E potrei proseguire. Quindi c qualcosa che non va

in fondo alla faccenda: o qualcuno ci vuole prendere in giro facendoci vedere cose

che in altri settori sono la norma, spacciandola per arte solo perch lopera non

sulla carta ma sulla tela, o ci sono settori (pubblicit, fiabe, fumetto) in cui grandi

opere dArte rimangono sconosciute grazie alla pigrizia intellettuale di certi critici,

spesso anche improvvisati Il giudizio lo lascio al lettore. Purch sia un sincero

amante dellArte. I gusti personali sono legittimi, ma non sono sufficienti, anzi

ingannevoli, per ponderare attentamente la questione.

22 Agosto 2009


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SULLESTETICA

Nelle mie riflessioni, essenzialmente dedicate alla pittura, talvolta allarchitettura,

soventemente mi soffermo sul concetto estetico dellopera presa in esame e, se

generalmente per estetica intendiamo ci che ci piace - concetto fuorviante se

si vuole fare della Critica un approccio serio - meno soventemente ci soffermiamo

su ci che non piace.

Per meglio dire, se una cosa ritenuta brutta non la spieghiamo con lo stesso

puntiglio come facciamo per le belle cose, lanalisi finisce per diventare poco

credibile. Sbagliata. Eppure, se ci si sofferma sulle motivazioni dellanalisi del

brutto, potremmo scorgere, emergere, le lezioni, per contrapposizione, su come

leggere ci che bello, cosa di cui oggi abbiamo un gran bisogno!

Si tenga presente, inoltre, che i due concetti bello brutto, sono fortemente

condizionati dalle contestualizzazioni storiche: nel seicento era bella una donna

pallida, mentre una abbronzata era disdicevole, volgare, contadina e rozza; negli

anni 60 del novecento la Giulietta Sprint dellAlfa Romeo era il non plus ultra,

mentre ora fa ridere. Se questo vero, come la mettiamo con le influenze

soggettive che, inevitabilmente possono ricadere sulla lettura del bello o del

brutto?. Difficile dirlo, onde per cui appare ancor pi indispensabile articolare le

riflessioni attraverso termini di paragone, i quali, essendo i riferimenti presi quelli

che sono per se stessi, possono divenire il metro di misura, lo strumento per

agevolare lanalisi in corso.

Altres appare evidente che se molte cose sono ormai accettate come

esteticamente valide, diventa rischioso, per chi sfida le acquisizioni definite,

metterle in discussione. Uno di questi casi potrebbe essere il rivedere il concetto

estetico della Chiesa di Santa Maria del Fiore , a Firenze, in rapporto alla sua

cupola.

Progettata e iniziata nel 1296 da Arnolfo di Cambio (autore del Palazzo Vecchio) in

un bellissimo Gotico fiorentino, la costruzione fu continuata da Francesco Talenti,

nel 1357, il quale, al progetto originale, apport significative modifiche quali

lallargamento dellarea della pianta originale nella sua sezione a trifoglio su cui

poggia la cupola, quella stessa cupola che, si ipotizza, nellidea di Arnolfo di

Cambio fosse quella raffigurata in un affresco presente nel Cappellone degli


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spagnoli in Santa Maria Novella; l, possibile constatare come la cupola sia

perfettamente equilibrata alle proporzioni delintero corpo. Ma essendo, Santa

Maria del Fiore, rimasta incompiuta, senza cupola, per molti decenni, solo ne l

1420 la Signoria decise di terminare lopera mettendo a concorso il progetto di

copertura definitiva.

Brunelleschi, con il suo genio ingegneristico riusc, laddove i suoi contemporanei

non furono capaci; costru una cupola autoportante e a doppia parete, su tamburo

ottagonale preesistente, senza bisogno di impalcature. Il risultato finale fu s una

immensa e irripetibile opera di ingegneria, ma anche fu anche enorme la

sproporzione volumetrica rispetto alla chiesa stessa. Possiamo pensare che la

causa vada ricercata dellampiezza del tamburo? O nel sistema messo in praticadal Brunelleschi? Chi lo sa. Fatto che quel concetto di estetica, nellesempio test

citato, e richiamato allinizio della nostra riflessione, risulta fortemente messo in

discussione a causa di proporzioni non relazionabili perfettamente allarchitettura

stessa, e non solo: non sovrapponibili ai concetti volumetrici che lo stesso

Brunelleschi rappresenter nella Cappella Pazzi o nello Spedale degli Innocenti.


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In poche parole, una costruzione unica al mondo ( e di cupole al mondo ce ne sono

diverse) nata, a mio parere, grazie a presupp osti spaziali concepiti da menti

diverse e in tempi diversi. Probabilmente, non poteva essere altrimenti: una

cupola pi bassa e semisferica forse non sarebbe stato possibile costruirla per

ragioni di statica, vista lampiezza del tamburo su cui poggia la ttuale.

Ora, il punto : si pu mettere in discussione il concetto estetico della Chiesa di

Santa Maria del Fiore, tormento ed estasi di tutti gli studenti della facolt di

architettura di Firenze e non solo, dal punto di vista delle proporzioni? Non lo so.

Io non ho nulla da perdere e quindi rimango del mio punto di vista. Certo che

magari molti lo hanno pensato ma non hanno avuto il coraggio di esprimere il

proprio parere. Credo che questo accada un po dappertutto nelle arti in genere:

se il celebre critico benedice un opera come Arte Pura nessuno, poi, avr il

coraggio di dire il contrario. Chiss se questo qualcuno, leggendo queste righe,possa concordare, aprendo una discussione mai fatta in merito. Estetica, quindi,

senso delle proporzioni.

31 Agosto 2009


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SUL PREMIO MALATESTA NOVELLO EDIZIONE 2009

La notizia che d per certa la formazione della giuria alla quale deputato il

compito di trovare i tre nomi di personaggi della cultura e non, a cui conferire il

riconoscimento del Malatesta Novello, recente. Sicuramente i membri della

giuria stanno gi al lavoro, anche se mi sovvengono le parole dellex sindaco

Giordano Conti espresse diversi mesi fa, che questanno ( riferendosi al 2009)

uscir una terna di nomi che sar una sorpresa. Dico questo, perch non voglio

pensare che la scelta sia stata fatta mesi fa, quindi, molto prima che il senso della

formazione della giuria ,annunziata a mezzo stampa, fosse stato, per cos dire di

gi esautorato. Comunque sia, senza la pretesa di influenzare o di condizionare la

scelta dei nomi - potere del quale sono totalmente sprovvisto - mi permetto diinvitare i tre illustri giurati a riflettere sullopportunit di dare, finalmente, il

riconoscimento al maestro Ilario Fioravanti.

Egli non ha nulla da dimostrare alla cittadinanza riguardo alla sua valenza creativa

- credo sia stata esaustiva la mostra dedicatagli nel gennaio del 2008 a Palazzo

Romagnoli e al Palazzo del Ridotto - ma certamente ha contribuito a dar lustro alla

citt di Cesena, poich egli conosciuto su vasta scala. Antonio Paolucci,

responsabile del sistema museale del Vaticano ebbe modo di esprimere, dallalto

della sua conoscenza del mondo dellarte antico e contemporaneo parole di

grande elogio sullarte di Fioravanti; basta solo accennare al fatto che il maestro

sia il decano degli architetti della provincia di Cesena-Forl; vale forse rammentare,

e pochi ne sono a conoscenza, che Fioravanti lunico scultore vivente che non

pu disporre liberamente del suo studio, poich vincolato dal ministero dei Beni

Culturali! Forse altres utile rammentare che da qualche anno a questa parte il

maestro, aiutato dalla gentile moglie, Signora Adele e da altri collaboratori,

impegnato nella catalogazione della sua produzione, fatta oltre che di sculture

anche di disegni, bozzetti, catalogazione voluta, imposta forse meglio dire, dalsempre competente ministero. Non il caso di dilungarsi, poich come ho detto

precedentemente, il maestro Ilario Fioravanti non deve pi dimostrare nulla della

sua particolare capacit espressiva. Ora, sta agli uomini della giuria, sicuramente

di rispettabile valenza culturale fare la giusta scelta.

4 Settembre 2009


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SULLARTE IRREGOLARE

Fino al 27 settembre, presso la Galleria Ex Pescheria di Cesena possibile visitare

la mostra di pittura organizzata dallAssociazione Il Disegno. Questa associazione

impegnata nel coinvolgere persone, differentemente abili dal punto di vista

mentale, in attivit artistiche con scopi soprattutto terapeutici oltre che sociali. E

in mostra, in aggiunta, anche lavori dei cosiddetti abili mentali (AM) . La mostra

tratta di figurazioni, le pi varie, realizzate secondo il tema Il volto della madre lo

sguardo di Maria. Un tema a sfondo religioso quindi. Non mi soffermer, come al

solito, riflettendo sulle opere dal punto di vista di una analisi critica, ma, questa

volta, desidero sottolineare il tipo di linguaggio che i non abili (NA) o

diversamente abili (DA) hanno usato per interpretare il tema. Si trattasostanzialmente del linguaggio espressionista, molto vicino, per molti aspetti, agli

espressionisti tedeschi (Vasily Kandinsky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, Edvard

Munch, Emil Nolde, Egon Schiele ) e allarte di Basquiet, il graffitaro americano.

Questa somiglianza di linguaggio, tra lespressionismo citato e il linguaggio

espresso da questi artisti atipici, presenti in mostra, nota come Arte

irregolaretra i molti studiosi del settore, presenta spunti di riflessione che non

andrebbero tralasciati. Senza voler affrontare una disquisizione inerente la salute

mentale e larte in genere, desta curiosit come larte degli NA sia

prevalentemente basata, appunto, sul linguaggio espressionista, che conosciamo

essere il linguaggio della denuncia sociale, del malessere emotivo ( Munch), della

fantasia angosciosa e angosciante (Chagal) e dellastrazione-rifugio (Ligabue)ecc.

un linguaggio non mediato n dalla razionalit compositiva n dalla pretesa

concettuale. Diremmo che lespressionismo il linguaggio dellemozione non

mediata dalla ragione: dipingo direttamente quello che mi salt a in mente! Se cos

allora, dovremmo dire, con concetti generalizzanti, che larte nei NA fluisce

attraverso canali che al pari degli AM bypassa la razionalit. Se cos fosse, questo

porterebbe al concetto che lespressionismo una manifestazione artistica

supernaturale: mette in collegamento lIO di chi esegue lopera con il mondo

esterno in modo diretto, non mediato e non condizionato da eventi intellettuali.

Se avrete modo di visitare la mostra, chiedetevi che differenza pu passare tra Il

Grido di Munch e limmagine dal titolo Madonna eseguita da Carlo Mazzotti. I

due dipinti sembrano accomunati dallo stesso disagio o angoscia intima. Ma

dobbiamo fare queste riflessioni senza tener conto del fatto che sono certificate le


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abilit mentali. Altrimenti, dovremmo supporre che Munch fosse non troppo in

equilibrio con la propria mente. E anche vero, inoltre, che larte permette il fruire

salutare di pulsioni profonde che nelle persone AM e qui dobbiamo essere

sinceri con noi stessi son tenute a freno dal senso estetico che si vuole dare alla

produzione artistica. Probabilmente lapparente mancanza di un giudizioestetico, condizionato dagli ambienti artistici, dalle mode, che nel NA o DA lascia

fruire nella sua totalit espressiva lio, mentre la sua presenza negli AM ne

impedisce la massima libert espressiva. Se cos fosse, ci sarebbe la conferma che

lespressionismo sia lunico linguaggio artistico connaturale al linguaggio libero

dellio o dellanimo.

Queste riflessioni inducono alla conferma che il linguaggio artistico, negli AM,

prevalentemente non altro che il linguaggio della mente storica dellartista, della

mente culturale del mondo sociale che si agita nellartista e quindi non che unasovrastruttura, in cui le abilit tecniche (quando ci sono) e le furbizie concettuali (

ce ne sono molte) vanno per la maggiore. Allespressionismo invece affidato il

linguaggio dellanima, delle pulsioni, delle emozioni dandoci limpressione di

essere il solo veicolo istintivo dellespressione intima dellartista. Dal punto di

vista artistico mi sento di dire, in conclusione, che coloro che sono NA o DA sono

persone normali, dal punto di vista artistico, perch sanno esprimere

naturalmente e direttamente il proprio io.

Un plauso agli organizzatori eallassociazione Il Disegno per

larricchimento culturale che hanno dato

alla citt.

21 SETTEMBRE 2009

Carlo Mazzotti Madonna


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SULLA MOSTRA A CASTEL SISMONDO, RIMINI

Da Rembrandt a Gauguin a Picasso

La bellezza salver il mondo, un aforisma dostoievskijano ormai divenuto

insopportabile a sentirsi, poich sembra aver dato modo a molti di trovare una

nuova via per giustificare le proprie opinioni e i propri punti di vista, autorevoli o

meno, in rapporto allArte, alla Pittura. Una frase decontestualizzata, come quella

citata, non pu che essere fuorviante, specialmente se parliamo di Arte, dove il

gusto personale contraddice, il pi delle volte, il concetto del bello. Certo che

se dovessi misurare con questo metro un elemento di salvezza per il mondo,

basandomi sullopera di Pieter Saenredam Interno della Chiesa di Saint

Odulphus del 1655 ed esposta in Castel Sismondo, verrebbe da dire che la data

del 2012, da pi parti evocata ed interpretata come la fine di un sistema o delmondo stesso, sia, purtroppo

veritiera: la tal opera, appare

evidentissimo, appartiene ad un

pittore dilettante quanto scarso

a conoscenze prospettiche, per

gli errori madornali presenti e

per la mancanza di studio sulla

luce negli interni. Ma questo

testimonia come la passione

della pittura non ha et: ieri

come oggi, di dilettanti allo

sbaraglio ne abbiamo avuto

moltissimi e ancora ne

abbiamo; chiss, se al pari di

Pieter li vedremo fra duecento

anni in qualche museo ( la

possibilit rimane concreta

visto gli andazzi della critica e

del mercato. Specialmente in

Italia). Quello di Pieter, fortunatamente, lunico caso di approssimazione

artistica presente negli spazi espositivi. E il bello di oggi non era certo il bello di

ieri se ci riferiamo alle contestazioni fatte nei riguardi degli impressionisti.

Venendo al concreto, la mostra ha un suo primo fascino nelloccasione di vedere


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opere che altrimenti sarebbero state inaccessibili se non pagando un biglietto di

aereo per raggiungere Boston, la citt da cui provengono, e poi perch d la

possibilit di verificare direttamente ci che lArte, vale a dire linguaggio.

LArte linguaggio e non contenuto: le sezioni della mostra come il sentimento

religioso, lintimit del ritratto, la nobilt del ritratto ecc. restituiscono allospettatore molti contenuti assimilabili, iconograficamente, tra loro, quello che li

rende interessanti il linguaggio che fu usato per esprimerli: dal XVI secolo fino al

XX molto stato dipinto, secondo le contestualizzazioni storiche in cui sono stati

creati i contenuti, e laccostamento di pezzi di grande prestigio ( non

dimentichiamo che labilit esecutiva anche se appare secondaria allaffermazione

fatta sullArte, rimane sempre indispensabile per giungere al sublime senso

estetico del manufatto) laccostamento, dicevamo, evidenzia il lento quanto

progressivo cambiamento di linguaggio pittorico, dando il senso del tempo che

avanza e con esso i cambiamenti culturali collegati. Un esempio clamoroso, a mio

avviso, dato da Edgard Degas nei ritratti di Edmondo e Teresa Morbilli del

1865. Conosciamo Degas per impressionista, anche se indipendente, ma la sua

formazione neoclassicista, formatasi allombra di Ingres, in questopera stenta

ancora a lasciar spazio alla libera pennellata del linguaggio impressionista: la mano

in primo piano di Edmondo Morbilli eseguita, pittoricamente, con quella ritmica

realista del neoclassicismo, mentre il volto appare pi disposto a concedere spazio

alla lezione impressionista che sta facendosi lentamente strada. Ed questa

contraddizione semantica che fa dellArte un linguaggio. Il confronto tra i ritratti

dei coniugi Elison di Rembrandt (1634) con quello di Emile Bernard La nonna

dellArtista (1887) ci d il senso di quello che affermiamo in maniera molto

concreta. Molto potremmo dire ma ci dilungheremmo troppo rispetto alla

riflessione che non vorrebbe distaccarsi dal concetto e dallinvito che facciamo a

vedere questi capolavori di linguaggio, di ricerca e di capacit esecutiva dal

punto di vista dellArte come linguaggio. Se visti in questa ottica allora potremmo

comprendere meglio lo spessore culturale dellaltra mostra, sempre nel medesimo

contesto logistico, della Pittura Italia. Paesaggi veri e dellanima. A proposito diquesta ultima mostra, ci pare azzardato quanto affermato in un piccolo

cataloghino preso nel Museo della Citt di Rimini, secondo cui (questa) seconda

mostra che intende riflettere, attraverso le oltre settanta opere esposte, sul senso

della pittura di paesaggio oggi in Italia; evidente la forzatura e lindicazione

fuorviante che viene data se consideriamo che tra Cesena, Rimini, Ravenna e Forl ,

tra professionisti e dilettanti pi o meno bravi, ci saranno almeno 1500 pittori


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allopera. La riflessione appare impossibile nella nostra contemporaneit.

Soprattutto per la grande eterogeneit di linguaggi, che appaiono pi o meno

efficaci se non addirittura, spesso, banali. Questa seconda mostra una forzatura

con altri obiettivi, a parer mio.

Unultima curiosit: chiss cosa avr fatto perdere la pazienza a Rembrandt,

quando dipingeva il ritratto del reverendo Elison, se per interpretare lo scritto del

libro aperto us eseguire segnacci ( di un impressionismo ante-litteram) malfatti e

che non possono essere giustificati n dalle dimensioni del quadro n dalla cura

del particolare tipica di questo Pittore?

11 Ottobre 2009


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SU PIAZZA DEL POPOLO, CESENA

Non ho potuto partecipare al recente incontro pubblico tra lamministrazione e i

commercianti cesenati, che ebbe come oggetto le riflessioni e le proposte

eventuali per una rinascita della piazza e di Cesena al di fuori degli orari

commerciali. Ma a darmi lo spunto, per qualche riflessione in merito, stato il sig

Macori (Pdl) che sembrerebbe sia in totale disaccordo con Preger (ex sindaco) il

quale non ci sta a riempire gli spazi sotto il portico di palazzo Albornoz con

ristorantini, bar qualche vetrina di prodotti tipici locali. Colgo quindi la

speranza dello stesso Macori, sul fare riflessioni approfondite su questo

tema,,, per dare il mio contributo. Inizio col rammentare che dal 29 settembre al

2 ottobre 2005 si tenne a Cesena una mostra che port alla luce il volume Cesena

2010, mediante il quale si parlava dei lavori fatti per riqualificare il comprensorio

e la citt di Cesena, chiedendosi come sar la Cesena del futuro; per il 50 esimo

anno del Rotary club, invece, furono chiamati i cittadini di Cesena ( miracolo) a

dare il proprio contributo per rendere questa citt, il centro storico, maggiormente

accogliente. Le idee migliori vennero rese pubbliche mediante il volume che il

Rotary dette alle stampe. Ebbene, per farla breve, le migliori int enzioni

sottolineavano come gli aspetti viari, commerciali e culturali, dovessero

amalgamarsi, in misura differente a seconda del luogo, per sfociare in un unico e

comune obiettivo: lospitalit di un centro storico rinnovato. Le idee, ricordo a

Macori ci sono, e tante, ma lerrore che di solito si compie quello di buttare tuttonel dimenticatoio, rivolgendosi ogni volta che c da rilanciare un pezzo di citt, al

solito ritornello che termina con i tarallucci e vino. Ricordate cosa venne

proposto per rendere maggiormente visitabile la rocca? Un ristorante al suo

interno! Un antico vizio e una facile scorciatoia. No, cos non pu continuare:

luomo non soltanto un sistema digestivo ma anche un sistema emotivo e

psichico, un sistema a cui un po di cultura non farebbe male. Ma la cultura a chi

giova? Alla Confesercenti che vorrebbe un parcheggio sotto la Piazza della Libert

sacrificando la memoria storica di questa citt? Abbiamo gi distrutto la DomusRomana di piazza Fabbri per farne un contenitore di auto. Forse chi ha a cuore il

commercio cesenate dovrebbe prendere ad esempio anche Rimini che con la

Domus del chirurgo ha catalizzato lattenzione di mezza Europa con grande

beneficio dei commercianti del centro storico. Cultura quindi. E lora di quella

cultura che possa riappropriarsi di spazi urbani tali da richiamare turismo, che di

pub, ristoranti e taverne ne abbiamo abbastanza. Ma ci vuole coraggio. Parlare di


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aggregazione, inoltre, un riempitivo dialettico e ormai anacronistico, poich

questo bisogno luomo lo sente quando giovane non certo quando ha 60 o 70

anni; i giovani, poi, non vanno in piazza per aggregarsi o socializzare succedeva

negli anni 60 del 900 - se ne vanno nei pub e nelle discoteche di cui il territorio

strapieno. La cultura vuole scelte coraggiose, ma questa amministrazione ingrado di farle liberamente, visto che sacrifica la memoria storica? Vedi le fornaci

romane su cui sorto il Cubo, vedi il fatto del Canale dei Mulini presso il Lugaresi,

vedi la necropoli al Sacro Cuore. Ma facciamo un esempio, la Piazza del Popolo (

quando, mi chiedo, avverr quel momento che venga restituita al suo signore

chiamandola Piazza Malatesta Novello? Basta con la prosopopea risorgimentale

che ha appiattito lItalia, con i centinaia di Corsi Garibaldi, Mazzini e Piazze del

Popolo ecc. ) Piazza del Popolo dicevo, perch non si ha il coraggio di ricostituirne

il suo quarto lato per ospitare ambienti per larte contemporanea, meeting ecc.?

Larte uno di quei motori che sposta le masse curiose e amanti della creativit. E

un esempio che richiede coraggio. La piazza, antico luogo nato per gli scambi

commerciali e per le feste, quando si abbassano le saracinesce dei negozi potrebbe

diventare luogo di discussione e di incontro solo se si ha il coraggio di trovare

soluzioni allinterno della Cultura, nuovi motori della viabilit interna che

possano fornire

gli strumenti per

un nuovo

rinascimento

della citt di

Cesena, citt

commerciale,

universitaria e

di cultura. Il

resto viene da se.

24 Ottobre 2009


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SU EMILIO TADINI

Una interessante mostra pittorica incentrata sulla produzione di Emilo Tadini in

corso a Cesena presso la Galleria LImmagine, uno dei rari motori culturali della

citt che, nel deserto domenicale, giustifica lo spostarsi. Come stile espositivo la

Galleria, diretta dalla signora Melandri, ama dedicare periodicamente le sue

esposizioni ai moderni autori della pittura nazionale e internazionale, come

Alinari, come Licata e Tofanelli, riconosciuti protagonisti della costruzione della

futura Storia della Pittura italiana. Questa la volta di Emilio Tadini, uomo di

cultura prima che pittore, nato nel 27 del 900 e quindi ha potuto godere, per la

sua formazione, dei periodi doro della pittura italiana non ancora contaminati dal

pressappochismo e da quel mercato opprimente e fuorviante che contraddistinguei nostri giorni. La sua attivit nasce da un amore per la Pop Arte inglese, quella

scaturita dalla mano di Richard Hamilton e Lawrence Halloway. Sono gli anni 50

del secolo scorso che prepararono linghilterra a uscire dal grigiore vittoriano per

esplodere con Mary Quant, la minigonna e i Beatles. Una nazione che in quegli

anni ebbe il suo boom moderno

tanto da farla diventare meta

sospirata degli adolescenti di mezza

Europa di allora. Ma la Pop Art,

grazie a Halloway sbarc in America,

ancora indaffarata con il dadaismo

di Jasper John ( The broom and the

cup) e di Roy Liechtestein il quale

divenne un assertore della Pop Art

americana assieme a Andy Warhol:

saranno poi le confezioni delle

minestre in scatola di Campbell di

Warhol o i fumetti assunti alla

dignit della pittura di Liechtestein

a tracciare le linee guida per Tadini,

il quale, metabolizzando la lezione

allinterno del crogiuolo della geniale arte italica, si c re un suo percorso

personale in cui il minimalismo espressivo ( non a caso una sua opera dedicata a

Malevic ) e il design divennero il suo personale linguaggio espressivo.


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Allinizio abbiamo accennato a Tadini come uomo di cultura prima che pittore

non a caso. Occorre infatti tener conto che il bagaglio culturale di questo artista,

laureato in lettere, scrittore e critico darte, non poteva rimanere distante dalla

sua attivit pittorica; prepotentemente e inevitabilmente entrato a far parte dei

contenuti e che con il tempo e la maturit ha assunto il compito di fornire quellaprofondit concettuale che fa della pittura di Tadini quasi un messaggo simbolico.

Parlando della sua pittura, spesso si fa riferimento alla fiaba, al mito, poich

appare evidente come le sue opere, soprattutto quelle dellultima produzione,

non appaiono come un mero esercizio pittorico, ma come elementi di ricerca che

hanno superato la grafica espressiva per addentrarsi nella poetica dei contenuti

dellanima. I suoi acquerelli, poi, sono leggere velature, delicati assemblaggi di

spezzoni cromatici che svelano e appena rivelano concetti che sono dentro lanimo

delluomo. Losservatore chiamato allesercizio della interpretazione dei

messaggi contenuti. Le opere, potremmo azzardare, potrebbero essere associate

alla poesia ungarettiana, secca, sintetica, quella del si sta come le foglie sugli

alberi dautunno, pochi accenni che sintetizzano la vastit di un mondo intero.

Lultimo Tadini, diremmo, lautore di un linguaggio che guarda lessenziale, senza

perdersi tra le retoriche e i conformismi autocelebranti. La mostra rimarr aperta

fino a met novembre.

24 Ottobre 2009


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SUL NUOVO SPAZIO ESPOSITIVO DI ALBERTO COSENTINO

Antonio Dal Muto - CRITICA D'ARTE - Volume Terzo

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Transcript of Antonio Dal Muto - CRITICA D'ARTE - Volume Terzo