Canova

«L'artista che fa rivivere

le sculture della Grecia antica»

Antonio

La vitaAntonio Canova, è il maggior artista italiano neoclassico edè anche l’ultimo grande artista italiano di livello europeo.

Nacque a Possano nel 1757 e iniziò a scolpire, fin dagiovanissimo, sotto la guida del nonno tagliapietre e delpadre scalpellino. Decisivo per la sua formazione fu iltrasferimento a Roma.Da allora il successo fu inarrestabile e il suo talento venneconteso dai regnanti di tutta Europa: lavorò per gliAsburgo, i Borbone, e a lungo per Napoleone.

Divenne il ritrattista ufficiale di Napoleone producendoper l’imperatore diversi ritratti, tra cui quello più famosorimane quello di Paolina Borghese, sorella dell’imperatore,semidistesa su un triclino, secondo una iconografiaclassica.

Rifiutò l’offerta dell’imperatore di trasferirsi a Corte,preferendo restare in Italia dove ottenne, nel ruolo didiplomatico, la restituzione di molte opere trafugate dallaFrancia al nostro Paese.

Morì a Venezia nel 1822.

L’ influenza dell'arte grecaIn tutta la sua carriera Canova ebbe come modello d’ispirazione l’arte greca, la sola dalui ritenuta capace di raggiungere ideali di purezza e armonia.

Ebbe il grande merito artistico, di far rivivere, nelle sue opere, l'antica bellezza egrazia delle statue greche. Sia nei temi, l’amore e l’eroismo, sia nella ricerca delleforme che rese con straordinaria abilità tecnica.

TECNICA SCULTOREA

Egli dal disegno (schizzo), passava al bozzetto in terracotta o, cruda, o in cera,materializzando subito la forma reale dell'opera.

La seconda fase era quella dedicata alla statua in argilla sopra la quale veniva colatoil gesso al quale poi sbozzavano il marmo.Questo trattamento rendeva l’incarnato delle sue opere molto realistico.

Canova era anche un grande lavoratore, capace di restare all'opera anche fino a 14ore al giorno senza sosta alcuna.

La classificazione delle opere La classificazione delle opere di Canova può essere effettuata ripartendo la sua produzione in due categorie principali: i monumenti funebri e le sculture con soggetti mitologici.

I monumenti funebri più celebri sono quelli:

• Per i papi Clemente XIII e Clemente XIV;• Per Maria Cristina d'Austria, figlia dell’imperatrice Maria Teresa d'Austria

Le opere con carattere mitologico sono:

• Ercole e Lica;• Teseo sul Minotauro;• Adone e Venere;• Amore e psiche;• Tre grazie.

Monumenti funebre di

Clemente XIV

Di personalità molto amabile e caritatevole Clemente XIII interpretò il suo compito

mostrandosi come un «buon pastore» caritevole. Questo sepolcro è stato concepito dallo

scultore secondo il classico schema a tre piani sovrapposti.

Monumenti funebre di Clemente XIII

Clemente XIV, Papa dalla personalità volitiva e portata alla gestione del potere, viene, infatti, rappresentato da Canova assiso in trono, con il triregno in testa, e in atteggiamento severo. Il braccio destro proteso in avanti diviene

quindi simbolo della sua capacità di prendere ed imporre decisioni. Il monumento, come quello precedente, si svolge su tre livelli.

Monumenti funebre per Maria

Cristina d’Austria Nel monumento commissionatogli dal ducaAlberto di Sassonia-Teschen per ricordare laconsorte, Maria Cristina d’Austria, Canova variatutta la produzione di monumenti funebriprecedenti, perché per la prima volta c’è solo unmedaglione che presenta il suo profilo.

É composto sostanzialmente da una piramide,rappresentante il passaggio dalla vita terrenaall’aldilà, su cui è posta una porta buia, ossia lamorte, verso la quale si dirigono tre donne chetengono in mano ghirlande ed un’urna, un’altrache invece sorregge un cieco. Alla sinistra delmonumento troviamo un leone accovacciato,simbolo della Fortezza, su cui si poggia un genioalato che personifica la tenerezza dello sposo.Nella parte alta c’è un medaglione su cui èimpressa l’immagine della defunta, portata involo dalla Felicità celeste.

Ercole e LicaIl gruppo scultoreo di Ercole eLica, rappresenta Ercole che,impazzito per il dolore procuratoglidall’aver indossato una tunica intrisadal sangue velenoso del centauroNesso, scaglia nel mare il giovane eignaro Lica dal quale l’ha ricevuta.Capolavoro dello stile “eroico”di Canova, la scultura esprime unafortissima energia scaturita dallatorsione dell’eroe, colto nelmomento di massima tensionemuscolare, e culminata nel voltodisperato del giovane, che tentainvano di aggrapparsi all’altare persalvarsi dalla furia.

Teseo sul Minotauro

Canova, da artista neoclassico,cerca il momento della quiete e nondell’agitazione. E così preferiscesintetizzare la storia al momentodella vittoria di Teseo, quando latensione si è oramai sciolta e unprofondo senso di pace pervadel’eroe. Da un punto di vistastilistico il gruppo ha equilibri moltoclassici e anche le formeanatomiche di Teseo richiamanoquelle dell’antica Grecia.

Il gruppo scultoreo è una rappresentazione delmito di Teseo e si pone come una delle opere piùesemplari del concetto di arte neoclassica.

Adone e Venere Canova rappresenta l’ultimo intensosguardo fra due innamorati, quasiconsapevoli del loro triste e infelice

destino.

La relazione amorosa è una bellafavola che dà l’illusione di una pienafelicità, ma il dardo tenuto nella manodestra di Adone sarà il simbolo delladistruzione di questa illusoriasituazione idilliaca. L’io del giovanenon ascolta più le parole proferite daVenere, poiché è già proteso a udirele “nuove parole” del boscocircostante, che lo faranno sentireparte integrante della natura che loaccoglierà.

Amore e Psiche È un gruppo scultoreo realizzatoda Antonio Canova tra il 1788 e il 1793,esposto al Museo del Louvre a Parigi.

LA LEGGENDACanova si ispira alla leggenda narrata daApulelio nella quale, Psiche, mortale dallabellezza eguale a Venere, diventa sposadi Amore senza tuttavia conoscere primail marito, che le si presenta solonell'oscurità della notte.É costretta, delle invidiose sorelle aeffettuare una serie di prove prima dipotere ricongiungersi al suo divinoconsorte e ottenere l'immortalità.

Amore e Psiche ANALISI DELL’OPERAL'opera Amore e Psiche è uncapolavoro nella ricerca d'equilibrio,dove è rappresentata l'idea di Canovadel bello, ovvero sintesi di bellonaturale e di bello ideale, rispettandoi canoni estetici di Winckelmann.

Le due figure sono rappresentatenell'atto subito precedente il bacio, unmomento carico di tensione, sospeso inun tempo eternizzato.La scultura è realizzata in marmobianco, levigato e finemente tornito,sperimentando con successo il sensodella carne, che Canova mirava adottenere nelle proprie opere.

Le tre grazie LA LEGGENDA

Figlie del dio Zeus e della ninfa Eurinome, erano le dee della gioia del fascino e della bellezza. Si chiamavano Aglaia ("splendente"), Eufrosine ("gioia") e Talia ("portatrice di fiori"). Le grazie presiedevano ai banchetti, alle danze e

ad altri piacevoli eventi sociali, e diffondevano gioia e amicizia tra dei e

mortali. Spesso accompagnavano Afrodite ed Eros, le divinità dell'amore,

e assieme alle muse cantavano e ballavano per gli dei sul monte Olimpo al

suono della lira del dio Apollo.

Esse donavano ad artisti e poeti, la capacità di creare bellissime opere

d'arte.

Le tre grazie ANALISI DELL’OPERALe giovani sorelle sono rappresentate inun cerchio reale di abbracci e di sguardiche coinvolge lo spettatore: nessunadelle tre protagoniste volge le spalle achi le osserva. Gli incroci di braccia egambe contribuiscono a creare un sensodi movimento leggero e impercettibile. Ivolti delle fanciulle sono quasi privi diespressione, nel tentativo di riprodurreun’ideale di bellezza frutto dellasublimazione delle espressioni terrene,una bellezza serenatrice, l’unica in gradodi divenire eterna. Concetti, questi, cheavvicinano Canova all’opera del poeta UgoFoscolo che spesso nei suoi componimentiletterari si ispirò allo scultore, fino adedicargli il poema omonimo delle Grazie.

Le tre grazieDurante i secoli

L’ARTE GRECO-ROMANALe prime raffigurazioni delle tre Grazie, dunque, risalgono alla civiltà greca.Troviamo le tre donne, totalmente nude e disposte in modo che quellacentrale sia vista da dietro e le altre la affiancano con posture simmetriche.Le tre fanciulle hanno tutte la classica posizione definita “chiasmo”: il corpoassume un andamento ad S dato dall’inclinazione del bacino dovuta al pesopoggiato su una gamba che viene bilanciata da un’opposta inclinazione dellespalle.

Le tre grazieDurante i secoli

NEL RINASCIMENTONel Rinascimento che le leggiadre fanciulletornano alla ribalta, dopo il Medioevo, inprimis con l’indimenticabile interpretazionedi Sandro Botticelli.Nella sua celebre “Primavera” le tredonne, a differenza della tradizioneclassica, danzano una carola tenendosi permano e lasciando svolazzare i leggeriveli che le rivestono.

Le altre opere del Rinascimento,riprendono il modello antico come peresempio l’opera di Francesco del Cossa ola famosissima tavoletta di Raffaello,dove le tre donne sono disposte in manieratradizionale, sono stanti, nude e tengonoi pomi delle Esperidi (simbolo diimmortalità) in mano.

Le tre grazieDurante i secoli

IL MANIERISMOIn Germania Lucas Cranach il vecchio si dedicava alle tre Graziedipingendone tre differenti versioni. Le donne appaiono in unaambientazione indefinita e presentano un posizionamento nuovo: quellaa sinistra è di schiena, quella al centro è di fronte mentre la figurapiù a destra è di profilo.

Le tre grazieDurante i secoli

NEL SEICENTOIn Italia si trovano alcuni dipinti delle tre Grazie. Si tratta di operenelle quali le donne assumono posizioni molto libere, una o più sonopersino sedute e spesso il corpo subisce delle torsioni che lo rendonoparticolarmente dinamico.

Le tre grazieDurante i secoli

IL NEOCLASSICISMOSculture memorabili sono realizzate in questo periodo da AntonioCanova, James Pradier e Bertel Thorvaldsen. Tornano le pose classicheanche se con interessanti varianti: Canova e Pradier dispongono le fanciulle inmodo che non ce ne sia nessuna rivolta con la schiena all’osservatore e tuttee tre si abbraccino strette quasi a diventare una cosa sola.

Le tre grazieDurante i secoli

PICASSOAmante dei “d’apres”,reinterpretazioni diopere della tradizionepittorica europea, hadato ilsuo contributo alla lungastoria delle tre Grazie.Si tratta di uncontributomolto variegato quantoa linguaggio e stile,com’è proprio di tutta laproduzione dell’artistaspagnolo.

Le tre grazieDurante i secoli

I PIÙ RECENTIIl siciliano Salvatore

Fiume nelle sue opere si ispira alle donne di Rubens, i manichini di Di Chirico e le figure scomposte di Picasso.

Le versioni più originali, comunque, sono quelle di due scultrici: la

francese Niki De Saint Phalle con le sue giunoniche Grazie rivestire di mosaico

e l’israeliana DoritLevinstein con le sue

filiformi creature colorate.

Grazie per la cortese attenzione…

Alessia CiaccoClasse IV A

Anno Scolastico 2014/2015