MICHELANGELO MERISI CARAVAGGIO Frankgattobug.it/dispense/classe4/caravaggio.pdf · 2016. 9. 23. ·...

MICHELANGELO MERISI

CARAVAGGIO

1571-1610

… Nella Vocazione di santa Maria del Popolo, tutta occupata

dal grande cavallo bagnato di luna, e questi spostamenti,

questi close-up fanno sì che non si vedano più queste figure

come momenti di una storia, ma come esseri concreti, pronti

a uscire dai quadri per riprendere dei luoghi che saranno, al

tempo stesso, dell’esistenza sulla terra e della trascendenza

di cui sono dotate ai nostri occhi le figure intense dei grandi

artisti .

C’è qualcosa nello stile di Caravaggio che suggerisce

sempre questi «fuori dal quadro», e nella stessa notte

ambigua, insieme deprimente ed esaltante, che il suo

chiaroscuro propone alla nostra attenzione.

Yves Bonnefoy 1988-1989

Michelangelo Merisi, detto Caravaggio, nasce a Caravaggio, (ma forse

a Milano), il 29 Settembre 1571.

L’evidente talento per l’arte figurativa, convince la famiglia a mandarlo a

Milano presso la bottega del pittore, già allievo del Tiziano, Simone

Peterzano, dove a soli 13 anni inizia l’apprendistato, imparando le

tecniche del Realismo Lombardo e del Rinascimento Veneto.

Nonostante la giovane età, manifesta da subito il carattere forte e

violento che caratterizzerà le vicende della sua vita.

Tiziano Vecellio

Pieve di Cadore

1480/1485

Venezia

27 agosto 1576

Artista innovatore e

poliedrico, fu uno dei

pochi pittori italiani

titolari di una vera e

propria azienda,

capace di gestirla da

accorto imprenditore.

Simone Peterzano

Bergamo 1540

Milano 1596

Attivo nell’età della

controriforma fu

uno degli esponenti

del tardo

manierismo

lombardo.

Finito l'apprendistato, Caravaggio si trasferisce a Venezia per studiare

da vicino i grandi Maestri Veneti, Giorgione, Tiziano e Tintoretto.

A vent'anni si sposta a Roma dove accetta la commessa di quadri

rappresentanti, secondo il gusto dell'epoca, fiori o frutta.

Giorgione

pseudonimo di

Giorgio Barbarella

o

Zorzi da Castelfranco

Castelfranco Veneto 1478 circa

Venezia 1510

Jacopo Robusti

noto come

il Tintoretto

Venezia 29 aprile 1519

Venezia 31 maggio 1594

Tiziano Vecellio

Pieve di Cadore

1480/1485

Venezia

27 agosto 1576

Finito l'apprendistato, Caravaggio si trasferisce nuovamente a Venezia

per studiare.

I nuovi introiti gli permettono di dedicarsi allo sviluppo della sua tecnica

e del suo repertorio.

Sono di questo periodo i ritratti di giovani presi dalla strada, messi in

posa, accompagnati da cesti di frutta, calici e oggetti di vetro.

Alcuni biografi del tempo insinuano che il viaggio a Roma fosse in

effetti una fuga per sottrarsi alla giustizia veneta dopo un omicidio

commesso dal giovane pittore, come quello intrapreso a Venezia, per

eludere le denunce accusate dopo gli episodi di violenza a Milano.

Durante i primi anni di permanenza a Roma, Caravaggio, passa di

bottega in bottega. I suoi maestri sono Lorenzo il Siciliano,

Antiveduto Grammatica, Giuseppe Cesari detto il Cavalier

d'Arpino.

Presto però, decide di mettersi in proprio per via dei continui attriti con

loro, causati dalla sua condotta di vita piuttosto sregolata, che lo

portava spesso ad essere citato nelle denunce per fatti di violenza che

scoppiavano nei quartieri più turbolenti di Roma.

Contrariamente alla pratica comune degli artisti contemporanei Caravaggio

perfeziona la rappresentazione degli oggetti così come sono in realtà.

Nonostante il mito dell'artista bohemien che trae ispirazione dalla vita di strada e

dai fatti di sangue e di malaffare a cui è abituato, Caravaggio trova il suo primo

protettore nel cardinal Francesco Maria Del Monte che, incantato dalla sua

pittura, acquista alcuni dei suoi quadri, lo prende a servizio trattandolo da amico,

inserendolo in un ambiente culturale stimolante.

La foglia secca, la mela bacata, la frutta

è dipinta senza cercare di abbellire o

modificare colori ed aspetti peculiari o

contingenti della natura.

In questo periodo il pittore passa alla raffigurazione delle persone e

dipinge capolavori quali "Testa di Medusa", "San Giovanni Battista",

"L'amore vittorioso", "Giuditta e Oloferne".

Con la "Vocazione di San Matteo" ha inizio la trama stilistica del

Caravaggio, espressa nel rapporto luce-ombra, che poi si svilupperà nelle

opere successive.

Il taglio della luce conduce l'occhio dello spettatore ad osservare il centro

focale dell’azione, per soffermarsi successivamente sulle figure essenziali

del racconto.

Caravaggio

Vocazione di San Matteo

1598 - 1601

Olio su tela m. 3,22 x 3,40

Roma Chiesa di San Luigi dei Francesi

Ma il carattere rissoso e violento del Caravaggio

lo porta fatalmente a commettere un omicidio.

Durante una partita di pallacorda il 29 maggio

1606 scoppia una rissa.

Il pittore viene ferito, ma il suo rivale, tale

Ranuccio Tommasoni muore per le ferite

riportate.

Il tribunale romano lo condanna alla

decapitazione, ma Caravaggio riesce a fuggire

scappando alla volta di Napoli.

La vicenda tuttavia colpisce profondamente

l’artista.

Ne resta turbato a tal punto che nei successivi

dipinti compaiono ossessivamente personaggi

giustiziati con la testa mozzata e il volto del

condannato è solitamente il suo autoritratto.

Michelangelo Merisi - Caravaggio

Davide con la testa di Golia

1605-1606 o 1610

Olio su tela 125x101

Roma Galleria Borghese

dettaglio

Un delitto al Giorno di Riva&Viganò L’omicidio di Ranuccio Tommasoni

Data: 29 maggio 1606

Ora: tra le 19 e le 22

Luogo: Campo Marzio, Roma (Stato Pontificio)

Vittima: Ranuccio Tommasoni da Terni, nobiluomo

Causa del decesso: una ferita di arma da taglio

Arma: spada

Testimoni oculari: Antonio Bolognese, capitano, ferito durante la rissa; Onorio

Longhi, pittore, e altre quattro persone non identificate

Sospetti: Michelangelo Merisi da Caravaggio, di anni 33, pittore, Accademico di

S.Luca, pregiudicato per aggressione, diffamazione e oltraggio agli sbirri

Movente: un fallo contestato al gioco della pallacorda

Colpevole: Michelangelo Merisi da Caravaggio. Fuggito da Roma, viene colpito

con bando di condanna capitale in contumacia. Nel luglio 1610 viene fermato sulla

spiaggia di Porto Ercole, durante il viaggio di ritorno a Roma. Liberato dopo due

giorni, si dice che sia morto di malattia e di stenti sulla stessa spiaggia di Porto

Ercole. Nel frattempo la Curia Romana ha rivisto il suo caso e, optando per

l’omicidio casuale, gli ha concesso la grazia.

Caso: chiuso

Eppure quel Ranuccio, quel Ranuccio da Terni sembrava davvero non sapere chi avesse

di fronte, quella sera.

Non sapeva forse che di lui si diceva che a Milano, poco più che bambino, avesse ucciso

per una bravata un suo compagno di giochi, e che per questo fu rigettato dalla famiglia,

se ne venne a Roma a tentare la fortuna come pittore?

Non sapeva delle querele continue, e delle risse, e della gente che cambiava via come lo

vedeva passare in istrada?

E allora, perché prendersela tanto! Perché tirar tanto la corda, per un semplice fallo!

Perché scaldarsi per soli 10 scudi vinti al gioco, quando la sua famiglia poteva

comperarsi per intiero il campo della pallacorda, e anche il Palazzo dell’ambasciatore di

Toscana, che lo delimitava?

Si dice l’onore, e sia: ma con quel figuro, con quel figuro sempre intabarrato in nero, che

col suo caratteraccio metteva in soggezione persino duchi e cardinali, perché non tirar

via?

Fatto sta che, come recitarono gli Avvisi il giorno successivo, «la suddetta sera di

domenica successe davvero una questione assai notabile, di 4 per banda, capo di una,

tal Ranuccio da Terni, che vi restò morto subito dopo lungo contrasto, et dell’altra

Michelagnolo da Caravaggio, pittore di qualche fama ai nostri giorni, che vogliono sia

rimasto derito, ma però non si trova dove sia».

«Caduto a terra Ranuccio», racconterà più tardi il Baglione, «Michelagnolo gli tirò una

punta, e nel pesce della coscia feritolo, il diede a morte»

Op.cit. http://www.gialli.it/lomicidio-di-ranuccio-tommasoni

Un delitto al Giorno di Riva&Viganò Baldini&Castoldi Ed. pagine 290/291

Caravaggio vive tra il 1606 e il 1607 nella città di Napoli, lavorando a "Le

sette opere di Misericordia", conservata al Pio Monte di Misericordia e

"La flagellazione di Cristo", conservata al Museo di Capodimonte.


Flagellazione di Cristo 1607


Napoli Museo di Capodimonte

Le sette opere di misericordia

corporale

Dar da mangiare agli affamati

Dar da bere agli assetati

Vestire gli ignudi

Alloggiare i pellegrini

Visitare gli infermi

Visitare i carcerati

Seppellire i morti

Le sette opere di misericordia spirituale

Consigliare i dubbiosi

Insegnare agli ignoranti

Ammonire i peccatori

Consolare gli afflitti

Perdonare le offese

Sopportare pazientemente le

persone moleste

Pregare Dio per i vivi e

per i morti Michelangelo Merisi - Caravaggio

Sette opere di misericordia – 1607-1607


Napoli Pio Monte della Misericordia

Caravaggio in fuga arrivò a Malta presumibilmente nel 1606 – 1607 dove trovò

asilo presso i cavalieri della Croce di Malta e forse provò a ottenere la grazia da

Alof De Vignacourt, Gran Maestro dell’Ordine all’epoca.

Non si hanno notizie certe del perdono ottenuto, ma si sa che Caravaggio divenne

invece Cavaliere dell’Ordine.

Arrestato per un duro litigio con un Cavaliere di Malta di rango superiore e resa

pubblica la condanna a morte che pende su di lui, Caravaggio viene rinchiuso nel

carcere di Sant'Angelo a La Valletta, da dove riesce però ad evadere.

Nel frattempo i Cavalieri di Malta espellono Caravaggio dall'Ordine con disonore:

«Come membro fetido e putrido».

A Siracusa dove si rifugia, il pittore dipinge il "Seppellimento di Santa Lucia ".

Anche in questo caso, come nelle successive opere realizzate a Messina: "La

resurrezione di Lazzaro" e "l'Adorazione dei pastori", si conferma la sua

tendenza ad utilizzare tele di grandi dimensioni, lasciando significativi spazi vuoti.


Adorazione dei pastori–1609


Messina Museo Regionale


Seppellimento di santa Lucia

1608-1609 c.a


Siracusa Museo Nazionale

di palazzo Bellomo


Resurrezione di Lazzaro – 1608-1609


Messina Museo regionale

Nel 1609 Caravaggio è di nuovo a Napoli dove a seguito di un ennesimo litigio

viene ferito gravemente.

Qui, perseguitato e angosciato dalla visione della propria decapitazione, esegue

opere come «Davide che mostra la testa mozzata di Golia» e «Salomè con la

testa del Battista».


Salomè con la testa del Battista – 1609 c.a


Madrid Palazzo reale



1605-1606 o 1610



Nel 1610, sulla spiaggia di Porto Ercole, dove era in attesa di rientrare a Roma per

ricevere la grazia, scambiato per qualcun'altro, viene arrestato e incarcerato per due

giorni, perdendo così tutti i suoi averi.

Il 18 agosto del 1610, sulla stessa spiaggia, dove era tornato per recuperare le sue

cose, Caravaggio muore non ancora trentanovenne di " febbre maligna", come

viene scritto nella ricostruzione storica accreditata per lungo tempo da Giovan

Pietro Bellori.

Giovan Pietro Bellori

Roma, 15 gennaio 1613 – Roma,

19 febbraio 1696) scrittore italiano.

Conosciuto anche come Gian

Pietro Bellori o Giovan Pietro

Bellori, fu uno dei biografi più

importanti degli artisti del Barocco

Italiano nel XVII secolo.

Storico dell'arte viene considerato

da molti come l'equivalente di

epoca barocca di Giorgio Vasari.

"Caravaggio morì a Palo laziale" la scoperta del professor Pacelli

«… Tante bugie per coprire un delitto, ordito dai Cavalieri di Malta e avallato dalla Curia ''a

cui poteva far comodo eliminare un personaggio che metteva in discussione i principi della

fede dogmatica della Chiesa e trattava le sacre verità senza nessun ''decoro''.

Non manca qualche sospetto di complicità, per chi alla fine entrò in possesso di quelle tre

ultime tele: il vicerè di Napoli, il cardinale Scipione, e Costanza Sforza Colonna, l'ultima ad

ospitare l'acclamato e maledetto Caravaggio

Più logico pensare, conclude Pacelli, che il corpo del grande pittore sia stato fatto sparire

dai suoi assassini, quegli emissari dei Maltesi che già avevano cercato di farlo fuori a

Napoli.

"Forse, addirittura gettato in mare''.»

In: https://forum.termometropolitico.it/143084-e-se-caravaggio-fosse-stato-ucciso-dai-cavalieri-di-malta.html

"Caravaggio morì a Palo laziale" la scoperta del professor Pacelli - Roma - Repubblica.it

03 luglio 2015 - Aggiornato alle 13.17

https://forum.termometropolitico.it/143084-e-se-caravaggio-fosse-stato-ucciso-dai-cavalieri-di-malta.html






























Il ritrovamento dei resti

Caravaggio ebbe molte storie d'amore, ma nessun matrimonio o presunto figlio documentato.

Il 16 luglio 2010, a 400 anni dalla morte, e dopo oltre un anno di ricerche storiografiche e

analisi scheletrica, nonché confronti col DNA dei discendenti dei fratelli, gli unici parenti stretti

del pittore, di cognome Merisio di Caravaggio un'équipe di scienziati italiani confermò che le

ossa coperte di piombo e mercurio (usati in grande abbondanza dai pittori del '600 per

preparare i colori) trovate in quella che fu la fossa comune del cimitero di Porto Ercole, sono

all'85% quelle del grande artista.

Le ricerche furono coordinate da un pool di istituti coordinati dall'Università di Bologna, con il

supporto degli atenei dell'Aquila e del Salento e del centro ricerche ambientali di Ravenna. Al

risultato si è arrivati mettendo insieme gli esiti di indagini storiografiche e di biologia

scheletrica, nonché dell'uso di tecnologie per l'accertamento dei metalli pesanti nelle ossa, di

analisi dei sedimenti terrosi, della datazione con il metodo del carbonio-14 e, per finire, del

DNA.

Il 3 luglio 2010, dopo una settimana di permanenza nella città di Caravaggio, i resti ossei

furono riportati via mare a Porto Ercole e messi in mostra a Forte Stella, una fortificazione del

paese.

Il 19 luglio 2014 a Porto Ercole è stata terminata la Piazza del Caravaggio, in onore

dell'omonimo pittore che nel 1610, ormai braccato dai soldati e in fuga da tempo, vi trovò la

morte. La piazza è di interesse culturale; le ossa di Michelangelo Merisi sono rinchiuse in un

ossario posto su un piccolo altare. L'analisi del DNA ha stabilito con una minima possibilità

d'errore che i resti sono effettivamente del pittore.

In: https://it.wikipedia.org/wiki/Michelangelo_Merisi_da_Caravaggio


Bacchino malato - 1591

Olio su tela 66x52


Opera giovanile in cui si riconosce

spesso concordemente un patetico

autoritratto che ritrae il pittore

reduce da un ricovero in ospedale

per attacco di malaria.

L’interesse del pittore per le cose

naturali si riscontra nella

precisione esecutiva del grappolo

d’uva e nella corona d’edera che

cinge la fronte del dio.

L’edera a differenza

dell’iconografia tradizionale che

vorrebbe inghirlandato il dio Bacco

con i pampini, rappresenta qui il

simbolo di giovinezza eterna.


Canestra di frutta – 1597-1598

Olio su tela 46x64,5

Milano Pinacoteca Ambrosiana Per la prima volta un

soggetto dimesso, un

canestro di pochi frutti

viene elevato al rango

assoluto di protagonista.

La suggestione profonda

evocata dal pittore non

sarà più ritrovata

nemmeno all’estero.

Il baco che scava la

mela, suggerisce la

precisa nozione del

trascorrere del tempo,

che scava nel profondo

delle cose corrodendone

l’essenza.

Il contrasto fra floridezza e morte, fra vitalità e disfacimento sono sottilmente

alluse dalle pere, dai fichi e dai grappoli d’uva disposti ordinatamente.


Bacco – 1596-1597

Olio su tela 95x85

Firenze Galleria degli Uffizi

Il dipinto viene riscoperto in

modo rocambolesco,

maltrattato e in precarie

condizioni di conservazione

nei depositi degli Uffizi.

Rappresenta un punto fermo

della prima produzione

caravaggesca.

Sempre attento ai particolari

insinua ora una vaga aria di

ambiguità sotto le palpebre

pesanti e le labbra sensuali

del giovane Bacco che si sta

incamminando sulla strada

dell’ebrezza alcoolica.

Come per il Bacchino malato

si può supporre l’uso dello

specchio, per il gesto inusuale

di reggere il calice con la

mano sinistra.


Buona ventura – 1593-1594


Roma Pinacoteca Capitolina

La formazione e

l’apprendistato di

Caravaggio in terra

lombarda è evidente.

Il dipinto ritrae una scena

di vita quotidiana, dove

una giovane e graziosa

zingara, col pretesto di

leggere la mano a un

ingenuo giovanotto, ne

approfitta per sfilargli

l’anello.

La sorridente scena di

genere ebbe molto

successo, anche per il

significato morale

sottinteso.

Indagini scientifiche hanno messo in evidenza l’uso di una tela parzialmente usata in

precedenza e piena di ripensamenti.

L’abitudine di Caravaggio di lavorare senza un disegno preparatorio è qui evidente.


Riposo durante la fuga in Egitto – 1595-1596

Olio su tela 135,5x166,5

Roma Galleria Doria Pamphilij

Il dipinto segna l’apice del

periodo giovanile di

Caravaggio.

Il tema sacro viene affrontato in

modo complesso, adottando lo

stesso atteggiamento di

aderenza al vero e al naturale

che caratterizza i suoi dipinti

profani.

L’omaggio al realismo

lombardo si scorge nella

luminosità diffusa, nella

presenza del paesaggio,

nell’elegante angelo violinista

che rendono tutti assieme la

sensazione di un’atmosfera di

quiete agreste.

Maria che appoggia dolcemente la sua guancia sulla testa del bambino e

Giuseppe che regge lo spartito, contribuiscono a creare un ambiente intimo e

famigliare.


San Matteo e l’angelo – 1602

(Ispirazione di san Matteo)


Roma chiesa di san Luigi dei Francesi

La pala d’altare era destinata alla

Cappella Contarelli, la copia

attualmente esposta è la seconda

versione, perché la prima giudicata

dai committenti priva di «decoro» e

troppo realistica venne rifiutata.

La prima versione venne

successivamente acquistata dal

banchiere Vincenzo Giustiniani e

finì disgraziatamente bruciata

nell’incendio del museo di Berlino nel

1945.


San Matteo e l’angelo– 1600-1601


già Roma chiesa di san Luigi dei Francesi

Distrutta nell’incendio del Museo di Berlino nel 1945

… priva di «decoro»

e troppo realistica …

La Cappella Contarelli, venne acquistata nel 1565 dal cardinale Matteo Contarelli nome

italianizzato di Mathieu Cointrel.

La commissione del ciclo pittorico su san Matteo giunse a Caravaggio attraverso

l'interessamento del Cardinal Del Monte.

La cappella, ultima nella navata sinistra entrando nella chiesa romana di san Luigi dei

Francesi, è di modesta dimensione, sopra l'altare vi è L'ispirazione di San Matteo (1), sul lato

destro il Martirio di San Matteo (2) e su quello sinistro la Vocazione di san Matteo (3).

(3) (1) (2)


(Ispirazione di san Matteo) Nella versione attuale il rapporto fra san

Matteo e l’angelo che detta il vangelo è

intensissimo.

Gesti e sguardi sono corrisposti in un intreccio

fortemente diretto e suggestivo.

Il santo assume una posa disinvolta e il libro

che sporge dal bordo del tavolo è

annoverabile nel contesto delle

rappresentazioni illusionistiche.

L’angelo ora in volo sorretto dallo schiocco del

mantello, può dare le sue spiegazioni ab alto

ad un santo meno duro di cervice che nella

prima rappresentazione.

Forse un poco più sordo, visto che per sentire

meglio quello che deve trascrivere tende a

rizzarsi sullo sgabello, che piega sul bordo del

piano, sempre più pericolosamente

sbilanciato ad ogni attacco di frase, sino a

sbandare verso di noi.

La recensione è liberamente tratta da quella di Roberto Longhi

stesa nel 1968.



1598 - 1601



I personaggi sono tratti dalla vita quotidiana e rappresentati con abiti del tempo.

La luce, una luce direzionale e orientata che entra da una finestra fuori scena è

l'elemento che caratterizza l'intera opera.

Cristo che entra in scena seminascosto da san Pietro, aggiunto successivamente,

si rivolge perentoriamente a san Matteo seduto al tavolo di gabelliere.


1598 - 1601

La composizione procede

per gruppi fisicamente e

simbolicamente

contrapposti, basata su forti

contrasti di luce ed ombra.

Il gioco di pose contrapposte e di dettagli finissimi si sviluppa in tutta la

composizione, che comunica una forte tensione morale.

L’uso nuovo ed eloquente della luce, come le caratteristiche formali, origineranno

molti imitatori.

Così, il gruppo dei soldati impennacchiati che giocano a dadi, pur inserito in

contesti diversi, diventerà un tema molto apprezzato.

Vocazione di San Matteo 1598 – 1601

dettaglio


Martirio di san Matteo – 1599-1600


Roma Chiesa di san Luigi dei Francesi


Il Martirio di san Matteo è il frutto di

almeno tre successive elaborazioni.

La scena drammatica è affollata,

centrata sul santo ferito e sull’irruzione

del carnefice.

La sequenza di espressioni sono di

grande umanità e culminano

nell’immagine del chierichetto

terrorizzato che scappa urlando.

Caravaggio lascia qui il suo autoritratto, un viso dalla

corta barba, segnato dalla sofferenza, con capelli

scarmigliati, baffi spioventi e un’espressione tesa e

pensosa


Martirio di san Pietro – 1600-1601


Roma chiesa di santa Maria del Popolo

La prima versione del dipinto

che doveva assieme alla

«Caduta di san Paolo» ornare

la sua cappella, venne

rifiutata dal committente,

monsignor Tiberio Cerasi,

allora tesoriere del papa.

Caravaggio usa ormai la luce

per concentrare lo sguardo

dello spettatore su poche

figure: i veri protagonisti

dell’azione.


dettaglio

Lo spiccato senso di

umanità e di partecipazione

intensa si estende anche

alle figure degli aguzzini.

Essi non sono rappresentati

come persone che agiscono

in modo brutale e crudele,

ma piuttosto come uomini

semplici, costretti a un

lavoro faticoso.

Giubboni in tessuto spesso,

brache logore e lise, baveri

sgualciti, piedi fangosi,

pochi attrezzi, un badile,

pietre…


dettaglio

Il santo finito in croce ci guarda calmo e cosciente, quasi fosse un moderno eroe

laico.


Caduta di san Paolo – 1600-1601


Roma Chiesa di santa Maria del Popolo

La soluzione compositiva che

raffigura la vicenda è inedita.

La precedente versione, che

era del tutto differente, venne

rifiutata dalla committenza

monsignor Tiberio Cerasi.

A seguito di un ripensamento,

forse più attento al testo di san

Paolo, il pittore preferì una

redazione ridotta al numero

minimo indispensabile di

personaggi, dove la mole del

cavallo tende a dominare lo

spazio.


Conversione di san Paolo – 1600-1601

Olio su tavola di cipresso 237x189

Roma Collezione Balbi Odescalchi

Versione rifiutata dal committente

originario monsignor Tiberio Cerasi





L’episodio perde i connotati di

evento pubblico per tradursi in

una chiave intima di forte

intensità emotiva.

La libertà interpretativa tocca qui

uno dei massimi vertici.

La folgorazione di san Paolo

non si svolge lungo la via di

Damasco, ma all’interno di una

stalla semibuia, alla presenza

dello stalliere che emerge dalla

penombra e governa il

gigantesco cavallo.

La sensazione di silenzio e

solitudine sottolineano il fascino

della scena.


Morte della Vergine – 1605-1606


Parigi Musée du Louvre

Il dipinto, è contrassegnato dall’ennesimo

rifiuto da parte della committenza, i

canonici della chiesa romana di santa

Maria della Scala.

L’introduzione nelle rappresentazioni sacre

della quotidianità, nei suoi aspetti più umili

è intollerabile.

Il realismo poco ortodosso trasmesso dalla

Vergine non viene compreso dal clero,

come del resto il messaggio di

sconvolgente umanità di un cadavere di

una povera donna annegata, dalle gambe

gonfie, che aveva fatto da modello.

Il dipinto verrà acquistato

successivamente nel 1607 da Rubens per

280 scudi d’oro per conto dei Gonzaga.


La morte di Maria si trasforma in una

scena di compianto fortemente umana.

La disperazione del gruppo di uomini, degli

apostoli e di una fanciulla, la Maddalena, è

di forte impatto drammatico.

La tensione è altissima, sottolineata dalla

desolata povertà dell’ambiente, resa

solenne dal grande tendaggio rosso.

Lo spazio è retto dall’incrocio di piani e

dalla giustapposizione dei gruppi.

La luce mette in risalto solo ciò che serve,

facendo emergere dall’ombra i dolenti e il

volto della Madonna.


Decollazione di san Giovanni Battista – 1608


La Valletta Co-Cattedrale si san Giovanni - Oratorio



E’ il dipinto più grande

realizzato dal Caravaggio e

anche l’unico autografato.

La firma si legge vicino al fiotto

di sangue che esce dal collo del

battista.



La poetica caravaggesca sta evolvendo verso le ultime conseguenze.

Fuggiasco e sempre perseguitato dalla speranza di poter tornare un giorno a

Roma, ha abbandonato ormai del tutto l’uso dei colori vividi e il repertorio di dettagli

e particolari smaglianti della giovane età.

L’attenzione si concentra ora maggiormente sulla costruzione dello spazio.



Tutti i protagonisti sono raggruppati nella parte sinistra, mentre l’intera metà di

destra è occupata dal muro della prigione.

I galeotti curiosi che tentano di sporgersi dalle sbarre della cella, sottolineano

l’impressione della raggelante e spietata esecuzione compiuta come da manuale

alle prime luci dell’alba.



La giovane Salomè porge con impazienza il vassoio dove verrà messa la testa,

così come viene ordinato dal carceriere con un gesto eloquente.

La vecchia si esprime in un moto di orrore e pietà.

La corda legata ad un anello murato sulla destra, lascia intuire cosa sia accaduto

poco prima che il santo venisse trascinato a terra.





Le sette opere di misericordia corporale



Vestire gli ignudi




Seppellire i morti


Consigliare i dubbiosi

Insegnare agli ignoranti

Ammonire i peccatori

Consolare gli afflitti

Perdonare le offese

Sopportare pazientemente le persone moleste

Pregare Dio per i vivi e per i morti


Capolavoro del primo periodo napoletano.

Il dipinto riassume in forma sinottica le sette

opere di misericordia corporale:



Vestire gli ignudi




Seppellire i morti

che vengono forse per la prima volta

condensate tutte assieme, tra le piccole e

buie strade di una Napoli povera e umile.

Seppellire i morti



Vestire gli ignudi





Deposizione di Cristo – 1602-1604


Roma Pinacoteca Vaticana

Caravaggio individua un punto di

incontro con la tradizione romana

legata alla pittura di storia, che

all’epoca trovava nei Carracci gli

esponenti più illustri.

Il baricentro è segnato

dall’armonico e pacato equilibrio

compositivo, che bilancia

efficacemente la tensione emotiva


dettaglio

La scena è impostata con un

punto di vista dal basso verso

l’alto.

La pietra sporgente in primo

piano simboleggia la Chiesa

che sta per risorgere grazie al

sacrificio del Redentore.

Il corpo di Gesù che funge da

legame fra le varie figure, si

presenta in un drammatico

abbandono, dove la forza di

gravità agisce, tanto che solo

con fatica i discepoli riescono a

vincerla.


dettaglio

Il temperamento del maestro emerge

tuttavia con forza nelle figure di Maria,

in quella dei portatori, per esplodere

infine nel viso di Maria di Cleofa,

atteggiata con le braccia

desolatamente alzate.


Giuditta e Oloferne – 1599 c.a


Galleria Nazionale d’arte Antica

Palazzo Barberini


La luce ferma, precisa e diretta mette in risalto senza possibilità di equivoci i

particolari più raccapriccianti:

la testa mozzata di Oloferne, il sangue che scorre a fiotti, il volto turbato della

giovane Giuditta, lo sguardo arcigno e complice della vecchia ancella.

La scena che si svolge all’interno della tenda del generale babilonese, è

contrassegnata da una spazialità messa in risalto dalle pieghe delle lenzuola e dal

tendaggio rosso che incombe sull’azione cruenta.


dettaglio

L’accostamento della giovane carnefice all’anziana donna è volutamente

realizzato per sottolineare il forte e stridente contrasto con la bellezza della

protagonista.

La storia è ambientata cronologicamente nel il regno di Nabucodonosor, durante la guerra contro i Medi

quando il "Grande re" affida al suo generale Oloferne la campagna d'occidente, durante la quale questi

incontra il popolo di Israele.

Un capo cananeo lo avvertì che quello era un popolo invincibile sino a quando non avesse commesso peccato

contro il suo Dio.

Ridotti allo stremo per fame e sete e spietatamente assediati, dopo 34 giorni gli israeliti avrebbero voluto

arrendersi, e il loro capo, Ozia, a fatica riuscì a convincerli ad aspettare ancora 5 giorni.

Qui entra in scena Giuditta, ricca vedova, bella, giovane e di indiscussa virtù, che alla notizia dell'intenzione di

resa, convoca gli anziani, rimproverando loro la scarsa fede, ne ottiene la fiducia e, invocata per sé la

protezione del Dio di Israele, si veste in gran pompa e si presenta ad Oloferne con la sua serva e con doni,

fingendo di essere venuta a tradire i suoi.

Condotta alla presenza del generale viene assai ben accolta.

Gli fa credere di poter indurre il suo popolo a peccare, causando l’ira l'Eterno che lo darà come punizione in

mano al nemico.

Oloferne accetta entusiasta l'offerta. Dopo tre giorni la invita al suo banchetto, credendo di poterla anche

possedere.

Ma quando viene lasciato solo con la donna è ormai perdutamente ubriaco e incapace di opporre resistenza.

Giuditta ricavò dal suo atto eroico grandi onori e anche ricchezze, levò un salmo di ringraziamento all'Eterno, e

visse fino a 105 anni, libera e assai rispettata dalla sua gente, rifiutando ogni proposta di nuove nozze.

Liberamente tratto da: https://it.wikipedia.org/wiki/Libro_di_Giuditta

REPERTORIO DELLE

OPERE

Le datazioni e le collocazioni sono tratte da:

Grandi monografie Ed. Electa


Natura morta con fiori e frutti – 1590

Galleria Borghese, Roma


Bacchino malato – 1591

Olio su tela 66x52



Ragazzo che sbuccia una pera – 1593

Olio su tela 65x52

Collezione Longhi Roma

Altre versioni si trovano collocate in

diverse collezioni private.


Ragazzo con canestra di frutta – 1593 - 1594

Olio su tela 70x67



Estasi di San Francesco – 1595

Olio su tela

xxx




Roma Pinacoteca Capitolina


I bari – 1594 c.a


Fort Worth Kimbell Art Museum


Musica di alcuni giovani – 1595 c.a


New York The Metropolitan Museum of Art


Maddalena – 1594-1595




Ragazzo morso da un ramarro – 1595 c.a


Londra National Gallery

Una copia del dipinto eseguita dallo stesso

Caravaggio è ora conservata a Firenze alla

Fondazione di Studi di Storia dell’Arte

Roberto Longhi.

La copia olio su tela 65,8x52,3, è del 1595-

1596 c.a


Riposo durante la fuga in Egitto – 1595-1596




Suonatore di liuto – 1595-1596

Olio su tela 94x119

San Pietroburgo Museo dell’Ermitage


Suonatore di liuto – 1595-1596

Olio su tela 94x119

San Pietroburgo Museo dell’Ermitage

dettaglio


Suonatore di liuto– 1596-1597


New York Collezione privata


Fillide – 1596-1597

Olio su tela 66x53

già Berlino Kaiser Friedrich Museum

Andato perduto



Olio su tela 99x131

Parigi Louvre


Bacco – 1596-1597

Olio su tela 95x85



Testa di Medusa – 1597 c.a

Olio su tela 60x55

Firenze Uffizi

Dipinto su tela che riveste uno scudo

in legno di pioppo.

Opera eseguita su commissione del

cardinale Del Monte, ambasciatore

romano della famiglia Medici, e da

questi inviata in dono al gran duca di

Toscana Ferdinando I, come sontuoso

scudo a corredo dell’armatura di gala.


Giove, Nettuno e Plutone – 1597 c.a

Olio su muro 300x180

Roma villa Boncompagni Ludovisi già Del Monte


Il sacrificio di Isacco – 1597-1598 c.a


Pinacoteca collezione Barbara Piasecka Johnson


Conversione della Maddalena – 1597-1598 c.a


Detroit The Detroit Institute of Arts


Canestra di frutta – 1597-1598


Milano Pinacoteca Ambrosiana


Narciso – 1598

Olio su tela

xxx


Santa Caterina d’Alessandria – 1598-1599

c.a


Madrid Museo Thyssen-Bornemisza




Galleria Nazionale d’arte Antica

Palazzo Barberini


dettaglio


Ritratto di Monsignor Maffeo Barberini

1598-1599

Olio su tela 124x90

Firenze Collezione privata


San Giovanni Battista – 1600

Olio su tela

xxx


Davide con la testa di Golia – 1600

Olio su tela

xxx




Roma Chiesa di san Luigi dei Francesi



1598 - 1601



Vocazione di San Matteo 1598 – 1601

dettaglio


Conversione di san Paolo – 1600-1601

Olio su tavola di cipresso 237x189

Roma Collezione privata




Roma chiesa di santa Maria del Popolo


dettaglio


Incredulità di Tommaso – 1600-1601


Postdam-Sanssouci Bildegalerie


Cena in Emmaus – 1601


Londra Natyonal Gallery


Incoronazione di spine – 1600-1602


Prato Cassa di Risparmio


Amore vincitore – 1601-1602


Berlino Staatliche Museen Gemäldegalerie



(Ispirazione di san Matteo)


Roma chiesa di san Luigi dei Francesi


San Giovanni Battista – 1602


Roma Musei Capitolini


Cattura di Cristo – 1602


Dublino The National Gallery of Ireland




Roma Pinacoteca Vaticana


dettaglio


Sacrificio di Isacco – 1603 c.a



Sacrificio di Isacco – 1603 c.a

dettaglio


Incoronazione di spine – 1603 c.a


Vienna Kunsthistorisches Museum Gemäldegalerie


San Giovanni Battista – 1603-1604


Kansas City Museum Nelson-Atkins of Art


San Giovanni Battista – 1603-1604 c.a

Olio su tela 94x131

Roma Galleria Corsini


Madonna dei pellegrini – 1604-1606 c.a


Roma chiesa di sant’Agostino


San Gerolamo in meditazione 1605

Olio su tela 118x81

Monserrat (Barcellona)

Pinacoteca del Monastero di santa Maria di Montserrat


San Francesco – 1605 c.a

Olio su tela 130x98

Roma Oratorio dei Cappuccini


Ecce Homo – 1605


Genova Galleria Civica di Palazzo Rosso




Parigi Musée du Louvre


Madonna dei palafrenieri – 1605-1606



Palafreniere è colui che presiede alla gestione e all'aiuto

della vita di un cavaliere

Madonna dei palafrenieri

1605-1606

dettaglio


San Gerolamo scrivente – 1605-1606




San Francesco in meditazione 1605-1606

Olio su tela 130x90

Cremona Museo Civico


Cena in Emmaus 1606 c.a


Milano Pinacoteca di Brera


Madonna del Rosario – 1606-1607


Vienna

Kunsthistorisches Museum Gemäldegalerie





Le sette opere di misericordia corporale

Dar da mangiare agli affamati.

Dar da bere agli assetati.

Vestire gli ignudi.

Alloggiare i pellegrini.

Visitare gli infermi.

Visitare i carcerati.

Seppellire i morti.


Consigliare i dubbiosi.

Insegnare agli ignoranti.

Ammonire i peccatori.

Consolare gli afflitti.

Perdonare le offese.

Sopportare pazientemente le persone moleste.

Pregare Dio per i vivi e per i morti.


Salomè e la testa del Battista – 1607


Londra National Gallery


Davide con la testa di Golia– 1607

Olio su tavola di pioppo 90,5x116,5

Vienna Kunsthistorisches Museum Gemäldegalerie


Flagellazione di Cristo 1607


Napoli Museo di Capodimonte


Crocifissione di sant’Andrea – 1607 c.a

Olio su tela di lino 202,5x152,7

Cleveland The Cleveland Museum of Art


Cristo alla colonna - 1607

Olio su tela

xxx


Ritratto di Alof de Wigfnacourt - 1607

Olio su tela

xxxx


San Gerolamo – 1608




Amorino dormiente – 1608-1609

Olio su tela 71x105

Firenze Galleria Palatina


Ritratto di Alof de Wignacourt – 1608-1609

Olio su tela 118,5x95

Firenze Galleria palatina


Cavadenti – 1608-1609


Firenze Galleria Palatina


San Giovannino al fonte – 1608-1609


Roma Collezione privata


Seppellimento di santa Lucia –1608-1609 c.a


Siracusa Museo Nazionale di palazzo Bellomo


Resurrezione di Lazzaro – 1608-1609


Messina Museo regionale


Adorazione dei pastori–1609


Messina Museo Regionale


Salomè con la testa del Battista – 1609 c.a


Madrid Palazzo reale


Annunciazione – 1609 c.a


Nancy Musée des Beaux-Arts



1605-1606 o 1610




Natività con san Francesco e san Lorenzo - 1609

Olio su tela

xxx


San Giovanni Battista – 1609-1610




Martirio di sant’Orsola – 1610


Napoli Banca Commerciale Italiana


La negazione di san Pietro – 1610

Olio su tela

xxx

Note bibliografiche Adorno Piero Mastrangelo Adriana Dell'arte e degli artisti - Dalla preistoria all'eta' gotica vol.1 D'anna Ed. - ISBN 9788881047413 Adorno Piero Mastrangelo Adriana Dell'arte e degli artisti - Il Rinascimento vol. 2 D'anna Ed. - ISBN 9788881047420 Adorno Piero Mastrangelo Adriana Dell'arte e degli artisti – Dal Seicento all’Ottocento vol. 3 D'anna Ed. - ISBN 9788881047437 Carlo Bertelli La storia dell’arte Dalle origini all’età carolingia Vol.1 Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori Arte Pearson – ISBN 9788842446644 Carlo Bertelli La storia dell’arte Dal Romanico al Gotico Internazionale Vol.2 Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori Arte Pearson – ISBN 9788842446651 Carlo Bertelli La storia dell’arte Dal Rinascimento all’età della Controriforma Vol.3 Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori Arte Pearson – ISBN 9788842446668 Carlo Bertelli La storia dell’arte Dal Barocco all'Art nouveau Vol 4 Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori Arte Pearson – ISBN 9788842446675 Carlo Bertelli La storia dell’arte Novecento e oltre Vol.5 Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori Arte Pearson – ISBN 9788842446811

Antonio Monestiroli La metopa e il triglifo. Laterza 2002 ISBN 88-420-6652-4 Manlio Brusatin Storia dei colori. PBE 442 1983 ISBN 88-06-05627-I Hans Belting La fine della Storia dell'arte o la libertà dell'arte Einaudi 168 1990 ISBN88-06-11715-7 John Ruskin La natura del gotico. Jaca Book 72 1990 ISBN 88-16-40072-2 Jurgis Baltrusaitis Il medioevo fantastico. Antichità ed esotismi nell'arte gotica. Adelphi 45 - 1993 ISBN 88-459-0963-8 Karl Rosenkranz Estetica del brutto. (Il) Mulino 9 1984 ISBN 88-15-00539-0 Edgard Wind Misteri pagani del rinascimento Adelphi 2 1999 ISBN 88-459-0139-4 www.wikipedia.org www.settemuse.it www.treccani.it Ricerca immagini Google Altra bibliografia o sitografia non direttamente specificata o citata per difficoltà ad accedere alle fonti

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