Le prime immagini della Vergine Maria sola o con il bambino sono state rinvenute nelle

catacombe romane ma la Madonna divenne soggetto di sculture e dipinti dopo il Concilio

Ecumenico di Efeso del 431 che ribadì la centralità di Maria Madre di Dio. Vediamo come alcuni

artisti l’hanno raffigurata nei secoli.

La prima è una delle immagini ortodosse più conosciute e venerate , si tratta della protettrice

della Russia : la Madre di dio della tenerezza o Vergine di Vladimir di autore ignoto,

accanto l’immagine della Madonna Nera di Częstochowa un’icona bizantina di cui non si

conosce l’autore ma una leggenda narra che sia stata realizzata da un santo contemporaneo alla

Madonna : San Luca che la dipinse con il volto scuro perché la Vergine era mediorientale. Nel

Seicento il dipinto rappresentò per i polacchi la resistenza del paese alle invasioni straniere.

L’immagine non è delle migliori ma se osservate bene il volto della Madonna vedrete due tagli

sulla guancia che sono la conseguenza di uno sfregio subito parecchi anni fa.

Due opere del ‘300 ed una del ‘400, rispettivamente la Madonna di Ognissanti di Giotto,

la Madonna con bambino di Duccio da Boninsegna e la Madonna dell’umiltà di Gentile

da Fabriano. L’opera di Giotto è una tempera ed oro su tavola di 3 metri per 2. Anche la

Madonna di Duccio da Boninsegna è una tempera su tavola di dimensioni inferiori alla

precedente, l’opera fu attribuita a Duccio solo nel 1911, un’assegnazione considerata da molti

audace a causa dei numerosi ritocchi eseguiti nel ‘400. La Madonna dell’Umiltà è una tempera

ed oro su tavola realizzata intorno al 1420-23.

Altre quattro splendide opere datate 1400, le prime due immagini sono la Madonna di Lucca

e la Madonna del latte rispettivamente di Jan Van Eych e di Jean Fouquet.

La Madonna di Lucca è un’opera realizzata con tecnica ad olio su tavola, viene così

convenzionalmente chiamata perché , all’inizio dell’Ottocento, apparteneva alla pregiata

collezione di Carlo di Borbone, duca di Parma e Lucca , Van Eych dipinse diverse Madonne tutte

molto simili tra loro. La Madonna del latte è un quadro magnifico ed insolito faceva parte

del Dittico di Melun, oggi smembrato. Fu commissionato dal segretario di Carlo VII re di Francia

. La madonna ritratta sarebbe ispirata ad Agnès Sorel, amante del re e morta dopo aver dato

alla luce il quarto figlio del re.

Il terzo dipinto è la famosissima Annunciazione del Beato Angelico. L’opera realizzata con

tecnica a fresco nel convento di San Marco a Firenze e viene considerata come una delle opere

più significative e migliori dell’autore. Il quarto dipinto è uno dei capolavori di Antonello da

Messina.

L’Annunciata di Palermo è un’opera realizzata dal pittore siciliano con tecnica a olio su

tavola, l’armonia cromatica e la purezza nelle forme, l’espressione magnetica dell’intera figura

ne fanno un pregiatissimo capolavoro.

L’opera, secondo gli studiosi di storia dell’arte, rappresenta una delle mete fondamentali della

pittura italiana del periodo rinascimentale.

Dopo l’Annunciata ancora due lavori quattrocenteschi , la Pala di Brera o Pala

Montefeltro dal nome del donatore.

Si tratta di una tempera ed olio su tavola dipinta da Piero della Francesca e pare terminata o

ritoccata dal pittore di corte Pedro Baugurrete. Accanto una splendida Madonna di Filippo

Lippi, una tempera su tavola che divenne il punto di riferimento perle madonne di molti pittori,

soprattutto per Sandro Botticelli.

La Madonna del Magnificat e La Madonna con gigli ed angeli. Sono due dei numerosi dipinti

che Sandro Botticelli ha dedicato alla Madonna . La modella nella maggior parte dei casi è la

splendida Simonetta Vespucci la donna amata dal pittore . La Madonna del magnificat fu dedicata

alla famiglia Medici ed è una tempera su tavola dai colori preziosi e brillanti. Il maestro Lippi

influenzò moltissimo il lavoro dell’allievo, le loro madonne rappresentano l’ideale della perfetta

e malinconica bellezza della Vergine .

La Madonna col bambino, San Giovannino ed un angelo, più nota come Vergine delle Rocce di

Leonardo da Vinci. Il primo dipinto è conservato al Louvre, il secondo alla National Gallery.

Apparentemente uguali differiscono nel colore ed in diversi particolari tra cui la dimensione delle

figure . Come in molte altre Madonne dei grandi maestri tutti gli atteggiamenti delle quattro

figure sono collegati tra loro con scambi di gesti e sguardi.

Due magnifiche opere del ‘500, Il Tondo Doni di Michelangelo Buonarroti e la Madonna

della Seggiola di Raffaello Sanzio . Il primo è una tempera grassa su tavola ed è considerata

una delle opere più importanti del ‘500 italiano, il secondo un olio su tavola estremamente curato

nei dettagli e nell’alternanza dei colori caldi e freddi, anche questo dipinto è considerato un

capolavoro dell’arte rinascimentale. Una curiosità: l’utilizzo della forma tonda nella tradizione

pittorica ebbe il massimo fulgore nel rinascimento fiorentino come derivazione del cosiddetto

vassoio da parto, un vassoio di forma tonda decorato da pittori con scene che rappresentavano

la nascita, la fertilità, l’infanzia e che veniva regalato alla puerpera. In seguito divennero dipinti

veri e propri con forme sempre più grandi e il formato tondo venne utilizzato da tutti i più grandi

artisti del rinascimento (Michelangelo, Botticelli, Raffaello, Caravaggio e altri).

. La prima Madonna (sacra famiglia) è un olio su tela del pittore manierista Jacopo Carucci

detto il Pontormo. Il dipinto non è costruito secondo i principi del rinascimento: il Bambino e il

volto della Madonna, ad esempio, sono costruiti in modo da farne risaltare il volume, il panneggio

ha un disegno delle pieghe piatto, quasi inconsistente. Molto bello intenso e di grande effetto il

contrasto tra i colori complementari del verde e del rosso nella veste di Maria. La seconda

immagine è un olio su tavola di Pietro Cristoforo Vannucci detto il Perugino, si tratta della

Madonna della consolazione eseguita con un sapiente accordo di colori e con grande senso

dei volumi , magistrale il panneggio della veste della Vergine.

Inizio del ‘600 Le annunciazioni di El Greco (il tondo) e del Caravaggio, interessante la

composizione del primo dipinto dove le figure sono adattate al tondo ed i volti dei protagonisti e

della colomba posti su una diagonale. Caravaggio invece ci propone una nuova prospettiva:

l’Angelo in volo è più grande della figura di Maria che s’inchina di fronte al messaggero di Dio

contrariamente alla tradizione (figure che si fronteggiano o angelo che si inginocchia di fronte

alla Vergine). L'opera fu quasi sicuramente lasciata incompiuta dal pittore e finita da qualche

allievo.

Ancora due lavori seicenteschi : L’annunciazione di Torino di Orazio Gentileschi , la scena è

ambientata in una stanza nobiliare dell’epoca tanto da essere stata interpretata non come un

dipinto di tema sacro, ma profano dal titolo “Donna aristocratica che ascolta con attenzione le

parole di un giovane gentiluomo nella sua camera” Non soltanto i personaggi ma anche

l’ambiente trasmette un forte realismo. L’opera , considerata uno dei capolavori del XVII

concentra diverse influenze artistiche: la bellezza aristocratica della Vergine è di influenza

toscana, il letto sfatto di cultura fiamminga, e l’insieme realistico e naturale è un chiaro omaggio

alla lezione di Caravaggio. L’altro dipinto è una Madonna con bambino del pittore Murillo , un

dipinto lineare pulito illuminato da un sapiente gioco di luci ed ombre.

Due bellissimi primi piani del ‘700. La prima Madonna è un’opera di Pompeo Gerolamo

Batoni, pittore toscano che si conquistò la fama di miglior ritrattista italiano del suo tempo. La

seconda è la Madonna del Cardellino di Giovan Battista Tiepolo, opera bellissima anche se meno

famosa di quella dipinta da Raffaello.

Fine Ottocento un dipinto italiano ed uno francese. La Madonna del riposo o la Madonna

delle vie del pittore dalmata Roberto Ferruzzi che utilizzò come modelli una ragazzina di 11 anni

ed il fratellino di pochi mesi. Irrintracciabile il dipinto originale acquistato da un francese e

rivenduto in America, in ogni caso è un dipinto molto conosciuto dai fedeli perché il più riprodotto

su santini e preghiere. La Madonna dei gigli di W.Adolphe Bouguereau, pittore che non ha

subito le influenze delle avanguardie pittoriche di fine ‘800 come si evince da questo dipinto

molto classico ed accademico. la Madonna di Bouguereau indossa un abito monacale e sembra

offrire in dono all’umanità il figlio benedicente. Bellissimo il contrato dell’abito scuro con i gigli

bianchi segno di purezza della Vergine.

Nel ‘900 la Madonna del Villaggio di March Chagall, una madonna in abito da sposa che

protegge gli abitanti di un villaggio che ha fede in lei (v. la candela votiva), una madonna che

porta la luce , evidente il contrasto tra la luminosità del cielo e le tenebre del villaggio. Ho

ingrandito il lato destro del quadro per rendere più visibile l’immagine dello stesso Chagall che

bacia la Madonna.

Due magistrali opere di Salvator Dalì , lo stesso soggetto La Madonna di Port Lligat dipinto in

anni successivi. Il primo è del 1949 ed il secondo 1950. La Pala di Brera di Pier della Francesca

ha ispirato la composizione, in entrambi i dipinti sono presenti la conchiglia e l’uovo che

rappresentano il mistero all’origine della vita e la nascita, la Madonna che prega è impersonata

da Gala , moglie e musa del pittore , i dipinti differiscono nei colori e nei particolari , invariato lo

sfondo, soggetto molto amato da Dalì.

Anche nel XXI secolo la Madonna continua ad ispirare molti artisti come testimoniano questi dipinti eseguiti da un’affermata pittrice ed illustratrice americana di origini filippine, Rose Datoc Doll.

La produzione di Madonne con o senza bambino è ricchissima , l’abilità degli artisti è indiscutibile

com’è indiscutibile la spiritualità che trasmettono molti dipinti, pertanto è stato piuttosto

imbarazzante operare una scelta tra gli autori e tra opere dello stesso autore . Ho seguito a

grandi linee una traccia e poi sono andata “a braccio” lasciandomi attirare dalle immagini .

Donata Graziano.