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04 / SPECIALE

La grande decadenza. Intervista a Marcello Panni

Che a fine marzo propone l'Histoire du soldat, il capolavoro di teatro musicale di Stravinskij, a un pubblico di adulti e bambini

06 / IN ORCHESTRA

Ritorno con successoal Concertgebouw

La sala olandese prima tappa di "In viaggio con gli artisti". Iniziativa che nei prossimi mesi farà rotta su città italiane, slovene e austriache

08 / CONCERTI

Una parata di grandi talenti

Steven Osborne, Renaud Capuçon, Stefan Asbury, Junge Deutsche Philharmonie per gli ultimi-ma-non-ultimi eventi di "Tempo d'Orchestra 2013/14"

12 / CONCERTI

Ocm e Lonquich tra Beethoven e 900 storico

Per un riassuntivo ritratto degli interessi e dei molteplici talenti del solista e direttore tedesco.

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M a g a z i n e d e l l ’ O r c h e s t r a d a C a m e r a d i M a n t o v a

FOTOMarcello Panni

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dal 10 novembre 2013—

dal 30 maggioal 02 giugno 2014—

dal 06 novembre 2013al 09 aprile 2014—

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specialeLa grande decadenza. Intervista a Marcello Panni

Emanuele Battisti4

concertiI Talenti di Mr. Osborne!

Luca Ciammarughi8Stelle d'Europa!

Vincenzo Mancini9Tre capolavori recuperati

Gian Paolo Minardi10Un soldato in marcia a ritmo di jazz!!!

Anna Barina11Ocm e Lonquich di nuovo insieme tra Beethoven e il Novecento storico

Andrea Zaniboni12

in orchestraConcertgebouw: quando la sala ti ricompensa

Michele Ballarini

Maggio in tour tra Slovenia, Austria e Italia / In viaggio con gli artisti / Gian Paolo Minardi per “Parolenote”

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rubricheDVD Grammofono Arte Colonna Sonora Altra Musica Leggere Luca Segalla | Michele Ballarini | Paola Artoni | Claudio Fraccari | Giorgio Signoretti | Simonetta Bitasi

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«La scomparsa di Claudio Abbado, avvenuta il 20 gennaio scorso, marca la nostra vita di musicofili di provincia in modo indelebile: le ragioni sono molte,

ma si trovano integrate dalle dirette esperienze di ascolto avute a Mantova a partire dagli anni Settanta, entrate tutte nella memoria di chi c’era. Le elenchiamo: con il pianista Maurizio Pollini e l’Orchestra del Teatro alla Scala nel 1973 (per il Concerto op.15 di Brahms e la Sinfonia “Eroica” di Beethoven), con il violinista Giuliano Carmignola e la medesima orchestra nel novembre del 1974 (Concerto K.218 di Mozart e Settima Sinfonia di Bruckner), quindi nel 1983 con la European Community Youth Orchestra e la violoncellista Natalia Gutman (Concerto op.129 di Schumann e Deutsche Requiem di Brahms) ed infine nell’aprile 1989 con la Gustav Mahler Jugendorchester ed il baritono Andreas Schmidt (Sinfonietta di Janácek, una selezione di lieder di Mahler e la suite dall’Oiseau de feu di Stravinskij). Quattro occasioni

che evidenziano alcuni dei temi fondamentali della carriera di Abbado: l’ampiezza di un repertorio esteso con fiducia e coraggio alla modernità; l’influenza sulla vita del Teatro alla Scala, che ebbe a concepire la replica sul territorio delle proprie produzioni (il programma con Carmignola ad esempio, con qualche modifica fu portato anche alla Breda Termomeccanica di Sesto San Giovanni e nella Mensa dello stabilimento Necchi di Pavia) e quindi l’impegno nei confronti dei giovani, con la creazione di compagini selezionate nelle quali il dialogo internazionale e l’esaltazione del messaggio culturale diventava l’esempio di una appassionata convivenza civile nel nome dei capolavori di ogni tempo. Tutto questo oltre la sua eccezionale statura d’interprete intellettualmente vivace e innovatore. Quelle quattro lontane serate vivono e vivranno ancora, esortando a credere nella musica come arte pacifica, ma in grado di mutare abitudini, suggerire prospettive e tentar di cambiare, con ferma gentilezza e gesti simbolici, il mondo. Grazie, Maestro.

Editoriale

Andrea Zaniboni

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TIRATURA 3.000 copie

DIRETTORE RESPONSABILE Andrea Zaniboni

REDAZIONE Valentina Pavesi

PROGETTO GRAFICO

HANNO COLLABORATO

Paola Artoni, Michele Ballarini, Anna Barina,

Emanuele Battisti, Simonetta Bitasi,

Luca Ciammarughi, Claudio Fraccari,

Vincenzo Mancini, Gian Paolo Minardi,

Luca Segalla, Giorgio Signoretti

EDITRICE Associazione Orchestra da Camera

di Mantova

SEDE LEGALE, DIREZIONE, REDAZIONE

MANTOVA, Piazza Sordello, 12

T. 0376 368618

E-mail"ocmantova@ocmantova.com"

STAMPA LITOTIPOGRAFIA ALCIONE srl

Registrazione al Tribunale di Mantova n. 10/2004 del 29/11/2004

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Sommario

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a cura di Valentina Pavesi

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Compositore appartenente all'avanguardia del Secondo Novecento, direttore d'orchestra infaticabile nella promozione del repertorio contemporaneo, Marcello Panni ha vissuto in primo piano l'evoluzione del mondo della musica colta dagli anni Sessanta ad oggi. Dopo un lungo periodo passato tra Francia, Stati Uniti e Germania, nel 2001 è rientrato

nella sua città natale, Roma. Cronaca dell'intervista ad una delle figure più importanti della musica italiana nel mondo.

TESTO

Emanuele Battisti

La grande decadenza“Il compositore? Un creatore di mondi poetici. L’attuale supremazia degli interpreti sui compositori? La rovina della musica”. Parola di Marcello Panni, direttore d’orchestra e compositore tra le figure più importanti della musica italiana nel mondo oggi

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In un sistema musicale sempre più indirizzato verso la specializzazione, lei ha invece mantenuto lungo tutta la sua carriera il duplice ruolo di compositore e direttore d'orchestra…

«A dir la verità, quando debuttai a fine anni Sessanta, la mia intenzione era di dedicarmi soprattutto alla composi-zione. Quella che doveva essere per me un'attività accessoria, la direzione d'orchestra, finì invece per impegnare la maggior parte del mio tempo. Nonostante questo, ho continuato sem-pre a comporre. A partire dagli anni Novanta, ho deciso di ral-lentare l'attività direttoriale, e di conseguenza il mio ritmo di lavoro come compositore è cresciuto. Ho potuto finalmente dedicarmi alla creazione di grandi progetti: quattro opere liri-che, un oratorio, una messa. Ecco, ho sempre cercato di trova-re una mediazione tra le esigenze della carriera ed il naturale impulso interiore alla creazione di nuova musica».

In che modo le due attività hanno interagito e interagiscono l'una con l'altra?

«Come compositore ho appreso moltissimo grazie alla direzione d'orchestra, soprattutto nel settore operistico, che è poi quello che mi appassiona di più, in quanto lavoro d'equipe ed estremamente dinamico. L'interazione con nume-rose orchestre mi ha permesso in particolar modo di a#nare il trattamento degli strumenti, il che per me è essenziale, in quanto ritengo che l'attività di un compositore rimanga tut-tora basata sulla scrittura per orchestra. Allo stesso tempo, la frequentazione assidua di compositori del calibro di Berio, Bussotti, Donatoni, Cage, Feldman, Brown, Maderna, mi ha messo a contatto con approcci di!erenti alla composizione.

Mi piace definirmi un "epigono", senza però dare a questo ter-mine una valenza negativa: anche Mahler lo era…»

E anche Mahler componeva nei momenti liberi dall'attività di direttore, d'estate sulle Alpi tirolesi...

«Sì, d'altronde questa era una situazione del tutto comune, allora; basti pensare a Richard Strauss o a Stravinskij. Volendo gerarchizzare le due attività, farei una distinzione tra i direttori-compositori, come Maderna e Boulez, e i composi-tori-direttori, quali Berio e lo stesso Strauss. Un caso più re-cente d'interazione estremamente proficua tra le due attività lo si è avuto con Sinopoli, di cui peraltro diressi le primissime opere, quando era ancora esclusivamente un compositore. Il fenomeno della specializzazione della figura del direttore d'orchestra è comunque più recente di quanto si pensi, ed è conseguenza di una canonizzazione del repertorio classico a discapito di quello contemporaneo».

Non pensa che in tutto ciò vi sia una responsabilità almeno parziale da parte dei compositori stessi?

«In e!etti, la linea radicale portata avanti da Stockhausen, Boulez e Nono si è rivelata di fatto impraticabi-le. Per qualche ragione, mentre l'arte pittorica concettuale ha trovato oggi un proprio spazio, anche commerciale, nel caso di tanta musica prodotta in quei decenni non è rimasto presso-ché nulla al grande pubblico. Erano anni di impegno formale e politico, in cui i compositori cercavano in tutti i modi di far uscire il pubblico dal "borghesume" imperante. La nostra era per lo più un'arte povera, in quanto a mezzi, ma ricca di spes-sore e di ambizione creativa».

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Nella seconda parte degli anni Sessanta lei ha vissuto a Parigi, per seguire i corsi di direzione di Manuel Rosenthal. Come ricorda la Parigi di quegli anni?

«Come una grande città di musica. All'epoca, l'Opéra e l'Opéra Comique presentavano uno spettacolo tutte le sere. All'Opéra, Boulez dirigeva il Wozzeck di Berg, e da Bruxelles ar-rivava Béjart con la sua immortale coreografia del Sacre di Stra-vinsky. C'erano almeno quattro grandi orchestre, senza contare quelle legate a Radio France. In tutto questo, peraltro, il mio ruolo come compositore era all'interno di una piccola fronda americanista che si opponeva al Domaine Musical, la società di concerti creata da Boulez. All'avanguardia codificata noi rispon-devamo con opere di Schnebel, Feldman, Cage. Anni veramen-te intensi, culminati nel 1968 con l'occupazione del Conserva-torio, il cui regolamento interno era all'epoca ancora quello del 1805: gli allievi dovevano entrare vestiti in divisa!»

Il rapporto tra l'Italia e gli altri paesi europei era forse più vivace allora, rispetto ad oggi?

«Indubbiamente. Nonostante fossimo in piena guerra fredda, vi era un grande interscambio culturale. Basti pensare per l'Italia al Festival di Venezia e a quello di Palermo, contesti nei quali tutte le scuole nazionali venivano rappresentate, dai com-positori sovietici amici di Nono, agli americani fino agli australiani. Era un mondo molto aperto. Nel caso dell'Italia, tuttavia, la man-canza di politica culturale ed una progressiva chiusura da parte dei compositori stessi hanno fatto sì che si finisse sempre più nell'autoreferenzialità. La situazione attuale, da questo punto di vista, è veramente sconcertante. Le opere teatrali di compositori quali i tedeschi Wolfgang Rihm o Manfred Trojahn, in Italia, non sono praticamente mai state eseguite. Stessa cosa per i francesi».

Si tratta di un problema specifico dell'Italia, o è così anche all'estero?

«Mi sembra di poter dire che questa sia ahimè una tendenza sempre più di!usa. Pare che ormai le grandi orchestre internazionali siano interessate solo alla ricerca di solisti di grido. In questo momento, c'è ad esempio la moda dei musicisti asia-tici, coreani e cinesi su tutti, possibilmente sempre più giovani. Ora, a parte la distorsione data da questa immagine divistica del musicista, va detto che la supremazia degli interpreti sui compositori è in sé la rovina della musica. Senza nulla togliere a musicisti certo preparatissimi, l'ascolto per la millesima volta del secondo concerto di Rachmanino! è sul piano culturale un atto inutile. È un circolo vizioso: il pubblico è indotto ad aspettarsi il sensazionalismo, e il minimo cambiamento, la minima proposta alternativa hanno come e!etto il teatro vuoto. Siamo in una fase di ellenismo culturale, in cui invece di produrre nuova musica, ci si limita a commentare all'infinito il repertorio già esistente. Va detto peraltro che in questi anni sembrano mancare figure di compositori capaci di creare dei mondi poetici abbastanza forti da imporsi su questo sistema stantio».

Per concludere su una nota personale, come giudica il suo rapporto con l'Italia?

«Si tratta di un rapporto positivo. In Italia ho comincia-to la mia carriera, dirigendo alla Biennale di Venezia. Poi fino al 2001 ho vissuto praticamente sempre all'estero, ciononostante le mie opere hanno continuato ad essere eseguite. Come di-rettore ho potuto proporre prime esecuzioni mondiali di lavori quali Neither di Feldman, The Civil Wars di Philip Glass e Bob Wil-son, e molte altre. Senza dimenticare tutte le esecuzioni legate al repertorio. Ho inoltre il privilegio di collaborare tuttora con le realtà orchestrali di Roma. Ovviamente, per quanto riguarda la mia città, resta il grande cruccio di aver visto scomparire l'Or-chestra della Rai... una perdita inestimabile. A parte questo, e a parte una visione piuttosto pessimistica circa il mondo musicale d'oggi, dal punto di vista personale posso essere soddisfatto. Oltre a Roma, sono molto legato a realtà quali Lecce, senza di-menticare Mantova. Ci tengo anzi a sottolineare la grande ami-cizia e stima che mi lega all'Orchestra da Camera di Mantova, ad Alexander Lonquich e a Carlo Fabiano, e la soddisfazione riguar-do questo nuovo progetto assieme previsto per fine marzo».

Quella del 29 marzo sarà in e!etti la prima volta del Ma-estro Panni a Tempo d'Orchestra, a guida dell'ensemble dell'Ochestra da Camera di Mantova, nell'Histoire du Soldat di Stravinskij. A lui va il nostro caloroso benvenuto, e un sentito grazie per questa piacevolissima conversazione.

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L’aereo della Klm si prepara al decollo per Amsterdam e a bordo ci sono parecchi olandesi; le nostre custo-die non passano inosservate, e fioccano le domande:

«Violoncellisti, siete un’orchestra da camera? Ah, Schubert e $ostakovi!, che bel programma, domani non potrò venire al Concertgebouw, ma vi ascolterò per radio…» e così via, da queste persone a!abili trapela una conoscenza media della musica che mi fa un po’ vergognare del mio Paese natale. In e!etti, arrivati in loco si resta stupefatti dalla quantità e dal valore delle proposte in cartellone presso la famosa sala di Amsterdam: dai tre ai quattro appuntamenti giornalieri, concerti cameristici, sinfonici, solisti e direttori di gran nome e quasi sempre tutto esaurito.

La maestosità della sala ci appare un po’ ridotta forse perché nei filmati e nelle foto sembra più spaziosa, nondimeno quando saliamo sul palco e pensiamo di tro-varci in un luogo che è stato calcato praticamente da tutti i padreterni dell’esecuzione musicale la cosa ci emoziona parecchio. Il duro lavoro che è necessario nelle prove do-vrebbe sempre avere una degna ricompensa eseguendo il concerto in un ambiente la cui acustica possa rendere pienamente tutte le sfumature e i rapporti tra famiglie stru-mentali, oltre a quelle densità polifoniche e armoniche che dallo sterile segno scritto tornano in vita; spesso non è così ma questa volta siamo pienamente ricompensati: ogni no-stra nota “suona”, ognuno di noi si sente ma nel contempo ha l’esatta sensazione dell’equilibrio di tutta la massa or-chestrale, oltre al fatto che la pienezza e la pastosità del suono non impediscono di avvertire ogni particolare con perfetta trasparenza. In questa situazione ideale tutte le in-tenzioni e le preziosità che il maestro Lonquich ci comuni-ca in modo così unico dalla tastiera e dal podio hanno una loro naturale ed emozionante realizzazione, non rimane

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1_ Concertgebouw: quando la sala ti ricompensa

OCM E ALEXANDER LONQUICH AL CONCERTGEBOUW

che attendere l’ingresso del pubblico: Il quale è numerosis-simo, attento, concentrato e dai tanti visi rivolti verso di noi traspare un rispetto e un amore per la musica che non posso-no non metterci nella condizione giusta per dare il meglio di noi stessi; un silenzio carico di tensione positiva che ci porta a suonare dimenticando il mezzo tecnico, sublimati da quello che Alexander Lonquich, in perfetta intesa con la fantastica tromba di Omar Tomasoni, crea magicamente nel Concerto n.1 op. 35 di $ostakovi!, dove squarci quasi da rivista o music-hall sprofondano in momenti di desolato scoramento e inten-so dolore. Atmosfera cangiante poi nel mondo viennese di primo ottocento della Quinta Sinfonia di Schubert, una lettura “in punta di penna” dove Alexander ci stimola a rivelare tutto il fatato mondo schubertiano con un’a!ascinante limpidezza scevra da inutili sentimentalismi o sovraccarichi espressivi. Il pubblico capisce e reagisce con entusiasmo tributandoci una standing ovation: abbiamo “espugnato” il Concertgebouw an-che questa volta, un riconoscimento più degno per la nostra fatica non poteva proprio esserci.

Ora avanti e ritorniamo a casa, anche se il contrasto tra questa realtà e la nostra è purtroppo molto stridente; la voglia di fare sempre meglio però non manca, pensiamo fi-duciosi a un altro concerto qui, magari tra due anni…

Michele Ballarini, violoncellista, collabora regolarmente con l’Orchestra da Camera di Mantova dal 1984

“Ogni nostra nota suona, ognuno di noi si sente

ma nel contempo ha l’esatta sensazione dell’equilibrio

di tutta la massa orchestrale. La pienezza e la pastosità del suono

non impediscono di avvertire ogni particolare

con perfetta trasparenza”

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Michele Ballarini

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2_ Maggio in tour tra Slovenia, Austria e Italia

Un primo gruppo di mantovani ha preso parte lo scorso 2 febbraio alla trasferta ad Amsterdam, in occasione del ritorno dell’Orchestra da Camera di

Mantova al celeberrimo Concertgebouw. E, in considera-zione della richiesta informazioni e delle prime prenotazio-ni giunte per i prossimi impegni artistici dell’Ocm, l’Asso-ciazione Amici sta organizzando bus al seguito degli artisti con destinazione Lucca (23 aprile), Maribor (12 maggio), Dornbirn (14 maggio), Ravenna (16 maggio), Portogrua-ro (5 settembre) e Graz (26-29 ottobre). Sono i primi esiti dell’iniziativa In viaggio con gli artisti lanciata dall'Ocm, in collaborazione con gli Amici dell’Ocm a inizio anno, nell’ot-

tica di condividere con la città gli esiti più prestigiosi e i momenti di più entusiasmanti della propria attività. In oc-casione delle prossime trasferte, l’Orchestra omaggerà di biglietti d’accesso ai concerti i mantovani interessati, che metterà anche nelle condizioni di poter viaggiare in com-pagnia, appunto, dei musicisti, coniugando l’opportunità di assistere a performance live in importanti teatri e presti-giose sale con la visita a città italiane ed estere di rilievo artistico-culturale.

INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI: Ocm, T. 0376 368618, biglietteria@ocmantova.com

3_ In viaggio con gli artisti: prenotazioni aperte per le trasferte

L’Orchestra da Camera di Mantova e Alexander Lonquich tornano a muovere insieme verso palcoscenici internazionali. A maggio, tra il 12 e il 16 saranno ospiti

delle stagioni concertistiche delle città di Maribor, in Slovenia, Dornibirn, nel nord dell’Austria, e Ravenna. Il programma, che

verrà proposto in anteprima a Mantova - quale chiusura della XXI stagione Tempo d’Orchestra, il prossimo 9 aprile – combina un paio di ouverture e il Concerto n. 1 in do maggiore op. 15 di Beethoven con le Danze di Galanta di Kodaly e il Concerto n. 2 in fa maggiore op. 102 di $ostakovi!.

4_ Amici dell’Ocm: Gian Paolo Minardi per “Parolenote”

L ’Associazione Amici dell'Ocm prosegue la propria attività divulgativa. Il 19 marzo propone l’ultima conferenza 2013/14 del ciclo Parolenote, portando

in Sala Norlenghi a Mantova (ore 18, ingresso libero) il musicologo Gian Paolo Minardi, che proporrà un percorso di avvicinamento all’ascolto del concerto della Junge Deutsche Philharmonie, in programma la sera successiva per Tempo d’Orchestra (musiche di $ostakovi!, Schreker e Schumann).

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TESTO

Luca Ciammarughi

Classe, virtuosismo, scavo del-la partitura, libertà espressiva: Steven Osborne raccoglie in sé

qualità così molteplici, e tuttavia così perfettamente compenetrate fra loro, da farne senza dubbio uno dei massi-mi pianisti del nostro tempo. Lungi dai lustrini e dalle paillettes del marketing più spregiudicato, Osborne ha portato avanti negli anni una ricerca coerente e nel contempo eccentrica, volta sia a far conoscere repertorio nuovo, sia ad illuminare con la luce del suo pianismo particolarissimo i capolavori deputati. Egli prosegue, con una vena personale, una tradizione inglese fatta di assoluta integrità artistica e grande capacità di approfondimento: non è un caso che, insieme a pianisti come Stephen Hou-gh, Piers Lane, Ian Hobson, Stephen Co-ombs, Martin Roscoe, Peter Donohe, Jo-nathan Plowright o Howard Shelley, egli sia stato una delle colonne della collana discografica The Romantic Piano Concer-to (Hyperion), che ha fatto conoscere al mondo centinaia di lavori dimenticati per pianoforte e orchestra. In comune

con alcuni dei pianisti citati, Osborne ha il perfetto mix di spettacolarità pia-nistica (al servizio della musica) e di colorismo sofisticato; osservarlo suo-nare, felino e infallibile nei movimenti, equivale ad assistere a un rito antico, la cui sacralità traspare dall'assoluta es-senzialità del gesto. E tuttavia, Osborne non è il pianista che assuma pose da maestro zen: il suo discorso musicale è spesso fortemente teatralizzato, pie-no di contrasti espressivi estremi che vengono sempre dal modo interiore di vivere la musica. Proprio quest'ultimo aspetto lo rende interprete ideale del repertorio russo che propone nel suo recital per l'Ocm: nel suo Prokof'ev (Sar-casmes e Visions Fugitives) emerge non solo quella vena violentemente orien-tale che tanti hanno messo in luce, ma anche la morbidezza poeticamente nostalgica (e ancora tinta degli ultimi riflessi del romanticismo) che rende speciale questo autore. Se in Prokof'ev il pudore espressivo e il controllo della forma (fondamentali anche nei Miroirs di Ravel, al centro del programma) rive-

stono un'importanza cruciale, in Rach-maninov Osborne sa esprimere quella confessione a cuore aperto, quella di-sinibizione espressiva senza la quale la Sonata n. 2 resterebbe lettera morta. Una delle convinzioni del pianista ingle-se è che l'interprete debba assumere il coraggio di rivelare i propri istinti, come un jazzista, senza nascondersi dietro la partitura. «Per me – ha dichiarato – l'ec-cesso di rispetto per la partitura scritta nuoce quanto una mancanza di interes-se per i segni del compositore». Parole da tenere a mente: perché, dopo aver studiato a fondo la partitura, è necessa-rio darle vita mettendo in gioco i propri sentimenti in rapporto ad essa. Ed è così che Osborne, presentatosi nel pa-norama internazionale con tutti i crismi del concertista di successo (ricordiamo il primo premio al Concorso Clara Haskil del 1991), non si è fermato mai alla cor-rettezza, ma ha sempre proseguito in quel lavoro di ricerca su di sé e sul fatto musicale che lo sta portando lontano.

I talenti diMr. Osborne

Classe, virtuosismo, scavo della partitura,

libertà espressiva, il suo discorso musicale

è spesso fortemente teatralizzato,

pieno di contrasti espressivi estremi.

Ciò lo rende interprete ideale del repertorio russo

che propone nel suo recital mantovano

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Mantova, 4 marzo 2014Teatro Bibiena, ore 20.45

Steven Osborne, pianoforte

Musiche di S. Prokof’ev,

M. Ravel, S. Rachmaninov,

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STEVEN OSBORNE

FOTO© Ben Ealovega River

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TESTO

Vincenzo Mancini

Un cast d’eccezione quello che giovedì 20 marzo calcherà le scene del Teatro Sociale di Mantova, al servizio di Schumann, $ostakovi! e Schreker.

Tempo d’Orchestra si appresta ad ospitare, infatti, il gra-dito ritorno di una delle migliori orchestre giovanili d’og-gi: la Junge Deutsche Philharmonie, che il pubblico della stagione dell’Ocm ha avuto la fortuna di applaudire più volte, l’ultima in ordine di tempo, nel 2009, quando la compagine approdò al Massimo cittadino insieme con il pianista Rudolf Buchbinder. In veste di solista, questa vol-ta, ci sarà Renaud Capuçon, violinista francese tra i più in-teressanti e premiati della sua generazione. Tra i protago-nisti della serata, inoltre, figurerà Stefan Asbury, speciali-sta del Novecento, direttore di vasta esperienza a capo di prestigiose formazioni orchestrali nei teatri e nei festival più importanti. Presentare esaustivamente i tre attori in azione è, ahinoi, utopico. E allora scegliamo di eviden-ziare, piuttosto, alcune peculiarità che, nello scorrere le rispettive biografie artistiche, colpiscono l’attenzione.

La Junge Deutsche Philharmonie riunisce giova-ni musicisti di talento, di età compresa tra i 18 e i 28 anni, provenienti da diverse accademie musicali tede-

sche, e presenta una struttura particolare. I componenti dell’orchestra, che si riuniscono regolarmente per ses-sioni di prove e quindi a!rontare tournée internazionali, nell’ottica di una fare orchestra inteso come creazione di un ponte tra gli insegnamenti appresi nelle accademie e l’evoluzione professionale dei musicisti, si organizza-no in comitati finalizzati, attraverso laboratori tematici e campagne informative, all’acquisizione di competen-ze che vanno al di là di quanto strettamente necessario all’esibizione musicale.

Di orchestra giovanile d’eccellenza in orchestra giovanile d’eccellenza: è il 1997 quando Claudio Abbado invita il violinista francese Renaud Capuçon a ricoprire il ruolo di primo violino della Mahler Jungendorchester; nei tre anni successivi, questo gli darà l’opportunità di pro-seguire la propria formazione musicale con maestri del calibro di Pierre Boulez, Seiji Ozawa, Daniel Barenboim, Franz Welser-Möst. Pluripremiato fin da giovanissimo, Ca-puçon – curioso aneddoto, questo - suona il Guarnieri del Gesù “Panette” (1737) appartenuto a uno dei suoi ma-estri: quell’Isaac Stern, con cui si perfezionava a Berlino, conclusi gli studi al Conservatorio di Parigi.

Mantova, 20 marzo 2014Teatro Sociale, ore 20.45

JUNGE DEUTSCHE PHILHARMONIE

Renaud Capuçon, violino Stefan Asbury, direttore

Musiche di F. Schreker,

R. Schumann, D. !ostakovi!

Junge Deutsche Philharmonie, Renaud Capuçon, Stefan Asbury: cast d’eccezione per l’appuntamento sinfonico di fine marzo

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RENAUD CAPUÇON

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TESTO

Gian Paolo Minardi

Il programma che "Tempo d'Orchestra" propone il 20 marzo al Sociale di Mantova inanella tre opere diversissime per carattere

ma accomunate da un destino fatto d’iniziale oscuramento

Volendo individuare un filo che collega le tre opere in pro-gramma il 20 marzo al Sociale di Mantova, diversissime per carattere, quindi un filo essenzialmente esterno, si

potrebbe considerare l’idea del ‘recupero’ che in varia maniera ha giocato sul destino di ognuna di esse. Sarà cosi per Schreker il cui nome, dopo i successi iniziali cadrà nell’oblìo e dovranno passare alcuni decenni perché esso potesse ria!acciarsi sull’o-rizzonte con rinnovato interesse; nel 1976 lo Steirischer Herbst di Graz gli dedicò una retrospettiva, cui nel 1978, in occasione del centenario della nascita, un congresso a Berlino riaprirà con più forza l’attenzione; significativamente accesa nell’edizione della Biennale Musica del 1980 dedicata alla “Musica nella Se-cessione”. Assai più fortunosa la vicenda del Concerto per violino di Schumann, ultima sua composizione per orchestra, che verrà pubblicato solo nel 1937, dopo un lungo ‘oscuramento’ dovu-to ad una serie di incomprensioni: a partire da quella di Joa-chim, dedicatario dell’opera, che lo riteneva ineseguibile per le di#coltà del finale, convinzione che trasferì, dopo la morte del compositore, a Clara da cui la decisione di non pubblicare il Con-certo, non ritenendolo all’altezza delle altre opere. Il manoscritto passò dopo la morte del grande violinista al figlio Johannes che lo vendette insieme ad altri documenti alla Biblioteca prussiana di Berlino con la condizione che il Concerto non dovesse essere

pubblicato se non dopo cento anni dalla morte di Schumann, vale a dire il 1956. Vincolo che sarà interrotto dopo che le due pronipoti di Joachim, Jelly d’Arany e Adila Fachiri, entrambe vio-liniste, a!ermarono di aver visto apparire durante una seduta spiritica lo spirito di Schumann che chiedeva di rintracciare il Concerto e farlo eseguire, ciò che avverrà, non senza altre dif-ficoltà legate al clima politico della Germania di quegli anni, nel 1937.Non meno ‘tragico’ il recupero della Quarta Sinfonia di $ostakovi!: scritta a Leningrado tra il 1934 e il 1936, sarà esegui-ta solo nel dicembre del 1961 e questo perché dopo il feroce articolo sulla Pravda, apparso nel gennaio del 1936, ispirato di-rettamente da Stalin, in cui il compositore veniva considerato “nemico del popolo” per il cedimento nella sua ultima opera, Lady Macbeth del distretto di Mszenk alle lusinghe del “forma-lismo borghese”. Comprensibilmente, pensando al clima di terrore in cui viveva, $ostakovi! ritirò dalla programmazione la Quarta cercando di rispondere alle accuse di formalismo con la Quinta Sinfonia, il cui sottotitolo è, appunto, “ risposta pratica ad una giusta critica”, un atto di sottomissione solo apparente, come spiegava Vladimir Delman, che con $ostakovi! divise una intensa frequentazione, dicendo come ogni pagina fosse scrit-ta in un linguaggio cifrato e andasse perciò decodificata, fino a capovolgerne il senso apparente: catastrofi travestite da trionfi.

Tre capolavori recuperati

JUNGE DEUTSCHE PHILHARMONIE

Mantova, 20 marzo 2014Teatro Sociale, ore 20.45

JUNGE DEUTSCHE PHILHARMONIE

Renaud Capuçon, violino Stefan Asbury, direttore

Musiche di F. Schreker,

R. Schumann, D. !ostakovi!

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TESTO

Anna Barina

Mantova, 30 marzo 2014Teatro Sociale, ore 20.45

ENSEMBLE DELL'ORCHESTRA DA

CAMERA DI MANTOVA

Marcello Panni, direttoreLuigi Maio, regia e musicattore

HISTOIRE DU SOLDAT di

I. Stravinskij

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Un soldatoin marcia

a ritmo di jazz

L’Histoire, capolavoro di teatro musicale

di Igor Stravinskij, viene proposto ad adulti e bambini.

Accade al Teatro Bibiena di Mantova, sabato 29 e domenica 30 marzo

Svizzera, 1918. Igor Stravinskij è un esule circondato dalla guerra, allontanato dalla propria patria ed espropiato dei beni a causa della Rivoluzione Russa. Nel paese elvetico

dove ha trovato rifugio ha bisogno di lavorare e di scrivere nuo-va musica. Charles Ferdinand Ramuz, scrittore di Losanna, è tor-nato a vivere in Svizzera a ridosso della prima guerra mondiale dopo molti anni trascorsi frequentando i salotti letterari di Parigi. Stravinskij e Ramuz si conoscono alla stazione di Epesses gra-zie all’amico comune e direttore d’orchestra Ernest Ansermet. La collaborazione tra il compositore russo e lo scrittore svizzero, che diverrà nel tempo un’amicizia vera e propria, inizia con la traduzione francese di Renard per approdare a Les Noces e infine ad uno spettacolo adatto ad essere messo in scena con pochi mezzi, l’Histoire du Soldat. «Ne ho concepito la prima idea nella primavera del 1917», racconta Stravinskij, «Il pensiero di com-porre uno spettacolo drammatico per un teatro ambulante m'e-ra venuta parecchie volte alla mente fin dall'inizio della prima guerra mondiale. Il genere di lavoro cui pensavo doveva esigere un organico di esecutori semplice e modesto al punto da per-mettere una serie di allestimenti in una tournée nelle piccole cittadine svizzere, ed essere altrettanto chiaro nel suo intreccio in modo che se ne a!errasse facilmente il senso». Il soggetto è tratto da una raccolta di fiabe russe di Alexander Afanas’iev: un soldato, in marcia per rientrare al suo paese dalla guerra grazie ad una licenza, si imbatte nel Diavolo e cede alle sue lusighe. Lo spettacolo doveva essere facilmente allestibile: «Un piccolo palco montato su una piattaforma, uno sgabello (o un barile) ai due lati; su uno degli sgabelli siede il Narratore di fronte a un tavolino sul quale ci sono una cara!a di vino bianco e un bicchiere. L'orchestra è sul lato opposto del palcoscenico», in-dica Stravinskij nelle annotazioni alla prima rappresentazione di Losanna, il 28 settembre del 1918. «La scelta degli strumenti per L'Histoire fu influenzata da un importantissimo evento della mia vita in quel periodo: la scoperta del jazz americano», scrive il compositore, «l'organico si richiama a quello della banda jazz».

L’Historie rivive grazie a Tempo d’Orchestra al Tea-tro Bibiena di Mantova sabato 29 marzo alle 20.45 e il giorno successivo, domenica 30, alle ore 11 nel cartellone di Madama DoRe, ciclo di appuntamenti proposti dall’Orchestra da Camera di Mantova per le famiglie. La versione in programma ha come protagonista il poliedrico “musicattore” Luigi Maio che restitu-isce la fiaba di Afanas’iev con gesto clownesco e con toni cir-censi dialogando con l’ensemble strumentale dell’Orchestra da Camera di Mantova (Filippo Lama, violino, Massimiliano Rizzoli, contrabbasso, Aljaz Begus, clarinetto, Andrea Bressan, fagotto, Emilio Mazzotta, tromba, Eugenio Abbiatici, trombone, Stefano Cantarelli, percussioni) diretto da Marcello Panni (intervista alle pagine 5 e 6, ndr). Nell’opera in due parti di Stravinskij, per la cui reinvenzione ha ricevuto l’ambito Premio dei Critici di Tea-tro 2004/2005, Maio interpreta tutti i personaggi, il narratore, il soldato, il diavolo, mentre la principessa si riduce a una bambo-la di gomma gonfiabile con cui il soldato balla il suo tango. Un avvincente gioco trasformistico condito di ironia che farà appas-sionare all’Histoire grandi e piccini.LA SCHEDA TECNICA DELLO SPETTACOLO DISEGNATA DA LUIGI MAIO

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TESTO

Andrea Zaniboni

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L’ultimo appuntamento della stagione si pone come un riassuntivo ritratto degli interessi e dei molteplici talenti

del solista e direttore tedesco

Ocm e Lonquichdi nuovo insieme

tra Beethovene il Novecento

storico

Alexander Lonquich e l’Orchestra da Camera di Mantova da lungo tempo alimentano un vicende-vole spirito collaborativo, sull’onda di una recipro-

ca e fruttuosa comprensione. Basti dire che le presenze del noto pianista tedesco nel calendario concertistico mantovano veleggiano ben oltre la quindicina, con una di!erenziata tipologia di musiche e di ruoli nella quale la sfaccettata personalità di Lonquich trova – per lo sguardo di chi volesse ripercorrere questo suo lungo itinerario mu-sicale locale - un’e#cace rappresentazione.

Non stupisce dunque che l’ultimo appuntamento della stagione sia a suo modo un riassuntivo ritratto degli interessi e dei molteplici talenti di questo interprete che vedremo ancora una volta alla tastiera e nel ruolo di diret-tore, un ruolo che negli ultimi anni egli ha coltivato con crescente attenzione.

Due, sostanzialmente, le aree di intervento: la prima riservata a Beethoven, con una doppia fermata su pagine destinate originariamente alla scena (le ouverture Per l'onomastico, in do maggiore op.115, e Le rovine di Atene destinata ad un lavoro utile ad inaugurare il teatro tede-sco di Pest), ed una terza sul Concerto in do maggiore op.15 per pianoforte e orchestra, pagina brillante e gioiosa che avvìa u#cialmente, alla fine del diciottesimo secolo, il ca-pitolo dei concerti pur essendo in realtà la seconda prova

di questo genere in ordine cronologico; poi, una ulteriore area riservata alla musica del Novecento storico, con gli esempi saporiti delle celebri Danze di Galànta dell’unghe-rese Zoltán Kodály, scritte nel 1933 a rappresentazione dei propri anni di gioventù (in questa piccola cittadina oggi appartenente alla Repubblica Slovacca, egli trascorse ben sette anni della sua infanzia) e della fascinosa cultura po-polare magiara e zigana; nonché del Concerto n.2 per pia-noforte e orchestra op.102 del russo $ostakovi!, una compo-sizione che ci conduce oltre la metà degli anni Cinquanta e che, senza ruvidi strappi sperimentali verso l’avvenire, appare come il solare, giocoso ritratto di un maestro che s’intrattiene pacificamente con i suoi straordinari doni in-ventivi: i ritmi frementi, le abilità velocistiche, le liriche oasi di serena, a!ettuosa riconciliazione con il mondo, in un momento storico a lui favorevole dopo gli attacchi poli-tici di matrice stalinista subiti negli anni precedenti.

Una scelta di partiture, riassumendo, che non giustappone semplicemente classicità e modernità in una specie di accurata esposizione di belle pagine, ma ritrae scorci di vita, scegliendo di mostrare l’arte – con orgoglio-so senso di appartenenza - come riflesso di un mondo in cammino, fra le luci dell’opera, le memorie delle “accade-mie” europee, le spontanee espressioni popolari, le corag-giose battaglie dei musicisti innovatori.

Mantova, 09 aprile 2014Teatro Sociale, ore 20.45

ORCHESTRA DA CAMERA DI MANTOVA

Alexander Lonquich, pianoforte e direttore

Musiche di L.v. Beethoven,

Z. Kodály, D. !ostakovi!

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ALEXANDER LONQUICH

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2_ In memoria di Abbado / 2Grammofono

TESTI1 _ Luca Segalla2 _ Michele Ballarini3 _ 4 _ Paola Artoni

Sull’arte di Claudio Abbado è arrivato, purtroppo, il momento di ”fare il punto”. Il suo lascito discografi-co, fortunatamente di facile disponibilità e reperibil-

ità, fedele specchio del suo mondo di uomo e musicista, si rivolge a quella miriade di autori dei quali il Nostro fu grandissimo interprete senza alcun cedimento o caduta di gusto e nel contempo a!rontati con lucida oggettività, tale quest’ultima da comunicarci un messaggio scevro da qualsiasi compiacimento o concessione a mode e sno-bismi: da Mozart a Debussy, da Musorgskji a Mahler, da

Prokof'ev a Berg, la sua bacchetta è ancora e sempre una guida che possiamo seguire con piena fiducia. Un reper-torio questo scavato e rivissuto negli anni, con complessi orchestrali e in situazioni diverse, ma tale da far intrav-vedere in alcune riproposte un raggiungimento della per-fezione. Indimenticabili e irrinunciabili a nostro parere il Rossini del Viaggio a Reims, il Verdi del Simon Boccanegra, Il Musorgskji del Boris Godunov e soprattutto il suo ultimo Mahler: viaggi emozionanti che ce lo restituiscono, an-cora vivo, sul podio.

1_ In memoria di Abbado / !DVD

Quando scompare una personalità come quella di Claudio Abbado si apre un grande vuoto. A colmarlo, almeno in parte, restano le registrazioni, testimoni-anza di una carriera straordinaria che nell’ultimo decennio, nella rarefazione

imposta dalla malattia, ha raggiunto momenti di commuovente intensità. Abbiamo scelto il video realizzato nell’aprile del 2006 al Musikverein di Vienna con la Gustav Mahler Jugendorchester, uno dei gioielli sinfonici del Maestro milanese. Sobrio e intenso Schoenberg, sublime Mahler. La Quarta sembra emergere dalle nebbie del ricordo, struggente e dolcissima: un’appassionata dichiarazione d’amore alla vita. Il movimento iniziale è immerso in uno stupore luminoso, come alla prima alba del mondo; morbida e piena di sentimento, in quello conclusivo, è la voce del soprano Juliane Banse. E poi i glissandi, ovunque, sensuali e insieme casti, tratteggi iati con somma cura. I ragazzi della Mahler sembrano molto più esperti della vita e della mu-sica di quanto dichiarino i loro volti. E Abbado ha l’espressione di chi è rapito dalla bellezza. La stessa che aveva nel suo ultimo concerto, a Lucerna, il 26 agosto del 2013.

Mahler, Sinfonia n. 4. Schoenberg, Pelleas und Melisande. Direttore: Claudio Abbado; Gustav Mahler Jugendorchester. 1 DVD Medici Arts (2055488).

Torna Ravenna Festival, manifestazione a livello europeo multidisciplinare che presenta proposte produzioni originali tra arte e musica (lirica, concerti, danza, jazz,

musica etnica, teatro, cinema e arte) allestite negli spazi della città. Contestualmente, sino al 15 giugno al Museo d’Arte della città di Ravenna ( INFO / www.museocitta.ra.it), è in corso L'incanto dell'a!resco, un'esposizione cheripercorre la secolare storia e fortuna della pratica del distacco delle pitture murali, una storia del gusto, del collezionismo, del restauro, ma anche della tutela, con prestiti internazionali.

4_ A Ravenna tra Festival e a"reschi

Arte

La città estense respira musica e arte grazie a Ferrara in Jazz 2014, in corso sino al 24 aprile al Torrione di San Giovanni ( INFO / via Rampari di Belfiore,

167, www.jazzclubferrara.com) con nomi di primissimo piano della scena internazionale. E sino al 15 giugno Fer-rara ospita nel Palazzo dei Diamanti la mostra Matisse, la figura. La forza della linea, l'emozione del colore ( INFO / diamanti@comune.fe.it) dedicata al genio di Matisse e alla sua ricerca intorno alla rappresentazione della figura, soprattutto femminile.

3_ A Ferrara il jazz incontra Matisse

Arte

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TESTI5 _ Claudio Fraccari7 _ Giorgio Signoretti 7 _ Simonetta Bitasi

“ Le mie prime scoperte musicali furono fatte attra-verso la radio. Dal 1936, a sette anni, ho cominciato a sentire le opere liriche, mio padre aveva i libretti

e come carabiniere aveva l’ingresso a teatro… Poi quando sono stato più adulto andavo regolarmente all’opera. Ho molto amato tutta quella musica del volgere del secolo Ottocento… Alla musica mi sono legato anche per l’a!etto che porto al maestro Antonio Ballista, pianista, composi-tore, che ha pure un’orchestra e ne fa di tutti i colori. Con

lui faccio spesso incursioni tra fiabe musicali, da Pierino e il lupo al Babar di Francis Poulenc. Un giorno ho letto in una nota che Collodi, dieci anni prima di Pinocchio, aveva tradotto i racconti bellissimi di Ma Mère l'Oye. Ho scoperto che Ravel li aveva musicati, ho chiamato Ballista e gli ho detto: «Cretina, perché non le abbiamo mai fatte? Vieni subito». E via un altro racconto in musica”. (Paolo Poli)

Da: Alfabeto Poli, a cura di Luca Scarlini, Einaudi

7_ Paolo Poli scopre la musicaLeggere

6_ A proposito di… Oscar IsaacAltra Musica

L’uscita nelle sale cinematografiche dello splendido A Proposito di Davis (Inside Llewyn Davis) dei fratelli Coen ci permette di violare, quasi voyeuristica-

mente, i templi della bohéme statunitense dei primis-simi anni Sessanta, in particolare il Gaslight Cafe di New York. Se del film si è già parlato parecchio, è forse utile provare a isolare alcuni aspetti “interni” del suo back-ground musicale. Il libro che lo ispira è la vivida autobio-grafia di Dave Van Ronk, (Manhattan Folk Story, Bur). Il Llewin Davis del film, un “beautiful loser”, non potrebbe tuttavia essere più lontano dal reale Van Ronk, talento

vocale e strumentale di prima grandezza, decisamente riconosciuto nella competitiva scena del Greenwich Vil-lage e adorato da Bob Dylan, autore di più di uno spetta-colare furto delle sue idee interpretative. Ma l’allegoria a chiasmo di un Davis al tappeto, costretto a cedere il passo proprio ad un Dylan emergente, rottamatore poco più che ventenne di un’intera generazione di pregiati ma spesso calligrafici folksinger, è di una precisione chirur-gica. Tuttavia la vera sorpresa, musicalmente parlando, viene dalle intense e (quelle sì) vanronkiane esecuzioni di un magnetico Oscar Isaac.

Dopo un film (Non è un paese per vecchi) in cui era assente, i fratelli Coen con A proposito di Davis mettono la musica al centro, sul piano sia temati-

co che stilistico. La vicenda del chitarrista folk Llewyn Davis, che nel Greenwich Village del 1961 vive senza fissa dimora, si fa paradigma di un fallimento – artistico ed esistenziale. Girovago come un gatto (e un gatto di nome Ulisse ne è infatti l'alter ego), tira a campare esi-bendosi in un club per due soldi, e reclamando invano 'royalties' del suo primo disco; tenta poi la fuga altrove in cerca di una fortuna che non trova. La sua parabola

disperata è circolare, torna come il refrain di una can-zone: inizio e fine coincidono, con imprevisto flashback. Terminata l'esibizione nel solito club, sul retro lo attende un pestaggio; intanto, sul palco gli è subentrato un certo Bob Dylan. Se i Coen amano i personaggi eccentrici e perdenti, qui toccano l'acme, soffondendo il testo filmi-co di amara ironia, nei dialoghi e nelle inquadrature. Il lascito è che il talento non basta, i compromessi nep-pure; occorre trovarsi al posto giusto nel momento gi-usto. Tardi è tardi, ma si può almeno mettersi in scia; arrivare troppo presto, invece, brucia ogni possibilità.

5_ Se il talento non bastaColonna Sonora

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Sede Orchestra da Camera di Mantova / piazza Sordello 12, Mantova

T. 0376 360476M. biglietteria@ocmantova.comW. www.ocmantova.com

Dal lun al ven ore 10 - 13 e 15 - 18

Nei giorni di concerto la biglietteria si trasferirà in teatro da un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.

INFORMAZIONI E BIGLIETTERIA—

Con il sostegno di

INNOVARTE

Mantova, Teatro Sociale, ore 20.45Junge Deutsche Philharmonie Renaud Capuçon, violino Stefan Asbury, direttoreMusiche di F. Schreker, R. Schumann, D. !ostakovi!

Mantova, Teatro Bibiena, ore 20.45

“STORIA DEL SOLDATO”

Ensemble dell’OcmMarcello Panni, direttoreLuigi Maio, regia e musicattore

Musiche di I. Stravinskij

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Mantova, Teatro Bibiena, ore 20.45

Steven Osborne, pianoforteMusiche di M. Ravel, S. Prokof’ev, S. Rachmaninov

Mantova, Sala Norlenghi, ore 18Ingresso liberoPAROLENOTE

Gian Paolo Minardi racconta !ostakovi!

Conferenza di avvicinamento all’ascolto del concerto della JDPM

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Mantova, Teatro Bibiena, ore 11

Madama DoRe

“STORIA DEL SOLDATO”Ensemble dell’OcmMarcello Panni, direttoreLuigi Maio, regia e musicattore

Mantova, Teatro Sociale, ore 20.45

Orchestra da Camera di Mantova Alexander Lonquich, pianoforte e direttore

Musiche di L.v. Beethoven, Z. Kodály, D. !ostakovi!

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STAGIONECONCERTISTICA TEMPO D’ORCHESTRA2013/2014_XXI ediz ione

PROSSIMI APPUNTAMENTI—

Cmusica

30/0502/06Arte,Incontri,

M 2EDI- Z IONE

T. +39 0376 368618info@mantovachamber.com

www.ocmantova.com www.mantovachamber.com

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