Marco Randazzo - Catalogo 2014

Marco Randazzo

Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo

Crediti fotografici Claudia Spurio (opere) Francesco Campisi

Traduzioni in inglese Graziana Russo Giovanna Grande

Grafica e impaginazione Antonio Buonarota

Contatti Marco Randazzo +39 339 82 34 785 [email protected]

Prefazione ......................................................................5

L’Arte siamo noi ............................................................11

Appunti – Vortici d’artista ...............................................35

Frame ..........................................................................49

Biografia .......................................................................67

Indice

Per Marco Randazzo la pittura è un impegno totalizzante che pervade tutta la sua giovanissima vita e lo coinvolge completamente mettendolo costantemente in crisi. Crisi che, per nostra fortuna, sfocia in ricerca stilistica volta a trasmet-tere il suo messaggio mediante il segno e il colore. Un segno ed un colore in eterno conflitto e che in questo scambio si legittimano reciprocamente.

Quella di Marco Randazzo è un’arte astratta che nella sua essenzialità è la più adatta a veicolare il disagio di vivere in un tempo in cui il giovane artista sente di non poter esprimere il proprio potenziale e di essere nella impossibilità di farsi comprendere: “Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo” è il suo refrain.

Il trasferimento, dalla calda, assolata e quasi sonnolenta Sicilia, alla fredda, nebbiosa e frenetica Milano, radicalizza nell’artista il sentimento di solitudine originato dalla difficoltà di creare legami. Egli ama Milano tant’è che dedica alle stazioni della metropolitana che frequenta, diverse tele, ma queste opere hanno come leit-motiv tutta una serie di intrecci e di corde che si tendono e che sono simbolo di incomunicabilità.

Le opere create durante il periodo della sua ricerca critica sul mondo informa-tico che da qualche decennio domina l’arte, presentano scritte computerizzate volutamente errate, numeri e lettere che si rincorrono errori di sistema li defini-sce, e rappresentano proprio l’incomunicabilità. Una incomunicabilità che egli denuncia anche attraverso l’esplosione dei colori che rappresentano il caos della vita.

La sua attività a stretto contatto con gli artisti e gli studenti dell’Accademia di Brera lo porta ad intensificare la ricerca che adesso è volta ad indagare il con-cetto di arte che spesso è negata, morta perché incompresa e che, attraverso buchi e fuoco, rinasce dalle sue ceneri.

5

Carta strappata e bruciata che ripete i concetti della rinascita dell’arte, sovrapposizioni di strati che raffigurano gli strati socia-li, vortici centrali, astrali che richiamano l’ultraterreno, esplosioni di colori contrastanti che rappresentano il caos della vita, il gial-lo che prorompe da un nero cratere come vita che rinasce, sono questi gli elementi principali dell’ opera su carta: “Neutron Star Collision − Love is Forever”.

Spesso la musica è all’origine della sua ispirazione, molte sue opere hanno per titolo quello della musica che in quel momento lo coin-volge emotivamente e che fa da sottofondo alla sua vita artistica e ne evidenzia gli stati d’animo. Dal timido Io che tenta di bucare la carta sovrastato ed imprigionato da spessi segni neri che vogliono negarne l’esistenza, si passa all’irriverente affermazione di “Io della bellezza non me ne faccio un cazzo” dove il cerchio trova la sua perfezione nella determinatezza delle linee e nella campitura colo-ristica perché adesso l’artista è consapevole della sua forza che lo porta ad affermarsi al di sopra dei luoghi comuni: la bellezza per me non è quella che tutti intendono, è altro, così come “I miei giorni sono migliori delle vostre notti”. La bellissima opera “La presun-ta santità di Irene” è il frutto di un processo che lo porta ad una sorta di ottimismo: l’artista c’è e la sua voglia di esplicitare il suo mondo interiore alla fine prevale.

“Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo”, ma è proprio così? Le sue opere ricche di colori vivi che balzano agli occhi e spingono l’osser-vatore a chiedersi cosa vogliano rappresentare i vortici, i buchi, i fra-me, le corde, la carta bruciata, COMUNICANO la voglia di emergere, di realizzarsi e affermare la sua identità attraverso l’arte astratta che diventa concreta nel momento in cui il fruitore cerca di spiegarla per comprenderne il significato.

Luciana Tiralongo

6

For Marco Randazzo painting is an all-absorbing commitment which pervades all his young life and involves him completely, putting him in an endless crisis that, fortunately, outcomes in a design research aimed to conveying his mes-sage through the signs and the colors. Sign and color involved in an eternal conflict that, in this exchange, will allow each other.

Marco Randazzo’s art is abstract and, in its essence, is most appropriate to convey the awkwardness of living in a moment where the young artist feels he cannot express his potential and to be understood from the others: “Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo” it’s his refrain.

His moving from the warm, sunny and almost sleepy Sicily, to the cold, foggy and busy Milan, increases a feeling of loneliness caused from the difficulty to create relationships in this big city. He loves Milan so much, in fact he dedicates many paintings to the metro stations that he usually uses, but these works have as leitmotif: a series of twists and ropes that are stretched and that become a symbol of the lack of communication .

The works created during the period of his critical research about computers world, that dominates art for several decades, show computerized and deliber-ately uncorrected signs, numbers and letters chasing after each other, “system errors” as he defines them, that represent the lack of communication. An in-communicability that he also denounced with the explosion of colors represent-ing the chaos of life.

Its work closely with artists and students of the Academy of Brera lets him to intensify the research that now is focused on the concept of art that is often denied, dead because misunderstood and that, through holes and fire, rebirth from its ashes.

Burnt and torn paper repeating the concept of the renascence of art, overlap-ping coats representing the social layers, central and astral vortices that recall the ethereal , bursts of contrasting colors that represent the chaos of life, yellow

7

bursts from a black crater as regenerated life. These are the main elements of the work on paper “Neutron Star Collision - Love is Forever”.

Music is often the source of his inspiration, many works have the title of the songs that in a particular moment involve him emotionally and that sound like a background of his artistic life (and highlight the moods).

His “Music Lesson” shows a shy Ego that tries to cut the paper, dominated and imprisoned by deep black signs which want to deny its existence, but the artist, and his desire to succeed and to com-municate, win at the end.

The shy Ego trying to pierce the paper dominated and imprisoned by thick black signs who want to deny its existence, it passes to the irreverent affirmation “Io della bellezza non me ne faccio un ca-zzo” where the circle finds its perfection in the lines determination and in the pattern of color because now the artist is conscious of his power that leads him to assert itself above the clichés: in my opinion the beauty is not what everyone else means, it is different, as well as “Le mie notti sono migliori dei vostri giorni”.

The beautiful painting “La presunta santità di Irene” is the result of a process that leads him toward a kind of optimism: the artist is here and his desire to explain his inner world prevails at the end.

“Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo” but is it really so? His works are rich in bright colors that catch the eye and push the viewer to wonder what the vortices, the holes, the frame, the strings, the burnt paper want to symbolize: they COMMUNICATE the desire to emerge, to develop and assert their identity through abstract art that becomes concrete when the user tries to explain it to understand its meaning.

Luciana Tiralongo

8

L’Arte siamo noi Cerchi, colori, sfumature, imperfezioni, sporcature, spaccature, bruciature, let-tere e segni, codici e pezzi di sé. L’opera di Marco Randazzo può apparire caotica, richiedere al fruitore uno sforzo di organizzazione percettiva non indif-ferente. Perché l’animo umano è consolato dall’ordine, è rassicurato quando dà significato alle cose, tende per sua natura a mettere ordine nel caos. Marco il proprio caos lo butta sulla tela, non ha paura di osservarlo, né di giocarci, non potendo esimersi anche lui dal ricercarvi un ordine. Tramite colori, cerchi, vortici, che come forze istintive si sovrappongono sulla tela, alla sua maniera, proietta immagini che probabilmente non riuscirebbe a spiegare con un altro linguaggio. Accetta il proprio disordine, sta nella propria confusione, segno che denota grande maturità emotiva e sforzo esistenziale. Ma l’istinto umano unito a un’instancabile ricerca interiore dell’artista lo spinge a chiedersi cosa “ha in mente e non riesce a dire”, a trovare un nesso, un collegamento tra sé e l’am-biente che lo circonda, ora sono i legami interumani, ora il cosmo o l’universo intero.

Le domande si sovrappongono e l’opera cambia faccia. Compaiono i bordi, le bruciature, elementi nuovi, più pensati forse, o semplicemente necessari per sfamare il bisogno di completezza. Tenta di chiudere il cerchio, di dare signifi-cato a ciò che di getto ha buttato lì sulla tela, di dare un significato alla propria opera, e così darsi risposte.

Randazzo è una persona riservata, timida, molto sensibile, quasi da maneggiare con cura; lui si definirebbe un artista atipico, poiché nella vita di tutti i giorni tende a defilarsi, a farsi notare poco, ascolta la propria solitudine con curiosità, e non ostenta la sicurezza di sé che ci si aspetterebbe da un artista. Il rapporto con le sue opere è di amore e odio, e questo fa trasparire un altrettanto rapporto con se stesso. E’ una personalità ben strutturata, alla ricerca continua di equi-librio, nonostante ciò è armoniosa e delicata, tendente alla razionalizzazione, da qui il bisogno viscerale di capire, comprendere ciò con cui entra in contatto. Il suo modo di sentire è più una registrazione che una vera interiorizzazione, e questo è proprio delle persone che danno ai propri sentimenti svuotati del loro contenuto, una forma intellettualizzata ed estetica, arte come sublimazione

11

delle emozioni. La stessa scelta, più o meno casuale, di riprodurre cerchi, e in genere figure geometriche, è pensabile come una rispo-sta al bisogno di razionalizzare le esperienze e una voglia di mettere a posto i pensieri racchiudendoli dentro a uno schema sintetico. Ma i cerchi possono denotare anche una certa chiusura di sentimento, dominato dalla logica. Il Cerchio tradizionalmente rappresenta la perfezione, la compiutezza, l’unione, ciò che non ha rottura e cesu-ra. Emblema di ciò che non ha inizio né fine, formato da una linea unica le cui estremità si ricongiungono per annullarsi l’una nell’altra. E non a caso le figure circolari che Marco rappresenta sono vortici, incompiuti spesso, o non chiusi, o ancora imperfetti, come se i conti con la realtà non tornassero e la rottura piombasse impietosa, come se la perfezione fosse un concetto a cui ambire, ma sfuggente, im-palpabile.

Ottimista per scelta e inclinazione, alla continua ricerca della radice e del significato dei rapporti umani, e con essi della felicità con la F maiuscola. Il suo è un intimo desiderio di contatto con l’altro. Il rapporto con le proprie emozioni è conflittuale, teso, mediato e tal-volta subìto, da qui la frase “HO TUTTO IN TESTA E NON SO COME DIRLO”. Perché in Marco è presente una continua spinta alla ricerca dell’origine delle cose e delle connessioni tra gli esseri umani, una ricerca che spesso finisce con l’amara conclusione dell’impossibilità del rapporto, dell’incomunicabilità, del bisogno di essere ascoltati e visti. Ed è proprio il rapporto con l’affettività la chiave di volta per capire la persona, Marco mette in atto espedienti per mascherare il proprio stato d’animo, direi che la sua intera arte ha questa funzio-ne, è come se fosse una modalità di reazione ai turbamenti e alle emozioni della vita quotidiana. Come se le emozioni non fossero elaborate ma direttamente rinviate alla tela, e così la squarciano, la rovinano, la consumano, creando immagini confuse, colori che chie-dono di essere contenuti, ordinati, racchiusi in griglie interpretative,

in bordi neri, anche quando caotici vanno oltre la tela, oltre la realtà, oltre la capacità umana di contenimento. L’elemento del fuoco, altro tratto distintivo delle sue rappresentazioni, è senza dubbio legato all’istinto dell’artista, che è quello della costante ricerca della perfe-zione nel suo significato più ampio, come ad esempio è la Felicità. Il fuoco che ingeneroso brucia la tela, come se l’artista a volte non sia soddisfatto del proprio lavoro e chieda a se stesso di più, bru-cia per ricreare, o per lasciare volutamente sulla tela cicatrici, che ricordino i tentativi e la spinta a fare sempre meglio, a continuare la ricerca di nuovi modi e nuove espressioni che rappresentino meglio ciò che Marco HA IN TESTA MA NON RIESCE A DIRE. Ed è così che la persona sopravvive, si mantiene integra, bruciando, squarciando e colorando la tela, quasi come un Dorian Grey di Wilde, che restava giovane e intoccato a discapito della tela col proprio ritratto. Perché la tela, il quadro non è altro che una proiezione di parti di sé, di quello che Marco ha in testa e non riesce a dire a parole, e a volte neanche a pensare.

Le sue opere sono rappresentazione di sé. Ma anche un messag-gio dell’artista: la consapevolezza che c’è qualcosa di più grande che forse non riusciremo a comprendere, e la necessità di giocare con l’arte e prendersi poco sul serio per sopravvivere. Perché l’Arte siamo noi.

Serenella Spitale

12

Circles, colors, hues, imperfections, dirtying, cracks, burns, letters and signs, codes and pieces of himself. The work of Marco Randazzo may appear chaotic, asking to the user a big effort for a perceptual organization. The human soul is comforted by the order, is reassured when it finds meaning of the things, when its nature puts order into chaos. Marco throws the chaos on the canvas, he has not afraid to look at it, or to play with it, because he could not avoid to search an order in it. Through colors, circles, swirls, that as instinctive forces invaded the painting, in their own way, he projects images that probably would not be able to explain in another language. He accepts the disorder, his own confu-sion, a sign that denotes great existential effort and emotional maturity. But the human instinct combined with a persistent search for the artist’s inner pushes him towonder what “he has in mind and cannot say,” to find a link, a connection between the identity and the environment that surrounds it: both the human interactions and the cosmos or the universe.

The overlap of questions and the works get a different shape. Edges, burns and new elements appear, perhaps more heartfelt, or simply required to find completeness. He tries to close the circle, to give meaning to what has mixed on the paintings, to give sense to his work and, so, to give answers.

Randazzo is reserved, shy, very sensitive, almost to be handled with care. We would describe him as an atypical artist, because in everyday life tends to slip away, to get noticed little and listen to his loneliness with curiosity. He does not show off the self-confidence that usually you would expect from an artist. The approach with his works is love and hate, and this expresses a fair relationship with himself. His well-structured personality, the constant search for balance, in spite of what is harmonious and delicate, disposed to rationalization, therefore the visceral need to understand, to know what which he comes into contact. His way of feel is a recording more than a simple internalization as well as people who give to their feelings emptied of their contents an intellectualized form and aesthetics: art as a sublimation of emotions. The same choice, more or less casually, to reproduce circles and generally geometric shapes, is a response to

We are art

13

the need to rationalize the experience, and a desire to arrange the thoughts, enclosing them in to a synthetic scheme. But circles can also represent a feeling of closure, which is dominated by the ration-ality. The circle traditionally represents perfection and completeness, the union. Symbol of what has no beginning or end, designed only by a single line. So, on the canvas all the circular shapes are vortices, often incomplete, or not closed, or still imperfect, as if there was something incorrect in the reality, as if perfection was a concept to be attained, but abstract, intangible.

The artist is essentially optimist, he is continuously searching for the source and meaning of human relationships and, with them, for the real happiness. His most important desire is the connection with each other. The relationship with his emotions is provocative, nervous, and sometimes suffered, hence the phrase «I HAVE EVERY-THING IN MY HEAD AND I DO NOT KNOW HOW TO SAY». Because Marco is always looking for the origin of things and the connections between human beings, a search that often ends with the bitter conclusion of the impossibility of relationships, inability to communi-cate, the need to be heard and seen. And is the relationship with the emotions the key to understand the personality of the artist. Marco enacts tricks to mask his mood. His entire work has this feature, it is as a way to react to the confusion and emotions of everyday life. As if emotions were not elaborate but directly sent back to the can-vas, and so the tear, the ruin, consume it, creating unclear images, colors that are asking to be content, fixed, wrapped in interpretative networks, in blacks edges, even when they are going beyond the canvas, beyond reality, beyond the human capacity for containment. The element of fire, another peculiarity of his representations, is certainly linked to the instinct of the artist, which is the constant pursuit of perfection in its broadest sense, such as is Happiness. The fire that arrogantly burns the canvas, as if the artist sometimes

were not satisfied with his work and ask himself more. It burns to recreate, or to impress deliberately scars on the canvas, in order to remind tentative to do always better and to continue the search for new ways and expressions that best represent what Marco HAS IN THE HEAD BUT HE CAN NOT SAY. The only way to survive, to remain intact is burning, tearing and staining the canvas, almost like a Do-rian Grey by Wilde, who was still young and intact to the detriment of the canvas with his own portrait. The canvas, the picture is nothing more than a projection of parts of himself, of what Marco has in his head and he can not say in words, and sometimes to think either.

His works are self-representation, but also an artist›s message: the knowledge that there is something bigger that you may not be able to understand, and the need to play with art and take very seriously in order to survive. Because We are Art.

Serenella Spitale

14

Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo,quando apro gli occhi e i rumori della notte risuonano ancora dentro di me,quando cammino per strada e il cielo mi ricorda che siamo davvero piccoli.

Ho tutto in testa quando osservo la gente che vive distratta,distratta da un mondo che in realtà non esiste ma ti brucia dentro,

quando i miei passi incrociano gli sguardi stanchi di chi lavora.Ho tutto in testa mentre mangio una mela seduto sotto un albero,quando le nuvole si avvicinano lentamente sopra i nostri pensieri.

Quando i fiori non emanano nessun profumo e i bambini ingrassano in casa.Ho tutto in testa quando il mio sorriso esplode all’improvviso,

quando penso che ho tutto in testa.Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo,

ma sono sicuro che questo temporale laverà via ogni dubbio,ogni pensiero inespresso inonderà un bicchiere troppo piccolo

che ben presto traboccherà su di me, su di noi.Non riesco a dirlo…

PER COMBATTERE L’ACNETecnica mista su carta montata su tela74 x 117 cm

STIMOLIVIDITecnica mista su carta70 x 140 cm

NEUTRON STAR COLLISION – LOVE IS FOREVER)Tecnica mista su carta104 x 138 cm

IO DELLA BELLEZZA NON ME NE FACCIO UN CAZZOTecnica mista su carta80 x 83 cm

FUOCO SU DI NOITecnica mista su tela31 x 33 cm

STRANI GIORNITecnica mista su tela

31 x 33 cm

TUTTO DOMANITecnica mista su tela60 x 80 cm

LE MIE NOTTI SONO MIGLIORI DEI VOSTRI GIORNITecnica mista su tela105 x 85 cm

MI TROVO NUOVOTecnica mista su tela60 x 80 cm

CI SARA’ UNA BELLA LUCETecnica mista su tela

70 x 110 cm

IL SUICIDIO DEL SAMURAITecnica mista su tela

100 x 145 cm

SPRECA UNA VITATecnica mista su tela 70 x 110 cm

I TUOI WEEKEND MI DISTRUGGONOTecnica mista su tela 70 x 110 cm

The background of Marco Randazzo ranges from Mediterranean in-fluences of his homeland, Sicily, to the academic formalism of Brera embracing, at the same time, all the best Italian art has expressed. His production is diversified and follows, time after time, that we can define a continuous search for the Ego that becomes research for the man. It is an analysis of the society, where all canonical patterns, that the human being has ever known, have failed, leaving anyone lonely in a society transformed by new media in a solitude mass focused on telecommunication and stereotypical images.

This research leads Marco to play with the new means of expres-sion by altering his subjects, almost looking for find new and deeper meanings. This last production is focused on a total absence of real subjects and on the obsessive repetition of a sentence, which be-came a kind of ancestral mantra of the artist, “I HAVE EVERYTHING IN MY HEAD BUT I CAN NOT TO SAY IT”. This incapability to express an interior thinking, at the same time light and evanescent, because everything in this society seems both clear and falsified, leads Ran-dazzo to unveil his inner chaos through repetition of concentric vor-tices, with a rich and solid color palette.

The production here showed is a series of 10 tables that Marco defines “NOTES”. Compared to the past now his research becomes more intimate. Large areas are replaced with small sheets, that are not other that re-workings of pages of his master thesis. In these works, compared to the previous, the sign is more incisive and defi-nite. The vortex becomes a friendly figure, a creative chaos where the artist finds a safe to escape the banality of reality, that does not offer nothing. The color palette used is very suggestive and be-comes effective realization of the Marco need to express himself. Each color sign is nothing more than a thought, an hidden move-ment, that MUST be disclosed but that is not a single image: it is the sum of all the images and thoughts that turn into this vortex of

color. It goes from warm and passionate colors, red and yellow, to reach the serenity of the cold tones of blue, green, azure. There are not other colors, only thin and black circles symbolizing that a positive vision of reality prevails in this interior magma, focused on the contrast between determined and colorful traits, occupying the central part of the plates, and little blacks and marginal circles in the side. In one of these boards the circles seems to make a face: is it maybe a physical projection of the artist who, emerged from the chaos of his wheels, quietly looks at the world with a complete disconnect from reality?

Emanuele Cuciniello

APPUNTI

34

La formazione di Marco Randazzo spazia dalle mediterranee conta-minazioni della sua terra, la Sicilia, fino al formalismo accademico di Brera abbracciando al contempo tutto il meglio che l’arte italiana ha espresso. La sua produzione è molto variegata perseguendo, nel tempo, quella che possiamo definire una continua ricerca dell’io che si fa ricerca dell’uomo. Un’analisi di questa società, dove tutti gli schemi canonici che l’essere umano ha sempre conosciuto sono venuti meno lasciando l’individuo in balia di se stesso, in una collet-tività che i nuovi mezzi di comunicazione sempre di più ha trasfor-mato in una solitudine di massa fatta di post telematici e immagini stereotipate.

La ricerca di Randazzo lo porta a giocare con i nuovi mezzi espressivi alterando i propri soggetti, quasi a volerne cercare significati nuovi o più profondi. Questa sua ultima produzione è caratterizzata da un’assenza totale di soggetti reali e dalla ripetizione ossessiva di una frase, che ormai è divenuta una sorta di mantra ancestrale per l’artista, “HO TUTTO IN TESTA MA NON RIESCO A DIRLO”. Questa incapacità di esprimere un elaborato interiore al contempo chiaro e fuggevole, perché tutto in questa società sembra tanto palese quanto distorto, porta Randazzo a esprimere il suo caos interiore attraverso la ripetizione di vortici concentrici, caratterizzati da una tavolozza cromatica ricca e decisa.

La produzione qui presentata è una serie di 10 tavole che Marco de-finisce “APPUNTI”. Rispetto al passato ora la ricerca si fa più intima, le grandi superfici lasciano spazio a piccoli fogli, che altro non sono che rielaborazioni di pagine della tesi del nostro artista. Il tratto di queste opere rispetto al precedente è più spesso, deciso. Il vortice diviene una figura accogliente, un caos creativo in cui l’artista si rifugia per fuggire dalla banalità della realtà, che non offre nulla per cui valga la pena vivere. La gamma cromatica usata è molto interessante e diviene quasi materializzazione concreta del bisogno

che Marco ha di esprimersi. Ogni tratto di colore altro non è che un pensiero, un moto interiore, che DEVE essere registrato ma che in questo momento non è immagine, bensì la somma di tutte le imma-gini e i pensieri il cui elaborato concreto si trasforma in tale vortice di colore. Si passa dai toni caldi e passionali, rosso e giallo, per giun-gere alla serenità di quelli freddi del blu, verde, azzurro. Non ci sono altri cromatismi se non sottili cerchi neri sintomo che, a prevalere in questo magma interiore, è comunque una visione positiva della realtà, caratterizzata appunto dalla contrapposizione tra decisi tratti che occupano la parte centrale delle tavole, carichi di forti colori, e sottili cerchi neri marginali e in secondo piano rispetto alla visione organica e complessiva dell’opera. In una delle tavole questi cer-chi sembrano quasi formare un volto fumettistico: che non sia una proiezione fisica dello stesso artista che, emerso dal caos dei suoi cerchi, guarda con sereno distacco la concreta realtà del mondo?

Emanuele Cuciniello

VORTICI D’ARTISTA

35

APPUNTI #01Tecnica mista su carta 21 x 29 cm

APPUNTI #02Tecnica mista su carta

21 x 29 cm


21 x 29 cm

Nel pieno degli anni Sessanta gli studenti italiani ebbero per la prima volta l’occasione di leggere, nella loro lingua, lo scritto di Walter Benjamin dal titolo “L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica”. Quel testo che tutto era tranne che una critica di stampo luddista alle tecnologie fotografiche e cinematografiche degli anni Trenta, aprì il campo ad una proficua serie di rifles-sioni storico-artistiche incentrate sul tema della tecnologia nel mondo dell’arte e sugli effetti che tali innovazioni avrebbero potuto sortire nel ventesimo secolo.

Oggi le opere di Marco Randazzo spostano la questione su un piano ulteriore e complementare, quello della leggibilità dell’opera d’arte creata tramite appli-cazioni e tecniche informatiche. Non è un caso il fatto che l’artista, in questi lavori, abbia spostato in posizione decentrata le consuete forme circolari già apparse in altri progetti, talvolta introdotte come ad evidenziare determinati sgocciolamenti di colore.

In questo gruppo di opere l’artista lascia al centro della composizione il noccio-lo della questione, l’oggetto della disputa: il frame cinematografico riprodotto erroneamente, il frammento digitalizzato di un’immagine che all’osservatore risulta incomprensibile, stampato con strumenti inadatti a riconoscere il nuovo “linguaggio” utilizzato dall’applicazione che l’aveva creato. E lo lascia alla no-stra contemplazione chiedendoci, forse, se la produzione artistica contempora-nea non sia ridotta (o non sia ascesa) a un mero insieme di codici informatici, di prodotti memorizzabili (e riproducibili!) soltanto mettendo in fila una serie di numeri che, dati ad intendere all’applicazione giusta, ci renderanno tal quale l’opera d’arte realizzata in un altro continente da un altra persona.

Quello esposto dall’artista è un grave problema o un semplice tributo da pagare alla tecnologia informatica in cambio degli innumerevoli ed evidenti vantaggi acquisiti? E’ certo un bene poter visionare dalla poltrona di casa nostra la ripro-duzione digitalizzata di un quadro distante decine di chilometri da noi.

Ma la visione frontale di quella determinata opera (con la consistenza delle sue pennellate, le sue dimensioni, il suo “vero” colore, la “fastidiosa” rifrazione della

Frame

49

luce operata dalla sua vernice protettiva, ecc…) può mai essere pa-ragonabile alla sua riproduzione su uno schermo, alla decodificazio-ne di quell’elenco di numeri cui ho accennato? Interrogativo aperto.

In assenza di dispositivi digitali che sappiano tradurre correttamente le intenzioni creative dell’artista le opere diventano invisibili o ri-sultano falsate e modificate nel caso di errori occorsi durante le operazioni tramite le quali tali dispositivi dovrebbero riproporcele. E non solo! L’artista ha l’obbligo di assecondare la macchina, di eseguire secondo il regolamento le sole operazioni consentite, pena l’incomunicabilità del suo pensiero. Lo scenario che rischia di aprirsi è quello dell’oblio eterno per tutte quelle opere d’arte create con applicazioni informatiche che in un futuro più o meno prossimo po-trebbero diventare obsolete e dunque illeggibili.

Marco Randazzo ci offre un assaggio di questo scenario: un frame digitale tratto da un film e stampato secondo un procedimento che non ha rispettato alla lettera il regolamento imposto dalla macchina. Il risultato è l’immagine che non comunica ciò che dovrebbe, ciò per cui era stata ideata, progettata, e realizzata con tutti i partico-lari desiderati dal suo autore. Il colore domina su tutto ma la forma è sparita, la prospettiva non esiste e non vi è alcuna speranza di scorgere sfumature o dettagli di qualsiasi sorta. I crudi pixel hanno divorato senza pietà la fatica di chi aveva avuto il compito di mettere a fuoco la realtà filmica della scena, di chi l’aveva penetrata con la luce desiderata dal suo ideatore. Di queste immagini non compren-diamo più nulla, sono tradotte in una “lingua” alla quale non siamo preparati o che ci sembra aver

dimenticato qualche millennio fa. Ma Randazzo non ci lascia naufra-gare nell’ignoto. Riporta sull’opera una citazione tratta dal film cui appartiene il frame, ci consegna una mappa per uscire dal labirinto e, come a volerci ancora avvisare dei pericoli, ne riscrive alcune parti

utilizzando simboli e numeri, da scartare per arrivare all’uscita, ma che restano da monito e ricordano come, oltre all’immagine, anche la scrittura potrebbe risultare “indecifrabile”. Un’altra citazione, mu-sicale stavolta, ricorre invece in tutte le opere proposte così come appare in altri precedenti lavori dell’artista. Forse in questo progetto comunica l’impasse di un artista alle prese con la macchina dal re-golamento ferreo e che gli vieta di esprimersi liberamente: «Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo!!!». La firma inconfondibile dell’artista, come accennato all’inizio, la troviamo invece ai lati dell’immagine, minacciata da qualche bruciatura, in un sovrapporsi dinamico di segni circolari, strisce che impongono un cromatismo dominante, gocce di colore

schizzate con forza o lasciate precipitare con pazienza. Tutti pronti a riprendersi il centro dell’opera, accalcati verso il punto più ambito della superficie, come a voler ricordare che, nell’epoca dei pixel, c’è e dovrà esserci ancora spazio per la materia disposta manualmente dall’artista, per pittori sporchi di vernice e scultori impolverati fino alla punta dei capelli.

Mauro Mazzone

50

In the middle of the sixties Italian students had, for the first time, the opportunity to read, in their own language, Walter Benjamin’s work entitled “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction “. It is anything but a Luddite criticism of the photographic and cinematographic technologies of the thirties, and opens the way to a successful series of historical - artistic reflections focused on the theme of technology in the world of art, and on the effects that these innova-tions could produce in the twentieth century.

Today Marco Randazzo’s work focuses on a different and complementary plan, that of art readability produced by applications and computer techniques. It isn’t a coincidence that the artist in this work has moved the usual circular forms, already showed in other projects and sometimes introduced to highlight certain dripping colors, from the centre to the off center.

In this group of works the artist places the main point of the issue, the object of the dispute, in the center of the composition: the film frame wrongly re-produced, the image’s fragment digitized, resulting incomprehensible for the observer, printed with tools enable to recognize the new “language” used by the application that created it. The artist lets us to contemplate it and he is asking us, perhaps, if contemporary art production is not reduced (or, maybe, raised) to a mere set of computer codes, stored (and reproducible!) products, only putting series of numbers in a row. Giving these numbers to the right applica-tion, it could make this work of art the same of another one created in another continent by someone else.

Does the artist pose us a serious problem or a simple tribute we have to pay to the information technology to have in exchange many and obvious benefits? It’s obviously a benefit to view in own home the digitized reproduction of a painting, that is normally many kilometers away from you. But the front view of a par-ticular work (with the consistency of his brushstrokes, its size, its “true” color, the “annoying” light refraction from its protective paint, etc ...) could never be comparable to its reproduction on a screen, to the decoding of this numbers list that we mentioned? Open question.

Frame

51

Without digital devices, that are able to translate correctly the cre-ative intentions of the artist, the works become invisible or falsified and modified in case of errors, occurring during operations through which these devices should show them to us. And not only that! The artist is in charge to support the machine, to perform, according to the regulation, the only operations allowed, otherwise his ideas could become enable to be communicated. The scenario that is ex-pected is an never-ending oblivion for all these artistic works, cre-ated with computer applications, that in a more or less near future might become obsolete and therefore unreadable.

Marco Randazzo gives us a preview of this scenario: a digital frame captured from a movie, printed according to a procedure that did not follow literally the regulation imposed by the machine. The result is an image that does not communicate what it should, the reason why it has been conceived, designed and realized with all the details chosen by its author. The color dominates everything but the shape is gone, the perspective does not exist and there is no possibility to see nuances or details at all. The raw pixels have cruelly devoured the job of who had the responsibility to focus on the reality of the film scene, who had penetrated it by the light its creator desired. We don’t understand anything about these images, they are translated in a “Language” that we don’t know or that we think to have forgot-ten a few thousand years ago.

But Randazzo does not leave us dropping into the unknown. He puts on the painting an extract of the movie to which the frame belongs, he gives us a map to get out of the labyrinth and, in order to advise us about the dangers, he rewrites some parts using symbols and numbers, that it is necessary to unwrap to find the exit, but they remains as a warning to remind us how, as well as the image, also the writing can be “incomprehensible”.

Another quote, music this time, occurs in all works, as it appears in other previous works of the artist. Perhaps in this project it commu-nicates the impasse of the artist struggling with the strict regulation that prevents him to speak liberally, “Ho tutto in testa ma non riesco a dirlo! “.

We find the unambiguous signature of the artist, as mentioned at the beginning, on the sides of the image. It is threatened by some burns, in a dynamic overlapping of swirl marks, streaks imposing a chromatic dominant color, drops strongly sketched or let fall with patience. All these things are ready to get back the center of the work, crowded in the most desired point of the surface, as to remind that, at the age of pixels, there is and there will be still a place for handmade material of the artist, for painters dirty of paint and sculp-tors dusty up to the tip of the hair.

Mauro Mazzone

52

FULL METAL JACKET #01Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

FULL METAL JACKET #02Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

FULL METAL JACKET #03Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

IN THE MOOD FOR LOVE #01Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

IN THE MOOD FOR LOVE #03Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

IN THE MOOD FOR LOVE #04Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

INTO THE WILD #01Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

INTO THE WILD #02Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

INTO THE WILD #03Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

LA DOLCE VITA #01Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

LA DOLCE VITA #02Tecnica mista su carta fotografica35 x 50 cm

LA DOLCE VITA #03Tecnica mista su carta fotografica

35 x 50 cm

Marco Randazzo nasce a Siracusa il 17 novembre 1983 e vive fra Avola e Milano, dove lavora. Dopo gli studi liceali ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Catania, dove nel marzo 2007 si è laureato in Pittura, specializzazione in Beni Culturali. Nel 2010 si è specializzato in Arti Visive, indirizzo Grafica, presso l’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano.Nonostante la giovane età, nell’arco della sua carriera artistica ha partecipato a varie mostre collettive in gallerie d’arte e in spazi museali, sia in Italia che all’estero, e annovera tre esposizioni personali, la prima nel 2005.Da Settembre 2011 collabora ed espone in per-manenza con Collezione Orler e ArteTivù. Nel Febbraio 2013 inizia a collaborare e esporre con la Galleria Wikiarte di Bologna, con cui ha partecipato ad importanti Fiere d’Arte Contemporanea.

Marco Randazzo was born on 17 November 1983 in Siracusa, and currently he is living between Avola and Milano, where he actually works. After high school he attended Accademia di Belle Arti of Catania, where he mainly studied Painting, specializing in Cultural Heritage. He obtained his Master degree in March 2007. In 2010 he graduated in Visual Arts specialization, Graphic address, at the Accademia di Belle Arti di Brera in Milano. Despite his young age, throughout his career he joined various group exhi-bitions in galleries and museum spaces, in Italy and abroad including three solo exhibitions, the first in 2005. Since September 2011 he collaborated and exhibited at same time, with Orler Collection and AR-TETIVU. In February 2013 he started to work and exhibit for the gallery Wikiarte of Bologna, through wich he took part in important Contemporary Art Fair .

67

Finito di stampare in Italia nel mese di settembre 2014

Marco Randazzo - Catalogo 2014

Documents

Transcript of Marco Randazzo - Catalogo 2014