La via Della Belezza Nell'Arte Contemporanea

7/28/2019 La via Della Belezza Nell'Arte Contemporanea

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La via della bellezza nellarte contemporaneap. Marko Ivan Rupnik

(pubblicato inPath 4 [2005], 481-495)

IntroduzioneNel suo saggio La bellezza nella natura, Solovv pone il problema fondamentale, cio quanto la

bellezza apporti un miglioramento effettivo della realt. Per Solovv, lestetica della fine del

XIX secolo e dunque anche degli inizi del XX vive una profonda crisi, sbandata tra due

estremizzazioni: lidealismo e lutilitarismo. Intendere la bellezza come riflesso dellidea assoluta

nelle realia certamente quella via che porta allastrazione e dunque allastrattismo della bellezza,

senza una capacit di intervento nella realt. Questo intervento potrebbe essere solo una specie di

moralismo con il quale si vuole applicare e realizzare nella realt il grande ideale. Sulla scia

dellidealismo filosofico dellestetica, nascono diversi -ismi che fanno deviare dal vero senso della

bellezza. Lutilitarismo o il formalismo sono solo alcune delle pi clamorose conseguenze delle

quali Solovv ci avverte. Il bene e la verit, per realizzarsi veramente, devono diventare nel

soggetto una forza creatrice capace di trasfigurare la realt e non solo di rifletterla.1

Questa affermazione per Solovv fondamentale per la bellezza. La bellezza una realt nella

quale la verit e il bene prendono corpo, cio diventano veramente esistenti nella loro concretezza

sensibile. Dunque su un principio interattivo soggettivo e oggettivo che la bellezza

intrinsecamente legata alla vita e alla forza creatrice della trasfigurazione della realt.

La bellezza2 non solo riflesso di una idea assoluta e nemmeno una semplice incarnazione di essa,

ma la realizzazione della verit e del bene. Per Solovv la verit la tuttunit della vita nel senso

assoluto. La tuttunit infatti il bene per tutto ci che esiste. Perci la bellezza viene intesa come un

tessuto penetrato dalla verit che tuttunit, e dunque che la realizzazione del bene.

Larte per Solovv si inserisce a questo livello. Il suo discepolo Vjaeslav Ivanovi Ivanov spiega

ancora pi esplicitamente che nella storia larte, la grande arte, proprio la creazione di questo

tessuto comunionale dove si esprime la realt colta nellaspetto della tuttunit, della comunione,

della vittoria sullisolamento, la realt svincolata dallautoaffermazione, dove il principio ecclesiale,

cio della comunione, vince sul principio soggettivo. Non si tratta di distruggere il soggettivo, ma di

farlo vedere intrecciato in una trama di comunione.

Queste impostazioni squisitamente cristiane troveranno lungo gli ultimi secoli sempre meno spazio.

Anzi, vedremo addirittura che larte finir per non elaborarsi pi intorno alla bellezza cos come ne

abbiamo ora parlato. Addirittura man mano che la bellezza in qualsiasi senso intesa viene

1 V. SOLOVV,Il significato dellamore e altri scritti, La Casa di Matriona, Milano 1983, 224.2 Riguardo alla bellezza, si rimanda a M.I. RUPNIK, Bellezza, in Dizionario di teologia, a cura di G. Barbaglio-G.Boff-S. Dianich, , Edizioni San Paolo, Cinisello Balsamo 2002, 154-179.


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estraniata dallarte, larte si costituisce ormai come una realt con un compito molto meno

impegnativo, dando spazio prevalentemente alla espressivit soggettiva. Ci che accaduto

nellarte tra il Rinascimento e la fine del XX secolo non si pu semplicemente definire un

cambiamento o unevoluzione, ma si tratta proprio di una radicale metamorfosi che coinvolge i

fondamenti stessi. Avviene una specie di sganciamento dalla verit e dal bene, o almeno da un certo

modo di intendere sia il vero che il bene. Larte si esclude dalla conoscenza, e dunque non in

grado di apportare qualcosa di significativo.

Un passaggio decisivo

Se prendiamo il Rinascimento come apertura di unepoca nuova nellarte, notiamo che in questa

epoca avviene un certo passaggio, da unestetica che coincide con la teologia e la liturgia a

unestetica basata sul ragionamento umano, dunque su una visione umana. Questa si nutre

prevalentemente del recupero di unintelligenza praticamente precristiana, greca e, in certi ambiti,

anche latina. Laffermazione della terza dimensione esprime anche un radicale cambiamento

nellimpostazione globale. Il mondo dipinto cos come lo vede luomo e locchio dellartista la

sua mente, lintelletto. Anche se si raffigura qualcosa di religioso, a ispirare non pi

semplicemente ci che dice la Scrittura o la liturgia, ma prevale la comprensione che luomo ha di

questi fatti. In un certo senso, la terza dimensione fa vedere il mondo anche quello religioso

secondo luomo. Il soggetto divino sostituito dalluomo. Mentre Dio il soggetto che tiene uniti

luomo e il mondo, quando luomo diventa il soggetto assoluto questa unit non regge pi. Anzi, a

causa della frantumazione sempre crescente, si spezza il concetto stesso di persona, considerandola

anche come rete di rapporti ecclesiali, sociali, a vantaggio di una coscienza inquieta di s e della

voglia di liberta e di responsabilit.

Una delle sfide pi importanti che si apre in epoca rinascimentale la relazione tra il particolare e la

totalit. Un problema serio a presentarsi sar proprio lelaborazione di una visione unitaria, la

ricerca del principio dellunit. Ma, cercandolo nellambito dellumano, lo si propone nella maniera

dellelaborazione di un sistema universale di idee e di una dettagliata legislazione del diritto

dellindividuo. Comincia unepoca di affermazione delluomo che alle volte si esprime anche

aggressivamente contro il divino e il religioso, alle volte semplicemente li ignora. Questa nuova

epoca potrebbe essere chiamata lepoca del progetto uomo. E questo arriver ad un

antropocentrismo radicale, con dei risvolti drammatici, sia per luomo che per la societ.

Come si detto, il Rinascimento presenta anche unapertura a tutto ci che stata la creativit

umana classica precristiana, sia dellantica Grecia che di Roma. Per dar spazio allumano, liberatodal divino, dalla religione cristiana, bisogna attingere allantichit, alla mitologia classica.


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Prendendo in considerazione un pittore che influenzer per molto tempo la pittura occidentale come

Poussin, evidente che questi non accetta le soluzioni artistiche del barocco, ad esempio, proprio a

motivo della debolezza razionale di questepoca culturale. Poussin respira ormai una razionalit

moderna, e dunque si aggancia allantichit. Studia il Rinascimento, ma si ispira allantico. Questa

sua razionalit, filtrata dal classico, affasciner pi tardi tutto il movimento del neoclassicismo,

soprattutto artisti come David, arrivando fino ad Ingres, un pittore complesso, dove si vede una

pittura talmente perfetta dal punto di vista formale che persino laspetto tecnico, cio il movimento

del pennello, deve sparire senza lasciare tracce per esaltare tutta la perfezione delle forme. Si arriva

a uno sfumato talmente raffinato che non si pu negare la genialit anche manuale di questi artisti.

La superficie perfettamente chiusa. Nessuna pennellata imperfetta lascia intravedere la carne della

pittura. In questo richiamo allaforma mentis classica che si cerca di far rivivere, lispirazione alla

classicit determina forme di sviluppo cos radicali che in qualche modo la classicit stessa viene

contraddetta.

Il significato dellantichit classica

Per comprendere il meccanismo mentale che sta a monte, bisogna in qualche modo recuperare il

concetto dellarte, dellarmonia, della bellezza della Grecia antica, dove senza dubbio tra le arti una

certa preferenza era attribuita alla scultura e allarchitettura, cio al lavoro con una forte

componente materica, allintervento nello spazio come una sorta di divenire del cosmo, di cui

larchitettura come un prolungamento. Le forme ideali, perfette, i corpi di unarmonia inesistente

in natura, i templi di una precisione ottica impeccabile mostrano il dominio dellidea, quellidea

nella quale celata la natura delle cose. Il processo della conoscenza permette di attingere a

questidea e dunque di arrivare a capire come il progetto del reale. Lo stesso primato dellidea si

afferma nella filosofia greca. Ma per i grandi greci Socrate, Platone, Aristotele, ecc.lidea non

ci che per noi diventata nellet moderna, soprattutto da Cartesio in poi. Per Platone lidea viva,

agisce, si fa sentire. Il pensiero greco ci testimonia un certo divario tra lidea, che rappresenta

larmonia perci leternit , e la materia che meno sicura, sia nella sua esistenza che nella sua

forma e nel suo senso.

Solo nella mitologia si risolto il passaggio tra questi due mondi. In qualche modo, il pensiero

greco rimane tragico, non riesce a superare il divario tra idea e realt. Il corpo tragicamente

condizionato dal destino del cosmo, cio dal tempo, dal cambiamento. Per evitare laspetto tragico,

occorrerebbe rendere il corpo conforme allidea, perfetto, strappato alla corruzione del divenire e

dellimperfezione. Ma questo fuori dalla nostra portata e perci non rimane che la via deldisprezzo della morte, via percorsa da tutti gli eroi greci che sfidano la morte, convinti che le loro


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idee rimangono. E proprio su questo divario abissale tra idea e realt concreta che sorge larte. Se

non si pu passare da un mondo allaltro, tuttavia sulla base della conoscenza si pu intervenire sul

mondo, conformandolo allidea che di per s giace in esso. Cos come si distinguono diverse scuole

di pensiero, ci sono anche diverse sottolineature nellarte greca, ma la questione in sostanza

questa. Si idealizza, ossia si vede secondo lidea. Non solo. Si corregge, si abbellisce, si perfeziona

sulla base dellidea conosciuta.

Il rischio dei modelli

Appaiono subito evidenti le trappole di questo modo di pensare. La prima sta nel fatto che

questarte, di per s, svolge il ruolo di modello, e il modello porta sempre inquietudine, sia nella

societ che nellindividuo: si conformi al modello oppure no? E, a parte la conformit al modello,

prima o poi nasce la domanda: chi ha stabilito il modello? Chi dice che la realt sia veramente cos?

Sulla base di che cosa? Per Platone, infatti, la categoria incaricata della vera conoscenza quella dei

filosofi e non degli artisti, troppo soggettivi.

Laltra trappola sta nel fatto che, in un modo o in un altro, abbellendo e perfezionando la materia,

cio la sua forma, rimangono latenti due tentazioni: quella del formalismo e quella del potere della

materia. Il formalismo come criterio sempre pi universale, ma basato semplicemente

sullelaborazione dellesteriorit, con sempre meno attenzione allinteriore, cio al contenuto,

scivola ben presto nellapparire. Rispetto al potere della materia, la trappola sta nel fatto che la

forma pi perfetta il cerchio e quando io arrotondo la materia, la rendo forte, potente. Cos infatti

la scultura della fine dellellenismo, dove si accentua la massa muscolare e allora, pian piano, il

criterio scivola nella forza fisica.

Lidea diventa pi importante della persona viva

Queste impostazioni di fondo trovano un terreno fertile nel neoclassicismo, dove la razionalit

comincia un dominio sempre pi esplicito e totale, trovando le sue facili traduzioni anche in una

forma sociale, culturale e addirittura nel galateo. E il buongusto, elaborato ed esplicitato anche in

una norma, diventa espressione dellestetica come scienza dellopera darte. Si fa strada sempre di

pi la divisione tra genio e gusto, artista e spettatore che da allora dominer in maniera massiccia

larte occidentale e la relegher al ruolo di un oggetto che soddisfa una speciale facolt della mente.

Lunit originaria dellopera darte si lacerata tra giudizio estetico e soggettivit artistica senza

contenuto. Ormai lidea e il ragionare si richiamano allantichit, ma in realt se ne distinguono

radicalmente. Lidea non pi considerata una realt viva, il ragionamento non pi inteso come lacomplessa attivit di conoscenza delle idee eterne, con sbocchi persino spirituali, il pensare non ha


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pi il senso di servizio alla verit, al contenuto, ma sempre pi inteso come ricerca dei mezzi al

servizio dei fini che si adottano in un determinato momento.

Possiamo veramente parlare di una sorta di cappa di piombo che comincia a calare su questo

progetto uomo e sulla nuova epoca inaugurata dal Rinascimento, perch la scoperta

dellindividuo, del soggetto, delluomo, vittima di un cattivo uso dellintelligenza e della

razionalit i cui esiti perversi si cominciano sempre pi a vedere nel primato dellidea sulla persona

stessa. Un amore esasperato per la ragione porta ad un uso riduttivo dellintelligenza e luomo viene

ridotto a semplice mezzo. Non possibile distinguere la struttura della cosa conosciuta da quella

della conoscenza e questultima dallattivit dominatrice del soggetto conoscente. Ma una

conoscenza vera

postula tra il conoscente e il conosciuto un rapporto nel quale siamo uniti a vicenda non in modo

esteriore e casuale, non nel fatto materiale della sensazione e nella forma logica del concetto, main un nesso essenziale e interiore, nei fondamenti stessi del loro essere, ossia in ci che assolutoin ambedue. Questo assoluto non riducibile n al fatto della sensazione, n alla forma del concetto necessario, e nelloggetto della conoscenza, e nel soggetto conoscente.3

Ora il limite alla manipolabilit delle cose non sta pi nella loro natura che le regola e le ordina, ma

luomo che si arroga questa funzione regolatrice.

La modernit comincia allora a vivere in modo tragico le prime gravi contraddizioni. Il sogno di

unumanit riconciliata sia con se stessa che con il mondo, armonizzandosi spontaneamente con

lordine universale, comincia a vedere sparso il sangue degli uomini in nome di grandi idee. Una

razionalit passionale, nucleo dellideologia, schiaccia lo spazio di libert che il Rinascimento ha

certamente aperto. Idee addirittura umaniste fanno milioni di morti, a partire dalla Rivoluzione

francese, questo primo grande tentativo di applicare al campo umano una pianificazione razionale,

dove la societ deve essere trasparente come il pensiero scientifico.

Una razionalit che vuole abbracciare tutto e gestire tutto secondo norme che essa stessa produce,

evidentemente non concede troppi spazi a quanto in se stesso legato alla libert, come le relazioni

interpersonali, lamore, espressioni come il simbolo e la metafora.

Una razionalit passionale, riduttiva, che sfocia addirittura nel culto di se stessa, emargina intere

dimensioni della vita ed esclude anche le persone che fanno appello a delle realt che la norma e il

sistema non prevedono. Una lunga lista di intellettuali e di artisti europei sar bandita e molti di loro

addirittura si ammaleranno. Non pi possibile evitare la questione di fondo: in che cosa consiste

realmente la nuova sensibilit, la scoperta del soggetto, lintelligenza dellumanesimo, il progetto

uomo, se davanti a questo sviluppo non c pi la possibilit di opporsi?

3 V. SOLOVV,La critica dei principi astratti, La Casa di Matriona, Milano 1971, 197.


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[] la richiesta di una libert assoluta conduce luomo alla pi dura servit. Il padrone dellamacchina ne diventa lo schiavo e la macchina diventa nemica delluomo. La creatura si rivoltacontro chi lha creata: singolare replica del peccato di Adamo! Lemancipazione delle masse sfocianel terrore della ghigliottina. Il nazionalismo porta inevitabilmente alla guerra. Lideale assolutodella liberazione conduce luomo allautodistruzione. Alla fine della via per la quale ci si incamminati con la rivoluzione francese si trova il nichilismo.4

Alcuni esempi significativi

Emblematico in questo contesto certamente il dipinto di DelacroixLa libert che guida il popolo

(1830), ispirato alla rivoluzione parigina del 1830 che port alla destituzione di Carlo X e del suo

regime assolutistico, instaurato dopo la messa al bando di Napoleone. La libert rappresentata in

questopera come unideologia (la bandiera in primo piano, cio un sistema ideale

convenzionalmente accordato; il petto nudo, cio la carica passionale con la quale viene sostenuto

questo sistema) che avanza marciando sui cadaveri. La constatazione che non si tratta

semplicemente di avere idee buone, ma che bisogna essere buoni, altrimenti, cercando di realizzare

le idee, ci troviamo di fronte ad una eterogenesi dei fini inaspettata, dove la contraddizione tra la

natura programmata e pianificata della propria strumentazione e quella incontrollata dei suoi esiti

diventa insormontabile. La dittatura del bene ad un livello ideale diventa dittatura sulluomo in

modo concreto.

E poich la nostra natura non un bene in se stessa e la legge morale della nostra mente, benchbuona per la sua qualit concepibile, tuttavia impotente nel darci il bene in realt, allora bisogna

o separarsi del tutto dal bene, oppure riconoscere che esso esiste indipendentemente dalla nostra

natura e dalla nostra ragione, cio riconoscere che esso esiste per se stesso e da se stesso si

comunica a noi. Questo Bene esistente, cio l'essere che possiede per se stesso la pienezza e la

fonte della grazia, Dio.5

E proprio questa la profonda contraddizione degli ultimi secoli: da un lato laffermazione del

soggetto, porta a scoperte importanti per la vita delluomo e favorisce una cultura che per certi versi

davvero umanesimo, ma daltra parte lassenza della spiritualit come unica luce e arte che

riesce a garantire il discernimento, la purificazione tra intelletto e passione, fa s che

lantropocentrismo radicale rischi di soffocare davanti ai cadaveri che esso stesso produce. E infatti

qualche tempo pi tardi, ma ancora nel XIX secolo, nella pittura simbolista e poi in quella che

immediatamente precede limpressionismo francese, comincer a farsi strada la nostalgia dello

spirituale e affioreranno diversi tentativi di creare delle spiritualit su uno sfondo pagano.

La zattera della Medusa di Gricault, nata sullo sfondo storico del naufragio di unimbarcazione

francese davanti alle coste africane, mostra che il pittore lascia spazio pure ad altre chiavi di lettura,

4 D. BONHOEFFER, Etica, tr. it. (orig. tedesco Mnchen 1949), Milano 1969, 86-7.5 V. SOLOVV,I fondamenti spirituali della vita, Lipa, Roma 1998, 33.


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vivendo ormai daltra parte in un tempo in cui si cominciano a sentire nellaria i flussi romantici,

dove abituale che la natura divenga portavoce degli stati danimo. E non difficile immaginare

quali stati danimo possa esprimere una zattera in mezzo ad un mare agitato, ormai prossima ad

affondare con i naufraghi che gi ricompongono i primi morti. La nave allorizzonte che determina

tutta la composizione piramidale, ma con un taglio in diagonale, esprime questa attesa spasmodica

della salvezza che non arriva perch in un mare cos agitato, una nave di quellepoca avrebbe

impiegato troppo tempo per raggiungere la zattera e trovare i superstiti. Tante possibili letture

vengono suggerite da questo dipinto. Una pu essere lirreversibilit della catastrofe. La salvezza,

che pure esiste, ormai non pi a portata di mano. Unaltra lettura potrebbe essere invece che

quella barca lontana sullorizzonte potrebbe ancora miracolosamente farci scampare alla tragedia.

Si tratteggia dunque uno sfondo allutopia che infatti trova posto nel pensiero europeo e in

questambito maturer il suo pensiero uno dei padri del pi massiccio movimento della modernit:

Engels. Nella parte posteriore della zattera sta seduto, rivolto indietro, un personaggio che tiene la

mano sul corpo morto di un giovane che potrebbe essere suo figlio. Molte pagine sono state scritte

su questopera, ma qui ci interessa solo un aspetto: evidentemente il periodo aperto dalla

Rivoluzione francese in qualche modo un trauma, perch il primo tentativo di una

globalizzazione in senso laicista, quindi agli estremi antipodi di ci che avrebbe voluto essere la

globalizzazione medievale. La domanda se la direzione presa abbia un esito positivo oppure si vada

incontro al naufragio dunque legittima. Sono gli accenni allinizio di una prima riflessione critica,

forse addirittura il bisogno avvertito dellaltro.

Veemente sar la reazione contraria che sale dallOlanda, con un doloroso richiamo a tutto ci che

nei secoli precedenti era stato soffocato e oppresso. Un forte richiamo al sentimento, al simbolo,

alla metafora, alla libert della persona umana. Van Gogh si fa portavoce drammatico di unumanit

senza cittadinanza nella compagine europea di quel tempo. Lui e Gauguin diventano certamente i

padri del pi clamoroso dissenso sullandamento post-rinascimentale. Ma sono da esso stesso

condizionati. Senza la modernit la coscienza del soggetto non sarebbe cos viva. Ma allo stesso

tempo loro la sperimentano come qualcosa di non considerato nella sua integralit. Larte diventer

sempre pi unespressione diretta dello stato danimo dellartista. Lartista esprimer se stesso.

Larte si avvia cos su una strada della multiformit di linguaggi perch multiformit di espressioni,

ma tutto questo come una esistenziale reazione al formalismo e al fondamentalismo razionalista che

si dimostrato una grave riduzione, sia dellintelligenza che delluomo stesso.

Un pendolo interessante


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In Czanne e van Gogh riconosciamo i due estremi di quel movimento pendolare che cominciato

con il rinascimento e con il barocco. Anche se in forme ormai molto derivate, vediamo in Czanne

una ricerca del classico, del razionale, dello strutturato, mentre in van Gogh lindagine si volge

allinteriore, al personale, al sentito, al libero. Da un lato un principio pi oggettivante, e dallaltro

uno pi soggettivo. Queste oscillazioni tra oggettivo e soggettivo, per come le conosciamo anche

dallambito del pensiero filosofico, attraversano tutta la nostra storia negli ultimi secoli. In un certo

senso, il XX secolo non superer i due estremi del pendolo. Piuttosto, il movimento diventer

sempre pi serrato e frantumato. Se leprime due onde, come il fauvisme e il cubismo, sono ancora

due realt abbastanza circoscritte ed identificabili, in seguito il ritmo si far sempre pi veloce,

impazzito, fino ad una sorta di atomizzazione dellespressione, del linguaggio e dei riferimenti.

Espressione del soggetto

Ma quello che il XX secolo ci fa constatare che larte diventa comunque prevalentemente un

campo di espressione e di affermazione del soggetto. Il motto dipingo come mi sento, mi esprimo

come mi sento ingloba anche quei movimenti artistici che di per s si rifanno ad un principio pi

oggettivo. Il concettualismo arriva ad un ermetismo forse addirittura meno comunicabile di un

espressionismo informale.

E il cubismo con le sue evoluzioni, soprattutto in Picasso, non meno ermetico di un action

painting. Dunque, anche i movimenti che di per s vorrebbero affermare un aggancio pi al

classico, al razionale, alloggettivo come liperrealismo lo fanno in modo soggettivo. Il mondo

del soggetto riconosce praticamente come oggettivit solo lo stato danimo, e questo diventa un

clima sempre pi generale, lasciando che il sentimento interiore trovi degli sfoghi ancora pi

immediati.

Se nel manifesto surrealista si continua a fare appello ad un percorso psicanalitico e larte diventa

quasi una terapia di liberazione dalle angosce e dagli incubi di cui il soggetto popolato perch la

storia e la societ glieli provocano , nella pittura di Mathieu la mano del pittore diventa quasi un

sismografo e lartista prende direttamente il tubo del colore, saltando il pennello o la spatola,

proprio per poter esportare sulla tela con pi radicale immediatezza la percezione di s.

Nelle leggere pennellate di Hartung, che ricordano quasi lantica grafica giapponese, ogni gesto,

ogni espressione diventano unopera darte.

Rauschenberg prende gli oggetti, perfino gli animali impagliati, e cerca di includerli in ununica

espressione artistica. Il colore rosso steso con la spatola su un animale diventa unespressione del

sentire dellartista che sconfina di per s il proprio mondo, ma dallaltro lato non fa altro che vederetutto attraverso il suo stato danimo, tanto da intervenire con questo sulle cose.


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Jasper Johns prende degli oggetti poveri come una scopa, ad esempio, e li inserisce nella pittura. La

pop art pi tardi riempir lopera darte di oggetti di consumo. In qualche modo si entra in un

circolo vizioso: luomo vive soprattutto le cose che si pubblicizzano, e la pubblicit fa s che luomo

senta costantemente le cose come desiderate.

Ecco allora lopera di HansonDonna con carrello della spesa (Supermarket Lady), dove si mette in

rilievo in modo quasi ironico la decadenza e il degrado delluomo, del suo spirito, ma anche

dellarte stessa.

Allo stesso modo di una cultura da supermarket, si pubblicizzano la salute, il benessere, lapparire

in forma e giovani. Si crea tutta unarte nel senso convenzionale, ma anche nel senso lato, della

culinaria, delle diete, con unattenzione particolare al benessere psicosomatico, alla linea. Si

promuove cos una sorta di cultura dellOK. Tutto deve essere OK e tutto deve godere di buona

salute.

Forse allinizio del secolo Duchamp aveva gi intuito il destino di unarte che si sottomessa ad

estetiche elaborate filosoficamente, sociologicamente, o psicologicamente, e fa vedere con ironia

che ogni oggetto portato in galleria diventa automaticamente opera darte. Dopo che si cercato di

afferrare lautentica realt dellopera darte con le regole dellestetica ed essersi resi conto che

questa non si fa definire, allora si demanda alla galleria la dichiarazione di ci che arte e di ci che

non lo .La galleria dovrebbe cos avere la straordinaria magia di cambiare le cose in arte. Ma,

come Duchamp stesso ha fatto vedere, le cose hanno diversi significati e alla fine tutto diventa

relativo: un orinatoio pu stare in un museo e si pu usare un Rembrandt come asse da stiro.

In Tpies lopera darte il terreno dei segni, delle tracce che testimoniano il passaggio delluomo.

Negli spruzzi di Pollock, la sua voglia di esprimersi quasi un fatto corporeo, fisico, che mette pi

laccento nel gesto con il quale lancia il colore che in ci che succede sulla tela.

Tentativi degli ultimi anni

Nella Biennale di Venezia del 1993 il padiglione spagnolo con Tpies presenta unopera

concettualista, ma di sconvolgente eloquenza. Si tratta di unintera parete, di bianco perfetto davanti

alla quale posta una sedia, anchessa bianca. Sulla parete un ipotetico spettatore trovava disegnato

in nero, allaltezza della sua testa, uno scarabocchio, un segno indecifrabile. Si pu intravedere un

richiamo allo zen, quindi allesercizio mentale di una contemplazione prolungata e ripetuta fino al

dischiudersi di un qualche significato. Inquadrando questopera negli anni della creativit di Tpies,

penso che esplicito sia un altro messaggio: luomo si esprime, lascia le sue tracce, segni, ma non c

pi nessuno che li accolga. La sedia rimane vuota e lespressione delluomo, troppo soggettiva nelsuo linguaggio, non pi una comunicazione ma semplicemente unespressione. Che cosa luomo


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se non pu pi comunicare e se nessuno ascolta pi la sua comunicazione? Come se fossimo giunti

al capolinea di un cammino dellespressione di se stessi. Si finisce in una pressante solitudine. Nella

Biennale del 1990 Verjux presentava unopera ancora pi sconvolgente: lo spazio previsto per

lopera darte era vuoto, ma nel raggio del faro che illuminava lo spazio espositivo veniva inclusa

una finestra soprastante, aperta. Ormai non esiste pi lopera darte, ma bisogna salire e uscire da

s, ci vogliono aperture, ci vuole un incontro con laltro, con il quale si scopre il contenuto e si ha

una voglia nuova di comunicarlo.

Larte del XX secolo testimonia una profonda sconfitta dellestetica prodotta dalla filosofia agli

albori della modernit.

Di che bellezza possiamo parlare se infatti si voleva creare unopera liberata dalla bellezza? La

testimonianza del secolo appena concluso per quanto riguarda la bellezza il grido della sua

assenza. Tanto vero che le grandi correnti e i grandi artisti del XX secolo nella stragrande

maggioranza non cercavano di fare delle opere belle, ma cercavano di esprimere, ciascuno secondo

la propria espressione, il disagio delluomo nella nuova situazione che in questi ultimi secoli si

andata a creare. Le arti nel senso convenzionale per quanto ancora sono sopravvissute , sono

nella loro creativit una trama dolorosa e inquieta di una vera e diretta confessione del cuore umano

in questultimo scorcio della modernit. Sono una coscientizzazione del dolore, del travaglio

vissuto. Se questo viene riscoperto in unottica spirituale, potrebbe trattarsi di una vera apertura alla

partecipazione al martirio di Cristo, fondamento della bellezza, perch realizzazione dellunit del

divino e dellumano e dellumanit intera.

Ma unespressione feroce e violenta del dolore e del disagio non pu essere automaticamente intesa

come bellezza in un senso cristiano. Si pu ideologizzare e teorizzare sugli stati laceranti delluomo

e della sua espressione, ma quello che tocca a noi cristiani non questo. Non neanche, ad ogni

costo, con unestetica elaborata nella modernit, cercare di sviscerare le opere create nellultimo

secolo. Non si tratta di appiccicare ad ogni costo una realt come la bellezza (che oggi tornata di

moda) a ci con cui essa non voleva avere niente a che fare.

Attualmente, la stragrande maggioranza dellarte entrata nel mondo digitale e virtuale. L il senso

del bello viene ormai costituito dagli effetti dellinformatica. Si crea una grande piattaforma

comune dellinformazione, ma la comunicazione prevalentemente virtuale, dunque non reale, non

coinvolgente. Ancora una grande illusione?

Conclusione

Considerando che il motto di tutta larte degli ultimi tempi lespressione del soggetto, creandoaddirittura propri linguaggi con codici soggettivi, bisogna avere pure il coraggio di avvertire del


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rischio che non si tratta solo di una frantumazione e di una incomunicabilit, ma che si pu prestare

il fianco alle tentazioni del male vero e proprio. E infatti non sono isolati gli esempi di unarte che

un vero e proprio culto dello smembramento, della perversione, di un atteggiamento ludico

sconfinato che gioca persino con i cadaveri umani. Una situazione cos lacerata testimonia della

perdita della visione dellinsieme, quella che era in grado di custodire anche lintegralit della

persona umana. Come oggi smarrita nellarte, lo ancora pi drammaticamente nella scienza.

Forse la mente stessa, cio la ragione alla quale negli ultimi anni si vorrebbe fare appello, quella

che rappresenta la patologia pi grave. E lincapacit di riorientarsi verso il vero. Ma se la bellezza

sono il vero e il bene realizzati, allora oggi non si pu nascondere la preoccupazione di fronte a ci

che narrano le arti contemporanee. Anche in questo caso estremamente appropriate sembrano

queste parole di Solovv:

Ogni male pu venir ridotto a una violazione della solidariet reciproca e dellequilibrio fra leparti e il tutto; e sostanzialmente si pu operare la stessa riduzione anche per ogni menzogna e perogni deformit. Quando un elemento particolare o singolo afferma se stesso nella propriasingolarit cercando di escludere o di schiacciare lessere altrui, quando degli elementi particolario singoli vogliono, insieme o separatamente, prendere il posto dellintero escludendo e negandocos la sua unit autonoma e, con ci stesso, anche il nesso comune che li collega fra di loro, equando, al contrario, in nome dellunit viene compressa o eliminata la libert dellessereparticolare, non abbiamo altro che unautoaffermazione esclusiva (egoismo), un particolarismoanarchico e ununit dispotica, cio, in altre parole, ci che deve essere definito un male. [] Lestesse caratteristiche essenziali che determinano il male nella sfera morale e la menzogna nellasfera intellettuale determinano la deformit nella sfera estetica. Deforme tutto ci in cui una parte

si amplifica smodatamente e prevale sulle altre, ci in cui non c unit e integrit e infine ci chenon possiede una libera variet di forme.6

La scomposizione, la rottura, lo squilibrio, lisolamento delle parti sono innegabilmente il

linguaggio consolidato e acquisito in molte correnti dellarte contemporanea. E parlare della

bellezza allinterno di un tale ambito pi o meno come parlare della solidariet e della carit

allinterno di un mondo individualista, dove ognuno preoccupato per il benessere di se stesso.

Larte contemporanea voleva essere una piena affermazione della libert del soggetto, e ci che

annuncia difatti la tragedia del cuore umano se sgancia la libert dallamore che la sua essenza e

verit. Non esiste nessun bene per luomo se non fa parte della verit delluomo.

La pienezza di questa libert esige che tutti gli elementi particolari trovino se stessi gli uni neglialtri e nellintero, che ciascuno ponga se stesso nellaltro e laltro in s, e che senta nella propriaparticolarit lunit dellintero e nellintero la propria particolarit: in una parola si trattadellassoluta solidariet di tutto quanto esiste, di Dio che tutto in tutte le cose. Una pienarealizzazione sensibile di questa solidariet universale o unitotalit positiva, cio la bellezzaperfetta intesa non soltanto come idea riflessa dalla materia ma come idea effettivamente presentenella materia presuppone innanzitutto uninterazione profondissima e strettissima fra lessereinteriore o spirituale e lessere esteriore o materiale.7

6 V. SOLOVV,Il significato dellamore e altri scritti, cit., 225-226.7Ivi, 226-227.


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Una piccola minoranza dellarte contemporanea cerca di attingere alla memoria e alla tradizione,

recuperando larte che ancora lavora sulla materia, cercando di dare alla propria espressione un

linguaggio che coinvolge il personale, ma allo stesso tempo aperto ad una reale condivisione con

gli altri. Dunque unarte che recupera la missione del servizio, unarte che tesse le relazioni tra le

persone, perch comunica qualcosa che supera semplicemente uno stato danimo del soggetto.

Attraverso una tale arte, si riapre la possibilit di recuperare la bellezza come una realt penetrata

dallamore. E, recuperando una tale bellezza, si apre la possibilit di recuperare una grande parte

dellarte caratterizzata dal grido e dalla lacerazione dei nostri tempi.

Ma necessario prima capire se i cristiani se la sentono di impegnarsi in tale missione, in quanto

anche noi, cio la Chiesa, siamo in un certo senso entrati nella trappola soggettivista. Non giunto

forse il tempo in cui siamo chiamati a costruire delle chiese nelle quali si articoli in modo sensibile,

attraverso larchitettura e larte, la grande memoria, la sapienza e la vita spirituale della Chiesa che

accoglie in ogni tempo chi varca la sua soglia? Non forse il tempo stesso che mette in ridicolo i

nostri spazi disabitati, vuoti, deformati, troppo spesso in perfetta conformit ai gusti delle correnti

che non hanno e non la cercano la bellezza in senso teologico?

La vera bellezza non pu essere confusa. Quindi andammo in Grecia, e i greci ci condussero agli

edifici dove adorano il loro Dio, e non sapevamo pi se eravamo in cielo o in terra. Poich in terra

non c tale splendore o tale bellezza, e non sappiamo come descriverli. Sappiamo solo che Dioabita tra quelli uomini, e la loro liturgia pi bella delle cerimonie delle altre nazioni. Perch non

possiamo dimenticare una tale bellezza. 8

8 S.H. CROSS O.P. SHERBOWITZ-WELTZOR, The Russian Primary Chronicle. Laurention Text, Cambridge, Mass.: TheMediaeval Academy of America 1953, 110-1.


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Sommario

La bellezza nel senso teologico la realizzazione della verit e del bene. E dunque una forzacreatrice e trasformatrice del mondo. Il principio della bellezza lincarnazione di una solidarietuniversale. La bellezza un mondo penetrato dallamore.

Un excursus attraverso gli ultimi secoli della storia dellarte, arrivando fino ai nostri giorni, favedere che larte stata estromessa dalla conoscenza, in quanto la verit stata assegnata al mondoconcettuale e non ha bisogno della bellezza. Questo ha portato allastrattismo della verit e ad una

progressiva deformit nellarte. Larte stata rinchiusa nel mondo del sentimento e del soggetto,perci diventata unespressione sempre pi soggettiva, fino alla frantumazione del linguaggiostesso. Si avverte proprio attualmente una forte necessit nellarte di passare dalla mera espressionealla comunicazione.

La via Della Belezza Nell'Arte Contemporanea

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