Istituto Magistrale “M. Immacolata”

San Giovanni Rotondo FG

Il colore nell’arte

a cura del prof. Andrea D’Agostino

Arte preistorica

L’arte nasce quando l’uomo, per la prime volta e intenzionalmente

decora con segni, incisioni o pitture, gli strumenti ed i luoghi della sua

esistenza

Le prime forme d’arte si manifestano nel Paleolitico superiore (ca 35.000 a ca 10.000 anni fa): frequenti le raffigurazioni di animali, dipinte o incise sulle pareti interne delle caverne.

I colori usati erano ricavati dalla natura:

•terra (argilla rossa, brune e gialle);

•vegetali (bacche, fiori, frutti, legno carbonizzato);

•minerali (calcari e gessi)

Bisonte policromo, ca 12.000 a.C. dipinto rupestre, Grotta di Altamira, Santander (Spagna)

Arte egizia

L’arte dell’antico Egitto è una delle prime rappresentazioni di una cultura altamente organizzata ed evoluta. Sviluppatosi nell’arco di qualche millennio (la 1° dinastia risale al 2650 a.C.), ha mantenuto caratteristiche abbastanza costanti, basate sulla celebrazione della potenza del faraone e sul rispetto della tradizione.

Il colore nell’arte egiziaLa tecnica pittorica consisteva

nella miscelazione di pigmenti ottenuti dalla

macinazione di varie terre colorate (il rosso dell’argilla, i

bruni e i gialli della terra del deserto, il bianco del

carbonato di calcio, ecc.) con un agglutinante, sostanza

collosa a base di acqua, lattice di gomma e albume

d’uovo (tempera)

Dipingere per gli egizi significava campire (cioè riempire di colore), il contorno di una figura precedentemente disegnata.

Il colore veniva steso con pennelli ricavati da fibre di palma.

Tomba dello scriba Menna – 1395 a.c. tempera su roccia

Tomba di Nefertari – La mummia del dio solare , ca 1250 a.C, tempera su muro

L’arte in GreciaL’arte greca comincia ad assumere

caratteri propri e coerenti intorno al 1000 a.C. e continua la sua evoluzione sino

all’età romana.

Le tappe essenziali di questo sviluppo sono:

Medievo ellenico 1100-750 a.C.

Periodo di formazione 750-610 a.C.

Periodo arcaico 610-480 a.C.

Periodo severo 480-450 a.C.

Periodo classico 450-323 a.C.

Età ellenistica 323-331 a.C.

Venere di Milo

Il colore nell’arte greca

Contrariamente a quello che si pensa i templi greci erano decorati e colorati.

Gli ordini architettonici erano regole che stabilivano le parti che costituivano il sistema colonna e le loro proporzioni (dorico, jonico e corinzio).

Esempio di riproduzione dell’ordine jonico con volute ed ovoli.

La pittura vascolare

Le decorazioni dei vasi è classificabile così:

Pittura a figure nere, a partire dal VI sec. a.C

Si impiegava una vernice nera; poi si graffiava con piccoli stilo la superficie scoprendo il colore rosso-brunastro della terracotta.

Pittura a figure rosse, negli ultimi anni del VI sec. a.C.

Le figure vengono lasciate del colore della terracotta, mentre lo sfondo è trattato con la vernice nera.

Exechias, Achille e Aiace che giocano a dadi, anfora

h= 61 cm

Esempio di vaso a figure nere

Euphronios, Lotta di Eracle ed Antèo, cratere h= 45 cm

Esempio di vaso a figure rosse

L’arte romanaL’arte romana sorta nel I sec a.C. si presenta come una rielaborazione di

varie tendenze.

Roma assorbì una grande quantità di modi espressivi dei popoli che

sottomise, ad esempio gli Etruschi ed i Greci.

Tuttavia gli artisti romani raggiunsero una propria originalità attraverso la

esaltazione e la storicizzazione dello Stato.

Inoltre svilupparono una tecnica costruttiva molto interessante per

costruire strade, acquedotti, cloache, cioè opere utili allo sviluppo dell’impero.

Dal sistema archivoltato degli Etruschi, riuscirono ad elaborare il sistema a volta

e ed a cupola.

Arco di Costantino, Roma

La pittura murale romana

La tecnica più usata era quella dell’affresco: i colori diluiti in

acqua, venivano applicati sull’intonaco fresco che

essiccando li fissava.

Affreschi significativi si possono ammirare a Pompei,

nella Villa dei Misteri: le figure femminili con colori

luminosi e delicati, quelle degli uomini con toni bruno-

rossastri.

Arte paleocristiana

Legata alla religione cristiana, nella sua prima fase si caratterizza nelle catacombe.

Con l’Editto di Costantino del 313 d.C si sviluppò con maggior vitalità e si stabilirono i

canoni estetici e stilistici.

Con la morte dell’imperatore Eraclio, 641 d.C, si chiuse il periodo dell’arte paleocristiana.

Mosaico della cupola del Mausoleo di Galla Placidia, Ravenna

L’arte a Ravenna

Dopo una serie di vicessitudini Ravenna divenne capitale

dell’Impero d’Occidente;così la città venne in contatto con lo

stile bizantino, proveniente da Costantinopoli, l’antica Bisanzio.

Tale stile esaltò la trascendenza della religione tramite le

solennità degli atteggiamenti delle figure rappresentate e l’uso

di fondi d’oro (l’oro simboleggiava il Paradiso).

Mosaico del Battistero degli Ortodossi, Ravenna

I mosaiciLa tecnica più congeniale all’arte bizantina-ravennate fu il

mosaico, che permetteva l’uso di fondi dorati che rappresentavano il mondo ultraterreno.

Teoria delle Vergini, Sant’Apollinare Nuovo, Ravenna

Arte gotica

Tra il XIII ed il XIV secolo si sviluppò, nella Franca del Nord, il linguaggio

gotico.

Principali caratteristiche furono:

L’intenso misticismo, che fu espresso da forma spiccatamente verticali;

Decorativismo che caratterizza ogni forma d’arte

Vetrata della Sainte-Chapelle, Parigi

Le vetrate gotiche

Nelle grandi cattedrali del periodo gotico, si aprono

ampie finestre lungo le pareti esterne, e vengono decorate

con splendide vetrate dal ricco cromatismo.

I vetri colorati sono uniti tra loro da cornici, “legature”,

formate da listelli di piombo a forma di “H”.

Vetrate della Cattedrale di Chartres, Francia

La pittura medievale

La tecnica più usata da artisti come Duccio di Boninsegna, fu la

pittura a tempera su tavola.

Annunciazioni, Maestà venivano dipinte con toni brillanti e luminosi di azzurro, rosa, giallo-oro, su un supporto di legno preparato con

fondo di colla e gesso.

Madonna Rucellai, Duccio di Boninsegna

La pittura del Rinascimento

Nel XV e XVI secolo si sviluppò il Rinascimento, un movimento culturale

che pose l’uomo al centro del mondo

.

La tecnica che diede impulso alla rappresentazione visiva fu le pittura con

i colori ad olio ottenuti da sostanze minerali, vegetali ed animali mescolati con un medium, cioè una sostanza a base di resine ed olii che servivano a

diluire ed impastare i pigmenti.

Sovrapponendo uno strato di colore sull’altro, si rendono meglio le sfumature del colore stesso. Pala di Brera, Piero della

Francesca

Van Eyck, Madonna del cancelliere Rolin

Il pittore olandese Jan van Eyck (circa 1390-

1441) è considerato l'iniziatore della pittura

rinascimentale fiamminga e probabilmente

l’inventore dei colori ad olio.

Il colorismo del Cinquecento

In questo secolo si cercano altre forme espressive, sempre

nell’ottica rinascimentale, più adatte ad esprimere

l’inquietudine e l’insoddisfazione dell’uomo che non aveva visto i propri

problemi risolti dalla razionalità quattrocentesca.

Molti artisti, in questo periodo, utilizzano il colore in modo

particolare.

Tiziano, Carlo V in poltrona

Le opere di Raffaello Sanzio perseguono un ideale di bellezza

che deriva da un armonioso impianto prospettico e dall’uso del colore che suggerisce una

luminosità morbida e dolce, con ombre delicate.

La sua pittura incarnò l’ideale rinascimentale di serenità,

equilibrio, naturalezza.

Raffaello: Sposalizio della Vergine

Giorgione usava dipingere senza eseguire schizzi preparatori, e il colore,

caldo ed intenso, conserva una freschezza ed una

levità non più raggiunte.

Giorgione: La tempesta

Tiziano Vecellio prese da Giorgione il senso del colore e la morbida sensualità delle figure, aggiungendo un impianto prospettico più articolato e una certa monumentalità drammatica.

Famoso come ritrattista, arrivò ad esprimere con il colore la psicologia dei personaggi rappresentati.

Tiziano: Il duca di Alba

La pittura di maniera

Per Manierismo intendiamo alcune tendenze artistiche

successive al 1520 diffusesi n Italia dopo il Sacco di Roma

del 1527

In questo periodo il colore assunse una particolare

importanza perché divenne oggetto di studio e strumento

per esprimere in modo personale la realtà andando

oltre limitazione

Giulio Romano: Teti e Achille

Nella Deposizione (1521), conservata presso la Pinacoteca

civica di Volterra, Rosso Fiorentino usò accostamenti

cromatici volutamente stridenti (colori forti che risaltano

drammaticamente sullo sfondo di tonalità cupa, plumbea) e una

disposizione delle figure non equilibrata, bensì mossa e

dinamica, discostandosi dalle convenzioni rinascimentali e ponendo così le basi per lo

sviluppo del manierismo.

Rosso Fiorentino, Deposizione

La pittura di macchia

Movimento tra i più significativi e innovativi della pittura italiana

dell'Ottocento, formatosi a Firenze attorno al 1855.

Il termine “macchiaioli” deriva dall’uso di giustapporre sulla

tela (o su altri supporti: notevoli ad esempio le tavolette di

legno di Fattori) ampie campiture di colore, con effetto

quasi di macchie, che definiscono l'immagine

attraverso contrasti tonali e chiaroscurali Fattori, Il campo italiano dopo la

battaglia di Magenta

Altamura, Carlo Poerio viene tradotto in carcere

Dipinto di Francesco Saverio Altamura, fervente patriota e pittore di storia risorgimentale, Ministro dell'Istruzione nel governo costituzionale di Napoli del 1848, con la reazione dell'anno seguente Carlo Poerio (Napoli 1803 - Firenze 1867) fu arrestato e condannato a ventiquattro anni di lavori forzati.

Corrente artistica sviluppatasi in Francia nella seconda metà dell’Ottocento, nata dal rifiuto delle tradizioni pittoriche e scultorie contemporanee, a soggetto classico o sentimentale, e dello stile promosso dall’Accademia

La rivoluzione impressionista

Il procedimento si fondava sulla stesura di brevi pennellate di pigmento puro, che giustapponevano perlopiù colori primari (rosso, giallo e blu), mettendoli in contrasto con i complementari (verde, viola, arancio ecc.): ne risultava un’immagine rozza e frammentaria se analizzata da vicino, ma straordinariamente efficace dalla consueta distanza d’osservazione, caratterizzata da una luminosità più accesa.

Monet, Impression, soleil levant

Nel dipinto Il bar delle Folies-Bergères, Manet riepiloga tutti i cardini della sua pittura: amore realistico, natura morta, colori piatti e riflessi di luce.

Particolare

Dipinta da Renoir nel 1881, la Colazione dei canottieri ritrae un gruppo di amici riuniti in un caffè lungo le sponde della Senna, vicino a Parigi; la sapiente alternanza di zone di luce e di ombra rendono la freschezza di un'impressione fugace catturata e fissata sulla tela in pochi istanti.

Post-impressionismoTermine utilizzato in pittura per indicare la varietà di stili che si diffusero dopo l'impressionismo, in particolare in Francia, tra il 1880 e il 1905. La definizione fu coniata dal critico inglese Roger Fry nel 1910,

V. Van Gogh, Campo di grano con volo di corvi

Dipinto da Paul Gauguin nel 1888, durante il suo terzo soggiorno a Pont-Aven in Bretagna, Le Christ jaune si colloca già oltre la fase impressionista della sua produzione e condensa un percorso spirituale e teorico (noto come "sintetismo"), condiviso con artisti a lui vicini, ispirato all'arte primitiva e all'esotismo delle stampe giapponesi. In quest'opera, custodita presso la Albright-Knox Gallery di Buffalo, il gusto per il colore violento e l'esaltazione dei contorni delle figure, marcati da linee scure, si legarono a un'ispirazione di potente misticismo

Movimento pittorico francese, sviluppatosi tra il 1898 e il 1908 circa, caratterizzato

dall’abbandono dell’impostazione

dell’impressionismo, teso alla fedele resa del dato visivo, a vantaggio di un’arte fondata

sul puro valore espressivo ed evocativo del colore, utilizzato

nei toni più decisi e violenti.

Il termine fauves (“belve”) fu utilizzato per la prima volta

nel 1905 dal critico francese Louis Vauxcelles,

Fauvisme

H. Matisse, La stanza rossa

Eseguito tra il 1909 e il 1910, il grande pannello intitolato La danza (260 x 391 cm, è considerato un manifesto dell'arte di Matisse e dell'estetica fauve. L'immagine, costruita con pochissimi mezzi stilistici – sostanzialmente solo tre colori, molto accesi, stesi in campiture piatte e contenuti da segni di contorno marcati – trapassa ogni convenzione naturalistica a favore di una straordinaria espressività.

Corrente artistica sorta in Olanda nel 1917 per

iniziativa di Piet Mondrian, Theo Van

Doesburg, Bart Van der Leck e Georges

Vantongerloo,

Il termine “neoplasticismo”, secondo Mondrian, doveva

rimandare a un'arte essenzialmente bidimensionale e astratta. Si

proponeva inoltre di eliminare ogni proposito di imitazione della natura

o di allusione simbolica al reale, ritornando agli elementi primari della pittura, al suo lessico fondamentale: i colori primari (rosso, giallo e blu), le superfici geometriche e le linee

rette.

Van Doesburg: Rhythm of a Russian.

Neoplasticismo

Mondrian, Composiizone il blu, rosso e giallo

Pop Art

Andy Warhol, Marilyn, serigrafia su tela, 1964

In queste ripetizioni Warhol, cambiando i colori giunge ad immagini sempre diverse.

In questo modo riduce l’espressività del soggetto, rendendolo subito “vecchio” e richiedendone uno sempre nuovo.

Fine