Ludwig van Beethoven Triple Concerto, op.56

Lev Oborin Stanislav Knushevitzky

The Philharmonia Sir Malcom Sargent

Violin Concerto, op.61Orchestre National de la Radiodiffusion Française

André Cluytens

REMINISCENCESLIMITED EDITION

OistrakhDavid

DAVI

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ISTR

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In honorem David Oistrakh LUDWIG van BEETHOVEN 1770-1827

TRIPLE CONCERTO in C, Op.56, for violin, cello and piano (1803-4) 34:05 KONZERT für Violine, Violoncello und Klavier C-Dur, Op.56 TRIPLE CONCERTO pour violon, violoncello et piano en ut majeur op.561. I. Allegro – Più allegro 16:422. II. Largo 04:303. III. Rondo alla polacca - Allegro 12:49 Recording London, 4 May 1958, EMI Studio

VIOLIN CONCERTO in D major, Op.61 (1806) 45:01 VIOLINKONZERT D-Dur, Op.61 CONCERTO POUR VIOLON en ré majeur op.614. I. Allegro ma non troppo – Cadenza (Fritz Kreisler) 25:035. II. Larghetto 09:366. III. Rondo: Allegro - Cadenza (Fritz Kreisler) 10:17 Recording Paris, Salle Wagram, 8-10 November 1958

TOTAL PLAYING TIME: 79:18

David Oistrakh, violin / Violine / violon (1-3) Svjatoslav Knushevitzky, cello / Violoncello / violoncelle

Lev Oborin, piano / Klavier

The Philharmonia, Sir Malcolm Sargent (4-6) Orchestre National de la Radiodiffusion Française

André Cluytens

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CHAMBER OR ‘EROICA’ SYMPHONIC MUSIC ?

On 7 April 1805 the first public performance of Beethoven’s Third Symphony, “The Eroi ca” took place in the Theater-an-der-Wien. The conductor was the twenty-five year old Franz Clement. The following year Clement, who was also a fine violinist, found himself giving the first performance of another new work by Beethoven, this time with practically no rehearsal !. The reason for this lack of preparation was that Beethoven had only just finished composing the piece, his Violin Con certo in D major, in time for the concert. Cle ment was therefore obliged to play much of his solo part at sight and from a manuscript that was no model of neatness. The first per formance took place on 23 December 1806 and on 8 January the following year it was reviewed in a Viennese journal, the Zeitung for Theater, Musik und Poesie. ‘The verdict of the cognoscenti is unanimous’ wrote the reviewer, ‘they concede that it has some beauty, but maintain that the continuity is often completely fragmented, and that the endless repetition of some common place pas sages might easily prove wearisome’. Judging by the state of the autograph score, a considerable amount of rewriting fol lowed the first performance, so that by the second, opinions were more favourable. However, it was not until some twenty years after Beethoven’s death that the concerto be gan to be accepted for its true worth. It was Joseph Joachim, who was later to assist composers such as Bruch, Brahms and Dvořák with their violin concertos, who first championed that of Beethoven. In 1844, as a thirteen year old boy, he had played the work

in London under the baton of MendeIs sohn and he continued to perform it through out his playing career. Often regarded unfairly as the weakest of Beethoven’s concerti, the so-called ‘Triple’, completed in 1804, is in some ways his most skilful. A century earlier concerti for multiple instruments had been the norm when concerti grossi appeared by the dozen, and the notion was revived in France during the 1770’s when the symphonie concertante became popular. Often lightweight and as easy to listen to as forget, this style, like the concerto grosso, outlived its usefulness. Beethoven took the challenge of resurrecting it with a unique work: a concerto for piano trio and orchestra. The difficulties of giving each of the three soloists something important to say, yet without undue repetition, are triumphantly overcome in a tuneful work more memorable perhaps than any earlier major symphonie concertante in souvenir of Mozart’s model K 364. David Fyodorovich Oistrakh (September 30, 1908 – October 24, 1974) was born in the cosmopolitan city of Odessa in the Russian Empire (now Ukraine) into a Jewish family of merchants of the second guild. His father was David Kolker and his mother was Isabella Beyle (née Stepanovsky), who later on married Fishl Oistrakh. At the age of five, young Oistrakh began his studies of violin and viola as a pupil of Pyotr Stolyarsky. In his studies with Stolyarsky he made very good friends with Daniel Shindarov, with whom he performed numerous times around the world, even after becoming famous, for students at Stolyarsky School of Music. He would eventually come to predominantly perform on violin. In 1914, at the age of six,

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Oistrakh performed his debut concert. He entered the Odessa Conservatory in 1923, where he studied until his graduation in 1926. In the Conservatory he also studied harmony with composer Mykola Vilinsky. His 1926 graduation concert consisted of Bach’s Chaconne, Tartini’s Devil’s Trill Sonata, Rubinstein’s Viola Sonata, and Prokofiev’s Violin Concerto No.1 in D major. In 1927, Oistrakh appeared as soloist playing the Glazunov Violin Concerto under the composer’s own baton in Kiev, Ukraine – a concert which earned him an invitation to play the Tchaikovsky Violin Concerto in Leningrad with the Philharmonic Orchestra under Nikolai Malko the following year. Oistrakh collaborated with major orchestras and musicians from many parts of the world, including the Soviet Union, Europe, and the United States, and was the dedicatee of numerous violin works, including both of Dmitri Shostakovich’s violin concerti, and the violin concerto by Aram Khachaturian. He is considered one of the preeminent violinists of the 20th century. In 1927, Oistrakh relocated to Moscow, where he gave his first recital and met his future wife: pianist Tamara Rotareva (1906-1976). They were married a year later, and had one child, Igor Oistrakh, who was born in 1931. Igor Oistrakh would follow his father’s path as a violinist, and eventually performed and recorded side-by-side with his father, including Bach’s Double Concerto, which they first recorded in 1951, and Mozart’s Sinfonia Concertante. In at least one of the recordings of Mozart’s Sinfonia Concertante, Igor Oistrakh played violin, while David Oistrakh played viola. From 1934 onwards, David Oistrakh held a position teaching at the Moscow Conservatory, and was later

made professor in 1939. Some of his colleagues while teaching at the Moscow Conservatory included Yuri Yankelevich and Boris Goldstein. Oistrakh taught Oleg Kagan, Emmy Verhey, Gidon Kremer, Zoya Petrosyan, Victor Danchenko, Cyrus Forough, Olga Parhomenko, and his son Igor Oistrakh. From 1940 to 1963, Oistrakh performed extensively in a trio that also included the cellist Sviatoslav Knushevitsky and the pianist Lev Oborin. It was sometimes called the ‘Oistrakh Trio.’ Oistrakh collaborated extensively with Oborin, as well as Jacques Thibaud, a French violinist.During World War II, he was active in the Soviet Union, premiering new concerti by Nikolai Miaskovsky and Khachaturian as well as two sonatas by his friend Sergei Prokofiev. He was also awarded the Stalin Prize in 1942. The final years of the war saw the blossoming of a friendship with Shostakovich, which would lead to the two violin concertos and the sonata, all of which were to be premiered by and become firmly associated with Oistrakh in the following years. Oistrakh’s career was set from this point, although the Soviet Union was “protective” of its people and refused to let him perform abroad. He continued to teach in the Moscow Conservatory, but when Nazi Germany invaded the Soviet Union, he went to the front lines, playing for soldiers and factory workers 0under intensely difficult conditions. Arguably one of the most heroic acts in his life was a performance of Tchaikovsky’s violin concerto to the end in the central music hall during the Battle of Stalingrad in the winter of 1942 while central Stalingrad was being massively bombed by the German forces. However, other sources indicate that Oistrakh performed in Leningrad that winter. Whether

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Oistrakh performed in Stalingrad is Oistrakh was allowed to travel after the end of the war. He traveled to the countries in the Soviet bloc and even to the West. His first foreign engagement was to appear at the newly founded “Prague Spring” Festival where he was met with enormous success. In 1949 he gave his first concert in the West – in Helsinki. In 1951, he appeared at the ‘Maggio Musicale’ Festival in Florence, in 1952 he was in East Germany for the Beethoven celebrations, France in 1953, Britain in 1954, and eventually, in 1955, he was allowed to tour the United States. By 1959, he was beginning to establish a second career as a conductor, and in 1960 he was awarded the coveted Lenin Prize. His Moscow conducting debut followed in 1962, and by 1967 he had established a partnership with the celebrated Soviet pianist Sviatoslav Richter. 1968 saw wide celebrations for the violinist’s sixtieth birthday, which included a celebratory performance in the Great Hall of Moscow Conservatory of the

Tchaikovsky concerto, one of his favourite works, under the baton of Gennady Rozhdestvensky. Oistrakh was now seen as one of the great violinists of his time, among such luminaries as Romania’s George Enescu and Lithuanian-born Jascha Heifetz. Oistrakh suffered a heart attack as early as 1964. He survived and continued to work at a furious pace. He had already become one of the principal cultural ambassadors for the Soviet Union to the West in live concerts and recordings. After conducting a cycle of Brahms with the Concertgebouw Orchestra, he died from another heart attack in Amsterdam in 1974. His remains were returned to Moscow, where he was interred in Novodevichy Cemetery.

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PARTITION DE CHARME, PARTITION ‘HÉROÏQUE’

Composé en 1806 à Vienne, l’op.61 fut créé le 23 décembre 1806 au Théâtre “An der Wien” par Franz Clement. Édité en Mars 1809, il devint une œuvre de répertoire grâce à Joseph Joachim qui le révéla à 13 ans, à la Philharmonie de Londres sous la direction de Mendelssohn le 27 mai 1844 (et écrivit la cadence la plus usuellement jouée). Il est dédié à Stephan von Breuning. Les années 1805-1806 marquent dans la créa tion beethovénienne

l’approfondissement du style “héroïque”, aboutissement de ce nouveau che min que Beethoven déclarait vouloir suivre dès 1801. Ce n’est certes pas un hasard si la composition de sonates pour le piano, quasiment ininterrompue jusqu’en 1802, se ralentit ensuite quelque peu pour s’interrompre pendant quatre années, entre l’op.57 (sonate dite “Appassionata”, datant de 1805, et l’op.78 (composé en 1809). Inauguré en 1803 par la Troisième Symphonie “Eroica” (op.55). Ce style “héroïque” s’affirme dans les trois Quatuors “Ra soumovsky” op.59 (1805-1806) et les deux premiè res versions de

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Fidelio (1804-1806), mais surtout dans des œuvres orchestrales de vastes dimensions: le Triple Concerto pour piano, violon et violoncelle op.56 (1803-1804), le Quatrième Concerto pour piano op.58 (1805-1806), la Quatrième Symphonie op.60 (1806), enfin ce Concerto pour violon op.61, œuvre de circonstance composée en très peu de temps – si l’on en croit Carl Czerny – pour un très grand violoniste de l’époque, tout à fait oublié aujourd’hui: Franz Clement. Celui-ci, qui dirigeait alors l’orchestre du Theater an der Wien de Vienne, semble avoir été un virtuose véritablement exceptionnel, dont la brillante carrière avait débuté alors qu’il n’était âgé que d’à peine dix ans. Sa réputation tenait surtout à l’étonnante justesse de ses intonations et à la rapidité de son archet. A lui seul, le Concerto de Beethoven témoigne éloquemment des qualités artistiques et des capacités techniques de ce violoniste hors du commun, auquel rend hommage cette suscription humoristique en tête du manuscrit autographe : “Concerto par Clemenza Clement primo Violino e direttore al theatro a Vienna Dal L. v. Bthvn 1806”. La création elle-même n’eut que peu de retentissement. Certes Clement se tailla un immense succès personnel, non seulement par sa brillante interprétation, mais aussi et surtout grâce à une cadence aux excentricités d’un goût douteux, en ajoutant, par exemple, une série de variations sur son instrument tenu à l’envers... En revanche, l’œuvre elle-même semble avoir laissé le public franchement indifférent. De fait, elle ne parvint à s’imposer que très lentement. Sa grande popularité actuelle contraste fortement avec de difficiles débuts. L’étape décisive, auprès des musiciens comme auprès du public, ne fut franchie seulement qu’en 1844,

lorsqu’un autre très jeune virtuose – il avait 13 ans – Joseph Joa chim, joua le Concerto à Londres, sous la direction de Mendelssohn.L’œuvre pouvait en effet surprendre par son style, par sa conception même, Elle tranchait avec la tradition viennoise d’alors, soi-disant mozartienne, pour qui le concerto n’était guère qu’un prétexte à la seule virtuosité, en clair à un numéro de cirque (Paganini s’en souviendra). Si celle-ci n’est pas absente du Concerto de Beethoven, elle s’est mis progressivement au service de l’expression musicale la plus profonde et la plus noble. Il suffit de réécouter les styles successifs d’un Kreisler ou d’Heifetz. Oistrakh impose une lecture exempte de toute facétie… alors que plus récemment (1977) Gidon Kremer demandait à Alfred Schnittke de lui écrire une nouvelle cadence… avec orchestre. La puissance tutélaire de cette composition tient notamment à la richesse de l’orchestre et à l’originalité de son traitement (qu’il s’agisse, par exemple, de l’utilisation de cinq coups de timbales initiaux comme élément de développement ou de la combinaison entre le violon solo et les instruments à vent) et à l’ampleur des dimensions, tout particulièrement celles du premier mouvement, plus important que les deux autres réunis, structure que Beethoven équilibre en enchaînant le finale au mouvement lent (comme il vint de le faire, pour les mêmes raisons, dans les sonates pour piano op.53 et op.57, dans le Triple Concerto, préalable essentiel à l’op.61, longtemps regardé comme une erreur de mise en scène, dirait-on aujourd’hui. Cet “hybride”, achevé dès 1804, apparaît pourtant comme beaucoup plus achevé sur le plan purement technique. Il offre aux formations aristocratiques de la Vienne impériale un modèle

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illustrant les possibilités du trio avec clavier, intégrant même le nouvel Hammerklavier. Souvenir du concerto grosso, d’ordinaire d’humeur primesautière, aussi agréable à écouter que facile à oublier, ce Klaviertrio s’impose d’emblée si la formation soliste a une réelle expérience commune. C’est le cas idéal avec le Trio Oistrakh (1949-68) dont l’interprétation rend compte tant de la fusion chambriste exigée que de la carrure symphonique du propos. Son écriture mélodieuse, bien plus élaborée qu’aucune symphonie concertante d’époque, prouve qu’il est possible d’offrir à trois solistes, volontiers concurrents, de quoi prouver leur art tant instrumental que musical. Le violoncelle, encore sans ‘pique’ d’appui à l’époque, doit surmonter son handicap et s’affirmer comme aussi véloce que ses partenaires, sans perturber l’étonnant équilibre réussi des voix différentes, les deux mains du pianiste prêtant successivement main forte aux cordes aigües et graves. Ce résultat, quasi impossible à obtenir lors de rencontres souvent fortuites ou peu préparées entre trois grands noms, limite encore la fréquentation et l’aura de cette page mal aimée.

Le violoniste, altiste et chef d’orchestre russe David Fiodorovitch Oïstrakh est né le 30 septembre 1908 à Odessa et mort le 24 octobre 1974 à Amsterdam, demeure l’un des violonistes les plus réputés du xxe siècle. Il a profondément influencé la technique de des instruments à cordes, par sa maîtrise technique stupéfiante, sont étonnant self-control, sa virtuosité jamais gratuite. Musicien, il a durablement marqué l’histoire de la musique au travers de la collaboration qu’il entretint avec de grands compositeurs qui lui dédiaient leurs œuvres. Il naît à Odessa, alors ville

russe. Elle était devenue, après les migrations de Pologne des xviiie et xixe siècles, la ville comportant la diaspora la plus nombreuse des grandes villes de l’Empire russe. Fiodor Davidovitch Oïstrakh et Isabella Stepanovna Kolker, eux-mêmes d’origine juive, vivent dans un petit appartement des quartiers sud de la ville. Fiodor est un modeste officier, qui doit vendre des graines de tournesol pour améliorer ses revenus. Il joue bien du violon, mais aussi du cor et d’autres instruments à vent. Isabella est chanteuse de chœur à l’opéra. Très tôt, Isabella emmène son fils David aux répétitions. Odessa était alors une ville animée et disposant d’une vie culturel et scientifique d’importance. Les cafés et les restaurants recevaient des violonistes ; le Square Richelieu, des ensembles de cuivres et des orchestres napolitains ; des quatuors à cordes et autres ensembles de chambre étaient invités pour des concerts privés; le Théâtre recevait Glazounov, Chaliapine, Sobinov, Caruso, Anna Pavlova ou Isadora Duncan. Au sein de ce milieux actif, David reçoit son premier violon à cinq ans, en remplacement de son violon-jouet dont il était devenu inséparable et avec lequel il aimait à se produire. David est motivé, certes, mais sa chance sera son premier professeur, Piotr Solomonovitch Stoliarski. La pédagogie de ce dernier était basée sur le jeu, et sur une connaissance approfondie des dons et du caractère de chacun de ses élèves. À la fois très présent, mais partisan de l’autonomie, il ne jouait que rarement, préférant laisser ses élèves se heurter puis résoudre les difficultés par leurs propres moyens. Ils étudiaient le violon et l’alto, jouaient dans de petits ensembles à l’unisson ou en formetion d’orchestre, et donnaient de fréquents petits concerts, afin de s’habituer au contact et au public, ce qui permettait

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l’atonomie financière de cette école hors du commun. David y côtoie un autre futur violoniste virtuose, Nathan Milstein, de cinq ans son aîné, avec lequel il joue en quatuor, Nathan se chargeant de la partie de violoncelle ! Il ne sera jamais un enfant prodige (comme le seront dans sa génération Heifetz ou Menuhin) – Stoliarski dira d’ailleurs : “Je ne veux pas que Dodik soit un enfant prodige, parce que c’est un véritable musicien.” La Première Guerre mondiale et la Révolution russe ralentissent peu les progrès de David. Sa famille, comme tant d’autres, sombre dans la pauvreté, mais Stoliarski parvient à ménager de bonnes conditions de travail à ses élèves. Et après des années difficiles, le pouvoir soviétique ramène un début d’ordre en 1920. Son premier concert eut lieu en 1923. Au programme figurait le Concerto en la mineur de Bach. Ce concerto, ainsi que la sonate les Trilles du diable de Tartini, les Airs bohémiens de Sarasate, figurait sur les premières affiches à porter le nom de David Oïstrakh, l’année suivante. Sa première tournée se déroula en Ukraine en 1925, avec l’orchestre du Conservatoire d’Odessa. Les conditions étaient difficiles et les voyages éprouvants. David Fiodorovich quitta le conservatoire en 1926 ; son programme de fin d’année révèle déjà le grand musicien : à côté d’œuvres plus courantes, la chacone de Bach et la sonate de Tartini, David fait figurer la sonate pour alto d’Anton Rubinstein et le premier concerto de Prokofiev. Cette œuvre, très difficile et très novatrice, était une prise de risque énorme, d’autant qu’elle venait d’être écrite (1917) et créée (18 octobre 1923, à l’Opéra de Paris par Marcel Darrieux) et dont la première russe ne datait que du 21 octobre 1923

à Moscou (Nathan Milstein, Vladimir Horowitz au piano). En 1935, il finit second au Concours international de violon Henryk Wieniawski à Varsovie derrière Ginette Neveu. En 1937 il obtient le premier prix du premier Concours musical international Reine-Élisabeth-de-Belgique (alors “Concours Eugène Ysaÿe”) à Bruxelles. Cette victoire lui ouvre les portes d’une grande carrière internationale. “Chacun d’entre nous était outil de la politique soviétique. A l’étranger, nous étions les propagandistes de la société soviétique, qui produisait de bons musiciens. David Oistrakh n’était pas une exception, mais parce qu’il était un fabuleux violoniste et un homme adorable, à tous points de vue il était parfaitement adapté à cette propagande. En plus, il ne faut pas oublier qu’il était juif – l’Union soviétique ne pouvait espérer mieux, parce qu’il fallait prouver qu’il n’existait pas d’antisémitisme” Sa carrière se développe d’abord à l’intérieur des frontières de l’Union Soviétique. Il crée les concertos de Nikolai Miaskovsky et Aram Khatchatourian, la sonate de Serge Prokofiev. Il reçoit le Prix Staline en 1942 – dont il reverse la récompense à l’Armée rouge. Il lie de durables amitiés avec Serge Prokofiev et Dmitri Chostakovitch. Quand l’Union soviétique entre en guerre, alors que beaucoup d’artistes fuient, il reste à Moscou et continue à enseigner au conservatoire. Il voyagera sur les lignes de front pour se donner en concert devant les soldats et les ouvriers. En 1947 il est décoré de l’ordre de Lénine. Après la guerre, et à l’instar d’autres artistes, il est autorisé à voyager – d’abord à l’intérieur des frontières du bloc soviétique, par exemple au festival “Printemps de Prague”, puis graduellement à “l’Ouest”.

PRAGA PRD/DSD 350 082Recorded in London, 4-5 May 1958, (Op.56) – In Paris, 8 & 10 November 1958

DSD mastered from original sources, SACD bi-channel (stereo), without artificial back effect. Edited by Karel SOUKENÍK, Prague

Cover Illustration, photographic gathering of artists monochromatic profiles Chant du Monde (1970)All rights reserved q AMC Paris, 2014

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En 1951, il est au festival “Maggio Musicale” de Florence ; en 1952 en Allemagne de l’Est pour le festival Beethoven ; en France en 1953, en Angleterre en 1954 ; en 1955, aux États-Unis. Il débute en 1959 une carrière de chef d’orchestre, dirige à Moscou en 1962. Il reçoit le Prix Lénine en 1960. En 1967, ommence sa collaboration avec Sviatoslav Richter. Sa santé se dégrade progressivement. Il se relève d’un infarctus en 1964, mais ne ralentit pas son rythme effréné de travail: il est alors le principal ambassadeur de l’art soviétique, et considéré comme l’un des plus grands violonistes du siècle – il n’est donc pas question

qu’il prenne du repos. En 1968, pour ses soixante ans ont lieu de grandes célébrations. En 1974, il dirige un cycle Brahms avec l’orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam ; il y meurt d’un nouvel infarctus. Il repose au cimetière de Novodevitchi à Moscou aux côtés de son épouse Tamara décédée en 1976.

Biographic informations sources : Wikipedia

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PRAGA PRD/DSD 350 082Recorded in London, 4-5 May 1958, (Op.56) – In Paris, 8 & 10 November 1958

DSD mastered from original sources, SACD bi-channel (stereo), without artificial back effect. Edited by Karel SOUKENÍK, Prague

Cover Illustration, photographic gathering of artists monochromatic profiles Chant du Monde (1970)All rights reserved q AMC Paris, 2014

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REMINISCENCES COLLECTION GREATEST HITS

STRAVINSKYPRD 350 057 (2XSACD)

SHOSTAKOVICH PRD 350 059

FALLA I PRD 350 064

FALLA IIPRD 350 090

TCHAIKOVSKI PRD 350 069

DEBUSSYPRD 350 072

RAVEL PRD 350 073

SAINT-SAENS PRD 350 077

COPLAN PRD 350 086

SHOSTAKOVICH PROKOFIEV PRD 350 089

LALOPRD 350 094

MOUSORSKY / STRAVINSKY PRD 350 09

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BEETHOVEN / DEBUSSYPRD 350 098

BERG/BARTÓK PRD 350 099

STRAUSSPRD 350 100

MOZART / WEBER / STRAUSSPRD 350 102

BRAHMSPRD 350 103

GOLDMANN / BRAHMS PRD 350 105

WAGNERPRD 350 107

BARTÓKPRD 350 108

BRAMS / MAHLERPRD 350 109

CHOPIN / RACHMANINOVPRD 350 110

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In honorem David Oistrakh LUDWIG van BEETHOVEN 1770-1827

1 - 3 TRIPLE CONCERTO in C, Op.56, for violin, cello and piano (1803-4) 34:05 KONZERT für Violine, Violoncello und Klavier C-Dur, Op.56

TRIPLE CONCERTO pour violon, violoncello et piano en ut majeur op.56 Recording London, 4 May 1958, EMI Studio

4 - 6 VIOLIN CONCERTO in D major, Op.61 (1806) 45:01 VIOLINKONZERT D-Dur, Op.61

CONCERTO POUR VIOLON en ré majeur op.61 Recording Paris, Salle Wagram, 8-10 November 1958

David Oistrakh, violin / Violine / violon (1-3) Svjatoslav Knushevitzky, cello / Violoncello / violoncelle

Lev Oborin, piano / Klavier

The Philharmonia, Sir Malcolm Sargent (4-6) Orchestre National de la Radiodiffusion Française

André Cluytens

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