Una passione per l’arte italianaUne passion poUr l’art italien

Copertina

Arnaldo Pomodoro“Disco“, 1984,Bronzo, 15 x 5,5 cmed. di 95

Couverture

Arnaldo Pomodoro“Disque“, 1984Bronze, 15 x 5,5 cméd. sur 95

LA COLLEZIONE DELLA COMPAGNIE MONEGASQUE DE BANQUE

La CMB ha coltivato sin dalla fondazione nel 1976, una grande passione per l’arte italiana attraverso le opere riunite in collezione. Queste ultime riflettono i valori di cui la CMB si fa portatrice ovvero l’incoraggiamento del talento e della creatività ed il rispetto della diversità ; valori sintetizzati dal più che noto enunciato di Victor Hugo : “L’arte è dell’uomo come la natura è di Dio”.Mediante il riconoscimento del ruolo dell’artista, la cui espressione è quella della coscienza d’una società, queste opere manifestano l’impegno della CMB nella comunità ed il legame con i Suoi Clienti e Partners.Un primo catalogo fu pubblicato nel 1988 a cura del critico Arturo Carlo Quintavalle ed intitolato “Recits en couleurs” con l’intenzione di valorizzare le acquisizioni fatte nel corso degli anni.Ad ultimazione dei lavori di rinnovo della sede in avenue de la Costa, la CMB è lieta di presentare oggi questa collezione mediante un’installazione ragionata delle opere nei suoi locali e la redazione della presente guida intesa ad esaltarne il suo valore storico ed artistico.Il nucleo principale di opere, già sapientemente introdotto dal precedente catalogo, racchiude importanti lavori di artisti italiani protagonisti delle avanguardie degli anni ‘60, ‘70 e ‘80 : Enrico Baj, Valerio Adami, Lucio Del Pezzo, Mario Schifano, Emilio Tadini e Arnaldo Pomodoro. Ad essi si sono poi aggiunti i grandi maestri Lucio Fontana, Gianfranco Pardi e Piero Dorazio.Sono state selezionate in quest’opuscolo diciotto opere maggiori a testimonianza dell’avvincente evoluzione dell’arte italiana dall’Astrazione alla Pop Art, passando per la Nuova Figurazione, e del coinvolgimento culturale ed artistico di questa istituzione.

LA COLLECTION DE LA COMPAGNIE MONÉGASQUE DE BANQUE

La CMB a toujours cultivé une passion pour l’Art italien à travers les œuvres qu’elle a pu réunir au fil du temps, depuis sa création en 1976. Ces dernières reflètent les valeurs que la CMB défend telles que le développement des talents et de la créativité, ainsi que le respect de la diversité ; des valeurs que nul n’a mieux exprimées que Victor Hugo lorsqu’il énonce : “L’Art est à l’homme ce que la nature est à Dieu”.Par la reconnaissance du rôle de l’Artiste, dont l’expression est celle de la conscience d’une société, ces œuvres manifestent l’engagement de la CMB dans la Communauté et son lien avec ses Clients et ses Partenaires.Sous la direction du critique d’art Arturo Carlo Quintavalle, un premier catalogue intitulé “Récits en couleur” fut publié en 1988 avec l’intention de valoriser les acquisitions réalisées au fil des années.A l’issue des travaux de rénovation de son siège, avenue de la Costa, la CMB est aujourd’hui heureuse de présenter les œuvres en sa possession, mises en scène dans ses locaux et à travers ce recueil, conçu pour en cristalliser les valeurs historique et artistique.La collection s’articule autour de pièces maîtresses, savamment présentées dans le catalogue précédent qui regroupait les œuvres d’artistes italiens protagonistes des avant-gardes des années ‘60, ‘70 et ‘80 : Enrico Baj, Valerio Adami, Lucio de Pezzo, Mario Schifano, Emilio Tadini et Arnaldo Pomodoro. Par la suite, se sont ajoutés les grands maîtres Lucio Fontana, Gianfranco Pardi e Piero Dorazio.La sélection de dix-huit œuvres majeures présentée dans ce fascicule offre un voyage à travers l’évolution de l’art italien, de l’Abstraction au Pop Art, en passant par la Nouvelle Figuration et témoigne du respect de la CMB pour l’Art et la Culture.

Gianfranco Pardi(Milano, 1933)

Il nostro percorso inizia con una scultura geometrica di Gianfranco Pardi.Il rapporto fra pensiero e forma, fra astrazione e concretezza, è da sempre il tema ricorrente nelle opere di Pardi, sia in pittura che in scultura.La ricerca artistica di quest’ultimo s’individua, alla fine degli anni ‘60, su alcuni luoghi fondamentali della concezione dello spazio: le “architetture”, opere molto conosciute che esprimono chiaramente la volontà di fondare lo spazio attraverso metodologie costruttive. Negli anni ‘70 l’artista elabora una rilettura delle avanguardie storiche, quali l ’Astrattismo, i l Costruttivismo e i l Neoplasticismo, e realizza, tra le altre, quest’opera in cui la forma si esprime tramite un segno geometrico purissimo capace di dare corpo ad un pensiero costruttivo. Tra le mostre più importanti dell’artista si ricordano: nel 1986 la Biennale di Venezia con una sala personale, e nello stesso anno la Triennale di Milano e la Quadriennale di Roma; la Biennale di Palazzo della Permanente nel 1974 e nel 1993, una sua personale nel 1998 a Palazzo Reale di Milano, nel 1999 in Germania tre importanti mostre al Frankfurter Kunstverein di Francoforte, al Museum Bochum di Bochum e al Kulturhistorisches Museum di Stralsund.

Notre parcours commence par une sculpture géométrique de Gianfranco Pardi.Le rapport entre pensée et forme, entre abstraction et concrétude, est depuis toujours le thème récurent des œuvres de Pardi que ce soit en peinture ou en sculpture. La recherche artistique de ce dernier se concentre à la fin des années ‘60, sur certains sujets fondamentaux de la conception de l’espace : les célèbres “architectures” expriment clairement la volonté de fabriquer l’espace à travers des méthodologies constructives.Durant les années ‘70, l’artiste élabore une relecture des avant-gardes historiques, tel que l’Abstraction, le Constructivisme et la Néoplasticisme, et réalise, entre autre, cette œuvre dont la forme s’exprime à travers un signe géométrique très pur, capable de donner corps à une pensée constructive.Parmi les expositions les plus importantes de l’artiste, on se rappelle : en 1986, la Biennale de Venise avec une pièce dédiée à l’artiste et, la même année, la Triennale de Milan et la Quadriennale de Rome; la Biennale de Palazzo de la “Permanente” en 1974 et en 1993, une exposition personnelle en 1998 au Palazzo Reale de Milan, en 1999 en Allemagne, trois importantes expositions au Frankfurter Kunstvere de Francfort, au musée Bochum de Bochum et au Kulturhistorisches Museum de Stralsund.

“Senza titolo”1977Acciaio ed ottone190 x 50 x 50 cm

“Sans titre”1977Acier et laiton190 x 50 x 50 cm

Arnaldo Pomodoro (Morciano di Romagna, 1926)

Nello stesso anno d’esecuzione dell’opera di Pardi, il 1977, il grande maestro Arnaldo Pomodoro realizza questo basso rilievo in bronzo argentato e acciaio che riassume la poetica e lo stile tipici del notissimo sculture.La superficie di una stele o anche “tavola dei segni” è per metà liscia e per metà incisa dei riconoscibili segni geometrici cari all’artista: essa rievoca una sorta di “muro sartriano” contro il quale si riflettono i pensieri dell’uomo. Pomodoro e gli astrattisti di questa collezione appartengono, ognuno a suo modo, ad un’avanguardia di rinnovata e profonda introspezione, animata da soluzioni espressive di grande potenza e purezza; la forma geometrica articolandosi nel cerchio, triangolo e cubo costituisce le basi di un nuovo alfabeto estetico.

Durant la même année d’exécution de l’œuvre de Pardi, en 1977, le grand artiste Arnaldo Pomodoro réalise ce bas relief en bronze argenté et acier qui résume la poésie et le style typique du célèbre sculpteur.La superficie d’une stèle ou de la “table des signes” est à moitié lisse et à moitié incisée de signes géométriques chers à l’artiste : ceux-ci commémorent une sorte de “mur de Sartre” contre lequel se reflètent les pensées de l’homme. Pomodoro et les artistes abstraits de cette collection appartiennent, chacun à leur façon, à une avant-garde dotée d’une nouvelle et profonde introspection, animée de solutions expressives très puissantes et pures; la forme géométrique articulée en cercle, triangle et cube constitue les bases d’un nouvel alphabet esthétique.

“Immagine con risvolto“1974acciaio e bronzo argentato100x 70 cm, ed. di 12

“Image avec revers“1974acier et bronze argenté100 x 70 cm, éd. sur 12

Lucio Fontana (Rosario, Argentina 1899- Comabbio, Italia, 1968)

Il grande maestro è presente in collezione con quattro opere su carta fortemente rappresentative dello Spazialismo di cui fu l’iniziatore nonché il massimo esponente.Il lavoro pubblicato, in particolare, si riferisce al tema dello Spazialismo ma con la variante dell’intaglio: nello spazio apparentemente chiuso, delimitato dal colore, si apre la possibilità di una presenza dietro la tela, s’intravede una sagoma femminile. Al gesto radicale del taglio che apre nuove superfici creative e metaforiche si sostituisce l’apposizione “velata” mediante incisione di una presenza femminile che gioca tra l’intuizione e la reale percezione.Il risultato creativo rimanda sempre all’idea di una tela che non basta a se stessa e prosegue al di là di se mediante nuove soluzioni gestuali.

Le grand maitre Lucio Fontana est présent dans la collection avec quatre œuvres sur papier fortement représentatives du Spatialisme dont il fut l’initiateur et le plus grand représentant.Ce travail en particulier, se réfère au thème du Spatialisme mais avec comme variante l’intaille : dans l’espace apparemment fermé, délimité par la couleur, s’ouvre la possibilité d’une présence derrière la superficie, s’entrevoit une silhouette féminine. Au geste radical de la coupure qui ouvre une nouvelle superficie créative et métaphorique se substitue l’apposition “voilée” par l’incision d’une présence féminine qui joue entre l’intuition et la perception réelle.Le résultat créatif renvoit toujours à l’idée d’une toile qui ne suffit pas à elle-même et se poursuit au delà à travers de nouvelles solutions gestuelles.

“Concetto spaziale”Litografia ed incisione su carta61 x 47 cm

“Concept spatial”Lithographie et incision sur papier61 x 47 cm

Piero Dorazio (Roma, 1927 - Todi, 2005)

Piero Dorazio membro di spicco del movimento Forma 1 assieme ai maestri Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato e Carla Accardi fece della ricerca formale e del colore la sua poetica. Egli stesso scriveva pochi anni fa: “Un pittore vive in mezzo ai suoi colori come il musicista, il quale non si separa mai dai suoi suoni, tutti e due pensano continuamente ad organizzarli e a scoprirne le combinazioni e gli aspetti più segreti e più improbabili. In solitudine, essi provano e poi provano ancora per vedere e sentire, se mettendo insieme gli elementi del loro linguaggio, ne risulterà un’opera compiuta.” (Piero Dorazio, L’œil écoute, 1986).Quest’opera unica ed atipica nella produzione dell’artista è stata realizzata secondo la tecnica del collage di tessuto sulla scia delle opere ad acrilici degli annI ‘70.In essa si ritrovano tutte le qualità artistiche che hanno contraddistinto la carriera di Dorazio: la ricerca coloristica scandita come un pentagramma le cui note l’artista compone e riorganizza ogni volta in maniera nuova ed imprevedibile ; la costruzione della superficie mediante diagonali, volte a sollecitare i sensi e l’intelligenza. L’arte è assimilata alla musica e si traduce in vibrazione per i sensi.

Piero Dorazio, membre important du mouvement Forma 1 avec les artistes Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato et Carla Accardi, basa sa poetique sur la recherche de la forme et de la couleur. Lui-même écrivait il y a quelques années :“Un peintre vit au milieu de ses couleurs comme un musicien ne se sépare jamais de ses sons, les deux pensent continuellement à les organiser, à en découvrir les combinaisons, les aspects les plus secrets et les plus improbables. Dans la solitude, ils essaient, puis essaient encore afin de voir et entendre, si en mettant ensemble les éléments de leur langage, il en résultera une œuvre accomplie”.Cette œuvre unique et atypique dans la production de l’artiste, a été réalisée dans les années ‘70 selon la technique du collage de tissu dans le même style des œuvres à l’acrylique de cette période. On y retrouve toutes les qualités qui ont fait la carrière de cet artiste : la recherche de la couleur articulée comme une portée des notes que l’artiste compose et réorganise chaque fois de manière différente et imprévisible ; la construction de la surface picturale grâce aux lignes diagonales, aux ombres et lumières, destinées à solliciter les sens et l’intelligence, car la raison ici est mise de coté et l’art comme la musique devient pure vibration sensuelle.

“Senza titolo”collage di tessuto su tela102 x 130 cmed. su 75, eseguito a manoEd. Volpini, Milano per l’Ariete Grafica, Milano

“Sans titre”collage de tissu sur toile102 x 130 cméd. sur 75, fait à la mainEd. Volpini, Milan pour l’Ariete Grafica, Milan

Lucio Del Pezzo (Napoli, 1933)

Uno dei fondatori del Gruppo 58 di Napoli, d’impostazione neosurrealista e neodadaista. Le sue opere del periodo 1958-1960 proponevano assemblaggi di vari oggetti, tra cui frammenti di stampe ed immagini popolari.A partire dal 1962 Del Pezzo ha realizzato un suo tipico repertorio di “quadri” o “sculture”, formati da pannelli geometrici monocromi, sui quali sono inserite mensole o concavità, che sostengono oggetti geometrici regolari (birilli, uova di legno, bocce, manichini, etc.) a volte molto colorati. Nelle sue pitture-oggetto e nei suoi assemblages è sempre presente l’aspetto ludico.Per il tono ironico e per l’utilizzo di oggetti d’uso quotidiano decontestualizzati, tali opere rimandano alla Pop Art; ma si riscontra un evidente recupero di De Chirico, Carrà e Morandi (Motivo, 1967), e delle geometrie della pittura metafisicaNel 1964 realizza insieme ad altri artisti, tra cui Baj e Fontana, il “Labirinto del Tempo Libero” alla XIII Triennale di Milano, ottenendo uno dei premi internazionali. Partecipa alla XXXII Biennale di Venezia. e nel 1966 ha una sala personale alla XXXIII Biennale di Venezia. Nel 1967 partecipa all’organizzazione della mostra De Metafisica nella Galleria Kruger a Ginevra dove espone assieme a de Chirico, Carrà, Morandi, De Pisis, Sironi e Gnoli. Lo Stato francese acquisisce nel 1968 due sue opere ed allestisce la “sala metafisica” al Museo di Grenoble (De Chirico, Max Ernst, Herbin, Carrà, Nevelson, Del Pezzo); nel 1984 è invitato da Guido Ballo a prendere il posto di Emilio Tadini come titolare della cattedra di Pittura sperimentale alla nuova Accademia di Belle Arti a Milano.

Un des fondateurs du Gruppo 58 de Naples, à la tendance surréaliste et néo dadaïste. Ses œuvres de la période 1958-1960 étaient constitués d’assemblages d’objets variés, parmi lesquels des fragments d’estampes et d’images populaires.A partir de 1962, Del Pezzo réalise son répertoire typique de “tableaux” ou “sculptures”, composés de panneaux géométriques et monochromes, sur lesquels sont insérées des consoles ou creusées des cavités, qui supportent des objets géométriques réguliers (jeu de quilles, œuf en bois, boules, mannequins, etc…) et parfois très colorés. L’aspect ludique est toujours présent dans ses tableaux-objets et ses assemblages.Par le ton ironique et l’utilisation d’objets d’usage quotidien mais décontestualisés, ces œuvres renvoient au Pop Art; mais l’on retrouve des références évidentes à De Chirico, Carrà et Morandi (Motivo, 1957) et aux géométries de la peinture métaphysique.En 1964, il réalise avec d’autres artistes, parmi lesquels Baj et Fontana, le “Labirinto del Tempo Libero” à la XIIIème Triennale de Milan, obtenant un des prix internationaux. Il participa à la Biennale de Venise et, en 1966, a un espace personnel à la XXXIII Biennale de Venise.En 1967, il participe à l’organisation de l’exposition de Métaphysique à la galerie Kruger de Genève où il expose en même temps que de Chirico, Carrà, Morandi, De Pisis, Sironi et Ginoli.L’Etat français se porte acquéreur en 1968 de deux de ses œuvres et met en place la “salle métaphysique” au musée de Grenoble (De Chirico, Max Ernst, Herbin, Carrà, Nevelson, Del Pezzo) ; en 1984, il est invité par Guido Ballo à prendre le poste d’Emilio Tadini comme titulaire de la chaire de Peinture expérimentale à la nouvelle Académie des Beaux Arts à Milan.

Senza titolo1974Basso rilievo, tecnica mista su cartone38 x 29 cm

Sans titre1974Bas relief, technique mixte sur carton38 x 29 cm

Lucio Del Pezzo (Napoli, 1933)

Le opere di Lucio Del Pezzo presenti in collezione sono legate al periodo della ricerca ed interpretazione dei principi alchemici.Sia nelle opere di pittura che in quelle di scultura ricorrono infatti numerosi simboli tipici dell’universo alchemico che, intrecciandosi in mutue relazioni, permeano le varie operazioni e gli ingredienti costitutivi del processo per ottenere la pietra filosofale.Così l’oro e l’argento acquisiscono nell’iconografia alchemica e dunque nelle opere dell’artista i tratti simbolici del Sole e della Luna, della luce e delle tenebre e del principio maschile e femminile, che si uniscono nella coniunctio oppositorum della Grande Opera.Al pari, gli elementi cosmici, ovvero i sette corpi celesti, hanno grande importanza non solo per la loro influenza su questo processo di conoscenza, ma anche per il parallelismo che li lega agli elementi naturali, in base alla credenza che “ciò che sta in basso è come ciò che sta in alto”.L’infinito ed il colore simboleggiano il fine e l’inizio di questo percorso che porta all’equilibrio interiore.

Les œuvres de Lucio Del Pezzo présentes dans la collection sont liées à la période de la recherche et de l’interprétation des principes alchimiques.Les tableaux comme les sculptures ont en effet recours à de nombreux symboles typiques de l’univers alchimique qui, en tissant des relations mutuelles, pénètrent les divers opérations et les ingrédients constitutifs du processus pour obtenir la pierre philosophale.Ainsi par exemple, l’or et l’argent acquièrent dans l’iconographie alchimiste et donc dans les œuvres de l’artiste, les traits symboliques du Soleil et de la Lune, de la lumière et des ténèbres, du principe masculin et féminin, qui s’unissent dans la coniunctio oppositorum de la Grande Œuvre.De la même façon, les éléments cosmiques, c’est à dire les sept corps célestes, ont une grande importance non seulement pour leur influence sur ce processus de connaissance mais aussi pour le parallélisme qui les lient aux autres éléments naturels, sur la base de la conviction que “ce qui est en bas est comme ce qui est en haut”.L’infini et la couleur symbolisent la fin et le début de ce parcours qui amène à l’équilibre intérieur.

“Elementi colorati”1977Collage su tavola33 x 27 cm

“Eléments colorés”1977Collage sur panneau33 x 27 cm

Lucio Del Pezzo (Napoli, 1933)

La “scatola dell’oro” sembra rinviare chiaramente alla ricerca dell’io mediante il processo alchemico.Riallacciandosi alla psicanalisi di Jung, l’artista aderisce alla teoria di quest’ultimo che individuava nell’alchimia un vero e proprio processo di ricerca spirituale. Secondo Jung l’alchimia non era altro che la proiezione (psicologica) nel mondo materiale degli archetipi dell’inconscio collettivo, l’itinerario psichico che conduceva alla coscienza di sé ed alla liberazione dell’io dai conflitti interiori.Del Pezzo legatissmo all’icongorafia metafisica ma anche alla filosofia dissacrante Duchampiana, trasforma i simboli ludici della propria pittura in nobili simboli alchemici in una originale costruzione dell’individualità (la scatola) in cui i metalli grezzi dei livelli infimi sono già divenuti oro.

La “boîte de l’or” semble renvoyer certes à la recherche du soi à travers le processus alchimique.Se faisant l’écho de la psychanalyse de Jung, l’artiste adhère à la théorie de ce dernier qui identifie dans l’alchimie un véritable processus de recherche spirituelle. Selon Jung, l’alchimie n’est rien d’autre que la projection (psychologique) dans le monde matériel des archétypes de l’inconscient collectif, l’itinéraire psychique qui conduisait à la conscience et à la libération du soi des conflits intérieurs.Del Pezzo, très lié à l’iconographie métaphysique mais aussi à la philosophie désacralisant de Duchamp, transforme les symboles ludiques de sa peinture en nobles symboles alchimiques dans une originale construction de l’individualité (la boîte) où les métaux bruts des niveaux les plus bas sont déjà devenus or.

“Box Oro” Scultura in legno1981/198254 x 35 x10 cm

“Boite Or”Sculpture en bois1981/198254 x 35 x 10 cm

“Senza Titolo”1985Basso rilievo in legno dorato92 x 73 cm

“Sans titre”1985Bas relief en bois doré92 x 73 cm

Lucio Del Pezzo (Napoli, 1933)

La ricerca della perfezione sta nella trasformazione della realtà in oro e nella riorganizzazione della stessa in un ordine geometrico in cui tutti gli elementi s’incastrino perfettamente.I simboli geometrici ancora una volta richiamano ai simboli cosmici. Ogni figura è l’esatto richiamo ad uno dei sette pianeti mentre il bianco dell’architettura è la purezza interiore e l’oro è l’agognata perfezione.

La recherche de la perfection est dans la transformation de la réalité en or et dans l’organisation de celle-ci dans un ordre géométrique dans lequel les éléments s’encastrent parfaitement.Les symboles géométriques encore une fois renvoient aux symboles cosmiques. Chaque figure est l’exact rappel à l’une des sept planètes alors que le blanc de l’architecture est la pureté intérieure et l’or est la perfection recherchée.

Emilio Tadini (Milano, 1927 - 2002)

Nato nel 1927, Emilio Tadini nonostante sia ricordato soprattutto come pittore, fu uomo di cultura a tutto tondo. Passando con intuizioni felici dalla scrittura alla critica d’arte, dalla poesia alla drammaturgia, Tadini riuscì a compiere una sorta di osmosi culturale tra diversi ambiti disciplinari.Come pittore iniziò negli anni Cinquanta, stagliandosi sul panorama artistico in modo del tutto autonomo e più tardi aderendo prima al Realismo e poi all’Informale. L’attività di scrittore andò comunque parallelamente alla produzione pittorica. Dopo l’iniziale realismo esistenziale, Tadini, negli anni ‘60, subì il fascino della Pop Art inglese, meno nota dell’analoga corrente statunitense. Di questo periodo è il capolavoro surrealista “Ciclo della vita di Voltaire”.

L’inizio della sua ascesa artistica avvenne con la partecipazione alla mostra collettiva presso lo Studio Marconi nel 1965, della quale fecero parte anche altri tre grandi: Mario Schifano, Valerio Adami e Lucio Del Pezzo. Nel 1978 e nel 1982 partecipò anche alla Biennale di Venezia, mentre dalla metà degli anni ‘80 in poi espose in numerose personali in Italia ed in Germania. Nel 2001 fu la celebre sede di Palazzo Reale a Milano ad ospitare l’ultima mostra antologica a lui dedicata, all’interno della quale esponenti del mondo della cultura quali Umberto Eco, Arturo Carlo Quintavalle, Alan Jouffroy gli resero l’ultimo omaggio.

Né en 1927, Emilio Tadini, bien qu’il soit surtout connu comme peintre, fut un homme de culture sous tous ces aspects. Passant avec une heureuse intuition de l’écriture à la critique d’art, de la poésie à la dramaturgie, Tadini réussit à réaliser une sorte d’osmose culturelle entre différentes disciplines. Il commença comme peintre dans les années ‘50, en se faisant remarquer dans le panorama artistique de manière autonome et plus tard en adhèrent d’abord au Réalisme puis à l’Informel. L’activité d’écrivain coexistait parallèlement à la production picturale. Après des débuts liés au Réalisme Existentiel, Tadini, durant les années ‘60, subit la fascination du Pop Art anglais, moins connu que le mouvement analogue américain. Le chef d’œuvre surréaliste “Ciclo della vita di Voltaire” date de cette période.

Le début de son succès artistique advient avec la participation à l’exposition collective au Studio Marconi en 1965, à laquelle firent partie trois autres grands artistes : Mario Schifano, Valerio Adami et Lucio Del Pezzo. En 1978 et en 1982, il participa également à la Biennale de Venise, alors qu’à partir de la moitié des années ‘80, il exposa dans des expositions personnelles en Italie et en Allemagne. En 2001, ce fut le célèbre Palazzo Reale de Milan à accueillir la dernière exposition anthologique qui lui fut consacrée, à travers laquelle des personnalités du monde de la culture tels que Umberto Eco, Arturo Carlo Quintavalle, Alan Jouffroy lui rendirent un dernier hommage.

Emilio Tadini (Milano, 1927 - 2002)

La collezione CMB include numerosi lavori della celebre mostra “Museo dell’uomo” tenutasi a Milano nel 1974, in cui molto forte è il connubio tra scrittura e pittura. Ne “La Stanza enorme” scegliendo un linguaggio pittorico in cui gli oggetti vagano nello spazio bianco come idee di sé stessi, alienati dalla realtà, Tadini si accosta da un lato ad un certo Cubismo Analitico e dall’altro al colorismo della Pop Art inglese.I corpi senza testa, la testa in sembianze di maschera, tavoli e sedie capovolti, alludono al desiderio di rivoluzione culturale e filosofica forte nell’avanguardia di quegli anni e di un nuovo modo di fare arte intriso di filosofia.

La collection de la CMB comprend de nombreux travaux de la célèbre exposition “Museo dell’uomo” qui se déroula à Milan en 1974, dans laquelle l’union entre écriture et peinture est très forte.Dans “La Stanza énorme”, choisissant un langage picturale dans lequel les objets errent dans l’espace blanc comme des idées d’eux-mêmes, aliénés par la réalité, Tadini s’approche d’un côté à un certain Cubisme Analytique et de l’autre au colorisme du Pop Art anglais.Les corps sans tête, la tête comme un masque, tables et chaises à l’envers, font référence au désir fort de révolution culturelle et philosophique de l’avant-garde de ces années et au nouveau mode de “faire de l’art” imbibé de philosophie.

“Museo dell’uomo. La stanza enorme” 1974Litografia dell’opera omonima 125 x 184 cm

“Musée de l’homme. La pièce énorme”1974Lithographie de l’œuvre homonyme125 x 184 cm

Emilio Tadini (Milano, 1927 - 2002)

“Festa e Forma del cibo”, altro capolavoro dalle serie “Museo dell’uomo”, interpreta un discorso sul consumo, probabilmente anche sul consumo delle idee con espliciti riferimenti a “Festa nella Taverna” dal secondo libro di Finnegan’s Wake e alla letteratura di Celine. E’ questa appunto una festa del cibo nella società del consumo ma anche una festa dell’ambiguità degli oggetti raffigurati che ciascun osservatore puo’ interpretare e collegare come desidera iniziando una nuova storia.

“Festa e Forma del cibo”, autre chef d’œuvre de la série “Museo del l ’uomo”, interprète un discours sur la consommation, probablement aussi sur la consommation des idées avec une référence explicite à la “Festa nella Taverna” du deuxième livre de Finnegan’s Wake et à la littérature de Céline. Il s’agit en effet d’une fête de la nourriture dans la société de consommation mais aussi d’une fête de l’ambigüité des objets représentés et que chaque observateur peut interpréter et relier comme il désire pour commencer une nouvelle histoire.

“Museo dell’uomo. Festa e forma del cibo” 1976Litografia dell’opera omonima117 x 235 cm

“Musée de l’homme. Fête et forme de la nourriture”1976Lithographie de l’œuvre homonyme117 x 235 cm

Emilio Tadini (Milano, 1927- 2002)

Quest’opera, definita dall’artista “Natura Morta”, fa parte di un altro importante ciclo intitolato: “Le figure e le cose”, realizzato nel 1980 ed ispirato al libro di Michel Focault “Les mots et les choses”.In essa è racchiusa tutta la filosfia creativa di Tadini incentrata sul rapporto tra la parola e la cosa e l’interpretazione della distanza tra esse. E’ nella ricerca di una definizione del rapporto tra le due che Tadini inserisce l’importanza del ruolo della pittura, come egli stesso scriverà nella prefazione al catalogo dell’omonima mostra: “Le figure sono le ombre delle cose portate dalla luce dello sguardo… E’ come se la figura non fosse altro che quell’ombra che il nostro sguardo riesce a conquistare di una cosa… E allora è come se il desiderio non potesse far altro che dilaniare ogni volta una preda del tutto immateriale. E’ da li’ probabilmente che viene quella sua fame assolutamente insaziabile. Forse questa è la prima cosa che la pittura riesce a rappresentare… Che deve rappresentare”.

Cette œuvre, définie par l’artiste “Nature Morte”, fait partie d’un autre cycle important intitulé “Les figures et les choses”, réalisé en 1980 et inspiré du livre de Michel Foucault “Les mots et les choses”.Elle renferme toute la philosophie créative de Tadini, focalisée sur le rapport entre la parole et la chose et l’interprétation de la distance entre elles. C’est dans la recherche d’une définition du rapport entre les deux que Tadini place l’importance du rôle de la peinture, comme il écrit lui-même dans la préface du catalogue de l’exposition homonyme : “les figures sont les ombres des choses portée à la lumière du regard… C’est comme si la figure n’était rien d’autre que cette ombre que notre regard parvient à conquérir d’une chose… Et alors c’est comme si le désir ne pouvait faire autrement que de déchirer chaque fois une proie entièrement immatérielle. C’est de là probablement que provient sa faim absolument insatiable. Peut-être ceci est la première chose que la peinture réussit à représenter… qu’elle doit représenter”.

“Les mots et les choses” 1980Acrilico su tela60 x 71 cm

“Les mots et les choses” 1980Acrylique sur toile60 x 71 cm

Mario Schifano(Homs, 1934 - Roma, 1998)

Mario Schifano è certamente il più importante esponente della Pop Art Italiana, concretizzatasi nella Scuola di Piazza del Popolo. Artista di grande eclettismo, inventore di soluzioni estetiche e tecniche di grandissima originalità, spesso fonte d’ispirazione di celebri artisti americani ed europei a lui contemporanei. La collezione della CMB include vari lavori dell’artista ed appartenenti a differenti periodi della sua vita, tanto da poterne ripercorrere le tappe salienti.Tratto Appenninico è un celebre soggetto degli anni ‘60 realizzato in smalto su tela. Rappresenta la risposta decisa dell’artista all’Informale mediante l’azzeramento della superificie del quadro sul quale fino ad allora si era riversata troppa materia. Lo smalto, materiale per eccellenza coprente e brillante, dà nuova vitalità al quadro stesso ed esalta i dettagli di un paesaggio all’italiana reinterpretato dall’artista secondo il suo tempo. La vita quotidiana si velocizza e con essa la percezione della natura.

Mario Schifano est certainement le plus important représentant du Pop Art italien, illustré par l’Ecole de la Piazza del Popolo. Artiste très éclectique, inventeur de solutions esthétiques et techniques très originales, souvent source d’inspiration d’artistes américains et européens célèbres de son époque.La collection de la CMB comprend plusieurs œuvres de l’artiste de différentes périodes de sa vie, ce qui nous permet d’en suivre les étapes les plus importantes.“Tratto appenninico” est un sujet célèbre des années ‘60 réalisé en émail sur toile. Il représente la réponse franche à l’Informel réinventant la surface du tableau sur laquelle jusqu’alors trop de matière était appliquée. L’émail, matériau par excellence couvrant et brillant, donne une nouvelle vitalité au tableau et exalte les détails d’un paysage italien réinterprété par l’artiste selon son époque. La vie quotidienne s’accélère et avec elle la perception de la nature.

“Tratto Appeninico”1965Smalto su tela60 x 60 cm

“Tratto Apenninique”1965Email sur toile60 x 60 cm

Mario Schifano(Homs, 1934 - Roma, 1998)

“Cielo anemico” prosegue sulle linee del linguaggio piatto dei mass media appena descritto ed estremizza ulteriormente l’esigenza d’immediatezza mediante tre colori ed un messaggio breve che ne definisca i contenuti. Originali per l’epoca le sagome delle nuvole sovrapposte e gli elementi di segno geometrico volti a sostenerne l’equilibrio.

“Ciel anémique” aborde à nouveau le langage plat des mass-media à peine décrit et rend absolue l’exigence d’immédiateté à travers trois couleurs et un message bref qui en définissent les contenus. Sont originaux pour l’époque les silhouettes des nuages qui se chevauchent et les éléments géométriques, destinés à en soutenir l’équilibre.

“Cielo Anemico”1966Litografia firmata e datata80 x 60 cm

“Ciel Anémique”1966Lithographie80 x 60 cm

Mario Schifano(Homs, 1934 - Roma, 1998)

Negli anni ‘70 Schifano produce la serie dei Paesaggi Tv, in cui la tecnica della serigrafia introdotta dalla Pop Art americana è rielaborata in maniera del tutto personale ed unica nella rappresentazione della realtà, filtrata dallo schermo della televisione. Siamo in presenza di un lavoro di svolta epocale in cui per la prima volta in Italia si codifica nell’arte a due dimensioni e in maniera diretta ed originale il nuovo rapporto tra individuo,realtà e mezzo mediatico. Il mezzo televisivo diviene esso stesso quadro, perdendo la terza dimensione ma imponendo con vigore uno scenario velato ed approssimativo delle immagini del mondo. Tutto è “tipizzato” ed intuito velocemente: i colori, i tratti, i movimenti, come in un video-wall, ove non sono ammesse sfumature e dettagli.

Durant les années ‘70, Schifano produit la série des Paysages Tv, dans lesquels la technique de la sérigraphie introduite par le Pop Art américain est réélaborée de manière tout à fait personnelle et unique dans la représentation de la réalité, filtrée par l’écran de télévision. Nous sommes en présence d’un travail qui changera une époque et dans lequel pour la première fois se codifie dans l’art à deux dimensions le nouveau rapport entre individu, réalité et moyen médiatique. La télévision devient elle-même un tableau, perdant sa troisième dimension mais imposant avec vigueur un scénario voilé et approximatif des images du monde. Tout est “typisé” et perçu rapidement : les couleurs, les traits, les mouvements, comme dans un vidéo-wall où ne sont admis ni nuances ni détails.

“Paesaggio TV”1970Report photographique sur toile115 x 145 cm

“Paysage TV”1970Report photographique sur toile115 x 145 cm

Valerio Adami (Bologna, 1935)

Partito da una pittura espressionista influenzata dall’opera di Francis Bacon e poi da una pittura astratto - gestuale, Adami si pose successivamente il problema del recupero della Figurazione, risolta secondo i moduli della Pop Art americana ed in particolare di Roy Lichtenstein, sviluppando una sorta di racconto a fumetti fantastico ed ironico dove in interni spersonalizzati si dispongono oggetti banali, assunti come simboli, anche sessuali, della modernità. Lo stile si distingue nell’uso di una materia cromatica in stesure piatte, lisce e continue, dentro le nette recinzioni nere del disegno.La collezione della CMB comprende numerosi lavori dell’artista, su tela e su carta, dimostrando il proprio attaccamento negli anni alla sua carriera ed al suo legame con Monaco e la Costa Azzurra.Quest’opera del 1964 è un rarissimo esempio della prima produzione di Adami. In essa convivono da un lato l’influenza della Pop Art americana, evidente nel colorismo e nel carattere fumettistico di alcuni dettagli e dall’altro lo stile di Francis Bacon che usava ribaltare i soggetti nello spazio, alterandone le forme. L’opera inoltre si colloca come spartiacque tra il primo Adami e quello noto al grande pubblico, testimoniando il passaggio storico dell’autore dall’Espressionismo quasi astratto alla Figurazione Narrativa della maturità.

Partant d’une peinture expressionniste influencée par l’œuvre de Francis Bacon et ensuite d’une peinture abstraite et gestuelle, Adami se pose le problème du retour de la Figuration, résolue selon les modules du Pop Art américain et en particulier de Roy Lichtenstein. Il développe une sorte d’histoire en bandes dessinées fantastiques et ironiques où, dans des intérieurs sans personnalité, sont disposés des objets banals, choisis comme symboles, même sexuels, de la modernité. Le style se distingue par l’usage d’une matière chromatique posée en aplats, lisses et continues, nettement délimitées par un trait noir.La CMB a acquis pendant les années de nombreuses œuvres de l’artiste, sur toile et sur papier, démontrant son attachement personnel à la carrière d’Adami et au lien de l’artiste avec Monaco et la Côte d’Azur.Cette œuvre de 1964 est un très rare exemple de la première production d’Adami. Y cohabitent d’un côté l’influence du Pop Art américain, évident dans le colorisme et le caractère très bandes-dessinées de certains détails, de l’autre, le style de Francis Bacon qui renversait les sujets dans l’espace, en en altérant les formes. L’œuvre représente ainsi une vraie frontière entre le premier Adami et celui connu du grand public, témoignant du passage historique de l’auteur de l’Expressionisme presque abstrait à la Figuration Narrative de la maturité.

“Senza Titolo”1964Acrilico su tela66 x 81 cm

“Sans titre”1964Acrylique sur toile66 x 81 cm

Valerio Adami (Bologna, 1935)

Nel 1969 anno di esecuzione di quest’opera, il passaggio alla Nuova Figurazione è compiuto. Adami ha acquisito tutti gli elementi caratteristici della sua produzione: estrapola oggetti del quotidiano dal proprio contesto per ricollocarli in ambienti metafisici, rinforzandone la citazione con una stesura liscia e piatta del colore. Insiste sui contorni ripassando sulle linee scure ed annullando le ombre. Il tratto è continuo e preciso, non v’é presenza umana o umanizzante.

En 1969, année d’exécution de cette œuvre, le passage à la Nouvelle Figuration est accomplie : Adami a acquis tous les éléments caractéristiques de sa production. Il extrapole des objets du quotidien de leur propre contexte pour les placer dans des lieux métaphysiques, en en renforçant la citation avec une application lisse et plate de la couleur. Il insiste sur les contours en repassant sur les lignes noires et en annulant les ombres. Le trait est continu et précis, sans présence humaine ou humanisant.

“Interno Coloniale”1969Acrilico su tela81 x 65 cm

“Intérieur colonial”1969Acrylique sur toile81 x 65 cm

Valerio Adami (Bologna, 1935)

La Cantatrice è un’opera rappresentativa dell’Adami degli anni ‘70, periodo estremamente prolifico in cui l’artista abbandona gli interni essenziali, introducendo un nuovo linguaggio di figure “pseudo-umane” e realizza una serie molto nota di ritratti di personaggi celebri, primo fra tutti James Joyce, rifacendosi ad elementi della memoria storica collettiva ed al rapporto tra poesia, pittura e musica molto sentito dai suoi colleghi Tadini, Del Pezzo, Pomodoro e Dorazio.Molto forte rimane la costruzione metafisica della tela che si arricchisce di simboli e richiami all’architettura neo-classica; si accentuano le campiture di colore a sottolineare la convivenza nel quadro di momenti storici diversi, stratificazioni della memoria e del sogno che si compenetrano in un incastro ragionato, quasi metodico.

La Chanteuse est une œuvre très représentative de l’Adami des années ‘70, période extrêmement prolifique durant laquelle l’artiste abandonne les intérieurs essentiels, introduisant un nouveau langage de figures “pseudo- humaine” et réalise une série très connue de portraits de célébrités, commençant par James Joyce, se référant à des éléments de la mémoire historique collective et au rapport entre poésie, peinture et musique, sujet, comme on a pu constater, très présent aussi chez Tadini, Del Pezzo, Pomodoro et Dorazio. Très forte est la construction métaphysique de l’espace sur la toile qui s’enrichit des symboles et rappels à l’architecture néo-classique ; s’accentuent les champs de couleur qui soulignent la coexistence dans l’œuvre des différents moments historiques, stratifications de la mémoire et du rêve qui se compénètrent dans une combinaison raisonnée, presque méthodique.

“La Cantatrice”1979Acrilico su tela96 x 130 cm

“La Chanteuse”1979Acrylique sur toile96 x 130 cm

Enrico Baj (Milano, 1924 - Vergiate, 2003)

La collezione CMB possiede numerosi lavori dell’artista, eseguiti in periodi diversi della sua carriera. Quest’opera meglio delle altre, racchiude tutte le qualità inventive ed estetiche che hanno reso famoso il suo lavoro.Fondatore dei movimenti “Pittura nucleare” e “Bauhaus immaginista”, collega in molti progetti di Lucio Fontana, Valerio Adami, André Breton, Marcel Duchamp, Emilio Scanavino e altri illustri autori, Enrico Baj attinge e s’ispira al Surrealismo ed al Dadaismo realizzando importanti ed originali opere a collages fatte di materiali diversi (medaglie, bottoni, passamanerie mescolati alla pittura). Aderente alla Patafisica, parodia della teoria e dei metodi della scienza moderna mediante propositi vicino all’assurdo e al non senso, Baj dà vita ad una produzione artistica ricca di elementi fantasiosi e grotteschi.Sensibile ai problemi sociali e politici, anarchico per scelta, l’artista realizza negli anni ‘60 numerosi lavori di grande valore storico ed artistico, rappresentando personaggi simboleggianti il potere militare in maniera caricaturale e grottesca e di cui quest’opera è uno straordinario esempio. In essa si ritrovano evidenti richiami alla pittura di Picabia nella composizione del viso e del corpo mediante l’assembleaggio di “objets trouvés” e al Guernica di Picasso, nelle fattezze buffe e sgraziate del personaggio sul cui naso l’artista ha apposto la medaglia al valore.

La collection de la CMB inclue de nombreuses pièces d’Enrico Baj d’époques différentes. Cette œuvre, plus que les autres, contient toutes les qualités inventives et esthétiques qui ont rendu son travail fameux.Fondateur du mouvement “Pittura nucelare” e “Bauhaus imaginiste”, collègue pour de nombreux projets de Lucio Fontana, Valerio Adami, André Breton, Marcel Duchamp, Emilio Scanavino et d’autres illustres auteurs, Enrico Baj récupère et s’inspire du Surréalisme et du Dadaïsme réalisant des collages originaux faits de matériaux divers (médailles, boutons et passementerie mêlés à la peinture). Adhérent à la Patafisica, parodie de la théorie des méthodes de la science moderne à travers des propositions proches de l’absurde et du non sens, il donne vie à une production artistique riche d’éléments fantaisistes et grotesques.Sensible aux problèmes sociaux et politiques, anarchistepar choix, l’artiste réalise pendant les années ‘60 une série de grande valeur historique, représentant des personnages symboles du pouvoir militaire de manière caricaturale et grotesque dont cette œuvre est un exemple extraordinaire. On y retrouve des rappels évidents à la peinture de Picabia dans la composition du visage et du corps à travers l’assemblage d’“objets trouvés” et au Guernica de Picasso, dans les traits drôles et sans grâce du personnage sur le nez duquel l’artiste a apposé la médaille de valeur.

“Ultracorpo dal naso decorato”1960tecnica mista su tela69 x 59 cmcornice oiginale dell’artista

“Ultracorps au nez décoré”1960technique mixte sur toile69 x 59 cmencadrement originel de l’artiste

Consulenza Artistica : Stéphane Mascarenhas e Clara Pacifico, MonacoFotografie : Daniel Mille, MonacoRedazione : Clara PacificoTraduzione dei testi : Stéphane MascarenhasStampa : GS Communication S.A.M. Monaco© 2011 Compagnie Monégasque de Banque

Conseillers Artistiques : Stéphane Mascarenhas et Clara Pacifico, MonacoPhotographies : Daniel Mille, MonacoRédaction : Clara PacificoTraduction des textes : Stéphane MascarenhasImpression : GS Communication S.A.M. Monaco© 2011 Compagnie Monégasque de Banque

“Si ringraziano gli Archivi degli artisti per la collaborazioneed il consenso gentilmente prestato alla riproduzione delle opere pubblicate“.

“Nos remerciements vont aux Archives des artistes pour leur collaborationet consentement à la publication des images des œuvres“.

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