Immagini e didascalie  

FILE  IMMAGINE  DIDASCALIA 

01 

Correggio Danae, 1530‐1534 circa olio su tela, 161 x 191 Roma, Galleria Borghese  

Danae,  dolcemente  appoggiata  a  due  guanciali,  accoglie  nel  suo grembo  la  pioggia  d’oro, Giove,  che  cade  da  una  nuvola  compatta sospesa sopra il letto. Un genio alato siede con lei e facilita l’impresa del  dio  scostando  il  lenzuolo  dal  grembo  della  donna.  In  basso  a destra  due  putti,  uno  alato  ed  uno  no,  giocano  con  una  piccola lavagna di ardesia e una freccia, apparentemente ignari di ciò che sta accadendo. (per approfondimenti vedi scheda)  

02 

 

Correggio Il ratto di Ganimede, 1530‐1534 circa olio su tela, 163,5 x 70,5 Vienna, Kunsthistorisches Museum  

Questo è il primo dei quattro dipinti della serie Amori di Giove ispirata alle  Metamorfosi  di  Ovidio.  Il  giovane  Ganimede  si  libra  nell’aria tenendosi  aggrappato  ad  una  possente  aquila,  che  in  realtà  è Giove trasformato in volatile per rapirlo e portarlo con se. Il paesaggio è illuminato da un chiarore diffuso, dalle tinte azzurrate, mentre  le due figure  in primo piano sono rischiarate da una  luce più forte che sembra provenire dall’esterno del quadro, con  il risultato di un evidente   contrasto tra  la pelle chiara del giovane e  il colore scuro del rapace. (per approfondimenti vedi scheda)  

03 

 

Correggio Giove ed Io, 1530‐1534 circa olio su tela, 163,5 x 74 Vienna, Kunsthistorisches Museum  

La ninfa Io, seduta su un candido lenzuolo steso su una zolla di terra, si  abbandona  ad  un  amplesso  amoroso  con  il  suo  amante  Giove, trasformatosi  in  nube.  Il  volto  del  dio  e  la  sua  mano,  che  si materializzano  solo  al  contatto  con  la  fanciulla,  sono  riconoscibili appena  tra  i  vapori  grigio  azzurri.  La  luce  che  illumina  l’ampia schiena della donna e  lo sfondo scuro trasmettono un effetto teatrale alla scena. La testa di un cervo in basso a destra evoca lo spazio al di fuori  del  quadro,  elemento  narrativo  tipico  del  Correggio.  (per approfondimenti vedi scheda)  

 

 

                                                                          

04 

 

Correggio Venere e Cupido addormentati e spiati da un satiro, 1524‐1525 circa olio su tela, 188,5 x 125,5 Parigi, Musée du Louvre  

Nella  figura  del  satiro  s’è  voluto  vedere,  tradizionalmente,  uno  dei mascheramenti di Giove, qui in atto d’insidiare Venere addormentata. Nell’atto di scoprire la donna che si era addormentata e nascosta sotto il drappo, il satiro si copre i genitali con lo stesso. La scena è carica di sensualità  ed  erotismo   grazie  alla posizione  lasciva del  corpo della dea, alle sue labbra socchiuse e all’atmosfera di un pomeriggio estivo, la  cui  luce  penetra  dai  tronchi  degli  alberi  lasciando  scorgere  un leggero  chiarore.  Cupido,  accanto  alla  più  bella  delle  immortali, assopito  anch’egli,    con  la  testa  appoggiata  al  suo  arco.  (per approfondimenti vedi scheda)  

05 

 

Correggio Educazione di Cupido, 1523‐1524 circa olio su tela, 155 x 91,5 Londra, The National Gallery of Art  

Il dipinto raggruppa tre figure della mitologia greca, impegnate in un compito  pedagogico.  Nel  quadro  sono  ritratti  Venere  con  l’arco purpureo,  Mercurio  con  i  sandali  e  il  cappello  alato,  il  giovane Cupido,  figlio  di  Venere.  La  vergine  e  il  bambino  sono  il  fulcro centrale  della  composizione  e  rivolgendo  la  loro  attenzione  in direzioni opposte obbligano  lo sguardo dell’osservatore a muoversi e  a cogliere diversi punti di vista dentro al dipinto. La madre assiste a una lezione che Mercurio impartisce al suo bambino e la scena ha toni intimi e familiari: una luce forte illumina le figure e lo sfondo è quasi completamente  buio,  ad  indicare  la  destinazione  della  tela  ad  un ambiente piccolo e raccolto. (per approfondimenti vedi scheda)  

06 

 

Correggio Riposo durante la fuga in Egitto, con San Francesco, 1520 circa olio su tela, 146,2 x 136,4 Firenze, Galleria degli Uffizi  

Questo  episodio,  narrato  nei  Vangeli  apocrifi,  occupa  per  la  prima volta  la  scena  di  una  pala  d’altare.  Una  palma,  simbolo  di  santità, profezia  e  giustizia,  piega  spontaneamente  i  rami  per  far  cogliere  a Giuseppe  i  suoi datteri,  che  egli porge  a Gesù Bambino. La  scena  è simmetricamente divisa dalla figura della Madonna e dal tronco della palma a cui la donna è appoggiata. Il fatto che sia stato eseguito per la chiesa di  San Francesco  a Correggio  spiega  la presenza  a destra del santo, che vuole simboleggiare il legame tra i fedeli e la Sacra Famiglia.   

 

 

                                                                          

07 

 

Correggio Quattro Santi, 1516 circa olio su tela, 221,7 x 161,9 New York, The Metropolitan Museum of Art  

L’iconografia del quadro è di immediata comprensione: si tratta di un gruppo  di  Santi,  Pietro,  Marta,  Maddalena  e  Leonardo,  in  un paesaggio ed è un  soggetto piuttosto diffuso nell’Italia  settentrionale del  primo  Cinquecento.  San  Pietro  poggia  un  piede  sulla  pietra simbolo della Chiesa e nelle mani  tiene un  libro con  le epistole per  il Nuovo Testamento e  le chiavi del  cielo e dell’inferno. Marta è  con  il drago  che simboleggia il demonio dal lei sconfitto, Maddalena reca il balsamo  con  cui unse  i piedi di Cristo  e  San Leonardo, patrono dei prigionieri, le catene.  

08 

 

Correggio  Matrimonio mistico di Santa Caterina, 1520 circa olio su tavola, 28,5 x 23,5 Napoli, Museo Nazionale di Capodimonte  

La Madonna assiste Gesù nel gesto di mettere  l’anello al dito di Santa Caterina, pronta al suo matrimonio mistico. Le mani dei tre personaggi si incontrano al centro della composizione, sfiorandosi e intrecciandosi l’una  con  l’altra.  Gesù,  vestito,  guarda  la  madre  come  a  chiederle conferma del gesto che sta compiendo, afferrando  l’anulare con  le sue piccole  dita.  La  composizione  è  fittamente  intersecata  di  movenze, colori meravigliosi, mentre  l’uso del pennello è  fluido e veloce  tale da definire le ombre che risultano leggere e sfumate.  

09 

 

Correggio Madonna col Bambino (Madonna Campori), 1519 circa olio su tavola, 58 x 45 Modena, Galleria  Estense  

Il  dipinto  conferma  la  vocazione  del  Correggio  a  concentrarsi sull’intimità  familiare  e  a  trasferirla  nei  soggetti  sacri.  Il  rapporto  tra Madre e Figlio viene colto con immediatezza e verità, con un’energia e un’umanità intense e diverse da quelle di Raffaello. Gesù stringe con la mano sinistra l’indice della Madonna, mentre con la destra tenta quasi di  arrampicarsi  lungo  il  suo  petto;  lei  lo  lascia  fare  con  dolcezza, appoggiandolo  sull’ampio  grembo  e  sorreggendolo  con  le  sue mani grandi e avvolgenti. Il piede del Bambino con il tallone rivolto verso lo spettatore,  è  la  sigla  stilistica  dell’autore,  lo  si  ritrova  infatti  in  altre opere.  

 

 

                                                                          

10 

 

Correggio Noli me tangere, 1520 circa olio su tela,130 x 103 Madrid, Museo del Prado  

Maddalena,  dopo  la  scoperta  del  sepolcro  vuoto  di  Gesù,  cerca qualcuno  cui  chiedere dove  sia  stato portato  il  corpo.  In un orto  (per questo in basso a destra si scorgono una zappa, una pala, un cappello) scorge un uomo e accorgendosi che la persona di fronte è Cristo risorto si  inginocchia  sconvolta. Ecco  allora  la  frase  “Non mi  toccare perche non  sono  ancora  salito  al  Padre”.  La mano  di  Gesù  indica  il  cielo, alludendo  alla  sua  prossima  ascesa.  La  struttura  dell’opera  è caratterizzata da un efficace sistema di diagonali, creando un’invisibile sintonia  tra  i due personaggi, astraendoli dal  contesto  e proiettandoli verso lo spettatore.  

11 

Correggio Adorazione dei Magi, 1517 circa olio su tela, 84 x 108 Milano, Pinacoteca di Brera  

La scena rappresenta l’arrivo dei tre Magi alla capanna‐tempio dove la Madonna,  tenendo  in grembo  il Bambino Gesù molto piccolo,  lo offre alla loro adorazione. La potente diagonale segnata dalle figure dei Magi procede  dal  primo  a  destra,  il  più  giovane,  avvitato  nel  canonico “contrapposto” leonardesco. La diversificazione dell’età non è casuale e rappresenta  le  tre  età  dell’uomo:  giovinezza,  maturità,  vecchiaia.  Il naturalismo è diffuso nei particolari sparsi, ricchi di simboli, mentre un forte vento scuote le fronde cresciute tra i marmi. 

12 

 

Correggio  Ritratto di dama, 1517‐1518 circa olio su tela, 102 x 86 San Pietroburgo, Ermitage  Singolarmente, Correggio non si dedicò molto ai ritratti, genere molto in  voga  nel Rinascimento. Questo  è  uno  degli  unici due  eseguiti dal pittore. L’identità della dama non è chiara; quasi certamente si tratta di una vedova, visto che tiene nella destra una coppa di foggia classica sul bordo  interno  della  quale  compare  la  parola  greca  nepenthe,  il medicamento  egizio  contro  l’afflizione.  La  donna  ricorda,  nei  tratti somatici,  la  figura  della  Vergine  nel  Riposo  durante  la  fuga  in  Egitto, caratterizzata  dalla  morbidezza  chiaroscurale  del  volto.  Correggio firmò l’opera, sul tronco dell’albero accanto alla figura si nota infatti la scritta latina ANTON.LAET (Antonius Laetus).  

 

 

13 

Correggio  Martirio dei santi Placido, Flavia, Eutichio e Valeriano, 1523 circa olio su tela, 158 x 182 Parma, Galleria Nazionale  

I  corpi  senza  vita  dei  giovani  fratelli  di  San  Placido,  Eutichio  e Vittorino, giacciono accanto alle  rispettive  teste mozzate, all’estremità destra del quadro. Straordinaria la figura del carnefice di San Placido (a sinistra) vista da tergo, poiché un personaggio in primo piano di spalle coincide  con  l’intenzione di Correggio di negare dignità  a un  empio. Santa Flavia, con la spada del suo persecutore conficcata nel fianco, è in estasi mistica mentre osserva l’angelo glorificatore. 

14 

 

Correggio  Madonna adorante il bambino, 1525 circa olio su tela, 82 x 68,5 Firenze, Galleria degli Uffizi  

Il tema di quest’opera,  ambientato nello scenario della Natività, allude all’Incarnazione  e  alla  divinità  di  Cristo.  La  Vergine,  dopo  aver delicatamente  adagiato  Gesù  su  un  lembo  del  suo manto,  lo  adora tenendo le mani aperte in segno di gioia. Il braccio del bambino che si stende verso  la madre,  e  le  sue mani allargate,  creano un dinamismo compositivo  e  sentimentale  che  caratterizza    l’intero quadro,  animato anche  da  uno  studio  cromatico  molto  sottile:  il  colore  dell’abito  di Maria, rosso con screziature arancioni, sembra prolungarsi nel drappo alle sue spalle e il manto blu, striato di turchese, si tinge nel risvolto di un verde che evoca il paesaggio sono probabili rimandi visivi al Riposo durante la fuga in Egitto.