Arte Siglo Xx
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Santillana
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1933
1919
Fundación
1.1.- La Bauhaus
1.3.- Frank Lloyd Wright: el Organicismo
1.4.- Mies van der Rohe (1886-1969)
2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
2.1.- Grandes planes urbanísticos: Brasilia
2.2.- Movimientos de renovación desde los años setenta
3.- La escultura
de las vanguardias
4.1.- El Expresionismo
4.2.- El Cubismo
5.1.- Expresionismo Abstracto
5.2.- El Informalismo
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
6.1.- La Figuración
6.2.- Arte Minimal
7.1.- La fotografía
7.2.- El cartel
7.3.- El cómic
7.4.- Diseño gráfico
7.5.- El cine
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Síntesis
El gran crecimiento de la ciudad moderna a lo largo del siglo XX obligó a seguir planificando su desarrollo urbanístico y a buscar nuevas soluciones de habitabilidad.
En el período de entreguerras, años veinte y treinta, nació en Europa una corriente progresista que dominará el siglo llamada Racionalismo, Funcionalismo o Estilo Internacional, que será la gran aportación del siglo XX a la arquitectura.
Los objetivos de esta corriente son la funcionalidad, el urbanismo y la mejora
de las condiciones físico-higiénicas de los espacios humanos.
Las características principales de esta corriente son:
El uso del vidrio, el acero y el hormigón armado, y el uso práctico y funcional, tal como expresa la frase «lo que funciona bien es bello». Respecto a la estructura, los pilares y las plantas diáfanas van a sustituir a la columna y al arco. La composición será formal a base de superficies simples y ortogonales.
Sus grandes maestros fueron Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier y Wright.
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La Bauhaus
Este término alemán, que significa «casa de la construcción», denominó a un movimiento cultural y artístico que surgió en la primera escuela de diseño, arte y arquitectura del mundo. Esta escuela, la Bauhaus, fue fundada en Weimar en 1919 por Walter Gropius en un tiempo de pesimismo en Europa.
El programa de la Bauhaus unía el estudio de los oficios artesanos con la tecnología, el diseño con la producción, y el arte con la ingeniería.
Su meta era servir de instrumento para mejorar la sociedad a través del diseño, con productos duraderos, baratos y bellos.
Uno de sus principios básicos fue la célebre frase «la forma sigue a la función». Expresa que las dimensiones
y la apariencia de algo deben reflejar la función a la que el objeto sirve.
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La Bauhaus
La Bauhaus creó los fundamentos para las tendencias estéticas de la arquitectura moderna y del diseño industrial.
En España, esta corriente fue introducida por Fernando García Mercadal, arquitecto de amplia formación europea y autor del vanguardista pabellón del rincón de Goya.
En 1930 fundó la Asociación de Arquitectos Españoles para difundir la arquitectura moderna junto a Aizpurúa, Torres Clavé y el colaborador de Le Corbusier, Josep Lluís Sert.
Este último fue autor de obras como el pabellón de España de la Exposición Universal de París y la Fundación Maeght.
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La Bauhaus
Arquitecto berlinés pionero de la arquitectura moderna y el más célebre representante del Racionalismo alemán.
Walter Gropius (1883-1969)
Fue el fundador de la Bauhaus, su primer director y autor de su Manifiesto.
Acorde con el más puro Racionalismo, su obra se basa en el uso de los nuevos materiales y en optimizar el proceso constructivo para reducir costes y tiempo.
Todas sus características quedan reflejadas en el edificio que creó para la segunda sede de la Bauhaus, en Dessau.
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Le Corbusier (1887-1965)
Le Corbusier fue el sobrenombre profesional que adoptó Charles Edouard Jeanneret, pintor, teórico y arquitecto franco-suizo, considerado la principal figura mundial de la arquitectura moderna.
Podemos establecer cinco postulados básicos en la arquitectura de Le Corbusier:
El uso de bloques elevados sobre pilares cilíndricos de acero, «pilotes».
Las cubiertas son planas y ajardinadas, lo que permite usarlas como terraza.
La planta es libre. Esto permite disponer los tabiques según las necesidades.
La fachada del edificio es independiente de la estructura.
Las ventanas son grandes y alargadas para disponer de mayor iluminación y ventilación.
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Le Corbusier (1887-1965)
Todos estos principios los materializó en la villa Saboya, en Poissy, uno de los exponentes de la arquitectura moderna.
Aportó conceptos de gran repercusión, como los bloques colectivos que serán el prototipo de vivienda social de la posguerra, caso de la Unidad habitacional.
Una de sus obras más originales es la capilla de Notre-Dame-du-Haut, en Ronchamp.
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Frank Lloyd Wright: el Organicismo
Este arquitecto americano (1867-1959), discípulo de Le Corbusier, es uno de los maestros de la arquitectura moderna, de radical originalidad.
Como principal representante del Organicismo, promovió la armonía de la arquitectura con la naturaleza, con el entorno y con el ser humano.
Opuesto al Racionalismo, sus viviendas son de líneas sencillas y novedosas por su funcionalidad, técnica y formas.
La casa Kaufmann es el mejor ejemplo del Organicismo, de la integración total de arquitectura y paisaje.
Otra de sus obras emblemáticas es el Museo Guggenheim de Nueva York, creado para exhibir arte vanguardista.
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Mies van der Rohe (1886-1969)
Fue un influyente arquitecto y diseñador industrial alemán, colaborador de Gropius y director de la Bauhaus en su última etapa.
Su arquitectura es de carácter universal, sencilla y honesta, tal como refleja su frase «menos es más», lema que adoptarán los arquitectos vanguardistas.
En Estados Unidos dejó muestras de una de sus facetas como arquitecto: la construcción de enormes rascacielos.
Quizá el mejor ejemplo de su teoría de la arquitectura «de piel y huesos», sea el edificio Seagram.
Es autor de una de las obras más innovadoras de la arquitectura moderna: el pabellón de Alemania.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Grandes planes urbanísticos: Brasilia
Brasilia fue creada como nueva capital federal de Brasil entre 1955 y 1960. Fue la consagración mundial de Oscar Niemeyer (1907) como arquitecto e introductor en Hispanoamérica de la arquitectura moderna, y del urbanista Lucio Costa, autor del plano del conjunto.
Para la realización del proyecto, Niemeyer se inspiró en Le Corbusier, dentro de un enfoque racionalista de la arquitectura urbana, desde lo útil y funcional.
Niemeyer levantó una innovadora capital de gran cohesión arquitectónica, donde los grandes volúmenes de los rascacielos conviven con edificios de gran belleza plástica, formas nuevas e imaginativas y superficies curvas como la Catedral o el palacio Presidencial.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Movimientos de renovación desde los años setenta
Una vez se reconstruyó Europa con una arquitectura dominada por el Funcionalismo, comenzaron a finales de los años sesenta una serie de movimientos de renovación de las ideas estéticas. En ellos desempeñará un papel crucial la innovación tecnológica.
En los años setenta se recuperó la tradición en cuanto a las formas, pero no a la técnica.
Creció el interés por la edificación a pequeña escala.
Se volvió al ornamento, en columnas y pilastras, dando lugar a un Neoeclecticismo.
Forman parte de esta tendencia nombres como Ricardo Bofill o Niemeyer.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Movimientos de renovación desde los años setenta
A finales de la década de 1980 nació el Deconstructivismo. Buscaba fragmentar el edificio, separando además la forma de la función.
Se trata de construcciones dinámicas, de formas no lineales, y aparentemente irrealizables.
Entre ellas destaca el espectacular Museo Guggenheim de Bilbao, del maestro americano Frank O. Gehry.
La tendencia High Tech muestra la estructura del edificio con sus componentes tecnológicos.
Integran este estilo nombres tan destacados como Norman Foster.
Jean Nouvel, Renzo Piano, Richard Rogers y Santiago Calatrava.
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La llegada de los movimientos de vanguardia reaviva el interés por la escultura, que había permanecido en un segundo plano en épocas anteriores.
3.- La escultura
En esta nueva etapa se abandona el estilo figurativo.
Ahora el objeto deja de ser estático y compacto gracias al movimiento y a los huecos que crean espacios interiores.
Cualquier material sirve para crear un objeto escultórico.
Los contenidos y las formas de expresión se inspiran en las culturas primitivas y clásicas.
También se investiga sobre formas y volúmenes, nuevas técnicas y nuevos materiales.
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3.- La escultura
Constantin Brancusi (1876-1957)
Este escultor rumano está considerado uno de los padres de la escultura moderna junto a Giacometti y Henry Moore.
Evolucionó a un estilo innovador inspirado en las esculturas primitivas y africanas.
Se caracterizó por simplificar y depurar el objeto al máximo con formas cerradas y estilizadas.
Uno de sus temas preferidos fue captar los pájaros en el vuelo, su movimiento en el espacio.
Emplea materiales como la piedra, el mármol, la madera y el metal, pulidos al máximo.
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3.- La escultura
Alberto Giacometti (1901-1966)
Escultor y pintor suizo, uno de los más originales y representativos del siglo XX.
Abandonó el surrealismo y creó un característico y singular estilo figurativo, reflejo de su sentido trágico de la vida y del vacío existencial del ser humano contemporáneo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Siempre expresan su fragilidad y su total aislamiento en el mundo, en el espacio, como testimonio de la soledad del ser humano actual.
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3.- La escultura
Henry Moore (1898-1986)
Dominó distintos materiales, como la piedra, la madera, el hormigón, el mármol o el bronce.
Creó formas y volúmenes de gran tamaño sobre la figura humana, desde la figuración a la abstracción, como expresión de la realidad vital del ser humano.
Hacia 1940 empezó a horadar los materiales, oponiendo las figuras cóncavas a las convexas como complemento entre la forma y el espacio.
De origen británico, es uno de los grandes escultores del siglo XX. Admirador de Miguel Ángel, halla su inspiración en el mundo primitivo no occidental y en el arte
egipcio, etrusco y azteca.
Entre sus temas usuales, desde 1930, está la extensa serie de la maternidad, en la que muestra de forma abstracta la conexión entre una madre y su hijo.
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Calder (1898-1976)
Escultor estadounidense de gran versatilidad, es uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo.
Se inició en la Abstracción en París a principios de los años treinta bajo la influencia de artistas como Miró o Mondrian, primero como pintor y más tarde como escultor.
Experimentó también con el movimiento y desarrolló dos modos de escultura: el móvil, con el que surge el arte dinámico; y el estable (stabile), de formas abstractas e inmóviles.
Sus móviles son estructuras de formas orgánicas abstractas, hechas con metal, cable, plomo y pintura, suspendidas en el aire.
Se balancean suavemente con el movimiento dado por el mismo aire o por un impulso inicial, adoptando así formas variadas.
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3.- La escultura
La escultura española
En la primera mitad del siglo XX, la escultura española experimentó una fuerte renovación mediante el poder expresivo de las formas y el interés por los nuevos lenguajes, materiales y técnicas.
Julio González (1876-1942)
De familia de orfebres y herreros, su carrera transcurre en París con el estímulo de su amigo Picasso, con el que exploró el Cubismo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Evolucionó a un estilo propio entre el Surrealismo y la Abstracción, fusionando la materia y el espacio.
Revolucionó la escultura con la técnica del hierro soldado.
Entre sus numerosas obras cabe citar Mujer ante el espejo.
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3.- La escultura
La escultura española
Pablo Gargallo (1881-1934)
Su obra es de las más destacadas e innovadoras del siglo.
Partió del Modernismo catalán, pero recibió influencias de Brancusi, del Cubismo y, por último, de la corriente expresionista.
Así, creó un estilo propio en el que destacan las siguientes características:
El uso de chapas de hierro recortadas y de nuevas técnicas.
La incorporación del vacío y de huecos como elemento escultórico.
La combinación de planos cóncavos y convexos.
La coexistencia de dos tendencias, una más figurativa y otra más vanguardista.
Una de sus obras más conocidas es El profeta.
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3.- La escultura
La escultura española
Eduardo Chillida (1924-2002)
Este escultor destaca por la gran elegancia de sus estructuras abiertas en diálogo con el entorno.
En hierro, acero, mármol o terracota creó formas irreales, pero con una nueva visión espacial que gira sobre la relación vacío-lleno.
Chillida se interesó por los volúmenes y espacios encerrados en formas geométricas de gran pureza.
Muchas obras de Chillida se encuentran situadas en espacios públicos, como El peine de los vientos.
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La renovación que provocaron en la pintura a finales del siglo anterior el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo, tanto en la iconografía como en las características formales -composición, cromatismo y técnicas-, fue el caldo de cultivo en el que surgió la amplia variedad de tendencias de las nuevas vanguardias del siglo XX.
4.- La pintura: los nuevos «ismos» de las vanguardias
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El Expresionismo
Nació en Alemania en 1905 y perduró hasta 1933, cuando el régimen nazi subió al poder y lo prohibió tras declarar el arte vanguardista como «arte degenerado».
La ideología de este movimiento, vinculada a las teorías de Niesztche y Freud y al pesimismo que vivía Europa, se basa en la expresión, en transmitir los sentimientos y emociones del artista mediante la deformación de la realidad por medio del color y del dinamismo.
Lo integraban distintos grupos artísticos, como Die Brücke («El puente»), creado por Kirchner en 1905, de carácter radical y crítico, y Der Blaue Reiter («El jinete azul»), tendencia de gran lirismo cuyo
maestro fue Kandinsky con el apoyo de Paul Klee.
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El Expresionismo
Edvard Munch (1863-1944)
Considerado el padre del Expresionismo, su estilo se caracterizó por pinceladas audaces y líneas sinuosas, por un colorido arbitrario, con grandes masas de color, y por motivos simplificados.
En El grito, obra que se considera el primer cuadro expresionista, representó la desesperación y la angustia del ser humano.
Emil Nolde (1876-1956)
Es uno de los grandes nombres del Expresionismo alemán, como autor de un arte muy expresivo y emocional.
Usa una estética distorsionada de estridentes colores que aplica con pinceladas cortas, empastadas y nerviosas. Un ejemplo de su obra es el Políptico de la vida de Cristo.
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El Cubismo
Este estilo comenzó en París en 1907 con la obra Las señoritas de Avignon de Picasso, lienzo que rompió con los valores artísticos tradicionales, y supuso el nacimiento de un lenguaje innovador y radical de enorme influencia en todo el arte del siglo XX.
El Cubismo entiende el cuadro como una superficie bidimensional, y rompe así con la idea clásica de perspectiva.
Las figuras se esquematizan y las formas se geometrizan.
El punto de vista único se abandona y se yuxtaponen las diversas imágenes que muestran la realidad cuando la miramos desde distintos ángulos, y que se descomponen en varios planos geométricos.
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El Cubismo
En su etapa inicial, llamada «Cubismo Analítico» (1908-1912), los objetos se reducen a formas geométricas fragmentadas en planos, y el colorido es apagado, de tonos verdes, grises y ocres.
Los temas más usuales son naturalezas muertas, paisajes y retratos.
La etapa siguiente y última, el «Cubismo Sintético» (1912-1920), surge de la técnica del collage realizada por Picasso en 1912.
En los temas aparecen guitarras, violines, naturalezas muertas, retratos o bañistas.
Los artistas más representativos del Cubismo son Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
A este artista malagueño le cabe el honor de emprender una revolución visual y conceptual que abarcó la pintura, la escultura, la cerámica y el grabado.
En París se inicia su etapa azul (1901-1904), llamada así por el color predominante en estas obras.
Se trata de cuadros de gran intensidad emotiva y tristeza, que tratan sobre ciegos, mendigos, enfermos
y otros personajes desamparados.
El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
En 1905 entra en la etapa rosa, de mayor lirismo gracias al uso de colores pastel, de tonos cálidos, líneas suaves y proporciones alargadas.
Refleja con gran afecto la maternidad y la melancolía que envuelve el mundo del circo, a sus acróbatas, saltimbanquis y arlequines.
En 1906 rompe con su estilo anterior tras conocer una exposición de escultura ibérica que se realizó en el Louvre y descubrir el arte africano.
Picasso comenzó a simplificar los rasgos y los volúmenes. Estas influencias y estudios se plasmaron en Las señoritas de Avignon.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Picasso practicó tanto el Cubismo Analítico como el Cubismo Sintético. Una de sus obras maestras de esta etapa es Los tres músicos.
Durante la Primera Guerra Mundial residió en Italia, donde estudió la cultura antigua y el Renacimiento.
Entonces inicia su etapa de clasicismo y figuración, con sus retratos y temas mitológicos. En esta época pintó su obra Dos mujeres corriendo por la playa.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
En 1937 realiza el Guernica al conocer el bombardeo de esta población por parte de los alemanes durante la Guerra Civil española. La obra simboliza el horror de la guerra y la ira, que logra transmitir gracias a una composición austera y al uso de los colores blancos, negros y grises.
Picasso pasó gran parte de su última etapa estudiando a los clásicos y realizó versiones de sus grandes obras. Un ejemplo son Las Meninas.
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El Cubismo
Georges Braque (1882-1963)
Braque nació en Francia y, aunque en sus inicios fue fauvista, está considerado creador del Cubismo junto a Picasso.
Influido por los trabajos de Cézanne y por su labor previa de pintor-decorador, su obra refleja un profundo interés por lo táctil y por la armonía de la composición.
Braque enriqueció el Cubismo Analítico al incorporar en sus cuadros letras de imprenta y pigmentos mezclados con arena, creando superficies de variadas texturas.
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El Cubismo
Juan Gris (1887-1927)
Hoy día está considerado un maestro del Cubismo Sintético y una figura esencial del panorama artístico del
siglo XX.
Fue un excelente dibujante e ilustró numerosos libros y revistas.
Con su viaje a París en 1906 entró en contacto con Picasso y su círculo, e inició su propio estilo en la línea del collage y del Cubismo Sintético, alcanzando una gran maestría.
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Fauvismo
Fue la primera vanguardia del siglo XX y nació en París en 1905. El Fauvismo se caracterizó por pintar lo que sentía, no lo que veía. Los artistas lo lograron gracias a la autonomía del color sobre la forma. Además, el color, de tonos intensos y puros pero de gran armonía cromática, dependerá del sentimiento del artista y no de la realidad.
Henri Matisse (1869-1954)
Pintor francés, máximo representante del Fauvismo y uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Tras un viaje a África y a Tahití, comenzó a emplear colores expresivos, de tintas uniformes y formas planas. Además, introdujo arabescos.
Uno de sus cuadros más conocidos es La danza.
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Dadaísmo
El término Dadá fue elegido al azar de un diccionario y carece de significado especial, supone el uso de la burla como medio para destruir los principios artísticos más afianzados.
Este movimiento surgió en Zurich (Suiza) durante la Primera Guerra Mundial, como actitud de rechazo ante la realidad circundante por parte de un grupo de jóvenes artistas, entre los que se encontraban Arp y Tristán Tzara.
Los dadaístas reivindicaban los objetos industriales, la imprenta, el cine, el sexo y, sobre todo, la fiesta, el espectáculo y el humor.
El Dadaísmo aporta al arte actual su eterna provocación, la importancia de la imaginación, una nueva estética y la validez del proceso creativo.
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Dadaísmo
Marcel Duchamp (1887-1968)
Duchamp, pintor franco-americano, es el artista más influyente en la evolución del arte del siglo XX.
Revolucionó el mundo artístico al presentar como obras de arte una serie de objetos cotidianos, los «ready-made», término que supone que cualquier objeto que elija un artista, independientemente de su valor artístico, puede ser considerado «arte», ya que lo que importan son las ideas.
En este sentido, su obra más célebre es Fuente, considerada una de las obras más influyentes del
siglo, al marcar el inicio de la modernidad.
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El Arte Abstracto
Esta corriente comenzó a tomar forma con las primeras obras de Kandinsky hacia 1910. Consistía en «abstraerse de» los elementos visibles de la naturaleza, lo que llevaba a la libertad total en la elección de los colores y en el motivo a desarrollar sobre el lienzo.
En un primer momento, se llamó Abstracción lírica o cromática, y estuvo representada por Kandinsky y Paul Klee.
A partir de 1913 la Abstracción pasó a denominarse Abstracción geométrica y estuvo encabezada por Malevich y por Mondrian.
En ambas corrientes son inexistentes las representaciones de la realidad, y el interés se centra en experimentos sobre el color y la composición.
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El Arte Abstracto
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Kandinsky fue un pintor y teórico del arte de origen ruso. En 1910 abandonó el arte figurativo y se inició en la Abstracción lírica.
En sus obras consigue transmitir un gran dinamismo y mucha energía al contraponer líneas y manchas de colores brillantes que armonizan entre sí.
Kazimir Malevich (1878-1935)
Pintor y teórico ruso, creador del Suprematismo. Amante de las formas puras, dejó atrás cualquier recurso pictórico y optó por las formas geométricas simples y una reducida gama de colores.
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El Arte Abstracto
Piet Mondrian (1872-1944)
Este pintor fue el fundador de un movimiento estético en Holanda, el Neoplasticismo, dentro de la Abstracción geométrica.
Esta tendencia busca liberar al arte de todo lo accesorio para llegar al «arte puro».
Mondrian creó un nuevo lenguaje para sus lienzos, a los que llamó Composiciones.
Mediante la utilización de las formas geométricas y los colores elementales pretendía llegar a representar la esencia del universo.
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Surrealismo
Movimiento literario y artístico, elitista y de izquierdas, que nació en Francia en 1924 impulsado por André Breton. Este defendió en su Manifiesto la inconsciencia, el sueño y la locura.
Los surrealistas intentaron expresar por medio de la plástica, las imágenes procedentes del mundo onírico, del inconsciente, fuera de toda preocupación estética y moral.
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Surrealismo
Investigador infatigable, introdujo las técnicas del collage
y del fotomontaje en el Surrealismo. Su temática gira sobre el mundo de las alucinaciones y de la imaginación.
En 1921 comenzó su etapa surrealista en París con una serie de obras en las que seres fantasmagóricos y figuras humanas habitan en paisajes irreales.
René Magritte (1898-1967)
Su obra es enigmática y extraña, rodeada de un halo de misterio propio de su inspiración en la literatura policíaca. Sus personajes se caracterizan por sus rostros impenetrables, carentes de expresión.
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Surrealismo
Este polifacético artista catalán, personaje excéntrico y provocador, destacó por su obra surrealista.
El estilo de Dalí se basaba en imágenes irreales en paisajes desnudos. Estas imágenes las tomaba directamente de los sueños y están relacionadas con el psicoanálisis. En ellas plasmaba sus obsesiones.
Joan Miró (1893-1983)
Aportó una visión de su inconsciente mágica y lírica, llena de gran fantasía. Sobre fondos blancos o azules y con una gama de colores brillantes creaba en el espacio diferentes signos reconocibles con un fuerte contenido simbólico.
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Tras la Segunda Guerra Mundial comienza una nueva etapa en el arte estrechamente vinculada con la evolución de los tiempos.
5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Se crean múltiples y novedosas formas de expresión debidas a la total libertad de creación para reinterpretar la nueva realidad.
Estas tendencias establecen una ruptura con las corrientes estéticas anteriores, y en ellas se busca la originalidad y provocar una nueva mirada del espectador ante la obra de arte.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
Esta corriente fusiona la Abstracción y el Surrealismo. Surgió en Estados Unidos en 1947, cuando los artistas rompieron con la figuración y con las influencias europeas para crear un nuevo estilo que reflejara sus propias identidades artísticas.
La Gestual o Pintura de acción (Action painting). Esta técnica consiste en acciones y gestos como derramar, dejar gotear, arrojar la pintura sobre el lienzo sin tensar, aplicarla directamente desde el tubo, embadurnarlo con las manos o mezclar materiales para lograr diversas texturas.
Dentro del Expresionismo Abstracto se desarrollan dos tendencias:
Jackson Pollock y Willem de Kooning encabezan esta tendencia.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
En ella solo se tienen en cuenta las posibles mezclas de color y sus múltiples combinaciones. Además, se utilizan formatos de grandes dimensiones.
La segunda es la llamada Pintura de superficie-color (Color field-painting).
Su preferido era el rojo porque a través de él pensaba que podía expresar todas sus emociones.
En esta tendencia destaca el artista ruso Mark Rothko, cuya obra se caracteriza por la investigación del color.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
Nacido en la América profunda, representa el genuino Expresionismo Abstracto americano.
El goteo de pintura, el dripping, sobre unas inmensas telas le permitía crear auténticas marañas de líneas con puntos de color.
Willem de Kooning (1904-1997)
El término Action painting se aplicó en los años cuarenta a su obra debido a sus trazos enérgicos, amplios y muy marcados, con espesas capas de óleo y pigmentos que imprimen al lienzo gran densidad y fuerza.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
El Informalismo
En paralelo con el Expresionismo Abstracto americano, el Informalismo surgió en Europa hacia 1945. Refleja su expresividad con total libertad en cuanto al uso de la pintura y los materiales. En lugar de emplear el dibujo introduce signos y garabatos.
La pintura matérica, que utiliza arena, aglutinantes, harapos, maderas o serrín, además de desgarros y cortes en el lienzo.
Dentro del Informalismo se distinguen distintas tendencias:
La corriente tachista o manchista, que usa manchas de color.
Entre sus artistas destacan Pierre Soulages, Lucio Fontana y el grupo Cobra.
Entre los españoles se encuentran algunos de los informalistas más reconocidos, como Manolo Millares, Martín Chirino, Antonio Saura y Antoni Tàpies.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Pop-Art
El Pop-Art nació entre los años 1950 y 1960 en Estados Unidos e Inglaterra. Se basa en el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas.
Las dos figuras más destacadas fueron Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
El Pop español se desarrolló más tardíamente, entre los años 1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades sociales y políticas del franquismo.
Su foco más destacado fue Valencia y está estrechamente unido a la obra del Equipo Crónica, del Equipo Realidad y de Juan Genovés.
Se trata de un arte popular, ingenioso, joven, efímero y que se produce en serie por medio de serigrafías, del collage y del fotomontaje.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Pop-Art
Andy Warhol (1928-1987)
Es la figura más conocida del Pop-Art. Fue pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.
Alcanzó gran popularidad al pintar una serie de retratos de personas y objetos muy conocidos, como las botellas de Coca-Cola y las latas de sopa Campbell.
Roy Lichtenstein (1923-1997)
Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del Pop estadounidense, se caracterizó por su afinidad con las técnicas de reproducción, como el empleo de puntos, contornos marcados y brillantes colores primarios.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Op-Art
Esta tendencia también es conocida como Arte óptico. Se trata de un movimiento de Abstracción Geométrica surgido en Estados Unidos a inicios de los años sesenta, que buscaba crear efectos visuales de movimiento, de relieve o de profundidad, en superficies planas y estáticas.
Victor Vasarely (1906-1997)
Pintor francés de origen húngaro que está considerado como el padre del Op-Art.
En París, su residencia desde 1931, abordó la Abstracción con estudios sobre el color, la óptica y el movimiento.
Transforma el lienzo en un campo de infinitas posibilidades visuales gracias a la interacción de los colores para dar la sensación de movimiento.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
La Figuración
Es una opción más de la modernidad, de carácter realista y que convive con la Abstracción.
En España, la Figuración ha estado siempre muy presente. Casi todos los artistas abstractos españoles tuvieron un componente realista, excepto Palazuelo y Chillida.
Antonio López, escultor y pintor, es el maestro de la pintura realista contemporánea.
Su obra muestra un lenguaje muy personal mediante la integración de color y dibujo.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Minimal
Término acuñado en 1965 por la revista Art Magazine, que designa una serie de obras que surgen como reacción al exceso pictórico y compositivo del Expresionismo Abstracto.
Se caracteriza por una obra innovadora de formas puras, geométricas, sin adornos, sin tema y poco expresivas, casi impersonales, que buscan el efecto de la luz sobre los materiales y el efecto espacial.
Frank Stella y Sol Lewitt están entre sus mayores representantes.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Postminimal
Estilo que nace como reacción al Minimal, y que está en contra de la rigidez de sus formas geométricas y su austera expresividad.
Esta tendencia concibe el arte como una simple actividad creativa, como un comportamiento ajeno a cualquier otra pretensión.
Engloba distintas formas de arte, que llevan a un punto más excéntrico y original, con formas no preconcebidas.
Artistas como Richard Serra y Eva Hesse usan sacos, cuerdas, vinilos, látex y alambres como acto de provocación.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Conceptual
Corriente experimental nacida en los años sesenta. Se trata de un arte interesado por las ideas, a las que considera el motor y la esencia de la obra de arte. No importa tanto el objeto representado como las ideas que se quieren representar.
Happening
Esta tendencia artística rechaza el proceso tradicional de creación y lo sustituye por una manifestación colectiva en la que el público participa activamente y donde el resultado tiene igual importancia que el proceso.
Entre sus integrantes destacan Vostell y Joseph Beuys. En 1965 realizó su célebre performance Cómo explicar un cuadro a una liebre muerta, en una galería de Dusseldorf.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Conceptual
Land Art
Esta tendencia tiene como materia prima la naturaleza, las piedras, maderas, arenas, tierra, etc.
El soporte y el material es el propio paisaje rural o urbano. Su técnica es la instalación al aire libre.
Body Art
Corriente conceptual de los años sesenta en la que se trabaja el cuerpo como material plástico; se pinta, se ensucia, se calca, se tatúa. Suele realizarse como una performance.
Arte Povera
Este término significa en italiano «arte pobre». Se trataba de una reacción frente al arte tradicional que se consideraba hecho con materiales nobles y con un sentido de exaltación de la belleza.
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Síntesis
7.- Nuevos medios expresivos: la cultura visual de masas
Desde mediados del siglo XIX se han desarrollado nuevas formas de expresión artística que se engloban dentro de lo que conocemos como cultura visual.
Con este término nos referimos a la interpretación de las múltiples imágenes que nos llegan cada día desde el mundo de la publicidad, el cine, la prensa, Internet o la televisión, y que son difundidas masivamente.
Este mundo de las imágenes, en su mayoría artificiales, influye en nuestro modo de vivir y de pensar.
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La fotografía
La técnica de la fotografía era un proceso caro, que además no permitía la elaboración de copias. Estos dos problemas fueron solventados a finales del XIX y principios del XX. Es en estos momentos cuando la fotografía se introduce dentro del mundo del arte.
Al principio, los artistas que se decantaron por la fotografía estuvieron muy influenciados por las corrientes pictóricas.
A partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollaron sus propias tendencias, entre las que cabe destacar la manipulación de la fotografía.
En España, desde los años ochenta, encontramos la obra de Ouka Leele como ejemplo de manipulación fotográfica, y de unión de pintura y fotografía.
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El cartel
Es el medio publicitario más eficaz, ya que se encuentra en paredes, vallas, estadios o marquesinas. Se realiza en papel, cartón o material plástico de gran tamaño y se caracteriza por la interrelación entre texto e imagen para definir el producto de manera viva y penetrante.
A fines del siglo XIX, París fue la ciudad pionera en el uso de los carteles como elemento decorativo, un ejemplo fueron los realizados por Toulouse-Lautrec.
En España sobresale Josep Renau (1907-1982), autor de una excelente serie de carteles, fotomontajes y murales de contenido político o comercial.
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El cómic
Su origen se remonta a mediados del XIX, y a finales de ese siglo alcanzó su éxito como producto de consumo.
Se trata de viñetas que integran textos en imágenes y que se organizan sucesivamente, con una planificación influenciada por el cine.
La técnica empleada suele ser a plumilla o a pincel, y en ocasiones, con dos o cuatro tintas.
Entre los títulos a recordar están Flash Gordon (1951), de Dan Barry; Corto Maltés (1967-1996), de Hugo Pratt; El Capitán Trueno (1956), de Víctor Mora, y las tiras de Mafalda (1964), de Quino.
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Diseño gráfico
Esta actividad expresa mensajes gráficos a través de un lenguaje visual en campos diversos: publicidad, libros, multimedia, imagen corporativa o páginas web.
Es una nueva forma de expresión y de comunicación visual cuyos mensajes se difunden por medios digitales
o impresos.
Esta actividad tiene un carácter interdisciplinar, al requerir nociones de fotografía, dibujo, tipografía, comunicación…
Se realiza en sectores muy distintos, como la publicidad, el desarrollo de imágenes corporativas, el diseño de revistas, libros, carátulas de discos...
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El cine
Esta forma de arte se basa en la fotografía en movimiento mediante la proyección de fotogramas de forma rápida y sucesiva. Su historia comienza en París en 1895, su éxito fue inmediato, y alcanzó su madurez en 1920 con la incorporación de sonidos, en forma de diálogos, música o efectos sonoros.
Entre su gran diversidad de géneros, podemos citar:
El comercial, de visión fácil y amable, para disfrute del espectador.
El independiente, creado sin apoyo inicial de ninguna productora.
El documental, basado en imágenes tomadas de la realidad.
El experimental, que usa un medio de expresión más artístico.
El de animación, por medio de dibujos animados.
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Impacto de la tecnología visual
Los grandes y acelerados avances producidos en las últimas décadas, con la aparición del ordenador, el vídeo y la digitalización, han llevado a nuevas formas creativas que combinan el mundo del arte y la ciencia.
Esto ha originado una cultura digital llena de nuevos lenguajes electrónicos sobre la percepción y el movimiento, con la imagen virtual, la interactividad o la robótica como parte fundamental del proceso de creación artística.
El videoarte apareció allá por los años sesenta simultáneamente en Europa y Estados Unidos. Tuvo desde sus inicios una vocación antimercantilista y desarrolló una gran capacidad para alterar la posición del arte y del artista.
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Alzado de Villa Saboya
Primer piso de Villa Saboya
Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya
Unidad habitacional
Interior de la casa Kaufmann
Maqueta de la casa Kaufmann
Museo Guggenheim de Nueva York
Cúpula del Museo Guggenheim
2.- La arquitectura y el urbanismo
a finales del siglo XX
Brasilia
3.- La escultura
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de las vanguardias
Las señoritas de Avignon
Las dos hermanas
Los tres músicos
Guernica
La vestimenta de la esposa
Los amantes
El carnaval de Arlequín
mitad del siglo XX
Cebras
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
7.- Nuevos medios expresivos:
Madrid
Fotograma de «El viaje de Chihiro»
Rascacielos en Dubai
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Villa Saboya o Villa Savoye (1929), Poissy, a las afueras de París.
Le Corbusier.
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Planta de los tres pisos de Villa Saboya o Villa Savoye
Planta baja
Primer piso
Primer piso, terraza
Primer piso, interior
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Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya o Villa Savoye
Rampa de acceso a la azotea
Planta baja, escalera
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La casa Kaufmann o casa de la cascada (1937), Pensilvania (EE.UU.).
Frank Lloyd Wright.
Interior de la casa Kaufmann o casa de la cascada
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Maqueta de la casa Kaufmann o casa de la cascada
1 Gran bloque de piedra que alberga la chimenea y la escalera
2 Terrazas horizontales y superpuestas.
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Cúpula
Pabellón de Alemania (se construyó en 1929. Fue demolido posteriormente
y reconstruido en 1986), Parque de Montjuïc, Barcelona. Mies van der Rohe.
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Ciudad de las Artes y las Ciencias (1998-2002), Valencia. Santiago Calatrava.
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Nueva York. Constantin Brancusi.
Estados Unidos. Alberto Giacometti.
Mujer reclinada con niño, muestra temporal en Florencia. Henry Moore.
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IVAM (Instituto
ubicadas en distintos museos.
El peine de los vientos (1976), San Sebastián. Eduardo Chillida.
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Museo Picasso, París. Pablo Picasso.
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Pablo Picasso.
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Dos mujeres corriendo por la playa (1922), Museo Picasso, París.
Pablo Picasso.
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Guernica (1937), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Pablo Picasso.
La mujer medio arrodillada
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La mesa del músico (1913), Kunstmuseum, Basel, Suiza. Juan Gris.
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La danza (1909), Museo del Ermitage, San Petersburgo. Henri Matisse.
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Cruz negra (1923), Museo Estatal Ruso, San Petersburgo. Kazimir Malevich.
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Composición
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La persistencia de la memoria (1931), MoMA, Nueva York. Salvador Dalí.
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El carnaval de Arlequín (1925), Galería Albright-Knox, Buffalo. Joan Miró.
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Uno (1950), Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York. Jackson Pollock.
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Nueva York. Richard Serra.
Dirigida por Hayao Miyazaki.
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1933
1919
Fundación
1.1.- La Bauhaus
1.3.- Frank Lloyd Wright: el Organicismo
1.4.- Mies van der Rohe (1886-1969)
2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
2.1.- Grandes planes urbanísticos: Brasilia
2.2.- Movimientos de renovación desde los años setenta
3.- La escultura
de las vanguardias
4.1.- El Expresionismo
4.2.- El Cubismo
5.1.- Expresionismo Abstracto
5.2.- El Informalismo
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
6.1.- La Figuración
6.2.- Arte Minimal
7.1.- La fotografía
7.2.- El cartel
7.3.- El cómic
7.4.- Diseño gráfico
7.5.- El cine
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Síntesis
El gran crecimiento de la ciudad moderna a lo largo del siglo XX obligó a seguir planificando su desarrollo urbanístico y a buscar nuevas soluciones de habitabilidad.
En el período de entreguerras, años veinte y treinta, nació en Europa una corriente progresista que dominará el siglo llamada Racionalismo, Funcionalismo o Estilo Internacional, que será la gran aportación del siglo XX a la arquitectura.
Los objetivos de esta corriente son la funcionalidad, el urbanismo y la mejora
de las condiciones físico-higiénicas de los espacios humanos.
Las características principales de esta corriente son:
El uso del vidrio, el acero y el hormigón armado, y el uso práctico y funcional, tal como expresa la frase «lo que funciona bien es bello». Respecto a la estructura, los pilares y las plantas diáfanas van a sustituir a la columna y al arco. La composición será formal a base de superficies simples y ortogonales.
Sus grandes maestros fueron Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier y Wright.
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La Bauhaus
Este término alemán, que significa «casa de la construcción», denominó a un movimiento cultural y artístico que surgió en la primera escuela de diseño, arte y arquitectura del mundo. Esta escuela, la Bauhaus, fue fundada en Weimar en 1919 por Walter Gropius en un tiempo de pesimismo en Europa.
El programa de la Bauhaus unía el estudio de los oficios artesanos con la tecnología, el diseño con la producción, y el arte con la ingeniería.
Su meta era servir de instrumento para mejorar la sociedad a través del diseño, con productos duraderos, baratos y bellos.
Uno de sus principios básicos fue la célebre frase «la forma sigue a la función». Expresa que las dimensiones
y la apariencia de algo deben reflejar la función a la que el objeto sirve.
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La Bauhaus
La Bauhaus creó los fundamentos para las tendencias estéticas de la arquitectura moderna y del diseño industrial.
En España, esta corriente fue introducida por Fernando García Mercadal, arquitecto de amplia formación europea y autor del vanguardista pabellón del rincón de Goya.
En 1930 fundó la Asociación de Arquitectos Españoles para difundir la arquitectura moderna junto a Aizpurúa, Torres Clavé y el colaborador de Le Corbusier, Josep Lluís Sert.
Este último fue autor de obras como el pabellón de España de la Exposición Universal de París y la Fundación Maeght.
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La Bauhaus
Arquitecto berlinés pionero de la arquitectura moderna y el más célebre representante del Racionalismo alemán.
Walter Gropius (1883-1969)
Fue el fundador de la Bauhaus, su primer director y autor de su Manifiesto.
Acorde con el más puro Racionalismo, su obra se basa en el uso de los nuevos materiales y en optimizar el proceso constructivo para reducir costes y tiempo.
Todas sus características quedan reflejadas en el edificio que creó para la segunda sede de la Bauhaus, en Dessau.
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Le Corbusier (1887-1965)
Le Corbusier fue el sobrenombre profesional que adoptó Charles Edouard Jeanneret, pintor, teórico y arquitecto franco-suizo, considerado la principal figura mundial de la arquitectura moderna.
Podemos establecer cinco postulados básicos en la arquitectura de Le Corbusier:
El uso de bloques elevados sobre pilares cilíndricos de acero, «pilotes».
Las cubiertas son planas y ajardinadas, lo que permite usarlas como terraza.
La planta es libre. Esto permite disponer los tabiques según las necesidades.
La fachada del edificio es independiente de la estructura.
Las ventanas son grandes y alargadas para disponer de mayor iluminación y ventilación.
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Le Corbusier (1887-1965)
Todos estos principios los materializó en la villa Saboya, en Poissy, uno de los exponentes de la arquitectura moderna.
Aportó conceptos de gran repercusión, como los bloques colectivos que serán el prototipo de vivienda social de la posguerra, caso de la Unidad habitacional.
Una de sus obras más originales es la capilla de Notre-Dame-du-Haut, en Ronchamp.
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Frank Lloyd Wright: el Organicismo
Este arquitecto americano (1867-1959), discípulo de Le Corbusier, es uno de los maestros de la arquitectura moderna, de radical originalidad.
Como principal representante del Organicismo, promovió la armonía de la arquitectura con la naturaleza, con el entorno y con el ser humano.
Opuesto al Racionalismo, sus viviendas son de líneas sencillas y novedosas por su funcionalidad, técnica y formas.
La casa Kaufmann es el mejor ejemplo del Organicismo, de la integración total de arquitectura y paisaje.
Otra de sus obras emblemáticas es el Museo Guggenheim de Nueva York, creado para exhibir arte vanguardista.
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Mies van der Rohe (1886-1969)
Fue un influyente arquitecto y diseñador industrial alemán, colaborador de Gropius y director de la Bauhaus en su última etapa.
Su arquitectura es de carácter universal, sencilla y honesta, tal como refleja su frase «menos es más», lema que adoptarán los arquitectos vanguardistas.
En Estados Unidos dejó muestras de una de sus facetas como arquitecto: la construcción de enormes rascacielos.
Quizá el mejor ejemplo de su teoría de la arquitectura «de piel y huesos», sea el edificio Seagram.
Es autor de una de las obras más innovadoras de la arquitectura moderna: el pabellón de Alemania.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Grandes planes urbanísticos: Brasilia
Brasilia fue creada como nueva capital federal de Brasil entre 1955 y 1960. Fue la consagración mundial de Oscar Niemeyer (1907) como arquitecto e introductor en Hispanoamérica de la arquitectura moderna, y del urbanista Lucio Costa, autor del plano del conjunto.
Para la realización del proyecto, Niemeyer se inspiró en Le Corbusier, dentro de un enfoque racionalista de la arquitectura urbana, desde lo útil y funcional.
Niemeyer levantó una innovadora capital de gran cohesión arquitectónica, donde los grandes volúmenes de los rascacielos conviven con edificios de gran belleza plástica, formas nuevas e imaginativas y superficies curvas como la Catedral o el palacio Presidencial.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Movimientos de renovación desde los años setenta
Una vez se reconstruyó Europa con una arquitectura dominada por el Funcionalismo, comenzaron a finales de los años sesenta una serie de movimientos de renovación de las ideas estéticas. En ellos desempeñará un papel crucial la innovación tecnológica.
En los años setenta se recuperó la tradición en cuanto a las formas, pero no a la técnica.
Creció el interés por la edificación a pequeña escala.
Se volvió al ornamento, en columnas y pilastras, dando lugar a un Neoeclecticismo.
Forman parte de esta tendencia nombres como Ricardo Bofill o Niemeyer.
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2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
Movimientos de renovación desde los años setenta
A finales de la década de 1980 nació el Deconstructivismo. Buscaba fragmentar el edificio, separando además la forma de la función.
Se trata de construcciones dinámicas, de formas no lineales, y aparentemente irrealizables.
Entre ellas destaca el espectacular Museo Guggenheim de Bilbao, del maestro americano Frank O. Gehry.
La tendencia High Tech muestra la estructura del edificio con sus componentes tecnológicos.
Integran este estilo nombres tan destacados como Norman Foster.
Jean Nouvel, Renzo Piano, Richard Rogers y Santiago Calatrava.
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Síntesis
La llegada de los movimientos de vanguardia reaviva el interés por la escultura, que había permanecido en un segundo plano en épocas anteriores.
3.- La escultura
En esta nueva etapa se abandona el estilo figurativo.
Ahora el objeto deja de ser estático y compacto gracias al movimiento y a los huecos que crean espacios interiores.
Cualquier material sirve para crear un objeto escultórico.
Los contenidos y las formas de expresión se inspiran en las culturas primitivas y clásicas.
También se investiga sobre formas y volúmenes, nuevas técnicas y nuevos materiales.
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3.- La escultura
Constantin Brancusi (1876-1957)
Este escultor rumano está considerado uno de los padres de la escultura moderna junto a Giacometti y Henry Moore.
Evolucionó a un estilo innovador inspirado en las esculturas primitivas y africanas.
Se caracterizó por simplificar y depurar el objeto al máximo con formas cerradas y estilizadas.
Uno de sus temas preferidos fue captar los pájaros en el vuelo, su movimiento en el espacio.
Emplea materiales como la piedra, el mármol, la madera y el metal, pulidos al máximo.
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3.- La escultura
Alberto Giacometti (1901-1966)
Escultor y pintor suizo, uno de los más originales y representativos del siglo XX.
Abandonó el surrealismo y creó un característico y singular estilo figurativo, reflejo de su sentido trágico de la vida y del vacío existencial del ser humano contemporáneo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Siempre expresan su fragilidad y su total aislamiento en el mundo, en el espacio, como testimonio de la soledad del ser humano actual.
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3.- La escultura
Henry Moore (1898-1986)
Dominó distintos materiales, como la piedra, la madera, el hormigón, el mármol o el bronce.
Creó formas y volúmenes de gran tamaño sobre la figura humana, desde la figuración a la abstracción, como expresión de la realidad vital del ser humano.
Hacia 1940 empezó a horadar los materiales, oponiendo las figuras cóncavas a las convexas como complemento entre la forma y el espacio.
De origen británico, es uno de los grandes escultores del siglo XX. Admirador de Miguel Ángel, halla su inspiración en el mundo primitivo no occidental y en el arte
egipcio, etrusco y azteca.
Entre sus temas usuales, desde 1930, está la extensa serie de la maternidad, en la que muestra de forma abstracta la conexión entre una madre y su hijo.
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Calder (1898-1976)
Escultor estadounidense de gran versatilidad, es uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo.
Se inició en la Abstracción en París a principios de los años treinta bajo la influencia de artistas como Miró o Mondrian, primero como pintor y más tarde como escultor.
Experimentó también con el movimiento y desarrolló dos modos de escultura: el móvil, con el que surge el arte dinámico; y el estable (stabile), de formas abstractas e inmóviles.
Sus móviles son estructuras de formas orgánicas abstractas, hechas con metal, cable, plomo y pintura, suspendidas en el aire.
Se balancean suavemente con el movimiento dado por el mismo aire o por un impulso inicial, adoptando así formas variadas.
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3.- La escultura
La escultura española
En la primera mitad del siglo XX, la escultura española experimentó una fuerte renovación mediante el poder expresivo de las formas y el interés por los nuevos lenguajes, materiales y técnicas.
Julio González (1876-1942)
De familia de orfebres y herreros, su carrera transcurre en París con el estímulo de su amigo Picasso, con el que exploró el Cubismo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Evolucionó a un estilo propio entre el Surrealismo y la Abstracción, fusionando la materia y el espacio.
Revolucionó la escultura con la técnica del hierro soldado.
Entre sus numerosas obras cabe citar Mujer ante el espejo.
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3.- La escultura
La escultura española
Pablo Gargallo (1881-1934)
Su obra es de las más destacadas e innovadoras del siglo.
Partió del Modernismo catalán, pero recibió influencias de Brancusi, del Cubismo y, por último, de la corriente expresionista.
Así, creó un estilo propio en el que destacan las siguientes características:
El uso de chapas de hierro recortadas y de nuevas técnicas.
La incorporación del vacío y de huecos como elemento escultórico.
La combinación de planos cóncavos y convexos.
La coexistencia de dos tendencias, una más figurativa y otra más vanguardista.
Una de sus obras más conocidas es El profeta.
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3.- La escultura
La escultura española
Eduardo Chillida (1924-2002)
Este escultor destaca por la gran elegancia de sus estructuras abiertas en diálogo con el entorno.
En hierro, acero, mármol o terracota creó formas irreales, pero con una nueva visión espacial que gira sobre la relación vacío-lleno.
Chillida se interesó por los volúmenes y espacios encerrados en formas geométricas de gran pureza.
Muchas obras de Chillida se encuentran situadas en espacios públicos, como El peine de los vientos.
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Síntesis
La renovación que provocaron en la pintura a finales del siglo anterior el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo, tanto en la iconografía como en las características formales -composición, cromatismo y técnicas-, fue el caldo de cultivo en el que surgió la amplia variedad de tendencias de las nuevas vanguardias del siglo XX.
4.- La pintura: los nuevos «ismos» de las vanguardias
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El Expresionismo
Nació en Alemania en 1905 y perduró hasta 1933, cuando el régimen nazi subió al poder y lo prohibió tras declarar el arte vanguardista como «arte degenerado».
La ideología de este movimiento, vinculada a las teorías de Niesztche y Freud y al pesimismo que vivía Europa, se basa en la expresión, en transmitir los sentimientos y emociones del artista mediante la deformación de la realidad por medio del color y del dinamismo.
Lo integraban distintos grupos artísticos, como Die Brücke («El puente»), creado por Kirchner en 1905, de carácter radical y crítico, y Der Blaue Reiter («El jinete azul»), tendencia de gran lirismo cuyo
maestro fue Kandinsky con el apoyo de Paul Klee.
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El Expresionismo
Edvard Munch (1863-1944)
Considerado el padre del Expresionismo, su estilo se caracterizó por pinceladas audaces y líneas sinuosas, por un colorido arbitrario, con grandes masas de color, y por motivos simplificados.
En El grito, obra que se considera el primer cuadro expresionista, representó la desesperación y la angustia del ser humano.
Emil Nolde (1876-1956)
Es uno de los grandes nombres del Expresionismo alemán, como autor de un arte muy expresivo y emocional.
Usa una estética distorsionada de estridentes colores que aplica con pinceladas cortas, empastadas y nerviosas. Un ejemplo de su obra es el Políptico de la vida de Cristo.
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El Cubismo
Este estilo comenzó en París en 1907 con la obra Las señoritas de Avignon de Picasso, lienzo que rompió con los valores artísticos tradicionales, y supuso el nacimiento de un lenguaje innovador y radical de enorme influencia en todo el arte del siglo XX.
El Cubismo entiende el cuadro como una superficie bidimensional, y rompe así con la idea clásica de perspectiva.
Las figuras se esquematizan y las formas se geometrizan.
El punto de vista único se abandona y se yuxtaponen las diversas imágenes que muestran la realidad cuando la miramos desde distintos ángulos, y que se descomponen en varios planos geométricos.
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El Cubismo
En su etapa inicial, llamada «Cubismo Analítico» (1908-1912), los objetos se reducen a formas geométricas fragmentadas en planos, y el colorido es apagado, de tonos verdes, grises y ocres.
Los temas más usuales son naturalezas muertas, paisajes y retratos.
La etapa siguiente y última, el «Cubismo Sintético» (1912-1920), surge de la técnica del collage realizada por Picasso en 1912.
En los temas aparecen guitarras, violines, naturalezas muertas, retratos o bañistas.
Los artistas más representativos del Cubismo son Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
A este artista malagueño le cabe el honor de emprender una revolución visual y conceptual que abarcó la pintura, la escultura, la cerámica y el grabado.
En París se inicia su etapa azul (1901-1904), llamada así por el color predominante en estas obras.
Se trata de cuadros de gran intensidad emotiva y tristeza, que tratan sobre ciegos, mendigos, enfermos
y otros personajes desamparados.
El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
En 1905 entra en la etapa rosa, de mayor lirismo gracias al uso de colores pastel, de tonos cálidos, líneas suaves y proporciones alargadas.
Refleja con gran afecto la maternidad y la melancolía que envuelve el mundo del circo, a sus acróbatas, saltimbanquis y arlequines.
En 1906 rompe con su estilo anterior tras conocer una exposición de escultura ibérica que se realizó en el Louvre y descubrir el arte africano.
Picasso comenzó a simplificar los rasgos y los volúmenes. Estas influencias y estudios se plasmaron en Las señoritas de Avignon.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Picasso practicó tanto el Cubismo Analítico como el Cubismo Sintético. Una de sus obras maestras de esta etapa es Los tres músicos.
Durante la Primera Guerra Mundial residió en Italia, donde estudió la cultura antigua y el Renacimiento.
Entonces inicia su etapa de clasicismo y figuración, con sus retratos y temas mitológicos. En esta época pintó su obra Dos mujeres corriendo por la playa.
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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
En 1937 realiza el Guernica al conocer el bombardeo de esta población por parte de los alemanes durante la Guerra Civil española. La obra simboliza el horror de la guerra y la ira, que logra transmitir gracias a una composición austera y al uso de los colores blancos, negros y grises.
Picasso pasó gran parte de su última etapa estudiando a los clásicos y realizó versiones de sus grandes obras. Un ejemplo son Las Meninas.
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El Cubismo
Georges Braque (1882-1963)
Braque nació en Francia y, aunque en sus inicios fue fauvista, está considerado creador del Cubismo junto a Picasso.
Influido por los trabajos de Cézanne y por su labor previa de pintor-decorador, su obra refleja un profundo interés por lo táctil y por la armonía de la composición.
Braque enriqueció el Cubismo Analítico al incorporar en sus cuadros letras de imprenta y pigmentos mezclados con arena, creando superficies de variadas texturas.
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El Cubismo
Juan Gris (1887-1927)
Hoy día está considerado un maestro del Cubismo Sintético y una figura esencial del panorama artístico del
siglo XX.
Fue un excelente dibujante e ilustró numerosos libros y revistas.
Con su viaje a París en 1906 entró en contacto con Picasso y su círculo, e inició su propio estilo en la línea del collage y del Cubismo Sintético, alcanzando una gran maestría.
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Fauvismo
Fue la primera vanguardia del siglo XX y nació en París en 1905. El Fauvismo se caracterizó por pintar lo que sentía, no lo que veía. Los artistas lo lograron gracias a la autonomía del color sobre la forma. Además, el color, de tonos intensos y puros pero de gran armonía cromática, dependerá del sentimiento del artista y no de la realidad.
Henri Matisse (1869-1954)
Pintor francés, máximo representante del Fauvismo y uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Tras un viaje a África y a Tahití, comenzó a emplear colores expresivos, de tintas uniformes y formas planas. Además, introdujo arabescos.
Uno de sus cuadros más conocidos es La danza.
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Dadaísmo
El término Dadá fue elegido al azar de un diccionario y carece de significado especial, supone el uso de la burla como medio para destruir los principios artísticos más afianzados.
Este movimiento surgió en Zurich (Suiza) durante la Primera Guerra Mundial, como actitud de rechazo ante la realidad circundante por parte de un grupo de jóvenes artistas, entre los que se encontraban Arp y Tristán Tzara.
Los dadaístas reivindicaban los objetos industriales, la imprenta, el cine, el sexo y, sobre todo, la fiesta, el espectáculo y el humor.
El Dadaísmo aporta al arte actual su eterna provocación, la importancia de la imaginación, una nueva estética y la validez del proceso creativo.
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Dadaísmo
Marcel Duchamp (1887-1968)
Duchamp, pintor franco-americano, es el artista más influyente en la evolución del arte del siglo XX.
Revolucionó el mundo artístico al presentar como obras de arte una serie de objetos cotidianos, los «ready-made», término que supone que cualquier objeto que elija un artista, independientemente de su valor artístico, puede ser considerado «arte», ya que lo que importan son las ideas.
En este sentido, su obra más célebre es Fuente, considerada una de las obras más influyentes del
siglo, al marcar el inicio de la modernidad.
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El Arte Abstracto
Esta corriente comenzó a tomar forma con las primeras obras de Kandinsky hacia 1910. Consistía en «abstraerse de» los elementos visibles de la naturaleza, lo que llevaba a la libertad total en la elección de los colores y en el motivo a desarrollar sobre el lienzo.
En un primer momento, se llamó Abstracción lírica o cromática, y estuvo representada por Kandinsky y Paul Klee.
A partir de 1913 la Abstracción pasó a denominarse Abstracción geométrica y estuvo encabezada por Malevich y por Mondrian.
En ambas corrientes son inexistentes las representaciones de la realidad, y el interés se centra en experimentos sobre el color y la composición.
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El Arte Abstracto
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Kandinsky fue un pintor y teórico del arte de origen ruso. En 1910 abandonó el arte figurativo y se inició en la Abstracción lírica.
En sus obras consigue transmitir un gran dinamismo y mucha energía al contraponer líneas y manchas de colores brillantes que armonizan entre sí.
Kazimir Malevich (1878-1935)
Pintor y teórico ruso, creador del Suprematismo. Amante de las formas puras, dejó atrás cualquier recurso pictórico y optó por las formas geométricas simples y una reducida gama de colores.
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El Arte Abstracto
Piet Mondrian (1872-1944)
Este pintor fue el fundador de un movimiento estético en Holanda, el Neoplasticismo, dentro de la Abstracción geométrica.
Esta tendencia busca liberar al arte de todo lo accesorio para llegar al «arte puro».
Mondrian creó un nuevo lenguaje para sus lienzos, a los que llamó Composiciones.
Mediante la utilización de las formas geométricas y los colores elementales pretendía llegar a representar la esencia del universo.
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Surrealismo
Movimiento literario y artístico, elitista y de izquierdas, que nació en Francia en 1924 impulsado por André Breton. Este defendió en su Manifiesto la inconsciencia, el sueño y la locura.
Los surrealistas intentaron expresar por medio de la plástica, las imágenes procedentes del mundo onírico, del inconsciente, fuera de toda preocupación estética y moral.
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Surrealismo
Investigador infatigable, introdujo las técnicas del collage
y del fotomontaje en el Surrealismo. Su temática gira sobre el mundo de las alucinaciones y de la imaginación.
En 1921 comenzó su etapa surrealista en París con una serie de obras en las que seres fantasmagóricos y figuras humanas habitan en paisajes irreales.
René Magritte (1898-1967)
Su obra es enigmática y extraña, rodeada de un halo de misterio propio de su inspiración en la literatura policíaca. Sus personajes se caracterizan por sus rostros impenetrables, carentes de expresión.
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Surrealismo
Este polifacético artista catalán, personaje excéntrico y provocador, destacó por su obra surrealista.
El estilo de Dalí se basaba en imágenes irreales en paisajes desnudos. Estas imágenes las tomaba directamente de los sueños y están relacionadas con el psicoanálisis. En ellas plasmaba sus obsesiones.
Joan Miró (1893-1983)
Aportó una visión de su inconsciente mágica y lírica, llena de gran fantasía. Sobre fondos blancos o azules y con una gama de colores brillantes creaba en el espacio diferentes signos reconocibles con un fuerte contenido simbólico.
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Síntesis
Tras la Segunda Guerra Mundial comienza una nueva etapa en el arte estrechamente vinculada con la evolución de los tiempos.
5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Se crean múltiples y novedosas formas de expresión debidas a la total libertad de creación para reinterpretar la nueva realidad.
Estas tendencias establecen una ruptura con las corrientes estéticas anteriores, y en ellas se busca la originalidad y provocar una nueva mirada del espectador ante la obra de arte.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
Esta corriente fusiona la Abstracción y el Surrealismo. Surgió en Estados Unidos en 1947, cuando los artistas rompieron con la figuración y con las influencias europeas para crear un nuevo estilo que reflejara sus propias identidades artísticas.
La Gestual o Pintura de acción (Action painting). Esta técnica consiste en acciones y gestos como derramar, dejar gotear, arrojar la pintura sobre el lienzo sin tensar, aplicarla directamente desde el tubo, embadurnarlo con las manos o mezclar materiales para lograr diversas texturas.
Dentro del Expresionismo Abstracto se desarrollan dos tendencias:
Jackson Pollock y Willem de Kooning encabezan esta tendencia.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
En ella solo se tienen en cuenta las posibles mezclas de color y sus múltiples combinaciones. Además, se utilizan formatos de grandes dimensiones.
La segunda es la llamada Pintura de superficie-color (Color field-painting).
Su preferido era el rojo porque a través de él pensaba que podía expresar todas sus emociones.
En esta tendencia destaca el artista ruso Mark Rothko, cuya obra se caracteriza por la investigación del color.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Expresionismo Abstracto
Nacido en la América profunda, representa el genuino Expresionismo Abstracto americano.
El goteo de pintura, el dripping, sobre unas inmensas telas le permitía crear auténticas marañas de líneas con puntos de color.
Willem de Kooning (1904-1997)
El término Action painting se aplicó en los años cuarenta a su obra debido a sus trazos enérgicos, amplios y muy marcados, con espesas capas de óleo y pigmentos que imprimen al lienzo gran densidad y fuerza.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
El Informalismo
En paralelo con el Expresionismo Abstracto americano, el Informalismo surgió en Europa hacia 1945. Refleja su expresividad con total libertad en cuanto al uso de la pintura y los materiales. En lugar de emplear el dibujo introduce signos y garabatos.
La pintura matérica, que utiliza arena, aglutinantes, harapos, maderas o serrín, además de desgarros y cortes en el lienzo.
Dentro del Informalismo se distinguen distintas tendencias:
La corriente tachista o manchista, que usa manchas de color.
Entre sus artistas destacan Pierre Soulages, Lucio Fontana y el grupo Cobra.
Entre los españoles se encuentran algunos de los informalistas más reconocidos, como Manolo Millares, Martín Chirino, Antonio Saura y Antoni Tàpies.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Pop-Art
El Pop-Art nació entre los años 1950 y 1960 en Estados Unidos e Inglaterra. Se basa en el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas.
Las dos figuras más destacadas fueron Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
El Pop español se desarrolló más tardíamente, entre los años 1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades sociales y políticas del franquismo.
Su foco más destacado fue Valencia y está estrechamente unido a la obra del Equipo Crónica, del Equipo Realidad y de Juan Genovés.
Se trata de un arte popular, ingenioso, joven, efímero y que se produce en serie por medio de serigrafías, del collage y del fotomontaje.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Pop-Art
Andy Warhol (1928-1987)
Es la figura más conocida del Pop-Art. Fue pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.
Alcanzó gran popularidad al pintar una serie de retratos de personas y objetos muy conocidos, como las botellas de Coca-Cola y las latas de sopa Campbell.
Roy Lichtenstein (1923-1997)
Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del Pop estadounidense, se caracterizó por su afinidad con las técnicas de reproducción, como el empleo de puntos, contornos marcados y brillantes colores primarios.
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5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Op-Art
Esta tendencia también es conocida como Arte óptico. Se trata de un movimiento de Abstracción Geométrica surgido en Estados Unidos a inicios de los años sesenta, que buscaba crear efectos visuales de movimiento, de relieve o de profundidad, en superficies planas y estáticas.
Victor Vasarely (1906-1997)
Pintor francés de origen húngaro que está considerado como el padre del Op-Art.
En París, su residencia desde 1931, abordó la Abstracción con estudios sobre el color, la óptica y el movimiento.
Transforma el lienzo en un campo de infinitas posibilidades visuales gracias a la interacción de los colores para dar la sensación de movimiento.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
La Figuración
Es una opción más de la modernidad, de carácter realista y que convive con la Abstracción.
En España, la Figuración ha estado siempre muy presente. Casi todos los artistas abstractos españoles tuvieron un componente realista, excepto Palazuelo y Chillida.
Antonio López, escultor y pintor, es el maestro de la pintura realista contemporánea.
Su obra muestra un lenguaje muy personal mediante la integración de color y dibujo.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Minimal
Término acuñado en 1965 por la revista Art Magazine, que designa una serie de obras que surgen como reacción al exceso pictórico y compositivo del Expresionismo Abstracto.
Se caracteriza por una obra innovadora de formas puras, geométricas, sin adornos, sin tema y poco expresivas, casi impersonales, que buscan el efecto de la luz sobre los materiales y el efecto espacial.
Frank Stella y Sol Lewitt están entre sus mayores representantes.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Postminimal
Estilo que nace como reacción al Minimal, y que está en contra de la rigidez de sus formas geométricas y su austera expresividad.
Esta tendencia concibe el arte como una simple actividad creativa, como un comportamiento ajeno a cualquier otra pretensión.
Engloba distintas formas de arte, que llevan a un punto más excéntrico y original, con formas no preconcebidas.
Artistas como Richard Serra y Eva Hesse usan sacos, cuerdas, vinilos, látex y alambres como acto de provocación.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Conceptual
Corriente experimental nacida en los años sesenta. Se trata de un arte interesado por las ideas, a las que considera el motor y la esencia de la obra de arte. No importa tanto el objeto representado como las ideas que se quieren representar.
Happening
Esta tendencia artística rechaza el proceso tradicional de creación y lo sustituye por una manifestación colectiva en la que el público participa activamente y donde el resultado tiene igual importancia que el proceso.
Entre sus integrantes destacan Vostell y Joseph Beuys. En 1965 realizó su célebre performance Cómo explicar un cuadro a una liebre muerta, en una galería de Dusseldorf.
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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Arte Conceptual
Land Art
Esta tendencia tiene como materia prima la naturaleza, las piedras, maderas, arenas, tierra, etc.
El soporte y el material es el propio paisaje rural o urbano. Su técnica es la instalación al aire libre.
Body Art
Corriente conceptual de los años sesenta en la que se trabaja el cuerpo como material plástico; se pinta, se ensucia, se calca, se tatúa. Suele realizarse como una performance.
Arte Povera
Este término significa en italiano «arte pobre». Se trataba de una reacción frente al arte tradicional que se consideraba hecho con materiales nobles y con un sentido de exaltación de la belleza.
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Síntesis
7.- Nuevos medios expresivos: la cultura visual de masas
Desde mediados del siglo XIX se han desarrollado nuevas formas de expresión artística que se engloban dentro de lo que conocemos como cultura visual.
Con este término nos referimos a la interpretación de las múltiples imágenes que nos llegan cada día desde el mundo de la publicidad, el cine, la prensa, Internet o la televisión, y que son difundidas masivamente.
Este mundo de las imágenes, en su mayoría artificiales, influye en nuestro modo de vivir y de pensar.
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La fotografía
La técnica de la fotografía era un proceso caro, que además no permitía la elaboración de copias. Estos dos problemas fueron solventados a finales del XIX y principios del XX. Es en estos momentos cuando la fotografía se introduce dentro del mundo del arte.
Al principio, los artistas que se decantaron por la fotografía estuvieron muy influenciados por las corrientes pictóricas.
A partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollaron sus propias tendencias, entre las que cabe destacar la manipulación de la fotografía.
En España, desde los años ochenta, encontramos la obra de Ouka Leele como ejemplo de manipulación fotográfica, y de unión de pintura y fotografía.
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El cartel
Es el medio publicitario más eficaz, ya que se encuentra en paredes, vallas, estadios o marquesinas. Se realiza en papel, cartón o material plástico de gran tamaño y se caracteriza por la interrelación entre texto e imagen para definir el producto de manera viva y penetrante.
A fines del siglo XIX, París fue la ciudad pionera en el uso de los carteles como elemento decorativo, un ejemplo fueron los realizados por Toulouse-Lautrec.
En España sobresale Josep Renau (1907-1982), autor de una excelente serie de carteles, fotomontajes y murales de contenido político o comercial.
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El cómic
Su origen se remonta a mediados del XIX, y a finales de ese siglo alcanzó su éxito como producto de consumo.
Se trata de viñetas que integran textos en imágenes y que se organizan sucesivamente, con una planificación influenciada por el cine.
La técnica empleada suele ser a plumilla o a pincel, y en ocasiones, con dos o cuatro tintas.
Entre los títulos a recordar están Flash Gordon (1951), de Dan Barry; Corto Maltés (1967-1996), de Hugo Pratt; El Capitán Trueno (1956), de Víctor Mora, y las tiras de Mafalda (1964), de Quino.
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Diseño gráfico
Esta actividad expresa mensajes gráficos a través de un lenguaje visual en campos diversos: publicidad, libros, multimedia, imagen corporativa o páginas web.
Es una nueva forma de expresión y de comunicación visual cuyos mensajes se difunden por medios digitales
o impresos.
Esta actividad tiene un carácter interdisciplinar, al requerir nociones de fotografía, dibujo, tipografía, comunicación…
Se realiza en sectores muy distintos, como la publicidad, el desarrollo de imágenes corporativas, el diseño de revistas, libros, carátulas de discos...
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El cine
Esta forma de arte se basa en la fotografía en movimiento mediante la proyección de fotogramas de forma rápida y sucesiva. Su historia comienza en París en 1895, su éxito fue inmediato, y alcanzó su madurez en 1920 con la incorporación de sonidos, en forma de diálogos, música o efectos sonoros.
Entre su gran diversidad de géneros, podemos citar:
El comercial, de visión fácil y amable, para disfrute del espectador.
El independiente, creado sin apoyo inicial de ninguna productora.
El documental, basado en imágenes tomadas de la realidad.
El experimental, que usa un medio de expresión más artístico.
El de animación, por medio de dibujos animados.
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Impacto de la tecnología visual
Los grandes y acelerados avances producidos en las últimas décadas, con la aparición del ordenador, el vídeo y la digitalización, han llevado a nuevas formas creativas que combinan el mundo del arte y la ciencia.
Esto ha originado una cultura digital llena de nuevos lenguajes electrónicos sobre la percepción y el movimiento, con la imagen virtual, la interactividad o la robótica como parte fundamental del proceso de creación artística.
El videoarte apareció allá por los años sesenta simultáneamente en Europa y Estados Unidos. Tuvo desde sus inicios una vocación antimercantilista y desarrolló una gran capacidad para alterar la posición del arte y del artista.
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Alzado de Villa Saboya
Primer piso de Villa Saboya
Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya
Unidad habitacional
Interior de la casa Kaufmann
Maqueta de la casa Kaufmann
Museo Guggenheim de Nueva York
Cúpula del Museo Guggenheim
2.- La arquitectura y el urbanismo
a finales del siglo XX
Brasilia
3.- La escultura
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de las vanguardias
Las señoritas de Avignon
Las dos hermanas
Los tres músicos
Guernica
La vestimenta de la esposa
Los amantes
El carnaval de Arlequín
mitad del siglo XX
Cebras
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
7.- Nuevos medios expresivos:
Madrid
Fotograma de «El viaje de Chihiro»
Rascacielos en Dubai
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Villa Saboya o Villa Savoye (1929), Poissy, a las afueras de París.
Le Corbusier.
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Planta de los tres pisos de Villa Saboya o Villa Savoye
Planta baja
Primer piso
Primer piso, terraza
Primer piso, interior
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Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya o Villa Savoye
Rampa de acceso a la azotea
Planta baja, escalera
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La casa Kaufmann o casa de la cascada (1937), Pensilvania (EE.UU.).
Frank Lloyd Wright.
Interior de la casa Kaufmann o casa de la cascada
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Maqueta de la casa Kaufmann o casa de la cascada
1 Gran bloque de piedra que alberga la chimenea y la escalera
2 Terrazas horizontales y superpuestas.
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Cúpula
Pabellón de Alemania (se construyó en 1929. Fue demolido posteriormente
y reconstruido en 1986), Parque de Montjuïc, Barcelona. Mies van der Rohe.
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Ciudad de las Artes y las Ciencias (1998-2002), Valencia. Santiago Calatrava.
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Nueva York. Constantin Brancusi.
Estados Unidos. Alberto Giacometti.
Mujer reclinada con niño, muestra temporal en Florencia. Henry Moore.
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IVAM (Instituto
ubicadas en distintos museos.
El peine de los vientos (1976), San Sebastián. Eduardo Chillida.
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Museo Picasso, París. Pablo Picasso.
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Pablo Picasso.
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Dos mujeres corriendo por la playa (1922), Museo Picasso, París.
Pablo Picasso.
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Guernica (1937), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Pablo Picasso.
La mujer medio arrodillada
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La mesa del músico (1913), Kunstmuseum, Basel, Suiza. Juan Gris.
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La danza (1909), Museo del Ermitage, San Petersburgo. Henri Matisse.
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Cruz negra (1923), Museo Estatal Ruso, San Petersburgo. Kazimir Malevich.
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Composición
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La persistencia de la memoria (1931), MoMA, Nueva York. Salvador Dalí.
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El carnaval de Arlequín (1925), Galería Albright-Knox, Buffalo. Joan Miró.
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Uno (1950), Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York. Jackson Pollock.
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Nueva York. Richard Serra.
Dirigida por Hayao Miyazaki.
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