Arquitectura, escultura y pintura

El arte europeo del siglo XIX

Prof. José CardosoInstituto superior de Arte – D162

Instituto Superior de Perfeccionamiento y Especialización DocenteGualeguaychú – Entre Ríos

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Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con la Revolución francesa–; y, en lo económico, por la Revolución industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan.La guerra de Independencia americana y la Revolución francesa son exponentes de las transformaciones que se producen a lo largo del siglo XVIII y que, en definitiva, ponen fin a toda una concepción del mundo.Los profundos cambios sociales y económicos (crecimiento demográfico, despegue de la revolución industrial y ascenso de la burguesía) junto con las nuevas formulaciones teóricas basadas en la Ilustración, socavan las bases del Antiguo Régimen e inauguran la época contemporánea.En un ambiente de polémica y discusión, propiciado por las nuevas ideas ilustradas, surgen las primeras reflexiones sobre el arte y su función moral y social. Por una parte, existe la reacción contra lo excesos imaginativos de la tradición barroca y rococó a la que censuran por ser un arte irracional y moralmente reprobable por estar al servicio del poder absoluto y no al de la mejora de la sociedad en su conjunto.

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Romanticos

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El Romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Está considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas.La pintura romántica es la responsable de la gran revolución que se produce en el arte pictórico del siglo XIX. La importancia que el romanticismo concede a la representación de la naturaleza provoca un gran desarrollo de la pintura del paisaje, en el que el pintor proyecta su interior.La visión de la naturaleza que nos ofrece el paisaje romántico no es otra cosa que la exteriorización del yo del artista, con la intención de comunicar una emoción o sentimiento al espectador.La sensibilidad, la emoción y la sugestión del color se prefieren a los valores racionales de la línea y del dibujo. Otra característica de la pintura romántica es el redescubrimiento y el uso generalizado de la acuarela, del grabado y el aguafuerte y la introducción del grabado sobre piedra: la litografía.Algunas de las características que definen el romanticismo son: el protagonismo del individuo, la búsqueda entusiasta de los vestigios del pasado, el amor a la naturaleza, la preeminencia de la pasión y la sensibilidad por encima de la razón.

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Romanticismo Inglés:Destacan las figuras de John Constable y William Turner, paisajista que se sirven de la desnuda observación e interpretación de la naturaleza.

Luz y color (la teoría de Goethe) -La mañana después del diluvio-, de Turner.

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Lluvia, vapor y velocidad, William Turner, 1844. Testimonia el impacto de nuevos temas modernos, como el ferrocarril, en la pintura; al tiempo, es un cuadro representativo de la tendencia a expresar las emociones del pintor, más que la realidad observada; en este caso, lo logra sobre todo a través de los empastes de la pintura.

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Dedham Mill, Essex, John Constable, 1820; ejemplifica la manera en que los reflejos y los cambios atmosféricos cobran importancia en la pintura.

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Romanticismo Alemán:Con Caspar David Friedrich la representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada de la trascendencia del universo, donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador disminuido frente a la magnitud del paisaje.

El caminante sobre el mar de nubes por Caspar David Friedrich

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Caspar David Friedrich, El naufragio en un mar helado

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Romanticismo Francés:Gericault y Delacroix se centran más en la expresión del vigor y energía del individuo desplegándose en el mundo como medio de afirmar su libertad, que en la representación de la naturaleza o de la emoción religiosa.

La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830. Obra en la que el pintor canta a la Revolución de 1830.

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La Muerte de Sardanápalo, de Delacroix, h. 1827. Cuadro que ejemplifica el gusto romántico por lo exótico, la unión de erotismo y muerte y la influencia de autores barrocos como Rubens; logra una escena tumultuosa en la que domina el color sobre el dibujo.

12La balsa de la Medusa, de Théodore Géricault, 1819

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Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, Antoine-Jean Gros, 1804. La exaltación del Emperador se realiza en un entorno exótico orientalizante, típico del romanticismo.

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Retrato de Josefina, por Pierre-Paul Prudhon, 1805. Retrato cortesano ambientado en plena naturaleza para dotarlo de mayor naturalidad.

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Romanticismo españolYa en esta época trabajaba en España uno de los grandes nombres del romanticismo: Francisco de Goya (1746-1828), quien a partir de 1790 y, sobre todo, durante la guerra de la independencia se consagró a temas dramáticos, mezclando lo fantástico y lo real. La paleta clara de su primera época se oscureció, apareciendo en ocasiones, destellos de luz.Es uno de los pintores más potentes y visionarios, uno de los románticos más geniales. Cuando representó los acontecimientos de la época, como la guerra de independencia, lo hizo creando una atmósfera de pesadilla, mezclando lo fantástico y lo real. Son obras típicamente románticas, dentro de la producción de Goya, La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo.

La Triple generación, entre 1760 y 1769

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Los duques de Osuna y sus hijos, 1788

El quitasol, 1777

17El dos de mayo de 1808 ó La carga de los mamelucos

18Los fusilamientos del 3 de mayo, 1808

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Los Nazarenos

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Paralelamente al romanticismo alemán y en consonancia con el impulso místico y religioso del mismo, surgen las figuras de los alemanes Friedrich Overbeck y Franz Pforr, que se ponen al frente de un grupo de estudiantes que rechazan los presupuestos academicistas de la pintura.Este grupo se afinca en Roma, donde forman una fraternidad en 1810 con el objeto de vivir en comunidad bajo la guía de su devoción religiosa y su amor al arte. Sus postulados estéticos parten de la revalorización de la pintura del Quattrocento y de Rafael y de la tradición pictórica alemana anterior a Durero, rechazando la pintura de los pieríodos posteriores.Su vida en común en un monasterio y los largos cabellos que les distinguen les proporcionan el apodo de nazarenos.Estos presupuestos pictóricos de devoción por el primer Renacimiento italiano y su particular visión religiosa, los llevan a un arte amanerado y decadente que no consigue alcanzar la potencia creadora e imaginativa de su contemporáneo Friedrich.

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Johann Friedrich Overbeck, El triunfo de la Religión en las Artes

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Johann Friedrich Overbeck, El pintor Franz Pforr, 1811

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Franz Pforr, Caballeros ante la cabaña de un carbonero

24Peter von Cornelius, José reconocido por sus hermanos

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Peter von Cornelius, El juicio final, 1850

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Prerrafaelitas

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Inspirados básicamente en los mismos presupuestos que los nazarenos un grupo de artistas inglese fundan en Londres la Hermandad prerrafaelista en el año 1848 con e afán de llevar una vida modélica y virtuosa según los principios del cristianismo, opción que, de alguna manera, delata el intento de huir de las hostil realidad social provocada por la industrialización británica.Su vuelta a los modelos medievales y renacentistas anteriores a Rafael los lleva a crear una estética que pone de manifiesto una regresión, un querer cerrar los ojos y un rechazo a las corientes pictóricas de su tiempo.Las características específicas de este movimiento están vinculadas a la personalidad de los tres artistas más significativos del grupo: Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt y John Everett Millais.Los temas que representan suelen ser escenas religiosas, como “La Anunciación (Ecce Ancilla Domini)” de Rossetti; escenas de inspiración shakesperiana, como “Ofelia” de Millais; o escenas pastoriles de tono moralizante, como “El pastor distraído” de Hunt.

28Dante Gabriel Rossetti, (1850) Ecce Ancilla Domini y Venus Verticordia (1864)

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John Everett Millais, Ofelia, 1851

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William Holman Hunt, El pastor distraído, 1851

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Realistas

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El siglo XIX supone para Europa la consolidación de la burguesía en el poder. La revolución de 1848 supone la irrupción en el panorama político –social del proletariado que, por primera vez, toma conciencia de su propia identidad como clase frente a la burguesía explotadora.No es de extrañar que en el terreno artístico se produzca una reacción contra los valores idealistas y metafísicos que inspiraron al neoclasicismo y al romanticismo.En Francia, donde la revolución burguesa de 1830 consolida la preeminencia política de la burguesía, este grupo social se desplaza en 1848 hacia posiciones conservadoras que, en el terreno artístico, se manifiestan en el rechazo de toda obra que no se atenga a los principios estéticos del arte académico de “buen tono”, frio, decorativo, complaciente y de evidente “mal gusto”. En este ambiente en el que incluso la obra de Delacroix se considera atrevida, los intentos de una minoría de intelectuales y artistas que buscan nuevos caminos expresivos, se divorcian definitivamente del resto de la sociedad. La derrota del proletariado y su dura represión después de 1848 agrava aún más la situación al producir un notable descenso del nivel de discusión teórica y de realizaciones plásticas.El gusto burgués de los nuevos ricos mira con cierta añoranza las realizaciones más frívolas del arte del Antiguo Régimen. La aparición de la obra de Courbet supone un provocador revulsivo.

33Jean François Millet, El descanso de las labradoras, 1848

34Gustave Courbet, Los picapedreros, 1849

35Gustave Courbet, La hilandera dormida, 1853

36Jean François Millet, El ángelus, 1859

37Honore Daumier, La lavandera (1863) y El baño de las muchachas

38Honore Daumier, Vagón de tercera clase, 1863

39Honore Daumier, Compartimento de tercera, 1866

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Jean François Millet, El aventador (1866) y La costurera y la lámpara (1870)

41Vincent Van Gogh, Los comedores de patatas, 1885

42Gustave Courbet, El origen del mundo, 1886

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Impresionistas

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Después del fracaso de la Comuna de París y la brutal represión que las clases populares sufren con la III República, la burguesía francesa se consolida definitivamente en el poder y prosigue la transformación capitalista de Francia por los caminos ya iniciados durante Napoleón III.El crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes de las fuerzas productivas. Los avances de la investigación científica, junto con la creación de nuevos materiales, transforman radicalmente la faz de Europa.El arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX ofrece dos caminos: el impresionismo y el simbolismo que en realidad suponen, por una parte, el fin del ciclo pictórico iniciado en el Renacimiento y, por otra, el origen del are contemporáneo después de las experiencias postimpresionistas.Algunos de los rasgos distintivos del movimiento impresionista aparecen por separado en algunas de las preocupaciones técnicas de los maestros del pasado. La reflexión sobre los problemas de la luz y los efectos de la pincelada pastosa y suelta, se encuentran en una tradición pictórica que va desde los maestros venecianos hasta Rembrandt y Hals, desde Velázquez hasta Goya, además de los esfuerzos para captar el ambiente atmosférico realizados por Turner y Constable.No obstante, los impresionistas articulan todos estos caracteres aislados en una formulación coherente preocupada fundamentalmente por su manera de abordar el problema de la visión y la luz.

45Édouard Manet, El desayuno en la hierba, 1863

46Edouard Manet, En la barca, 1874

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Edouard Manet, Argenteuil, 1874

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Edouard Manet, En el café, 1878

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Edgar Degas, Bailarina posando para el fotógrafo (1875) y Bailarinas (1885)

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Edgar Degas, Bailarinas entre bastidores, 1897

51Pierre Auguste Renoir, Bailarina (1874) y La familia del artista (1896)

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Pierre Auguste Renoir, Las bañistas, 1884

53Pierre Auguste Renoir, Las viñas de Cagnes, 1908

54Camille Pisarro, Granja en Montfoucault, 1874

55Camille Pissarro, El almiar, 1873

56Camille Pissarro, El camino entre los campos, 1879

57Camille Pissarro, Baño en el bosque, 1895

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Postimpresionistas

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El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX tras el impresionismo.El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio.En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo.El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, aplicando la pintura de forma compacta y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.Surge un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura.El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador.Casi todos estos autores serán, durante un tiempo, impresionistas, pero lo superarán dando soluciones personales.Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence.Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial.

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Vincent Van Gogh, Arboles en el jardín del Hospital de Saint-Paul, 1889

61Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889

62Paul Cezanne, Una curva en el camino de La Roche-Guyon, 1885

63Paul Cezanne, Atardecer en Nápoles, 1872

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George Pierre Seurat, Muchachos bañándose,1883

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Paul Signac, Brisa fresca del Norte, 1885

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Henri de Toulouse-Lautrec, En el Moulin Rouge: El principio de la contradanza, 1892

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Henri de Toulouse-Lautrec, El beso, 1892

68Paul Gauguin, El Cristo amarillo (1889) y Ana la javanesa (1893)

69Paul Gauguin, Nave nave moe (Primavera sagrada, dulces sueños), 1894

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Wassily Kandinsky, Ciudad antigua II, 1902

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Piet Mondrian, Alberi, 1908

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Umberto Boccioni, Tarde de abril, 1908

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André Louis Derain, Arboleda, 1912

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Simbolistas

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De forma paralela a la preocupación del impresionismo por la pintura al aire libre, se desarrolla una nueva concepción sobre la función y objeto de la pintura. Los simbolistas cuyos precedentes se encuentran en William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas propugnan una pintura de contenido poético.El movimiento simbolista reacciona contra los valores del materialismo de la sociedad industrial, reivindicando la búsqueda interior, para ello se sirven de los sueños que gracias a Freud ya no conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un medio de expresión de la realidad. El Simbolismo pretende restaurar significado al arte, que había quedado desprovisto de éste con la revolución impresionista.El simbolismo se decanta hacia una espiritualidad frecuentemente cercana a posiciones religiosas y místicas. La fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la objetividad de impresionistas y neo-impresionistas. Continúan con la intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la interpretación.El Simbolismo no pudo desarrollarse mediante un estilo unitario; por eso, se hace muy difícil definirlo de forma general. Es más bien un conglomerado de encuentros pictóricos individuales.El Simbolismo es una tendencia que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales. Hay figuras tan dispares como Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Gustav Klimt, Edvard Munch, etc.El Simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana en el arte europeo de fines del siglo XIX y principios del XX: el Art Nouveau.Los simbolistas encontraron un apoyo paralelo en los escritores: Charles Baudelaire, Jean Moréas, en contra del naturalismo descarnado de Zola.

76Gustave Moreau, Edipo y la Esfinge (1864) y El poeta viajero

77Odile Redon, Brunilda

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Giorgio de Chirico, Centauro moribundo, 1909

79Gustav Klimt, La vida y la muerte, 1916

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Pierre Cecile Puvis de Chevannes, Loca al borde del mar, 1857

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Pierre Cecile Puvis de Chevannes, Verano, 1873

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Carlos Schwabe, La muerte del sepulturero, 1895

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Carlos Schwabe, La Esperanza levantando al Amor herido, 1916

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Puntillistas/Divisionistas

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El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista francés Georges Seurat (1859-1891).El procedimiento empleado por los puntillistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat.Este movimiento, dentro de las coordenadas del Postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo, los escritos de Charles Blanc y los tratados científicos de Cheverul, Sutter, Rood, etc….La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.De hecho, la declaración de Charles Blanc (El color, que está controlado por leyes fijas, se puede enseñar como la música), publicada por primera vez en 1865 en su conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud de los puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa.

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Según esto, al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay relaciones físicas entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y llevarse a efecto en el estudio.Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios. En su paleta también utilizaban el blanco mezclado con los colores primarios, lo que les permitía obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro.Los experimentos físicos habían probado también que la mezcla de colores los ensucia y desemboca finalmente en el negro. Por ello, la única mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo.A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a favor del de "divisionismo", que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

87George Pierre Seurat, Dama con mono (1884) y Le Chahut (1889)

88Paul Signac, Contra el esmalte de un fondo rítmico bestial, ángulos, tonos y colores .., 1890

89Georges Lemmen, Playa en Heist, 1891

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Henri Edmond Delacroix Cross, Tarde en Pardigon, 1907

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John Ulbricht, Bancales con olivos

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Nabis

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El nombre “Nabis” que en hebreo significa “Profetas” fue dado por el poeta Cazalis a un grupo de artistas que reúne personalidades tan diversas como Pierre Bonnard, Jean Édouard Vuillard, Maurice Denis, Paul Sérusier o Felix Valloton.El catalizador del movimiento es Sérusier, que en septiembre de 1888 aporta un pequeño cuadro-manifiesto, “El talismán”, ejecutado en Pont-Aven en base a los consejos de Gauguin.En el café Brady, lugar de contacto del grupo, se elaboran los preceptos del movimiento, convirtiéndose Denis en su teórico.Su común preocupación es la búsqueda de una fiel transcripción del pensamiento y de las emociones a través del poder evocador de la línea y de unos colores utilizados libremente. Invocan los modelos que provienen de civilizaciones primitivas o exóticas: estampas japonesas, arte egipcio, esculturas y vidrieras medievales o la pintura de los primitivos italianos Eliminan la profundidad y el modelado mientras que las formas estilizadas se tratan es superficies lisas de colores puros, separadas por un trazo continuo. La deformación expresiva de la línea, la voluta y el arabesco crearán el ritmo.Sobre la base de estos principios comunes, en el en el seno del grupo se manifiestan múltiples tendencias. Las obras teñidas de espiritualidad de Denis o Sérusier, revisten el carácter esotérico de “iconos modernos”, mientras Bonnard o Vuillard ponen el acento en la representación de un universo intimista, y Vallotn se libra a una no complaciente observación de la sociedad. La ambición del grupo de integrar el arte con la vida se encuentra su expresión en el campo de la decoración: vidrieras, tejidos, papeles pintados tapices o decorados de teatro, produciendo carteles y contribuyendo al renacimiento de la madera grabada a través de la ilustración de numerosos libros revistas.A la vuelta del siglo, esta tendencia desempeña un papel preponderante en los ambientes simbolistas de la literatura, la poesía, el periodismo (La revue blanche) y el teatro.En 1899, los nabis exponen juntos por última vez en la galería de Durand Ruel, como homenaje a Odilon Redon, pero para esta fecha cada uno ya ha tomado su camino.

94Emile Bernard, Mujeres bretonas con parasoles, 1892

95Aristide Maillol, cartón para tapiz, 1894

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Jean Édouard Vuillard, El barquero, 1897

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Maurice Denis, Juego de badmington, 1900

98Pierre Bonnard, Advenimiento de la Primavera, 1909

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Modernistas

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Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX.Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos), Liberty (en Estados Unidos), Floreale (en Italia), y Modernismo (en España e Hispanoamérica).Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, inspirándose en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial.En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva.El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas "integrales”. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.).Las características que en general permiten reconocer al modernismo propiamente dicho son:- La inspiración en la naturaleza, con preferencia por los elementos vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

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-El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.-Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.-Fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.-Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.-La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, tanto fruto de pura fantasía como inspirados en distintas culturas.El modernismo tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902.Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció.Aunque es parte de una corriente general, que surge en toda Europa, el Modernismo adquiere una personalidad propia y diferenciada en Cataluña, entre 1888 (fecha de la Exposición Universal) y 1898 (fin de la guerra de Cuba y pérdida de las últimas colonias españolas).

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Los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol elaboran una síntesis del tenebrismo castellano y el impresionismo. Esta moderna expresión burguesa de la cultura contará con la respuesta de una nueva generación (Isidro Nonell, Joaquín Mir, Xavier Nogues, Joaquín Torres-García y Manolo Hugué) que se reúnen en el célebre café de “Els quatre Gats” bajo la definición de “noucentisme” neologismo formulado por el escritor y esteta Eugenio D’Ors para calificar un nuevo estado de ánimo nacido con el siglo.El Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea y la pintura no fue una excepción. La libertad de expresión se puede observar tanto en las amables escenas burguesas de Ramón Casas, como en las duras figuras marginales de Nonell.El Modernismo pictórico catalán presenta una gran variedad y riqueza de temas, esta es la razón por la que algunos especialistas prefieren hablar de "Pintura del periodo modernista" en vez de "Pintura Modernista". A pesar de todo, algunos pintores como Rusiñol, Ramón Casas, Meifrèn, Mir, Utrillo, LLuïsa Vidal y otros son considerados en ocasiones como los estrictos representantes del Modernismo. Otros como los hermanos Masriera representan, bajo este punto de vista, una tendencia más tradicional -más cercana al academicismo, pero entendido como un refinamiento del realismo no basado en normas clásicas- dentro del Modernismo.

103James Abbott McNeill Whistler, Al piano, 1858

104Josep-María Mallol Suazo, Amsterdam

105Joaquín Mir, Ametller florit

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Xavier Gosé, Adelante

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Aubrey Vincent Beardsley, Borde y A inicial para el texto de La muerte de Arturo, 1893

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Joaquín Torres García, Almanaque de los amigos del Papa, 1897

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Théophile-Alexandre Steinlen, Cartel, 1899

110Pablo Picasso, Cancán francés, 1901

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Alexandre de Riquer, Acción de la Sociedad española de Seda Viscose, 1909

112Joaquín Torres García, Campesinas, 1911

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Emile Bernard, El Haren, 1912

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Alphonse Mucha, Las cuatro estaciones

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Gustav Klimt, El beso

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Héctor Guimard, Metro de París Louis Confort Tiffany, vitral

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Antoni Gaudi, Casa Battló

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Antoni Gaudi, Casa Milá

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Fuentes, referencias y uso

Recursos propiosImágenes Googlewikipedia.orgCommons.wikimedia.orghttps://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo#El_arte_burgu.C3.A9s_del_siglo_XIXhttps://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rom%C3%A1nticaCiudad de la pintura: http://pintura.aut.org/

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