UNIVERSITÀ DEGLI STUDI DI UDINE _____________________

FACOLTÀ DI SCIENZE DELLA FORMAZIONE

Corso di Laurea in Scienze e Tecnologie Multimediali

Tesi di Laurea

LE PRINCIPESSE DISNEY: riflesso della metamorfosi sociale e modello per l’infanzia.

Relatore:

Prof. Leopoldina Fortunati

Laureando:

Alessia Spadaccini

ANNO ACCADEMICO: 2009/2010

Ai bambini.

SOMMARIO L’obiettivo principale di questo studio è determinare come i ruoli di genere e le differenze

tra le culture appaiono, nel passato e nel presente, all’interno dei film della Walt Disney

Pictures. L'analisi cerca anche di capire come questi cartoni animati influenzino l'infanzia, sia nel bene che nel male.

Lo studio è incentrato sulle domande di ricerca: Sia nel ruolo che hanno nella storia che nel loro aspetto fisico, ci sono differenze tra le nove principesse Disney?; Le differenze tra le culture sono importanti nella rappresentazione della realtà da parte della Disney o il solo scopo è quello di ampliare modo di vita occidentale?; In che modo la Disney riadatta le fiabe

per creare i suoi film d’animazione e che influenza ha per l'infanzia?. Per dare una risposta a queste domande, è stato analizzato un insieme di nove cartoni

d’animazione in cui le principesse hanno un ruolo rilevante. Tra le principesse della Walt Disney vi sono le protagoniste dei tre classici come Biancaneve e i Sette Nani (1937), Cenerentola

(1950) e La bella addormentata nel Bosco (1959), le protagoniste dei tre film moderni La Sirenetta

(1989), La Bella e la Bestia ( 1991) e Aladdin (1992), le due principesse contemporanee Pocahontas (1995), Mulan (1998) ed, ovviamente, il più recente personaggio femminile protagonista de La

Principessa e il Ranocchio (2009). Le caratteristiche studiate includono un'analisi della bellezza, della mentalità e della

prestanza fisica delle principesse nonchè i valori e la morale trasmessi in questo tipo di

produzione. Al tempo stesso lo studio esamina alcune tematiche sociologiche come i ruoli di genere ed il multiculturalismo.

Si passa quindi ad esaminare l'influenza di questi prodotti sull'infanzia. È noto che i mass

media possono svolgere un ruolo importante nel condizionare le percezioni, gli atteggiamenti, i comportamenti e le aspettative dei bambini e per questo è importante sostenere i prodotti

della cultura che realmente trasmettono un messaggio neutro rispetto al genere e spiegano le differenze tra le culture che esistono nel mondo. Per capire in che misura le produzioni Disney trasmettono (o non trasmettono) tali messaggi, un questionario composto da otto domande ed un disegno è stato somministrato a venti bambini d’età compresa tra i tre e i sei anni.

Una domanda, tuttavia, rimane ancora senza risposta: La Walt Disney Production,

riconosciuta come l'azienda più famosa e di successo nella produzione di film d’animazione, propone davvero un’immagine politically correct del genere e della cultura nella nostra società? Il fiabesco "C'era una volta" può essere considerato senza tempo, ma le produzioni multimediali per l'infanzia sono piuttosto diverse dalla letteratura per bambini: un cartone animato degli anni Trenta, per esempio, non è più considerabile attuale. Quindi, può un

cartone animato moderno esprimere i valori che i bambini necessitano?

ABSTRACT

The main aims of this study are to explore gender and cultural difference in Walt Disney cartoon movies, both past and present, and to try and understand how they might influence children whether for the good or the bad.

The study focuses on the following research questions: Both as regards the role they have in the story and their physical appearance, are there any differences between Disney

princesses?; Are differences between cultures important in Disney's representation of reality or is the only purpose to extend the western way of life?; In what way does Disney adapt fairy tales in the creation of its cartoon movies and what kind of effect does this have on a child?

To answer these questions, a total of nine cartoon movies in which princesses have a relevant role are analyzed. The Walt Disney princesses selected include the protagonists of

three classics: Snow White and the Seven Dwarfs (1937), Cinderella (1950) and Sleeping Beauty (1959), three modern films, The Little Mermaid (1989), Beauty and the Beast (1991) and Aladdin (1992) and three contemporary princesses Pocahontas (1995), Mulan (1998) and the most recent female character protagonist of The Princess and the Frog (2009).

The characteristics analysed are the beauty, mentality and physique of the princesses as

well as the values and morals involved in this type of production. At the same time the study looks at some sociological issues surrounding gender roles, especially stereotyping, and multiculturalism.

It then goes on to examine the influence of Disney cartoons on children. It is well known that mass media can play a large part in influencing children’s perceptions, attitudes,

behaviours and expectations so it is important to support culture products that really transmit gender neutral messages and explain differences between cultures that exist in the world. To understand how far Disney productions do transmit such messages, an eight question questionnaire was administered to twenty children aged between three and six years old.

One question, however, still remains unanswered: Do Walt Disney Productions,

recognised as the most famous and successful company in the production of animated films, really propose a politically correct image of gender and culture to our society? The traditional fairy tale’s “once upon a time” reality may well be timeless, but multimedia productions for childhood are rather different from this: a cartoon from the thirties, for example, is no longer current. So, can a modern cartoon express the values that our children need?

INDICE 1. INTRODUZIONE............................................................................................................................................ 1

1. 1. OGGETTO DI RICERCA E DEFINIZIONE DEL PROBLEMA ...................................................... 1

1. 2. SCOPO E METODO DELLA RICERCA............................................................................................. 2

2. METODO........................................................................................................................................................... 3

2. 1. FILMOGRAFIA DI CAMPIONAMENTO .......................................................................................... 3

2. 1. 1. PRESENTAZIONE DEI NOVE “FILM D'ANIMAZIONE PRINCIPESCHI” .............. 4 BIANCANEVE E I SETTE NANI (1937) ...................................................................... 4 CENERENTOLA (1950) .................................................................................................. 5 LA BELLA ADDORMENTATA NEL BOSCO (1959) ................................................ 6 LA SIRENETTA (1989).................................................................................................... 6 LA BELLA E LA BESTIA (1991)..................................................................................... 7 ALADDIN (1992).............................................................................................................. 7 POCAHONTAS (1995) .................................................................................................... 8 MULAN (1998) ................................................................................................................. 9 LA PRINCIPESSA E IL RANOCCHIO (2009)............................................................. 9

2. 1. 2. ANALISI DELLA FIGURA DELLE PRINCIPESSE ......................................................... 10 RAPPRESENTAZIONE DELL’ESTERIORITÀ......................................................... 10 RAPPRESENTAZIONE DELL'INTERIORITÀ......................................................... 13

2. 1. 3. RIADATTAMENTI DELLA WALT DISNEY PICTURES .............................................. 15

2. 2. CATEGORIE DI VALUTAZIONE .................................................................................................... 19

2. 2. 1. TRE TEMATICHE SOCIOLOGICHE ................................................................................. 20 IDENTITÀ DI GENERE................................................................................................ 20 DIVERSITÀ CULTURALE ........................................................................................... 21 INDUSTRIA CULTURALE DEL CONSUMO .......................................................... 22

2. 2. 2. L'INFANZIA E LE RAPPRESENTAZIONI AUDIO-VISIVE......................................... 23

2. 3. QUESTIONARIO .................................................................................................................................. 24

2. 3. 1. PRESENTAZIONE DEL QUESTIONARIO....................................................................... 25 2. 3. 2. ANALISI DELLE RISPOSTE................................................................................................. 28 2. 3. 3. INTERPRETAZIONE DEI DISEGNI................................................................................... 32

3. RISULTATI DI RICERCA .......................................................................................................................... 34

3. 1. PROBLEMI LEGATI AL GENERE E ALLA CULTURALITÀ ..................................................... 34

STEREOTIPIZZAZIONE.............................................................................................. 35 DIS-PARITÀ DEI SESSI................................................................................................ 41 UNIFORMIZZAZIONE DELLE CULTURE ............................................................. 42

3. 2. VALENZA EDUCATIVA DEI PRODOTTI DISNEY ...................................................................... 43

4. DISCUSSIONI E CONCLUSIONI ............................................................................................................ 45

5. APPENDICI .................................................................................................................................................... 46

5. 1. IL FEMMINISMO ED IL “PRINCESS COMPLEX”......................................................................... 46

5. 2. DISNEY: FIRMA DI FIDUCIA O IDEA DI MARKETING DI SUCCESSO?................................ 48

6. ALLEGATI ...................................................................................................................................................... 51

6. 1. QUESTIONARI “LA SIRENETTA INCONTRA IL PRINCIPE UMANO” .................................. 51

6. 2. PRODOTTO MULTIMEDIALE – SOMMINISTRAZIONE QUESTIONARIO ........................... 51

GLOSSARIO........................................................................................................................................................ 52

BIBLIOGRAFIA.................................................................................................................................................. 53

SITOGRAFIA ...................................................................................................................................................... 57

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1. INTRODUZIONE

1. 1. Oggetto di ricerca e definizione del problema Oggetto della ricerca è l’analisi dei cartoni animati firmati Walt Disney Pictures al fine di valutare il rapporto che questi hanno avuto ed hanno ai giorni d’oggi con i modelli di comportamento condivisi a livello sociale nelle diverse epoche. In particolare, l’attenzione focalizza sui nove cartoni aventi come protagoniste o come co-protagoniste le principesse: partendo dal primo lungometraggio Disney, intitolato Biancaneve e i Sette Nani e realizzato nel 1937, avvicinandosi alla contemporaneità fino ad arrivare a La Principessa e il Ranocchio, film d’animazione proiettato nelle sale cinematografiche mondiali nel dicembre del 2009. Ai tre classici Disney (Biancaneve e i Sette Nani, Cenerentola, La bella addormentata nel Bosco) segue, infatti, la disamina delle figure delle principesse moderne come Ariel de La Sirenetta, Belle de La Bella e la Bestia e Jasmine di Aladdin, per giungere alle due principesse protagoniste di Pochaontas e Mulan e alla più recente Tiana de La Principessa e il Ranocchio. Soprattutto in relazione alla rappresentazione della figura femminile e alla trasmissione della diversità culturale, viene preso in esame il percorso effettuato dalla famosa casa di produzione cinematografica statunitense in un arco temporale di settantadue anni, utilizzando come oggetto di studio questi nove lungometraggi al fine di valutare se sia stata rispecchiata la metamorfosi sociale avvenuta o se le due tematiche sociali in questione siano rimaste più semplicemente immutate negli anni, ricorrendo a stereotipi. Come tutti i prodotti dell’industria culturale, ormai sempre più orientata verso la multimedialità, anche i cartoni animati rappresentano un passo avanti verso la formazione del sé nell’individuo. Soprattutto durante l’infanzia, la modalità attraverso la quale si acquisiscono le proprie conoscenze, si modellano le personalità, si scelgono i propri valori e si organizza la propria esistenza dipende in una misura consistente dalla continua esposizione ai messaggi veicolati dalla cosiddetta industria culturale e dal consumo (non necessariamente passivo) dei beni da essa prodotti. Il pericolo, in questo senso, è che il pubblico diventi troppo intontita dai mass media per protestare, o anche solo accorgersi, quando le libertà scompaiono e i messaggi veicolati sono mirati ad un determinato risultato voluto da “individui dotati” e dai loro prosecutori che cambiano il mondo culturale in cui vivono gli esseri umani. Finalità della ricerca è, infatti, verificare se ciò che la casa di produzione Walt Disney ottiene nei propri film d’animazione sia davvero proporre dei “modelli ideali da seguire” in riferimento alla società, modelli che rappresentino l’evoluzione della società e ne riflettano le caratteristiche contestualizzando il film stesso. È risaputo che i bambini d’ogni società sono facilmente impressionabili e vulnerabili ai messaggi della cultura e se il messaggio è distorto, anche se solo nelle forme meno ovvie, i meccanismi di difesa di questi soggetti non sono attivati ed il contenuto è assimilato come corretto o preso addirittura a modello.

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1. 2. Scopo e metodo della ricerca La ricerca ha come obiettivo quello di rispondere ad alcune domande di ricerca:

! Tra la Biancaneve del primo film d'animazione Disney e Tiana, la protagonista de La Principessa e il Ranocchio, è possibile notare rilevanti differenze nella caratterizzazione della figura della principessa o nella rappresentazione del suo aspetto fisico? In particolare, quando si può incominciare a parlare di una principessa indipendente che non vede nella figura del principe l'unico punto di svolta per tutte le sue difficoltà?

! Come sono riadattate le storie della letteratura per l'infanzia o i racconti con

fondamenta storiche da cui la Walt Disney Pictures trae ispirazione per realizzare i film del campione?

! A che livello e profondità è trattato il tema sociologico della diversità culturale (inteso

come possibilità di diffusione di valori o culture diverse da quella delle rappresentazioni standardizzate) all'interno dei “film principeschi” della Disney?

! Fino a che punto si può esporre un bambino a contenuti multimediali di questo tipo

senza che la sua psiche ne sia modificata ed evitando che la sua immaginazione venga sviata da una sperimentazione della storia in modo autonomo (in assenza di un input visivo)?

Essendo la ricerca focalizzata anche sulla valenza educativa dei prodotti Disney, ho deciso di proporre, in modo sperimentale, la somministrazione di un breve questionario intitolato “LA SIRENETTA INCONTRA IL PRINCIPE UMANO” a bambini in età prescolare. Il questionario proposto analizza l’influenza della Disney sull’immaginazione dei bambini cercando di capire il livello d’omologazione dello sguardo a cui può condurre questo tipo di produzione della grande casa cinematografica statunitense.

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2. METODO 2. 1. Filmografia di campionamento

All’interno della ricerca è stato cercato un mezzo sistematico per acquisire dati, estraendo dalla totalità della produzione cinematografica della Walt Disney Pictures, un gruppo di disegni d’animazione rappresentativo rispetto al tema in analisi. Il motivo del campionamento deriva, infatti, dall'impossibilità di analizzare gruppi troppo numerosi di film e dalla conseguente necessità di riferirsi ad un campione più ridotto, che rechi però in sé tutti i caratteri necessari per consentire conclusioni valide rispetto alla ricerca effettuata. L'attendibilità dei risultati è, in ogni caso, strettamente legata alla rappresentatività del campione stesso. Il campionamento ha portato a focalizzare la ricerca sui nove “film d’animazione principeschi” della Disney poiché in questi è possibile evidenziare l’importanza del personaggio femminile protagonista. Si tratta di cartoni animati in cui il personaggio femminile, caratterizzato dal suo status quo di principessa, è stato analizzato da molti sociologi e femministe d’oltre Oceano. Il metodo d’analisi dei nove film d’animazione non segue le teorie della semiologia del cinema (Christian Metz, 1964), una disciplina che si focalizza sulla tipologia dei diversi modi in cui il montaggio ordina lo spazio e il tempo nei diversi segmenti del film narrativo, ma tralascia totalmente l’aspetto tecnico di produzione. Si mira, invece, all’approfondimento dei tre elementi che, nell’analisi filmica, compongono la narrazione ed identificano tre categorie: gli esistenti (personaggi ed ambienti), gli eventi e le trasformazioni. Rispetto al primo dei tre elementi, l’ambiente non è stato considerato d’importanza rilevante, mentre i personaggi sono stati studiati dai tre punti di vista classici (persona, ruolo e attante). Per quanto riguarda gli eventi, invece, si è puntato alla definizione sia delle azioni delle principesse protagoniste. Le trasformazioni, invece, sono state ricercate da un punto da vista singolare: in questo caso non vi è stata un’analisi separata per ognuno dei nove cartoon, ma la ricerca di un’evoluzione confrontando tra loro i “film principeschi”. Dati gli standard proposti dai prodotti culturali, seguendo il percorso cronologico della produzione Disney dovrebbe essere possibile riscontrare un’evoluzione del personaggio femminile almeno in riferimento al periodo di produzione della pellicola, sia per quanto riguarda l’aspetto esteriore (fisionomia e corporatura), che per quanto riguarda la caratterizzazione degli aspetti più intimi, cosiddetti interiori (carattere, intelligenza, valori, ecc.): a questo tipo di riscontro mira il paragrafo 2. 1. 2. Lo precede una breve presentazione dei nove “film principeschi” (paragrafo 2. 1. 1.) con finalità introduttiva rispetto ai cartoon, con trama e scheda tecnica.

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Per concludere la prima parte d’analisi, in seguito alla caratterizzazione del soggetto femminile viene presentato un veloce confronto tra la fiaba o il racconto storico a cui s’ispira ognuno dei nove film parte del campione per cercare di esplicitare eventuali cambiamenti o semplificazioni avvenute nel riadattamento della versione audiovisiva (paragrafo 2. 1. 3.). Il fine di questa prima parte discorsiva è quello di avvicinarsi in modo graduale alla seconda parte d’analisi nella quale si approfondiscono ancor di più i due temi principali della ricerca: il modello proposto ai bambini da questo tipo di prodotti multimediali e la relazione dei nove film selezionati con la società.

2. 1. 1. Presentazione dei nove “film d'animazione principeschi”

All’interno della produzione della casa cinematografica statunitense Walt Disney Pictures è possibile evidenziare la rilevanza dei nove “film d’animazione principeschi”, cartoni animati che dal “vorrei un amore che sia tutto per me” cantato in Biancaneve del 1937 a “il lavoro è duro ma prima o poi potrai avere quel che vuoi” che Tiana suggerisce nel film d’animazione La Principessa e il Ranocchio (2009) si susseguono negli anni con altalenante successo di pubblico e di critica. Sono passati ben 72 anni ed ecco che è presentato al pubblico mondiale della Walt Disney il nono cartone animato in cui la protagonista femminile, grazie al finale rose e fiori, diventerà una principessa e vivrà il suo “per sempre felice e contenta”. Una basilare presentazione dei nove film (comprendente scheda tecnica e breve trama) non può mancare come nota introduttiva al tema in analisi.

Biancaneve e i Sette Nani (1937) Titolo originale: Snow White and the Seven Dwarfs; Anno: 1937; Regia delle sequenze: Perce Pearce, Larry Morey, William Cottrell, Wilfred Jackson; Supervisione alla regia: David Hand; Soggetto: dalla fiaba omonima dei fratelli Grimm; Sceneggiatura: Ted Sears, Otto Englander, Earl Hurd, Dorothy Ann Blank, Richard Creedon, Dick Richard, Merril De Maris, Webb Smith; Animazione: Hamilton Luske, Vladimir Tytla, Fred Moore, Norman Ferguson; Musica: Frank Churchill, Paul J. Smith, Leigh Harline; Durata: 83’. Biancaneve è una bellissima principessa costretta dalla malvagia regina-matrigna e strega Grimilde, a far parte della servitù del castello. Invidiosa della sua bellezza, la regina, ordina ad un cacciatore di uccidere la fanciulla e di portarle il suo cuore, ma l'uomo, non essendo crudele quanto la matrigna, disobbedisce e lascia scappare Biancaneve. Persasi nella foresta, la protagonista, grazie alla sua innocenza e bontà, trova accoglienza nella casa dei sette nani. La

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regina, dopo aver scoperto che Biancaneve è ancora viva, passa all'azione in prima persona trasformandosi in una vecchia e si dirige alla casetta dei nani con una mela avvelenata da regalare a Biancaneve: la ragazza, a causa della sua ingenuità, cade in un sonno mortale. I nani non trovano il coraggio di seppellirla e la conservano in una bara di cristallo. È il bacio del suo Principe Azzurro, che riconosce in lei il suo vero amore, che le permette di risvegliarsi. Vivranno per sempre felici e contenti nel suo castello.

Cenerentola (1950) Titolo originale: Cinderella; Anno: 1950; Regia: Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Clyde Geronimi; Supervisione alla regia: Ben Sharpsteen; Soggetto: dalla fiaba omonima di Perrault; Sceneggiatura: Kenneth Anderson, Ted Sears, Homer Brightman, Joe Rinaldi, Lilliam Peet, Harry Reeves, Winston Hibler, Erdman Penner; Animazione: Eric Larson, Ward Kimball, Norman Ferguson, Marc Davis, John Lounsbery, Milt Kahl, Wolfgang Reitherman, Les Clark, Oliver M. Johnston Jr., Franklin Thomas; Musica: Oliver Wallace, Paul J. Smith; Durata: 74’. Nella storia di Cenerentola, ambientata nella mitteleuropa ottocentesca, tutto inizia quando suo padre, nobile signore rimasto vedovo, si risposa con la nobile Lady Tremaine, anche lei vedova con due figlie, Anastasia e Genoveffa, coetanee di Cenerentola. Subito dopo le seconde nozze, anche il padre di Cenerentola muore. La protagonista, pur essendo poco amata e costretta a svolgere tutte le faccende domestiche, cresce felice e spensierata contornata dai suoi amici animali. Sogna di poter incontrare un principe e vivere felice e contenta in un castello. Un giorno il re organizza un gran ballo voluto per trovare a suo figlio una ragazza degna di divenire sua moglie: per Cenerentola potrebbe essere l'occasione d’uscita dalla sua prigione di servitù ma anche questa possibilità le è negata dalla matrigna. Dalle lacrime della triste Cenerentola compare la Fata Smemorina che compie una magia al suono di “Bibbidi-Bobbidi-Bu” per permetterle di partecipare alla festa. Giunta a corte, il principe annoiato si ridesta per la sua bellezza e inizia a danzare con Cenerentola per tutta la serata. A mezzanotte, la giovane ragazza è costretta a fuggire via, perdendo una scarpetta di cristallo. Il principe però non si rassegna ed è proprio quella scarpetta che permette alla protagonista di sposare il suo principe: il sogno della ragazza diviene realtà.

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La bella addormentata nel Bosco (1959) Titolo originale: The Sleeping Beauty; Anno: 1959; Regia delle sequenze: Eric Larson, Wolfgang Reitherman, Les Clark; Supervisione alla regia: Clyde Geronimi; Soggetto: dalla fiaba di Perrault; Sceneggiatura: Erdman Penner, Joe Rinaldi, Winston Hibler, Bill Peet, Ted Sears; Animazione: Milt Kahl, Franklin Thomas, Marc Davis, Oliver Johnston Jr., John Lounsbery; Musica: Gorge Bruns dal balletto di Cajkovskij; Durata: 75’. Nel lontano medioevo, desiderosi da tempo di avere un bambino, il re Stefano e la sua regina riescono finalmente a concepire Aurora, per la gioia di tutto il regno. Ma durante i festeggiamenti per la nascita,la strega Malefica lancia una maledizione sulla neonata (“prima del sedicesimo compleanno si pungerà con un arcolaio e cadrà in un sonno eterno”) e la principessa Aurora viene mandata nel bosco con tre fate buone, Flora, Fauna e Serenella. È qui che la ragazza incontra l'amore, un giovane e aitante principe di nome Filippo a dorso di un cavallo bianco. Le fate buone non riescono ad impedire alla profezia di compiersi ma, mitigandola, permettono al principe Filippo di risvegliare, con un bacio di vero amore, la sua promessa sposa dopo aver ucciso Malefica.

La Sirenetta (1989) Titolo originale: The Little Mermaid; Anno: 1989; Regia: John Musker, Ron Clements; Soggetto: basato sulla fiaba di H. C. Andersen; Sceneggiatura: John Musker, Ron Clements; Musica: Alan Menken; Durata: 83’. Protagonista è Ariel, una bella e giovane sirenetta che sogna una vita diversa, al di fuori del mare. Figlia di re del mare Tritone, la sirenetta Ariel è talmente curiosa della vita sulla terraferma che finisce per innamorarsi del principe Eric e nemmeno il granchio Sebastian, il pesciolino Flounder o il gabbiano Scuttle riusciranno a farle cambiare idea. Quando Eric, durante i festeggiamenti in mare, rischia di affogare a causa di una forte tempesta, Ariel riesce a salvarlo. Eric non conosce l'identità della sua salvatrice ma ne ricorda solo la voce, giurando che quando la ritroverà sposerà solo lei. Arrabbiata con il padre e desiderosa di conoscere meglio il suo amato, Ariel si reca dalla strega Ursula. In cambio di fattezze umane è disposta a cedere alla strega la sua voce, ma rischia di darle anche la sua libertà se entro tre giorni non

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riuscirà a farsi baciare dal principe. Ariel spinta dall'impulso del cuore accetta e si ritrova in un baleno fornita di gambe, ma priva di voce. Giunta sulla spiaggia Ariel incontra subito Eric ma il principe, a causa della mancanza della voce, non la riconosce. L'accoglie ugualmente e generosamente nel suo castello. L'amicizia tra i due giovani si stringe e nei primi due giorni Ariel riesce quasi a baciarlo. La perfida Ursula, preoccupata di perdere, prende contromisure ma non riesce ad evitare che il destino si compia. I due giovani si sposano e partono insieme verso un futuro di felicità, salutati dall'intero popolo del mare.

La Bella e la Bestia (1991) Titolo originale: Beauty and the Beast; Anno: 1991; Regia: Gary Trousdale, Kirk Wise; Soggetto: Linda Woolverton, Roger Allen, dalla fiaba di Madame Le Prince de Beaumont; Sceneggiatura: Roger Allen, Brenda Chapman, Burny Mattison, Brian Pimental, Joe Ranft, Kelly Asbury, Cristopher Sanders, Kevin Harkley, Bruce Woodside, Tom Ellery, Robert Lence; Musica: Alan Menken; Durata: 87’. La storia inizia con la trasformazione di un principe viziato ed egoista in una creatura mostruosa e di tutti gli abitanti del castello in curiosi oggetti casalinghi animati. Solo se il principe avesse scoperto l'amore e se si fosse dimostrato capace di farsi amare entro il suo ventunesimo compleanno, avrebbe spezzato l'incantesimo. Il tempo passa, ma nulla cambia ed il castello resta per anni isolato da tutto e tutti. In un vicino paese della Francia vive l’inventore Maurice che, perdendosi un giorno nel bosco, viene catturato dal padrone del castello (la Bestia) nel quale trova rifugio. Offertasi in cambio della libertà del padre, Belle, una bella ed intelligente ragazza che adora leggere libri, si accorge che la Bestia non è così crudele come sembra, riuscendo ad andare oltre le apparenze. E quando Gaston, il bellimbusto del villaggio, guida i popolani in un tentativo di linciaggio e ferisce mortalmente il mostro, Belle rivela tutto il suo amore con un “ti amo”. Con un bacio e le sue lacrime spezza l’incantesimo: la Bestia ridiventa un principe e tutti gli abitanti del castello riprendono le loro forme umane.

Aladdin (1992) Titolo originale: Aladdin; Anno: 1992; Regia: John Musker, Ron Clements; Soggetto e sceneggiatura: Ron Clements, John Musker, Ted Elliott, Terry Rossio; Animazione: Glen Keane, Eric Goldberg, Andreas Deja, Duncan Maryoribanks; Musica: Alan Menken; Durata: 85’.

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Aladdin è un ladruncolo di strada nella città di Agrabah che vive in una casa cadente dalla quale guarda sempre il meraviglioso ed immenso palazzo reale con la sua scimmietta Abu. Il Sultano della città, affiancato dal Gran Visir Jafar, un subdolo aiutante che da tempo trama contro il sovrano stesso per rubargli il potere, è disperato a causa della figlia Jasmine, una bellissima giovane dai lunghi capelli corvini e dalla viva intelligenza, che ha rifiutato l'ennesimo pretendente, sebbene obbligata a scegliere un principe entro il suo compleanno ormai prossimo. Ma la principessa sogna l'amore vero, e non vuole saperne nulla di vivere accanto ad un uomo che lei non ama, anche se principe, quindi decide di scappare da palazzo. Nel mercato della città Aladdin incrocia lo splendido volto della principessa: per lui è amore a prima vista, ma anche lei s’innamorerà di lui. Quando i due giovani sono costretti a separarsi, Aladdin, guidato in una caverna magica, trova la “Lampada del Genio". Grazie al Genio, costretto ad esaudire i tre desideri di chi possiede la lampada magica in cui è imprigionato, il ladruncolo Aladdin riesce a trasformarsi in un principe e a conquistare il cuore della principessa Jasmine, sconfiggendo anche il malvagio Jafar. A questo punto anche il Sultano decide di agire: annulla la legge secondo cui solo un principe può sposare la principessa, e quindi i due giovani sono liberi di amarsi e di stare insieme, malgrado la diversità di ceto sociale.

Pocahontas (1995) Titolo originale: Pocahontas; Anno: 1995; Regia: Micke Gabrile, Eric Goldberg; Soggetto e sceneggiatura: Carl Binder, Susannah Grant, Philip Lazenbnik; Musica: Alan Menken; Durata: 88’. Nel 1607, sulle coste della Virginia, i coloni inglesi, mirando a saccheggiare il presunto oro delle terre oltre oceano, incontrano la tribù degli Algonquin del grande capo Powhatan. A capo della spedizione c’è il Governatore Ratcliffe e tra i suoi uomini c’è il capitano John Smith. Powhatan, appena ritornato dal suo villaggio dopo una dura guerra contro alcuni nemici, annuncia a sua figlia Pocahontas la notizia di un imminente matrimonio con un guerriero della tribù: Kocoum. Ma la ragazza, parlando di mondi lontani con il capitano, finisce per innamorarsi di John Smith. Poi, per una serie d’equivoci e a causa dell’avidità del comandante Ratcliffe, il loro amore viene preso a pretesto per l’inizio d’una guerra, presumendo che nascondano davvero dell’oro: sarà Pocahontas a evitarla, offrendo la sua vita in cambio dell’amato John Smith, tenuto prigioniero dal suo popolo.

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Mulan (1998) Titolo originale: Mulan; Anno: 1998; Regia: Barry Cool, Tony Bancroft; Soggetto: da un racconto di Chris Sanders; Sceneggiatura: Alan Ormsby, Rita Hsiao, Jodi Ann Johnson; Musica: Jerry Goldsmith; Durata: 91’. Per evitare al vecchio padre di combattere contro gli invasori Unni che riuscirono a valicare la Grande Muraglia guidati da Shan Yu, la giovane Mulan si arruola al suo posto con il nome maschile di Puig. Mulan, grazie alla sua intelligenza, sopperisce facilmente alla naturale mancanza di forza fisica. Evita, in questo modo, di disonorare la famiglia Fa e, accompagnata da Mushu, uno spirito della sua famiglia con le sembianze di draghetto incaricato di proteggerla, salva la vita all’amato comandante Li Shang, viene smascherata ma riesce, da femmina, a liberare l’imperatore catturato dai nemici. Mulan è, a tutti gli effetti un'eroina, ma è donna, ed oltre a questo ha infranto troppe leggi per essere considerata tale. Nonostante questo, l'imperatore, essendole riconoscente, le consegna due doni per far sapere al mondo intero quello che ha fatto.

La Principessa e il Ranocchio (2009) Titolo originale: The Princess and the Frog; Anno: 2009; Regia: Ron Clements, John Musker; Sceneggiatura: Ron Clements, Rob Edwards, Greg Erb, John Musker, Jason Oremland; Animazione: Dale Baer, Eric Daniels, Ian Gooding, Bert Klein; Musica: Randy Newman; Durata: 97’. Il film è ambientato in piena età del jazz a New Orleans, città dove Tiana lavora per realizzare suo sogno, che prima ancora era il desiderio più grande di suo padre: possedere un ristorante. Intanto il principe reale Naveen sbarca in Lousiana e si lascia presto abbindolare dal malvagio Facilier, l’uomo ombra, che lo trasforma in un ranocchio. Scambiando la bella Tiana per una principessa, nel corso di una festa da ballo, implora da lei il bacio che, secondo le favole, lo farà tornare umano ma accade l'imprevisto ed è Tiana a trasformarsi a sua volta in una graziosissima ma viscida ranocchia. La cameriera e il principe si ritrovano accumunati da un avventuroso destino sentimentale: costretti a scappare, incominciano a sentire l’uno per l’altra sentimenti molto profondi, fino ad innamorarsi. Ci sono mondi dove l'incontro tra la sguattera e il signorino non ha chances e mondi dove tutto è possibile. È in questo “altro” mondo che i

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coccodrilli suonano la tromba, un'allegra vecchietta del Bayou si diletti di voodoo a 197 anni e una lucciola corteggi una stella. Per poter donare la felicità agli altri, attraverso il piacere del cibo, Tiana dovrà prima conoscere la felicità per sé, attraverso l'amore, e capire che un sogno non è pienamente bello se non è condiviso.

2. 1. 2. Analisi della figura delle principesse

Questa prima parte dell’analisi si focalizza sulle modalità di presentazione al pubblico del personaggio femminile protagonista o co-protagonista nei nove cartoni d’animazione appartenenti al campione. La finalità è quella di delineare ed esplicitare le caratteristiche principali delle principesse prese in esame per evidenziare eventuali somiglianze o differenze; un ottimo punto di riferimento per definire alcune scelte della Disney è, sicuramente, il contesto storico relativo all’anno o al periodo di prima presentazione al pubblico di questi film d’animazione. Per ognuna delle nove principesse ho cercato di delineare sia l’analisi del suo aspetto esteriore sia l’analisi della sua personalità. I due elementi presi in esame sono l’aspetto fisico con cui le protagoniste sono rappresentate (corporatura, fisionomia, ruolo nella storia, ecc.) e la cosiddetta rappresentazione del vero Io del personaggio, quello interiore: l’intelligenza ed i valori che possiede, il carattere, l’emotività, ecc. Questa caratterizzazione può essere considerata di grande aiuto per la definizione delle categorie di valutazione più consone alla ricerca qui effettuata e, di conseguenza, è anche utile per la presentazione delle riflessioni sui problemi di genere e di cultura (paragrafo 3. 1.). Allo stesso modo, tale analisi rappresenta un passo in avanti per cogliere la valenza educativa veicolata dall’intera produzione “principesca” Disney (paragrafo

3. 2.).

Rappresentazione dell’esteriorità – Fisionomia, corporatura e ruolo È d’estrema importanza, per rispondere alla prima domanda di ricerca, soffermare il proprio sguardo sul “disegno”, sulla rappresentazione della fisionomia e del corpo che la Disney utilizza per raffigurare le principesse, a partire dall’innocente pioniera Biancaneve sino ad arrivare alla prima principessa di colore protagonista de La Principessa e il Ranocchio.

Nel primo film d’animazione la principessa è una “fanciulla vestita sol di stracci… ha la bocca di rose e ha d’ebano i capelli; come neve è bianca”. Questa è la descrizione con cui, all’inizio del film, lo specchio della regina le rivela i tratti della donna più bella del regno. Biancaneve è giovane e virginale, le sue forme sono piuttosto arrotondate, i suoi abiti trasmettono pudicizia: due elementi molto diversi dall’ideale di bellezza della società odierna. La

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trasposizione Disneyana della fiaba dei fratelli Grimm avviene nel lontano 1937, quando erano ancora inesistenti i problemi d’anoressia ricollegabili alla necessità delle persone di apparire magrissime e, inoltre, il corpo delle donne possedeva ancora una “sacralità” che dagli anni dell’invenzione della televisione fino alla diffusione su scala mondiale di questo mass media si è pian piano persa. Il ruolo di Biancaneve nella parte iniziale della storia è quello di inserviente della regina mentre in seguito diviene la casalinga al servizio dei sette nani, ma il suo sogno più grande rimane quello di un principe da amare. È doveroso sottolineare che da ragazzo Walt Elias Disney vide una versione muta di Biancaneve rimanendone affascinato: “questa principessa viveva nella fantasia del suo creatore come un’idea molto concreta ed egli era determinato a che uscisse sullo schermo esattamente nei termini e con i dettagli con cui l’aveva concepita”1. Cenerentola non presenta rilevanti novità rispetto a Biancaneve, ma nella sua figura è possibile notare che la principessa non è più una trepida adolescente, bensì una ragazza dalle attrattive piuttosto cospicue. È una bella bionda con cui il pubblico fa conoscenza quando è sotto la doccia. È descritta dalla voce narrante come “colei che per la sua bellezza faceva sfigurare le due brutte sorellastre”. I lineamenti del suo viso sono meno morbidi e anche la sua corporatura è caratterizzata dall’essere più esile di quella della principessa che la precede e non le manca lo sguardo da donna attraente. Il suo ruolo, al pari di Biancaneve, è quello di domestica al servizio della matrigna e il desiderio che sempre l’accompagna è quello di trovare un principe con cui vivere per sempre felice e contenta.

Aurora de La bella addormentata nel Bosco è un’altra principessa bionda e presenta una fisionomia del tutto particolare, ricalcata sulle linee della famosa attrice, americana d’adozione, Audrey Hepburn, tanto ammirata da Walt Elias Disney. La stessa cosa vale per la corporatura, esile e longilinea: è dalla figura di questa principessa che iniziano ad essere ricalcate le forme pubblicizzate dai mass media. Parlando della sua parte nella storia, lei è una nobile che sin dalla nascita

non deve svolgere lavori umili ma, al contrario, è sempre seguita ed accudita. L’unico contatto con estranei che può avere avviene nei suoi sogni: è qui che incontra il suo principe e sposo di cui s’innamora a prima vista.

1 Christopher FINCH, L'arte di Walt Disney da Mickey Mouse ai Magic Kingdoms, Milano, Rizzoli, 2001, cit., pp. 20-21

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Ariel è la principessa del regno sottomarino che mette la sua testa fuori dall’acqua molto tempo dopo il risveglio di Aurora. Nonostante questo, c’è solo una “qualità” estetica che contraddistingue questa virginale eroina dalle principesse precedenti. Sopra la sua verde coda e i suoi capelli rossi, nella sua versione della Disney, indossa solamente un succinto costume fatto da una coppia di conchiglie. Pur essendo un’innocente ragazza adolescente, insomma, presenta anche qualcosa di evidentemente sexy: la sua nudità. Il suo aspetto fisico è sicuramente ispirato dall’incremento dell’eroticità della figura femminile così comune nella pubblicità e nella cultura occidentale. Il suo ruolo è quello di figlia ostacolata dal padre, il re Tritone, con la voglia di conoscere un mondo diverso dal suo, fantasticamente idealizzato grazie alla sua immaginazione che la vuole non accanto ad un tritone ma sposa di un essere umano.

Belle, la protagonista de La Bella e la Bestia, è definita da tutti “la più bella del paese”, cosa facilmente intuibile grazie al suo nome. Ma la sua è una bellezza semplice, senza fronzoli, a cominciare dalla capigliatura fino ad arrivare al vestiario: possiede una bellezza che, probabilmente, non deriva solamente dal suo aspetto esteriore. È una figlia che si sacrifica per il bene del padre ma il ruolo che davvero

vorrebbe è quello di una ragazza immersa in un’emozionante vita d’avventure. La prima principessa dal sapore orientale è invece Jasmine, figlia di un sultano. È una bellezza esotica ed impetuosa. I suoi lunghi capelli color nero corvino e le sue forme tondeggianti (o prosperose) si allontanano molto dall’ideale di bellezza degli anni novanta diffuso a livello sociale negli Stati Uniti d’America, modello rispettato dalle altre protagoniste dei “film principeschi”. Anche il colore della sua pelle è più scuro di quello caratterizante lo standard Disney; diverso è il riscontro ottenuto analizzando la sua fisionomia che non è caratteristica del Medio Oriente. Per quanto riguarda il suo personaggio, il ruolo che riveste è quello della figlia ribelle che desidera una vita fuori dal palazzo con il vero amore, non necessariamente un bel principe.

Pocahontas è protagonista della seconda storia con ambientazione “forestiera”. In quanto indigena d’America pre-colonizzazione europea, fisicamente parlando, rispecchia tutte le caratteristiche tipiche della sua popolazione: la capigliatura, la fisionomia, la tonalità del colore di pelle, la corporatura e l’abbigliamento. La parte che le è affidata all’interno del cartoon è molto diversa da quella che avevano le principesse classiche dei primi tre film del campione perché lei ha il

coraggioso compito essere il tramite della riappacificazione tra le due parti in conflitto per la

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conquista di alcuni territori e delle loro ricchezze: mette da parte i propri sentimenti e rinuncia all’uomo amato. La principessa Disney del 1998 è Mulan, la guerriera cinese. Da evidenziare nella figura di questa ragazza sono i tratti molto poco orientali ad eccezione dei caratteristici “occhi a mandorla” tipici della sua gente. Anche i suoi abiti sono tipici della cultura cinese ma indossati all’americana. Il suo scopo, inoltre, è quello di salvare il padre da morte certa in guerra: non è possibile per lei essere solamente una brava moglie così come desidererebbero i suoi cari e il modo di pensare della sua gente.

Tiana è l’ultima principessa. Elemento caratterizzante: la sua pelle nera (probabilmente legata al contesto storico immerso nell’era obamiana). La sua fisionomia ricalca molto bene i lineamenti degli afro-americani e la stessa cosa vale per la corporatura. Il suo ruolo è quello della lavoratrice instancabile che capirà che la felicità dev’essere cercata nell’affetto dei propri cari e del vero amore.

Rappresentazione dell'interiorità – Carattere, intelligenza e valori Anche nella sezione che segue è presentata ognuna delle principesse, ma questa volta l’aspetto preso in considerazione è quello interiore, a cominciare dal carattere e dall’emotività fino ai valori sui quali è basato il proprio agire. Tutte queste caratteristiche sono prese anche come spunto per mettere a confronto la caratterizzazione della figura femminile avvenuta da parte della casa cinematografica nello scorrere dei settantadue anni che dividono la presentazione al pubblico del primo “film principesco” Biancaneve e i sette Nani dall’ultimo lungometraggio La Principessa e il Ranocchio. Il primo film animato della Walt Disney Pictures, Biancaneve e i sette Nani, stabilì sicuramente un sentiero da seguire per le successive eroine Disney: Biancaneve è dolce e obbediente, anche un po’ remissiva. Le faccende domestiche non la intimidiscono, non riflette o reagisce a nessun problema (nemmeno all’odio riservatole dalla matrigna), ha un forte senso del dovere perchè è sicura che un affascinante ragazzo di classe elevata, il suo Principe Azzurro, un giorno arriverà a salvarla. Tutto questo è dimostrato quando si trova faccia a faccia con il pericolo: scappa e si rifugia in una casa dove si sente in obbligo di pulire tutto da cima a fondo senza che nessuno glielo abbia formalmente chiesto. Probabilmente la rappresentazione caratteriale che predomina in questa principessa è quella della ragazza sognatrice che riflette più sulle sue fantasie o desideri e meno sulla realtà che la circonda. Biancaneve è una ragazza che non lavora per ottenere qualcosa o perché è gratificata, ma perché è fermamente convinta che quello del lavoro sia solo un momento di passaggio che la conduce al suo happy end fiabesco.

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La rappresentazione della sua interiorità non va oltre questa banale visione dei suoi desideri e sogni. I suoi valori, ossia l'insieme degli elementi e delle qualità morali e intellettuali che sono generalmente considerati il fondamento positivo della persona, non sono presi in considerazione nella caratterizzazione della dimensione interiore del suo personaggio. È, forse, la prima traccia di uno steretipo Disney. Le donne giovani (principesse) sono in eterno stato di sospensione e distacco dalla realtà fino all’arrivo dell’amato di cui s’innamorano in un batter d’occhi. Anche se la Disney produce molti cartoons nel corso degli anni, la formula di base per raccontare le storie che vedono delle donne come protagoniste cambia pochissimo da Biancaneve e i sette Nani (1937) a Cenerentola (1950) e a La bella addormentata nel Bosco (1959): si tratta di due remake della prima pellicola. Le due principesse che seguono Biancaneve le assomigliano moltissimo perché ciò che sognano è sempre un bel Principe Azzurro e sono disposte anch’esse a sacrificare gran parte delle loro volontà vivendo da “perfette donne di casa”, senza un reale obiettivo d’auto-realizzazione che esuli dall’essere una futura sposa di un uomo la cui qualità più elevata è, certamente, la bellezza, unita forse alla ricchezza. Molti anni dopo, La Sirenetta nel 1989 e La Bella e la Bestia nel 1991 mostrano al pubblico che le figure delle donne-principesse non cambiano molto. Infatti, come le eroine Disney che la precedono, Ariel cerca una soluzione romantica ai vuoti presenti nel suo cuore. Probabilmente la sua condizione di principessa (sottomarina) sin dalla nascita le permette di sviluppare maggiormente alcuni elementi che caratterizzano il suo modo d’essere: è avventurosa, curiosa nei confronti di ciò che la circonda ed intuitiva. I suoi valori sono riconducibili alla grande intelligenza da cui deriva la sua furbizia e al rispetto del diverso oltre che dei suoi simili. La principessa seguente è Belle. È presentata al pubblico come la prima protagonista femminile davvero intelligente ma, in questa ragazza, l’elemento più immediato utilizzato per mettere questa caratteristica in primo piano è la sua inclinazione alla lettura. I libri che questa protagonista legge le permettono di sognare un futuro avventuroso, ma è il suo temperamento per niente docile o arrendevole che le permette di vivere immersa in un’avventura unica. I suoi ideali sono riconoscibili nell’amore per la famiglia (lo stesso messaggio era trasmesso anche dai precedenti quattro cartoon) ma anche nella ricerca d’indipendenza e nella riconoscenza nei confronti di coloro che la amano o la aiutano. Nel film Aladdin del 1992, la rappresentazione dell’interiorità di Jasmine si allontana da quelle, forse troppo ripetitive, delle precedenti protagoniste dei “film principeschi” della Disney. Jasmine è presentata al pubblico come una ragazza più egoista e caparbia, su certi versi anche ingenua rispetto al mondo che le sta attorno. Probabilmente a causa della sua condizione di figlia unica e viziata, ciò che cerca è essenzialmente la sua felicità. Non pensa a fare qualche sacrificio, anche minimo, per ottenerla. Ciò nonostante non è affatto presentata come una persona materialista. La sua qualità morale è, probabilmente, la volontà di eliminare le differenze tra classi che caratterizza la società odierna, pur andando contro tradizioni secolari del suo popolo e alle volontà di suo padre. In ogni caso questa ragazza, così come le altre

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principesse classiche Disney, è guidata più dal suo spirito sognatore che da quello pensatore. Il successivo cartone d’animazione è Pocahontas (1995). È proprio questa principessa, lo spirito libero per eccellenza, presentata come una ragazza in armonia con la natura, disponibile e altruista che si pone in totale contrasto con le precedenti principesse. Ciò che guida le sue azioni è sicuramente il suo ambientalismo e il suo spirito pacificatore. Lei, che rinuncia al “e vissero felici e contenti” quale epilogo della sua storia, trova la sua felicità nella serenità e salvezza della sua gente. Dimostra, inoltre, la sua astuzia ed intelligenza nella conoscenza e comprensione degli esseri umani diversi da lei per cultura. Nel 1998, con il successivo film d’animazione a tema regale, la Walt Disney Pictures rivendica il protagonismo di un’eroina cinese: Fa Mulan. Il bene più prezioso che possiede e per il quale agisce è la sua famiglia. È capace di andare contro millenni di cultura pur di salvare coloro che ama: è coraggiosa e testarda, ma anche un po’ incosciente. Ciò che la guida è sicuramente il cuore, anche se il cervello e quindi anche l’intelligenza non le mancano. Dimostra quest’ultima caratteristica grazie alle sue azioni, dove dimostra un’elevata furbizia ed anche moltissima fermezza. Nel più recente La Principessa e il Ranocchio (2009) la protagonista Tiana è subito inquadrata come una ragazza con moltissime convinzioni, ma un solo obiettivo. La (non ancora) principessa, lavora duramente per realizzare ciò che desidera (non aspetta il giorno in cui questo si avvererà grazie a strane coincidenze volute dal fato). Caratteristiche di questa donna sono la determinazione, l’animo visionario e la capacità di compiere sacrifici. Non manca in lei anche uno spirito altruista nell’aiuto di coloro che si trovano in difficoltà, guidato forse dalla sua iniziale condizione di ragazza d’umili origini.

2. 1. 3. Riadattamenti della Walt Disney Pictures

Questa breve sezione è dedicata al doveroso confronto con le fonti originali da cui le storie presentate nei nove film del campione sono state tratte. In particolar modo, si cerca di focalizzarsi sulle modifiche alla trama apportate dalla Walt Disney Pictures cercando una relazione con il contesto di produzione in risposta alla seguente domanda di ricerca: “Come sono riadattate le storie della letteratura per l'infanzia o i racconti con fondamenta storiche da cui la Walt Disney Pictures trae ispirazione per realizzare i film del campione?”. Ovviamente non è solo il contesto che induce i cineasti a modifiche sulla storia originale da cui viene tratto il prodotto da proporre sul grande schermo. La maggior parte delle volte sorge anche la necessità di catturare una determinata fetta del pubblico: non si deve dimenticare la realtà che il cinema oltre ad essere la settima arte è anche un’ingente fonte di guadagno per chi è coivolto nella sua produzione. In questo, purtroppo, l’analisi rivela che la Walt Disney non si differenzia dalle altre case di produzione cinematografica e i suoi rifacimenti mirano alla promulgazione di determinati messaggi in

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linea con i principi dell’azienda che si basano su un piano di marketing di successo. Questi capisaldi verrano in seguito espicitati per permettere la migliore comprensione delle eventuali modifiche e/o semplificazioni della versione audiovisiva proposta alla platea.

Incominciando dal lontano 1937, è interessante notare che, per la Disney, Biancaneve e i sette Nani rappresenta il primo lungometraggio d’animazione ed innaugura anche la tradizione d'ispirarsi alle favole per i suoi cartoon, a cui seguiranno altre fonti d’ispirazione (romanzi o storie vere), spesso con i rimaneggiamenti giusti per incontrare con più successo i gusti del pubblico senza incorrere in censure. La favola dei fratelli Grimm differisce dal film in pochi punti, probabilmente dovuti alla volontà di Walt Elias Disney e dei suoi collaboratori di non turbare la psiche dei fruitori del film d’animazione, in quanto spesso bambini. I punti sono i seguenti:

! La Regina, ricevuto quello che crede essere il cuore di Biancaneve, se ne nutre (quest’ultimo dettaglio macabro non viene rappresentato nel cartoon);

! Il Principe, di fronte alla bellezza della ragazza chiusa nella bara di cristallo vuole portarla via con sé ma uno dei suoi servitori inciampa, facendo uscire con l'urto dalla gola di Biancaneve il boccone avvelenato e quindi risvegliandola (nel film d’animazione l’unica cosa a cui pensa il principe è quella di baciare Biancaneve);

! La Regina, invitata al matrimonio di Biancaneve, muore con grande sofferenza (nel film la regina muore subito dopo aver consegnato la mela avvelenata a Biancaneve).

Sono tutte modifiche giustificabili ma che allontanano il film dallo scopo originale della fiaba che è quello di permettere ai bambini di conoscere se stessi e il complesso mondo in cui vivono per imparare a destraggiarsi nella vita e superare quelle che sono considerati realtà sconcertanti. Certo, come già detto, le semplificazioni non sono state attuate solo pensando al bene dei bambini, ma anche pensando ad un più proficuo successo economico. Dopo il primo lungometraggio che ha visto un eccezionale successo di pubblico, ecco che il modello è ripreso quante più volte possibili. Anche Cenerentola presenta ben poche differenze dalle due fiabe originali:

! Nella versione fiabesca di Perrault o dei fratelli Grimm, il padre di Cenerentola rimane vivo (nel cartoon la sua morte viene narrata nel riassunto iniziale);

! Nel finale della versione dei Fratelli Grimm, le sorellastre vengono ferite ai piedi (questo dettaglio viene omesso nel cartone d’animazione).

Omettendo le motivazioni per cui Disney tralascia i particolari più macabri (già spiegate sopra), l’altra differenza è esplicabile se si pensa alla volontà dell’azienda di fare propri i contenuti da cui trae ispirazione. D’altronde, il successo di Cenerentola è dovuto al fatto che si mantiene fedele allo spirito della fiaba originale, pur intessuta di quei tocchi di cui Disney era maestro. Nel cartone l’uscita dalle scene del padre di Cenerentola all’inizio della narrazione permette allo spettatore l’immedesimazione nel personaggio protagonista sfruttato e maltrattato che porta a volere un finale in cui la situazione cambia a favole del più debole.

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Ben più accorgimenti sono stati apportati al rifacimento della storia olandese de La Sirenetta, un progetto molto impegnativo seguito da Howard Ashman. Ciò a cui la storia originale di Ariel non si appoggia è il classico happy end del cinema hollywoodiano. L’amore della sirenetta per il principe Eric si risolve inevitabilmente in tragedia. Al matrimonio del principe (con un’altra donna), le sorelle maggiori della protagonista le procurano un pugnale per uccidere l'uomo amato in modo tale da farle bagnare col suo sangue le gambe e farla tornare una sirena. Ma Ariel, non riuscendo ad uccidere il principe, si getta in mare pensando di diventare spuma e morire per sempre (dato che le sirene non hanno un'anima). Così non accade perché, grazie alla sua generosità verso il principe, diventa una fata dell'aria e continua a fare del bene. Le modifiche in questo cartone d’animazione, insomma, sono rilevanti. Viene eliminato quel complesso insieme di differenze ed opposizioni che tra il proprio mondo e quello degli esseri umani che tanto attrae la sirena. Il finale viene semplificato notevolmente, si presenta al pubblico il classico prodotto senza presentare la dura realtà dei fatti in cui un amore può anche non convolare a nozze. Tutta l’immaginazione di Andersen e il simbolismo della storia sono tralasciati in toto e, allo stesso tempo, viene meno il principio cardine delle fiabe dove il male è onnipresente, al pari della virtù. Lo stesso avviene nella storia, questa volta non d’invenzione ma fondata su solide basi storiche, del film Pocahontas. Raccontano i libri la leggenda dell’illegale amore tra Pochaontas, una giovane appartenente alla locale tribù di nativi americani, e John Smith, membro della spedizione del 1607 in Virginia. Il film propone una storia d’amore con connotazioni New Age espresse in modo piuttosto inesperto su una trama secondaria che segue una linea politically correct, secondo la quale il vecchio mondo corrotto deturpa la natura selvaggia del paradisiaco nuovo mondo abitato da nobili cacciatori e raccoglitori in totale armonia con la natura. Da un certo punto di vista il film è coraggioso in quanto, più d’ogni altro lungometraggio animato della Disney, si rivolge ad un pubblico adulto, sfidando la delusione dei fan d’età scolare che tradizionalmente decretano il successo economico di questo tipo di film. Il punto debole di questa storia è che la concezione dei valori adulti è irrimediabilmente ingenua. Gli attributi “politicamente corretto” e “artisticamente soddisfacente” dovrebbero avere un peso ben diverso. L'incontro vero e proprio tra Pocahontas e John Smith è descritto nella leggenda come uno scambio costellato da episodi ricchi d’ironia, mentre la versione per lo schermo cinematografico si rivela un guazzabuglio da soap opera gremito di stereotipi etnici: la trama del film mescola una storia principesca basata sul tutto-per-amore e una storia vera che ha come protagonisti gli indigeni d’America. È proprio qui, dove finalmente si rinuncia al classico happy end dei cartoni d’animazione, che l’addolcimento della storia raggiunge quasi l’oltraggio. Pocahontas è una donna realmente esistita che meriterebbe molti più meriti di quelli ottenuti nel ritratto Disneyano. Tuttavia, Pocahontas presenta anche due caratteristiche positive: l'eroina possiede una presenza sensazionale e il paesaggio svolge un ruolo chiave nella storia. Visto attraverso gli occhi degli europei è un mondo nuovo e misterioso – meraviglioso e anche inquietante; vista dai nativi indiani, è un luogo completamente diverso

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in cui gli alberi e gli animali non solo sono presenze familiari ma detengono poteri straordinari che appartengono alla mitologia della tribù. Fortunatamente, la produzione seguente mostra alcuni, anche se pochi, progressi rispetto agli altri lungometraggi: trae ispirazione dalla storia, ormai mito in Cina, di una giovane donna, Mulan. Prima della presentazione al pubblico di Mulan, la Disney dichiarò le sue buone intenzioni nella riproposizione del mito e il suo sincero rispetto per questo simbolo della nazione orientale per eccellenza. La ragazza è ritratta con vigore e misura, combinazione che permette la nascita di un nuovo e più complesso tipo di protagonista Disney, guidata da motivazioni diverse dal bisogno d’autodeterminazione, e cioè dalla ricerca dell'uomo dei sogni. Ciò nonostante, la reinterpretazione dei fatti realmente accaduti eguaglia, nel livello di distorsione, il cartone d’animazione realizzato tre anni prima. Le avventure animate di Mulan conservano il fascino universale che ha fatto di questa leggenda un classico della letteratura cinese per centinaia d’anni perché la squadra di produzione ha desistito dalla tentazione di addolcire in modo esagerato la saga della giovane donna coraggiosa, anche se, alla fine, l’autorità che esce vittoriosa è sempre quella del personaggio maschile e l’affascinante amante rimane sempre il vero metro di giudizio per il successo e la felicità femminile. Mulan ha catturato l'immaginazione del pubblico (occidentale) di tutte le età perché racconta una storia semplice in modo semplice, forse anche troppo semplificato dato che il governo cinese non approvò la diffusione del film nel proprio Paese. Per gli altri quattro “film d’animazione principeschi” la riflessione riguardante eventuali modifiche apportate alla fiaba o storia di riferimento risulta più immediata ed agevole. In La Bella e la Bestia, la fiaba di Madame Le Prince de Beaumont risulta cambiata solo in alcuni punti di poca rilevanza che si ricollegano per lo più alla volontà della Disney di rendere la situazione della protagonista Belle più lacrimevole (tratto tipico di tutti i prodotti della casa cinematografica):

! Nella fiaba, il padre della protagonista non è un inventore ma un ricco mercante non viene liberato grazie al sacrificio volontario della figlia (la minore di tre sorelle), ma la invita ad andare al castello per pagare un suo debito;

! Non c'è, nella fiaba, riferimento alla rosa incantata e agli oggetti animati. E quando la protagonista non commuove la folla, ecco che le lacrime vengono compensate da spunti comici gestiti, come da copione, con grande stile contribuendo all’ambientazione e al flusso narrativo Parlando, invece, de La bella addormentata nel Bosco, qui non si riscontrano particolari differenze con il testo riadattato sul grande schermo cinematografico ma la sensibilità di narratore, l’esperienza e le capacità cinematografiche di Walt Elias Disney sono presenti solo in modo intermittente: i due personaggi protagonisti, Aurora e il suo bel principe senza nome, risultano essere inconsistenti nella caratterizazione. Probabilmente questo punto debole del film può essere dovuto alle molteplici influenze della letteratura – la fiaba dei Fratelli Grimm e quella di Perrault – non ben congiunte nel cartone d’animazione.

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La storia di Jasmine in Aladdin e di Tiana in La Principessa e il Ranocchio non presentano una fiaba o una storia da cui la trama del film prenda spunto. Il film del 1992 ha come riferimento una delle tante storie d’autore anonimo de le “Mille e una Notte”: il tema esotico è la particolarità del film stesso, ma l’influenza inizia e finisce con questo punto. Al contrario, la forza del film, del tutto made in U. S. A., deriva dalla sua invenzione spiritosa, dalla stilizzazione oltre che dal glamour. L’ultimo “film principesco”, invece, cita molto sporadicamente la storia narrata dalla versione dei fratelli Grimm di “The Frog Prince”. Il libro della fiaba viene più volte mostrato, ma l’unico vero elemento d’ispirazione per il cartoon è stato la trasformazione in rane dei protagonisti (non solo quello maschile, ma anche quello femminile). L’ambientazione, le musiche ed i personaggi di contorno alla storia dei due innamorati sono del tutto inventate o comunque pensate dalla squadra incaricata della realizazione del lungometraggio Disney. Adattato al contesto storico di debutto sul grande schermo è forse il colore della pelle dei personaggi ed in particolar modo della protagonista Tiana, la prima principessa di colore. Rimane necessario rispondere alla domanda di ricerca (in questo caso riguardante la scelta della rappresentazione esteriore dei personaggi ed in altri film – come Pochaontas o Mulan – inerente la scelta della storia modello): “A che livello e profondità è trattato il tema sociologico della diversità culturale (inteso come possibilità di diffusione di valori o culture diverse da quella delle rappresentazioni standardizzate) all'interno dei – film principeschi – della Disney?”. Questa domanda sorge spontanea (insieme a molte altre) perché le fiabe nacquero per esaudire nei bambini, tra le altre cose, anche il desiderio o il bisogno di conoscere se stessi e il complesso mondo in cui vivono. Altrettanto istruttivo dovrebbe essere il messaggio promulgato dalle favole delle nuove generazioni, quelle proposte dai mass media, dato che quelle diffuse in carta stampata non riscuotono al giorno d’oggi il successo di pubblico che precedentemente ebbero per più di un secolo.

2. 2. Categorie di valutazione

Oltre alla caratterizzazione esteriore ed interiore del personaggio femminile in sé, non risulta difficoltoso l’approccio ad alcuni temi della sociologia che permettano di capire se la famosissima e forse intramontabile casa cinematografica degli Stati Uniti d’America segua uno specifico iter di rappresentazione che si evolve nel tempo in relazione al contesto socio-culturale o se i suoi modelli siano rigidi e canonizzati, in una sola parola stereotipati. Tre tematiche sociologiche unite all’influenza dell’audiovisivo sui bambini sono state selezionate come possibile introduzione ai temi discussi nei risultati di ricerca del capitolo 3 per rispondere più approfonditamente alle domande di ricerca.

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2. 2. 1. Tre tematiche sociologiche

Ognuna delle tre tematiche della sociologia della cultura selezionati costituisce un elemento di ricerca importante per capire la correttezza o, al contrario, la distorisione dei messaggi all’interno dei prodotti multimediali Disney. Identità di genere Nel sentire comune il sesso ed il genere costituiscono un tutt'uno tanto che, tradizionalmente, gli individui vengono divisi in uomini e donne sulla base delle loro differenze biologiche. Gli studi di genere propongono invece una suddivisione, sul piano teorico-concettuale, tra questi due aspetti dell'identità:

! Il sesso (sex) costituisce un corredo genetico, un insieme di caratteri biologici, fisici e anatomici che producono un binarismo maschio/femmina;

! Il genere (gender) rappresenta una costruzione culturale, la rappresentazione, definizione e incentivazione di comportamenti che rivestono il corredo biologico e danno vita allo status di uomo/donna.

Sesso e genere non costituiscono due dimensioni contrapposte ma sono interdipendenti: sui caratteri biologici s’innesta il processo di produzione delle identità di genere. Il genere è un prodotto della cultura umana ed il frutto di un persistente rinforzo sociale e culturale delle identità: viene creato quotidianamente attraverso una serie di interazioni che tendono a definire le differenze tra uomini e donne (traducono le due dimensioni dell'essere uomo e donna). A livello sociale è necessario testimoniare continuamente la propria appartenenza di genere attraverso il comportamento, il linguaggio, il ruolo sociale. Si parla a questo proposito di ruoli di genere. In sostanza, il genere è un carattere appreso e non innato: uomini e donne si diventa, mentre maschi e femmine si nasce. Il rapporto tra sesso e genere varia a seconda delle aree geografiche, dei periodi storici, delle culture di appartenenza. I concetti di maschilità e femminilità sono concetti dinamici che devono essere storicizzati e contestualizzati. Ogni società definisce quali valori additare alle varie identità di genere, in cosa consiste essere uomo o donna. Maschilità e femminilità sono quindi concetti relativi. La prima formulazione del concetto di genere nell'accezione utilizzata da questo tipo di studi venne formulata dall'antropologa Gayle Rubin nel suo “The Traffic in Women” (“Lo scambio delle donne”) del 1975. La studiosa parla di un sex-gender system in cui il dato biologico viene trasformato in un sistema binario asimmetrico in cui il maschile occupa una posizione privilegiata rispetto al femminile, al quale è legato da strette connessioni da cui entrambi ne derivano una reciproca definizione. In alcune correnti della sociologia sviluppatesi negli Stati Uniti a partire dagli anni settanta del XX secolo, il concetto d’identità di genere viene utilizzato per descrivere il genere in cui una persona si identifica (cioè, se si percepisce uomo, donna, o in qualcosa di diverso da queste

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due polarità). Secondo i ricercatori, l'identità di genere può avere origini biologiche e può venire influenzata dall'ambiente sociale e culturale in cui nasce il bambino o la bambina, per poi consolidarsi dopo i due anni di età. Non c'è, in ogni caso, un'età precisa e risulta molto variabile anche l'età in cui potrebbero sorgere eventuali problemi legati all'identità di genere.

Diversità culturale

"La diversità culturale è necessaria all'umanità quanto la biodiversità lo è per la natura". Dichiarazione Universale sulla Diversità Culturale, Art. 1

(U.N.E.S.C.O., 2 novembre 2001)

Quello di "diversità" è un concetto che allude ad un processo di distinzione e di separazione, ad una differenziazione da un modello dominante o da un'uguaglianza di parola, di linguaggio e di pensiero. La diversità culturale è un fenomeno necessario poiché amplia la gamma d’opzioni aperte a tutti; è una delle radici dello sviluppo, inteso non in termini di crescita economica ma come mezzo per raggiungere un’esistenza più soddisfacente, e favorisce lo scambio culturale e lo sviluppo delle capacità creative che sostengono la vita pubblica. I diritti culturali possono essere considerati parte integrante dei diritti umani, che sono universali, indivisibili e interdipendenti: oltre ad assicurare la libera circolazione d’idee attraverso parole e immagini, bisogna vegliare affinché tutte le culture possano esprimersi. La creatività, quale principale espressione della natura umana, si basa sulle radici della tradizione culturale, ma si sviluppa in contatto con altre culture e per questo motivo il patrimonio culturale in tutte le sue forme dev’essere conservato, valorizzato e trasmesso. Il concetto di “diversità” non rispetta l’appartenenza ad uno standard condiviso, ma attesta una difformità. Il binomio omologazione-diversità, nelle sue accezioni concrete e psicologiche, ha implicazioni rilevanti sul piano dei fatti umani, esistenziali e socioculturali. Sono sempre esistiti, nel corso della storia dell'umanità, processi culturali orientati all'esaltazione dell'uguale, di ciò che si conforma ad un modello convalidato come superiore e degno di essere da tutti imitato: tutto questo ha portato alla coniazione del termine globalizzazione, diventato una parola chiave interpretativa del mondo contemporaneo in molti ambiti dell'attività umana (politica, cultura, tecnologia, ecc.). Alla globalizzazione si ricollega il processo d’omologazione culturale del mercato (nei suoi prodotti e nelle sue immagini), con l'attenuazione delle specificità culturali espresse dai vari Paesi del mondo.

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Industria culturale del consumo

“La vera paura di alcuni sociologi del XX secolo era che la gente sarebbe stata troppo istupidita dai mass media per protestare, o anche solo accorgersi, quando le loro libertà fossero scomparse”.

Wendy Griswold2

L’industria culturale designa, anzitutto, una fabbrica del consenso che liquida la funzione critica della cultura, soffocandone la capacità di elevare la protesta contro le condizioni dell’esistente. Essa fonda la sua funzione sociale sull’obbedienza, lasciando che le catene del consenso s’intreccino con i desideri e le aspettative dei consumatori che sono alla ricerca di prodotti sempre nuovi, tanto che, i prodotti dell’industria culturale si ritrovano ad essere il frutto di una continua mediazione tra l’esigenza d’innovazione e di standardizzazione. In una società basata su un’economia di mercato e sulla produzione industriale dei beni di consumo, i prodotti della cultura assumono carattere di merce. Con l’avvento del mondo moderno, la produzione di beni culturali diviene parte integrante dell’organizzazione capitalistica: da un lato una crescente quantità di persone può accedere all’acquisto di beni di consumo, dall’altro la produzione di oggetti che incorporano simboli, credenze e valori estetici (che nel loro insieme hanno, in senso lato, una valenza culturale) diviene uno specifico settore merceologico che segue le stesse leggi che governano le altre sfere della produzione industriale e del mercato capitalistico. Anche la formazione del sé – le modalità d’acquisizione delle conoscenze, organizzazione della propria esistenza, formazione della personalità, scelta dei valori – dipende in larga misura dalla continua esposizione ai messaggi trasmessi dall’industria culturale e dai prodotti che emette, i prodotti della cultura di massa, legata, per lo più, alla crescita del tempo libero nelle società avanzate. Anche se da un punto di vista strettamente materiale sarebbe possibile attribuire un carattere superfluo alla gran parte dei beni di consumo, compresi alcuni beni culturali, questi sono comunque dotati di un significato sociale. Quindi, come dice Rocco de Biasi, “se consumare è un’attività che contiene un senso, l’industria dell’intrattenimento e dello spettacolo non si limita a cercare di occupare il tempo libero degli individui, ma costituisce una sfera della vita sociale nella quale essi raggiungono gratificazioni estetiche e nel contempo rinvengono valori e modelli d’identificazione”3. In altri termini, l’industria culturale si rivela depositaria dell’“immaginario collettivo”: un complesso di dispositivi simbolici, di modelli d’identificazione, di miti e di fantasie, di narrazioni in grado di evocare una sorta d'auto-rappresentazione di una società. Per concludere, se la creazione artistica e letteraria produce o inventa archetipi, d’altra parte l’industria culturale ne snatura l’originalità conformandoli ad una produzione standardizzata. In altri termini, gli archetipi diventano stereotipi (prodotti standardizzati fedeli ad un cliché). 2 Wendy GRISWOLD, Sociologia della cultura, Bologna, Il Mulino, 1997, cit., p. 51 3 Rocco DE BIASI, Che cos’è la sociologia della cultura, Roma, Carocci, 2002, cit., p. 58

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2. 2. 2. L'infanzia e le rappresentazioni audio-visive L’aggettivo “audiovisivo” si riferisce sempre ad uno strumento che permette di vedere immagini e contemporaneamente ascoltare suoni riprodotti. Il punto di forza delle rappresentazioni audio-visive è riscontrabile proprio nella sopra citata definizione del termine: a livello neurologico, il messaggio multimediale consente di attivare più di un sistema cognitivo dell’utente ed è immagazzinato in due diverse memorie dell’individuo (iconica ed ecoica). Tutte le indagini statistiche e sociologiche dimostrano che, allo stato attuale, il rapporto tra i bambini e le nuove tecnologie mediatiche risulta essere in netto aumento. Purtroppo molti dei genitori e, ancor peggio, gran parte degli insegnanti si fermano solo alla superficie nell’analisi dei messaggi contenuti nei molteplici input multimediali a cui vengono sottoposti i bambini sin dalla tenera età. Anzi, molti dei genitori ammettono che il modo più efficace ed immediato per accontentare i desideri dei propri figli è quello di proporre loro un cartone animato. È vero che anche i cartoni animati rappresentano un passo in più verso la formazione del sé ma è altrettanto vero che le fiabe del repertorio tradizionale, definite da Bruno Bettelheim come prezioso materiale fantastico distillato dalla saggezza e dall'inventiva dei popoli, non possono e non devono essere considerate sorpassate, o addirittura giudicate diseducative e come tali proscritte. Come ogni mezzo di propagazione del sapere, il prodotto multimediale presenta aspetti positivi e negativi. Un vantaggio è sicuramente la rapidità di fruizione che lo caratterizza ma a ciò si può unire anche il binomio cultura-svago simbolico nella società moderna. A questo si ricollega, però, anche un enorme svantaggio di questo tipo di mezzo comunicativo, ossia la tendenza a considerare i prodotti della nuova generazione come un qualcosa a cui non dare troppo peso o importanza. Questo errore di valutazione vede raddoppiare il suo effetto negativo proprio negli utenti più giovani che, ritrovandosi di fronte all’odierno “bombardamento” proposto dai mass media senza possedere adeguati meccanismi di difesa, non sono in grado di reagire autonomamente discernendo il prodotto con sani principi da quello che punta ad uno scopo diverso da quello della propagazione di un sapere “neutro”. Nel periodo dell’infanzia il tempo libero occupa un’elevata percentuale della giornata e le rappresentazioni audio-visive recepite durante questo periodo sono sempre più in aumento e influenzano forse troppo la mente dei bambini (l’immaginazione, il pensiero, ecc.). In una società in cui si dà più peso alla quantità (numero) che alla qualità (contenuti) non stupisce, purtroppo, che l’infanzia sia destinata a consumare prodotti culturali di dubbia valenza educativa.

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2. 3. Questionario Per verificare in modo più sperimentale la parte d’analisi riguardante l’influenza dei prodotti multimediali, ed in particolare dei film d’animazione, sul pubblico infantile è stato somministrato un questionario avente come soggetto una delle nove principesse la cui storia è stata riadattata con firma Disney. La somministrazione è avvenuta su venti bambini e bambine d’età compresa tra tre e sei anni.

Figura 1. Percentuali del campione (età e sesso).

Lo scopo dello stesso è stato quello di verificare la teoria dello psicanalista austriaco Bruno Bettelheim secondo il quale “una fiaba perde molto del suo significato personale quando ai suoi personaggi ed eventi viene data sostanza non dall’immaginazione del bambino ma da quella dell’illustratore”. Le sue riflessioni, in particolare, sono famose in quanto indagano, analizzando la psiche dei bambini, l’importanza delle fiabe nella costruzione del significato: le fiabe, per lui, hanno un senso più profondo delle altre fonti di lettura per l’infanzia poiché iniziano a svilupparsi dal punto in cui il bambino realmente si trova nel suo essere psicologico ed emotivo, mentre è molto critico nei confronti di tutti i riadattamenti dei mass media. La formulazione del questionario è avvenuta in modo da ottenere uno strumento di rilevazione coerente con l’obiettivo d’indagine. Il breve questionario è stato somministrato a bambini in età prescolare e, quindi, l’unità d’analisi è ricollegabile a coloro che, in teoria dovrebbero essere stati sottoposti a meno influenze alla propria immaginazione, perché sottoposti ad un numero inferiore di input massmediatici. Sulla base delle finalità della ricerca è stata individuata anche la tipologia di questionario da somministrare. Data la giovanissima età dei bambini facenti parte del campione, si è preferito un questionario breve, somministrato da un intervistatore e incentrato su una particolare cura della dinamica psicologica propria della relazione che si viene a creare tra intervistato ed intervistatore, seguendo le nozioni basilari della comunicazione interpersonale per ''mettere a proprio agio'' il bambino intervistato.

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2. 3. 1. Presentazione del questionario Al fine di creare un’atmosfera distesa ed agevolare il flusso d’informazioni tra bambino ed intervistatore, il questionario inizia con alcune frasi introduttive formulate in seconda persona singolare, utilizzando, quindi, un tono informale o colloquiale (caratteristica che si ripresenta in tutto il questionario). Nella stessa introduzione viene anche esplicitato il titolo o tema su cui si incentra e prende spunto il test “LA SIRENETTA INCONTRA IL PRINCIPE UMANO”.

Figura 2. Esempio di questionario.

La somministrazione, non potendo essere troppo generica e riferirsi a tutti e nove i “film d’animazione principeschi” analizzati nella ricerca, si è concentrata su La Sirenetta, prodotto nel 1989 dalla Walt Disney Pictures e ispirato alla fiaba con titolo originale Den lille Havfrue (1836) dello scrittore danese Hans Chrisian Andersen. La scelta di questo cartone d’animazione è giustificata soprattutto all’innovazione apportata su di esso dalla produzione Disney: il ventottesimo lungometraggio animato è considerato, tra i nove “film principeschi”, il primo davvero moderno poiché dà una svolta alla ripetizione della trama e dei personaggi proposta dai tre classici che lo precedono (la stessa protagonista, per esempio, non è umana, bensì appartenente ad un’altra specie). Inoltre, le differenze tra fiaba e cartoon sono molto rilevanti e questo film è l’unico caratterizzato dall’avere un “rivale” di una certa importanza all’interno della produzione cinematografica statunitense dato che anche un’altra casa cinematografica, la Stardust, produsse, nel 1991, un disegno d’animazione omonimo, che ovviamente riscosse minore successo di pubblico pur seguendo con maggiore fedeltà la fiaba.

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Il questionario trova un “prologo” nella lettura di questo testo da parte del ricercatore: “Il sole era appena tramontato quando affacciò la testa dall'acqua, tutte le nuvole però ancora brillavano

come rose e oro; nel cielo color lilla splendeva chiara e bellissima la stella della sera; l'aria era mite e fresca e il mare calmo. C'era una grande nave con tre alberi, ma una sola vela era tesa perché non c'era il minimo soffio di vento; tra le sartie e i pennoni stavano seduti i marinai. C'era musica e canti e man mano che scendeva la sera si accendevano centinaia di luci multicolori. Sembrava che ondeggiassero nell'aria le bandiere di tutte le nazioni. La sirenetta nuotò fino all'oblò di una cabina e ogni volta che l'acqua la sollevava, vedeva attraverso i vetri trasparenti molti uomini ben vestiti; il più bello di tutti

era però il giovane principe, con grandi occhi neri: non aveva certo più di sedici anni e compiva gli anni proprio quel giorno. Per questo c'erano quei festeggiamenti! I marinai ballavano sul ponte e quando il giovane principe uscì, si levarono in aria più di cento razzi che illuminarono a giorno. La sirenetta si spaventò e si rituffò nell'acqua, ma poco dopo riaffacciò la testa e le sembrò che tutte le stelle del cielo

cadessero su di lei. Non aveva mai visto fuochi di quel genere. Grandi soli giravano tutt'intorno, bellissimi pesci di fuoco nuotavano nell'aria azzurra, e tutto si rifletteva nel bel mare calmo. Anche sulla

nave c'era tanta luce che si poteva vedere ogni corda, e naturalmente gli uomini. Com'era bello quel giovane principe! Dava la mano a tutti, ridendo e sorridendo, mentre la musica risuonava nella

splendida notte. Era ormai tardi, ma la sirenetta non seppe distogliere lo sguardo dalla nave e dal bel principe. Le luci variopinte vennero spente, i razzi non vennero più lanciati in aria, non si sentirono più colpi di cannone, ma dal profondo del mare si sentì un rombo, e lei intanto si faceva dondolare su e giù

dall'acqua, per guardare nella cabina; ma la nave prese velocità, le vele si spiegarono una dopo l'altra, le onde si fecero più grosse, comparvero grosse nuvole e da lontano si scorsero dei lampi. Sarebbe venuta

una terribile tempesta! Per questo i marinai ammainarono le vele. La grande nave filava a gran velocità sul mare agitato, l'acqua si alzò come grosse montagne nere che volevano rovesciarsi sull'albero

maestro, la nave si immerse come un cigno tra le alte onde e si fece sollevare di nuovo dall'acqua in movimento. La sirenetta pensò che quella fosse una bella corsa, ma i marinai non erano della stessa opinione; la nave scricchiolava terribilmente, le assi robuste cedevano sotto quei forti colpi, l'acqua

colpiva la carena, l'albero maestro si spezzò come fosse stato una canna; la nave si piegò su un fianco, e l'acqua subito la riempì. Allora la sirenetta capì che erano in pericolo, lei stessa doveva stare attenta alle assi e ai relitti della nave che galleggiavano sull'acqua. Per un attimo fu talmente buio che non riuscì a

vedere nulla, quando poi lampeggiò divenne così chiaro che riconobbe tutti gli uomini della nave; ognuno se la cavava come poteva; lei cercò il principe e lo vide scomparire nel mare profondo, proprio quando la nave affondò. Al primo momento fu molto felice, perché lui ora sarebbe sceso da lei, ma poi

ricordò che gli uomini non potevano vivere nell'acqua, e che anche lui sarebbe arrivato al castello di suo padre solo da morto. No, non doveva morire! Nuotò tra le assi e i relitti della nave, senza pensare che

avrebbero potuto schiacciarla, si immerse nell'acqua e risalì tra le onde finché giunse dal giovane principe, che quasi non riusciva più a nuotare nel mare infuriato.”4

4 Hans C. ANDERSEN, La Sirenetta, Milano, Mondadori, 2008, p. 6

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Si tratta di un estratto dalla fiaba originale. Ariel, la principessa del popolo d’Atlantica, vede per la prima volta il principe Eric. Il testo fornisce al bambino la possibilità di immaginare una propria rappresentazione caratteriale, sentimentale e fisionomica della sirenetta senza mai esplicitare come queste caratteristiche interiori ed esteriori della principessa vengono descritte dall’autore della fiaba. La scelta dei quesiti ha lo scopo di ottenere dai bambini uno specifico tipo di risposte ed informazioni su ciò che immaginano ascoltando una storia, cercando di capire se le risposte date alle domande provengono davvero da ciò che scaturisce nella loro fantasia o se la loro mente procede per associazioni guidate da qualcosa di estraneo al loro pensiero. Il questionario, onde evitare la distrazione dei bambini non abituati ad essere sottoposti a dei test, è composto di sole otto domande a risposta chiusa le quali prevedono un ventaglio di tre risposte definite a priori dal ricercatore. Di queste, le prime due sono domande di base che indagano le caratteristiche anagrafiche (età) e di genere (sesso) del bambino intervistato, le seguenti cinque interessano più direttamente l’oggetto in analisi e l’ultima fornisce un rilevante aiuto nella comprensione di possibili influenze disneyane presenti nei bambini, facendo capire se queste sono determinanti o meno nelle loro risposte. Andando più nel dettaglio rispetto alle domande che si focalizzano sull’oggetto d’analisi, la terza domanda del questionario (“SECONDO TE, DI CHE COLORE SONO I CAPELLI DELLA SIRENETTA?”) si ricollega ad una delle più evidenti particolarità della sirenetta della Disney che è quella di avere i capelli rossi, in contrasto con la descrizione presente nella fiaba e la caratterizzazione riscontrabile ne La Sirenetta della casa cinematografica Stardust. La quarta domanda, ossia “NELLA TUA IMMAGINAZIONE, QUAL È L’AGGETTIVO CHE DESCRIVE MEGLIO LA SIRENETTA?”, è mirata a comprendere se le intenzioni esplicitate dalla Walt Disney sono davvero ricollegabili all’immaginario comune presente negli infanti, ossia che Ariel è una ragazza coraggiosa e di valore, non solamente bella. La domanda che recita “COME MAI LA SIRENETTA NON STA CON GLI UOMINI?” si ricollega alla singolare rappresentazione della diversità descritta nella fiaba (anche nella parte presentata), un punto che non può sfuggire neanche in seguito alla visione del cartoon Disney. La successiva domanda (“COSA PROVA LA SIRENETTA VEDENDO IL PRINCIPE PER LA PRIMA VOLTA?”) ha una finalità simile a quella ricercata con la quarta risposta, ossia capire se sono rilevanti le differenze tra le risposte di chi ha visto il cartone d’animazione e chi no, ed in più tende a sottolineare l’importante differenza presente tra la fiaba e il film in riferimento alla relazione tra Ariel e gli esseri umani: nel cartone ciò che la sirenetta inizialmente vede nel principe Eric è solamente il suo aspetto fisico, nella fiaba lo ammira provando quasi invidia per l’anima immortale che caratterizza la sua specie. La settima domanda si ricollega al finale molto diverso che si presenta tra fiaba e cartone animato e, per un bambino che ha fruito di una delle due rappresentazioni, il “COME FINISCE, PER TE, LA STORIA TRA IL PRINCIPE E LA SIRENETTA?” potrebbe influenzare la risposta al quesito.

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A questo scopo è proposta anche l’ultima domanda “AVEVI MAI SENTITO PARLARE DI UNA SIRENETTA PRIMA DI OGGI?”. Questo quesito, ricollegandosi a tutte le domande somministrate in precedenza, aiuta il ricercatore a capire se nel soggetto in esame vi siano stati degli input precedenti prodotti dalla visione di audio-visivi o dall’ascolto di racconti che possono aver influenzato i bambini nella loro immaginazione e, conseguentemente, nelle loro risposte. A conclusione del test è richiesto ai bambini di disegnare la scena descritta nella storia raccontata a inizio questionario così come la immaginano – grazie alla loro fantasia – in modo da permettere la massima espressione all’intervistato. La scelta del disegno come mezzo espressivo è anch’esso preso in riferimento all’età che caratterizza i bambini intervistati.

2. 3. 2. Analisi delle risposte Nell’analisi delle risposte date dai bambini ai questionari, la domanda numero otto viene presa come elemento differenziatore nell’insieme dei venti bambini intervistati (figura 3.). Lo studio tende a confrontare le risposte di quei bambini che conoscono o hanno visto il film d’animazione de La Sirenetta proposto dalla Disney con le risposte dei bambini che non hanno mai fruito né del cartoon né della fiaba. Purtroppo un ulteriore confronto tra la percezione della fiaba rispetto a quella del lungometraggio non è stato possibile a causa del fatto che nessuno degli intervistati era a conoscenza della fiaba di Andersen.

Figura 3. Suddivisione del campione.

Il grafico a barre evidenzia che, su venti bambini del campione, tredici intervistati hanno risposto al questionario avendo in mente il modello proposto da un prodotto multimediale (in tutti i casi è stato esplicitamente citata la casa cinematografica Walt Disney Pictures), mentre gli altri sette si sono basati unicamente sulla loro inventiva, ossia sull’output creatosi nella loro immaginazione grazie alla lettura del testo da parte del ricercatore. La conoscenza della fiaba olandese da parte di questo campione di bambini in età prescolare ottiene riscontri negativi.

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Questo è un elemento a conferma del cambiamento in atto nel modello educativo: nell’era digitale, insomma, le sorpassate pagine stampate lasciano spazio ai moderni flussi di bit. Inoltrandosi più approfonditamente nell’analisi, è possibile notare come le risposte alla domanda numero tre siano strettamente collegate a input esterni alla lettura della fiaba proposta all’inizio della somministrazione (figura 4.).

Figura 4. Confronto, per conoscenza del film d’animazione, delle risposte alla terza domanda.

Grazie a questa analisi emergono importanti differenze tra i due gruppi in cui il campione è stato suddiviso. Infatti, tutti i bambini che affermano di aver visto il cartone animato datato 1989 associano alla chioma del personaggio il colore rosso; per l’altro gruppo si riscontra una varietà delle risposte. Questa disuguaglianza è ricollegabile a due fattori: il primo è sicuramente il fatto che il colore dei capelli è, per la sirenetta della Disney, uno degli elementi esteriori più caratterizzanti; il secondo è che la memoria visiva è, nei bambini, ben sviluppata. Il quesito quattro riporta un risultato più similare tra i due gruppi del campione: entrambi hanno una propria “risposta preferenziale” all’interno delle tre opzioni proposte (figura 5.).

Figura 5. Confronto, per conoscenza del film d’animazione, delle risposte alla quarta domanda.

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In questo caso le risposte simili tra loro sono osservabili anche nel gruppo di coloro che non conoscono, né tramite la fiaba né grazie al film d’animazione della Walt Disney, il personaggio della sirenetta: l’aggettivo scelto in questo caso è quello relativo al suo coraggio. Ma anche nel gruppo di chi ha visto il film le risposte convertono tutte sull’opzione in cui si esalta la bellezza caratterizzante Ariel, la protagonista de La Sirenetta. Anche in queste risposte è risaltato l’impatto visivo che va a influire sull’immaginazione. In più, l’obiettivo della casa di produzione cinematografica – presentare un’eroina Disney coraggiosa e di valore, non solamente bella – non riesce ad arrivare al pubblico. Continuando nel confronto delle risposte, sono di facile analisi quelle fornite per i quesiti numero cinque (figura 6.) e numero sei (figura 7.). Si tratta delle due domande più interpretabili all’interno del questionario.

Figura 6. Confronto, per conoscenza del film d’animazione, delle risposte alla quinta domanda.

Questa domanda, come già detto nell’introduzione al questionario, si ricollega alla singolare rappresentazione della diversità descritta nell’estratto della fiaba somministrato e nel film d’animazione Disney. Ancora una volta, le risposte date dai bambini che hanno visto il lungometraggio de La Sirenetta risultano essere orientate sulla medesima opzione, anche se in questo caso coincide con gli scopi comunicativi della Walt Disney Pictures. I risultati dei test dell’altro gruppo confermano la varietà di risposta riscontrabile anche per gli altri quesiti. La successiva domanda evidenzia, ancora una volta, rilevanti differenze tra le risposte di chi ha visto il cartone d’animazione e chi non lo ha visto. Infatti, l’omologazione degli sguardi è l’elemento che caratterizza i primi, mentre i secondi rispondono in modo più libero e spontaneo.

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Figura 7. Confronto, per conoscenza del film d’animazione, delle risposte alla sesta domanda.

Passando ad analizzare le risposte alla domanda numero sette (figura 8.), ecco ripresentarsi all’occhio del ricercatore un riscontro simile a quello ottenuto per la terza domanda.

Figura 8. Confronto, per conoscenza del film d’animazione, delle risposte alla settima domanda.

Questa domanda si ricollega al finale molto diverso tra la fiaba ed il cartone animato. Viene confermato, quasi nella totalità dei casi, che i bambini, in seguito alla visione del film, non possono dimenticare il classico happy end disneyano. Chi, invece, è svincolato da input massmediatici fornisce anche questa volta risposte statisticamente più ragionevoli.

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2. 3. 3. Interpretazione dei disegni Prima ancora di saper parlare, camminare, o fare qualsiasi cosa, il bambino disegna. Nell’età prescolare, un buon metodo per cercare di capire cosa provano o cosa immaginano i bambini può essere quello di farli disegnare per poi osservare le loro creazioni. Infatti, attraverso il disegno, l’infante racconta qualcosa: l’importante è lasciare che si esprima in libertà sulla carta, senza pressioni; si dovrebbe fornire un foglio e dei colori lasciandolo tracciare i suoi pensieri. Riassumendo, il disegno contiene un gran numero d’informazioni per interpretare e capire la psiche infantile. La somministrazione dell’ultima parte del questionario è avvenuta seguendo questi basilari spunti di psicologia infantile. Ad ognuno dei venti bambini, dopo aver ascoltato la lettura della fiaba ed aver risposto alle otto domande, è stato richiesto di fare un disegno che rappresentasse la storia narrata dal ricercatore. È possibile interpretare i disegni dei venti bambini del campione prestando attenzione alle tre variabili rappresentate dal sesso del bambino/a, dall’età e dagli input esterni ricevuti. Per quanto riguarda la differenze dei disegni delle bambine rispetto a quelli dei bambini, non sono state riscontrate differenze sostanziali nella metodologia di rappresentazione dell’estratto della fiaba narrata. Lo stesso risultato d’analisi è riscontrabile distinguendo i disegni basandosi sulla variabile dell’età: tralasciando la precisione di realizzazione, sorprende che la scelta dei soggetti e dell’ambientazione non sia più ragionata e fantasiosa nei disegni dei bambini più grandi (con più esperienza) rispetto a quelli più piccoli. Anche nell’analisi dei disegni dei venti bambini come nel confronto delle risposte alle domande del questionario, risulta che i dati più interessanti per la ricerca sono quelli relativi al gruppo di bambini che hanno risposto affermativamente alla domanda otto, ossia di coloro che conoscono il lungometraggio La Sirenetta prodotto dalla Walt Disney. In questi tredici disegni le somiglianze tra le rappresentazioni della sirenetta sono davvero significanti. Tra queste è possibile sottolineare le seguenti caratteristiche:

! In tutti i casi, Ariel è caratterizzata dall’avere i capelli rossi (o arancioni) e lunghi; ! La parte superiore del bikini della sirenetta è spesso di colore viola e di forma

arrotondata (seno prosperoso); ! La coda è, quasi nella totalità delle raffigurazioni, verde e di forma allungata.

Risalta, così, l’omologazione degli sguardi di questi tredici bambini dovuta alle informazioni pregresse fornite dal cartone animato. Questo dato è ricollegabile al grande impatto prodotto dagli input visivi in ognuno di noi, in particolare durante l’infanzia. Diversamente, i bambini che non conoscono il personaggio della sirenetta, disegnano una propria versione di Ariel, totalmente svincolata da un’immagine già presente nella loro mente. L’immaginazione non produce in loro nulla d’astratto: si tratta di disegni-imitazione del mondo esterno con cui sono a contatto. Si imita un modello non massmediatico che spesso porta i bambini a raffigurare

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inconsciamente il personaggio seguendo una propria versione del mondo che li circonda: è per mezzo di essa che rivelano la loro personalità e allenano la loro immaginazione. Andando oltre l’analisi basata sulle tre variabili sopra citate, è importante evidenziare la mancanza di dettagli che accomuna sedici dei venti disegni presi in analisi. Anche se la consegna più volte esplicitata del ricercatore ai bambini era quella di rappresentare la storia ascoltata, solo in quattro disegni è possibile notare la raffigurazione di dettagli citati durante la narrazione della fiaba di Andersen, come ad esempio la nave, l’oblò ed i fulmini. Gli altri disegni presentano solamente la sirenetta in alcuni casi affiancata del giovane principe. L’ambientazione è piuttosto ridotta: in più di un caso non vengono raffigurati né il mare né il cielo per fare da cornice al protagonismo della figura di Ariel. La mancanza di dettagli nel disegno libero della maggior parte di questi bambini potrebbe essere collegabile alla scarsa abitudine all’ascolto di fiabe narrate da parte degli stessi. Chi vede solo cartoni animati, dice la psicologia infantile, non è abituato alla descrizione come coloro che si rapportano di più con la letteratura per l’infanzia, soprattutto se la lettura viene effettuata con la giusta prosodia dal narratore: chi ascolta i dettagli è più portato alla loro rappresentazione sul foglio bianco.

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3. RISULTATI DI RICERCA

In questo capitolo sono affrontati nuovamente i temi appartenenti alla sociologia della cultura sopra descritti e presentati quali importanti fonti d’analisi all’interno della ricerca. Sono riproposti nel paragrafo 3. 1. in chiave di lettura più critica e con riferimenti diretti ai nove “film d’animazione principeschi”. Il paragrafo 3. 2., invece, valuta quale sia l’effettiva valenza educativa della produzione disneyana selezionata all’interno del campione.

3. 1. Problemi legati al genere e alla culturalità

Ormai da molti anni, il termine “prodotto di massa” è considerato da sociologi e studiosi una “garanzia” di velocità nella produzione, pochezza nei contenuti e massima ricerca nei guadagni. È seguendo questa linea che l’industria culturale presenta al pubblico, ormai sempre più omologato, i suoi prodotti: da uno stereotipo (situazione o personaggio standard) si sviluppa un prodotto; nell’ideazione si spreca la minor quantità di tempo e denaro possibile garantendo un guadagno maggiore. A seconda del mezzo attraverso il quale un determinato contenuto viene trasmesso, la forma e molte caratteristiche di quel contenuto dovranno essere adattate al mezzo stesso (non a caso esistono i riadattamenti). Quella di riadattare una determinata produzione realizzata con fortuna da un altro media è una consuetudine ormai praticata spesso. Anche i “film principeschi” (tranne Aladdin e La Principessa e il Ranocchio), come già presentato al paragrafo 2. 1. 3., si rifanno a trame già scritte e diffuse nel panorama culturale mondiale. Quello che la Disney, però, troppo spesso non comprende è che una fiaba, pur essendo un prodotto volutamente anacronista, trasmette messaggi sempre attuali. Queste caratteristiche non possono essere riportate da un prodotto cinematografico che, in quanto tale, dovrebbe essere il più possibile contestualizzato e per questo dovrebbe svilupparsi seguendo i suoi tempi e la società che lo ha prodotto. La Walt Disney Pictures, nel corso degli anni, ha sempre cercato di portare innovazione all’interno dei propri prodotti, seguendo i suggerimenti, molte volte opprimenti, della critica. Grazie alla volontà di migliorare, l’azienda ha eliminato molti dei suoi punti deboli ma il lavoro da svolgere rimane ancora considerevole: quando la casa cinematografica ha tentato di cambiare registro, infatti, il successo non è stato sempre quello sperato. Analizzando i nove cartoons citati nella filmografia di campionamento, non è difficile riscontrare anche alcuni problemi o punti negativi che caratterizzano la trasmissione dei messaggi nella produzione della Walt Disney Pictures.

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Stereotipizzazione

“Dai primi anni settanta ad oggi molti sociologi hanno esaminato come i prodotti culturali di massa riproducano gli stereotipi razziali e di genere”.

Wendy Griswold5

Chiaramente, la stereotipizzazione può avere un effetto negativo e, come per la trasmissione d’altre forme d’informazione, anche gli stereotipi di genere possono essere tramandati di generazione in generazione dato che molti studi dimostrano che gli stereotipi sono insegnati o trasmessi ai bambini fin dall'età di quattro anni. Quello della stereotipizzazione è uno dei punti deboli più opprimenti per la casa cinematografica di Burbank, al quale si è cercato più volte di porre rimedio. Appare in Disney come elemento forte sotto due punti di vista: genere e razza. L’analisi dei “film principeschi d’animazione” in Disney ha portato, effettivamente, a conclusioni non del tutto positive. Riguardo alla figura stereotipata della donna, nei primi tre cartoons d’animazione, creati tra la fine degli anni ’30 e la fine degli anni ’50, Biancaneve, Cenerentola e Aurora sono tre signorine che sperano di sposare i loro innamorati già pochi secondi dopo averli incontrati. Questo cambiò (solo leggermente) tra gli anni ’80 e gli anni ’90 con Ariel, Belle e Jasmine, tre damigelle che acquistano un senso d’avventura e di sfida. Il tutto culmina con Pochaontas, Mulan e Tiana, tre donne forti abbastanza da lottare per ottenere quello che vogliono. Analizzando i già citati cartoons più da vicino ed in ordine cronologico, è possibile riscontrare molti punti deboli e soffermarsi su alcuni punti d’interesse. Nel primo lungometraggio animato della Disney, Biancaneve e i Sette Nani, non a caso, in una delle prime scene del film, compare la protagonista cantando “io sogno la felicità che un giorno verrà”. Il principe sente la sua voce e appare nel riflesso di un pozzo: questo è l’unico momento in cui questo personaggio compare all’interno della narrazione prima della classica conclusione a lieto fine in cui risveglia la principessa dormiente con un bacio di vero amore. Tutte le eroine dei classici Disney sono delineate da questo tipo di scene: l’amore è ridotto ad un unico, magico e libidinoso momento che dura per l’eternità. Un altro elemento curioso di Biancaneve è che lei è un’esperta di pulizie. È quasi evidente che, ai suoi esordi, la Disney propose un modello di donna casalinga di professione e nata apposta per trovare marito. In riferimento a questa osservazione, è doveroso far notare a chi non vi avesse prestato caso, che Biancaneve si sente in dovere di svolgere le faccende di casa: pulisce senza che nessuno glielo chieda anche la casa dei sette nani appena vi entra. Cenerentola e La bella addormentata nel Bosco presentano situazioni simili: entrambe le 5 Wendy GRISWOLD, Sociologia della cultura, Bologna, Il Mulino, 1997, cit., p. 124

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protagoniste hanno una canzone il cui testo si riferisce alla loro volontà e al loro sogno di incontrare un principe. In una foresta, Aurora de La bella addormentata nel Bosco, canta di un principe dei sogni e, insieme ai suoi amici animali, incontra il principe Filippo. Aurora non sa di essere una principessa e già sua promessa sposa, ma è amore a prima vista. I due cantano assieme, discutono di matrimonio a pochi minuti dal loro incontro e pianificano di incontrarsi la notte stessa. Il climax di questo film è raggiunto quando il principe è sottoposto alla prova di raggiungere il castello e salire fino alla stanza in cima alla torre più alta per baciare la principessa e risvegliarla dal sonno impostole dalla maledizione: curiosamente, in modo molto simile trova un suo epilogo anche Biancaneve e i Sette Nani. In Cenerentola, il principe (a cui non è dato neanche un nome) non riesce a salvarla da solo, ma necessita l’aiuto della Fata Smemorina e di tutti i suoi amici animali che accorrono al salvataggio. In ogni caso, conosce il principe al ballo e i due dicono immediatamente di essere innamorati con il loro duetto “Allora è questo amore”: s’incontrano solo una volta e già parlano di matrimonio. Kathi Maio, nel suo articolo intitolato “Disney’s Dolls”, descrive questo tipo di donne come “felici casalinghe-nate che mentono in uno stato di sospensione fino a quando un uomo della loro la vita”6. In questi primi tre “film principeschi”, ci si confronta con un’immagine della donna nettamente stereotipata e rinchiusa nei pregiudizi immutati della mentalità dell’epoca. La qualità immancabile per essere una vera donna è la bellezza che “salva” il personaggio dai loro problemi o dalle loro condizioni sfavorevoli. Dopo la morte di Walt Disney nel 1966, la prima principessa Disney che raggiunge gli schermi risulta essere un po’ diversa da quelle che il fondatore della compagnia presentava al suo pubblico: questa principessa ha la coda e vive sott’acqua, ma queste non sono le uniche cose che la rendono diversa. Ariel de La Sirenetta è più indipendente delle tre principesse che la precedono. Il suo sogno è di avere avventure a stretto contatto con gli esseri umani. Come i precedenti “film principeschi” Disney, presenta anch’esso dei numeri musicali che esprimono i desideri e le volontà della principessa, ma, a differenza degli altri, questo film d’animazione vuole trasmettere la necessità di entrare a contatto con qualcosa di diverso da ciò a cui si è abituati. Inoltre, diversamente dalle altre principesse Disney, Ariel non si sottomette mai ai suoi obblighi né obbedisce agli altri. A dispetto di queste caratteristiche innovative nella figura della principessa, anche lei cade nella trappola Disney dell’amore a prima vista e decide di rinunciare al suo mondo e a tutti i suoi cari per poter stare accanto al principe Eric. Ecco che lo stereotipo si ripresenta: ciò di cui necessita davvero una donna è il solido appoggio che le può essere procurato solo da una figura maschile. Non si può negare alla Disney di aver compiuto un passo avanti grazie a questo cartoon, ma all’evoluzione della rappresentazione 6 Kathi MAIO, Disney’s Dolls, in “New Internationalist”, 1998, cit., p. 1

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dell’interiorità è solo apparente, così come quella dell’aspetto fisico. Il messaggio proposto rimane sostanzialmente immutato. Il successivo film, evita la trappola dell’amore nato con il primo sguardo. L’eroina presentata non è esattamente una principessa, ma s’innamora di un principe: la differenza con le altre protagoniste è che questo non succede immediatamente. Infatti, si tratta del primo film principesco della Disney dove vediamo una storia d’amore in cui i due amanti cercano di conoscersi l’uno con l’altra prima di innamorarsi. Dopo anni d’esperimenti falliti, ecco riuscito il tentativo di presentare il personaggio femminile più indipendente non solo nel modo di agire, ma anche in fatto di sentimenti amorosi. Rimane una caratterizzazione esteriore basata sulla bellezza della protagonista, anche se, prima della diffusione di questo film, la Disney dichiarò di voler veicolare un preciso messaggio chiave: nella nostra società orientata all'immagine, l'immagine non è tutto. Probabilmente si cerca di contestare la cultura, soprattutto americana, della "moglie trofeo o gioiello da esibire” solamente facendo sembrare Belle un po’ più acculturata delle altre protagoniste, ma lo scopo dell’azienda non fu raggiunto a causa di questo simbolismo incompreso. Il film d’animazione che segue presenta una relazione tra i due protagonisti simile a quella che è presentata tra la Bestia e Belle. Si tratta del film Aladdin. Jasmine, la figlia del sultano, non sta affatto cercando un principe: lei è una ragazza esuberante che non intende sposare il primo pretendente. Conosciuto Aladdin in modo casuale, il ragazzo incomincia ad essere attratto da lei, ancor prima di sapere che si tratta di una principessa. All’inizio Jasmine non è attirata da lui ed è contrariata dalla sua arroganza ma, dopo che Aladdin le permette di vedere il mondo dal suo tappeto volante, lei è convinta dal suo fascino e dal suo spirito libero. Ariel, Belle e Jasmine sono donne che vanno contro le convenzioni del mondo che le circonda al fine di trovare la propria versione del “vivere per sempre felici e contente”. È innegabile un miglioramento, ma queste principesse sono ancora damigelle in difficoltà e quando s’imbattono in una situazione pericolosa hanno bisogno dell’aiuto di qualcuno, spesso del loro amante del quale non possono fare a meno di innamorarsi. Possiedono, innegabilmente, come qualità primaria la bellezza e sono caratterizzate dall’essere presentate molto più approfonditamente sotto il profilo sia fisico che emotivo o dei valori. Questo è ciò che la Walt Disney tenta di cambiare nelle tre produzioni successive. Nel 1995, viene presentata una donna il cui mondo viene scoperto da popolazioni lontane, una donna che è pronta ad immolarsi per una giusta causa se questo risultasse essere necessario. Questa donna è Pocahontas che incontra e s’innamora del capitano John Smith. Si tratta di un amore con un finale insolito. Questa è la prima protagonista che ritrova la sua armonia e la sua serenità non nella relazione amorosa ma nella natura e con la sua gente. È vero, il mito della bellezza non viene neanche in questo caso sfatato, ma lo stereotipo di genere, sempre più lontano dalla figura della donna come perfetta casalinga e perfetta moglie si allontana nettamente anche se, purtroppo, non definitivamente. Il nome dell’eroina del successivo cartoon è Mulan, una ragazza cinese che delude le

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aspettative del suo villaggio che la vuole casalinga e si arruola nell’esercito come uomo. Probabilmente cresce in una cultura che la vorrebbe di più come Cenerentola o Aurora, ma non è come loro. Porta avanti l’onore della sua famiglia e del suo villaggio comportandosi in pubblico come le regole stabiliscono, ma le cose cambiano in altri momenti. Quando gli Unni invadono la Cina, Mulan si traveste da uomo e si arruola. È un nuovo tipo di eroina Disney, ancora più innovativa della sua precedentrice. Non è alla ricerca di romanticismo né vuole conoscere posti nuovi: è una donna che desidera proteggere le persone che ama e si appoggia solo su se stessa per raggiungere i suoi scopi. Il film introduce un interesse amoroso per la protagonista, il generale Li Shang, ma non vi si focalizza mai nella storia, ed in più, Mulan diventa la damigella che salva tutti gli uomini dalla minaccia degli Unni: da questo punto di vista, è un grosso passo avanti per la casa di produzione cinematografica. Passati ben undici anni da questo film, ecco che la Disney propone nelle sale cinematografiche il cartone d’animazione La Principessa e il Ranocchio. Come le due che la precedono, anche questa protagonista combatte per qualcosa che le sta molto a cuore, ma questa volta non si tratta di mantenere alto l’onore della famiglia o di salvare il proprio popolo. Tiana desidera più d’ogni altra cosa possedere un proprio ristorante, uno scopo di certo meno nobile ma che le permetterebbe di ottenere indipendenza e autorealizzazione. Una serie d’avventure la vedono trasformata in rana, ma il ranocchio che condivide con lei il lieto fine, con relativo bacio, si rivela un principe che fa di Tiana la classica principessa disneyana, con corona e abito azzurro. Lo stereotipo della fanciulla indifesa viene anche qui messo in disparte per lasciare spazio alla figura di una donna intraprendente e il finale non va contro gli obiettivi della protagonista. Confrontando queste ultime tre principesse e guardando alla loro caratterizzazione da un altro punto di vista, è possibile notare l’altra faccia della medaglia. Pocahontas sacrifica il suo amore per uno scopo più alto ma per riuscire ad ottenere ciò che vuole è costretta a supplicare sfruttando la sua posizione ed influenza; Mulan è una guerriera lottatrice, però deve vestirsi da uomo per comportarsi con fierezza; Tiana, senza dubbio, non deve spogliarsi dei suoi vestiti per ottenere ciò che desidera né tanto meno cerca aiuto sfruttando la sua posizione: cerca di ottenere il suo ristorante da sola. Se apparentemente potrebbe sembrare che l’ultima principessa porti la Walt Disney ad una regressione rispetto al superamento dello stereotipo di genere, ecco che anche questa impressione viene smentita non senza assodare l’effettiva necessità di un volta pagina definitivo su questo importante tema. Ovviamente, i ruoli di genere non sono spiegati ai bambini dai genitori nel loro gioco con i figli, ma anche tramite ciò che i genitori fanno vedere ai propri bambini. I film d’animazione Disney sono un modo semplice per trasmettere la socializzazione e i ruoli di genere, ma allo stesso tempo dev’esserci l’interazione umana e non si devono prendere per buoni tutti prodotti di cui è possibile fruire.

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Passando alla riflessione sullo stereotipo di razza, è significativo iniziare citando Roberto Lasagna: “Magari l’America non è Disney, ma certamente Disney è l’America”7. Sin dalla genesi dell’azienda, l’American Dream è un elemento saldo e presente. Le fiabe di lunga tradizione europea, le suggestioni orientali e la storie del Nuovo Mondo entrano nella fabbrica Disney per uscire trasformati in perfetti raccontini “made in U.S.A.”, pronti a loro volta per l’esportazione globale, visto che per il cinema americano è più importante il predominio sui territori esteri che il successo nel mercato interno. Parlare oggi della Walt Disney e dei suoi film, ragionare sulla colonizzazione culturale di cui essi sono stati ambasciatori, circoscrivere gli scenari socio-economici ad essi collegati, è importante perché Disney rappresenta un fenomeno precursore di un cinema diventato imperatore globale. La “trascrizione” da parte della Walt Disney Pictures di storie fiabesche a tema amoroso in cui i personaggi sono in totale armonia con la natura benevola e dove sono esaltate le classiche virtù americane, come il duro lavoro, è rimasta immutata da quando il fondatore della casa cinematografica creò Biancaneve e i sette Nani. I personaggi “stock” e le trame scontate e prevedibili hanno portato la critica a sostenere che i film Disney contengono addirittura alcuni elementi razzisti, oltre che stereotipi di razza. In merito al ritratto cinematografico della cultura e della differenziazione tra razze, ecco che si presenta un dilemma per la Walt Disney: la società deve mantenere i tradizionali valori americani anche se percepisce il mutare dei tempi della società d’oggi? Solo quattro dei nove film del campione sono rilevanti nell’analisi della rappresentazione della cultura e della razza in Disney: Aladdin, Pocahontas, Mulan e La Principessa e il Ranocchio. I cinque cartoons precedenti non si preoccupano nemmeno della possibilità di diffondere una cultura diversa da quella statunitense: l’unico di questi cartoni d’animazione che presenta il tema del multiculturalismo (La Sirenetta), lo fa in modo estremamente singolare perchè parla della possibile interazione tra due specie diverse. Aladdin, invece, è il primo dei nove lungometraggi a presentare un’ambientazione che si stacca dallo standard che lo precede. Pur nell’innovazione, anche questo film propone nei testi della colonna sonora e nelle immagini elementi negativi e stereotipati, così come sono presenti stereotipi etnici anche nella storia. Il film esordisce con la canzone “Notti d’Oriente” che, nella versione italiana, recita così:

“La mia terra di fiabe e magie, credi a me, ha i cammelli che van su e giù

e ti trovi in galera anche senza un perché: che barbaríe, ma é la mia tribù!”

7 Roberto LASAGNA, Walt Disney e il cinema, Alessandria, Falsopiano, 2001, cit., cap. 3.

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Questa traduzione non fa trasparire i toni offensivi della versione originale americana, la quale era talmente discriminatoria da scatenare le ire della “American-Arab Anti-Discrimination Committee” che con le sue proteste riuscì a far modificare le parole della canzone. Inoltre, i personaggi vili (come Jafar, il visir) hanno decisamente un look arabo, mentre l'eroe Aladdin, si fa chiamare con il soprannome Al ed è caratterizzato da un fresco viso americano. Un altro ritratto stereotipato degli Arabi nel film è riscontrabile nelle parole del narratore della storia che si auto-definisce come un brutto e sporco arabo. Come sempre, Disney non intende offendere nessuno perché questo sarebbe un cattivo affare. Il compito della Disney, ovviamente, è quello di cercare di rafforzare i presupposti culturali nel modo più efficace per raccontare una storia. La maggior parte del pubblico non si accorge neppure quando questo accade. È semplicemente causa della “Magia Disney”. A causa delle critiche razziali e culturali ricevute per il film in proiezione nei grandi schermi nel 1992, la casa cinematografica si propone come obiettivo di produrre un film accettabile da tutte le culture: Pocahontas è la risposta alla critiche a causa della razza o dei pregiudizi culturali, un cartoon che presenta il fiorire di una storia d’amore tra un capitano inglese ed una donna indigena del Sud America. Per assicurare un’imparziale e non discriminatoria rappresentazione dei nativi americani, Disney s’impegnò circa tre anni (dal 1992 al 1995). Nonostante gli sforzi, sono molte le critiche nei confronti delle distorsioni storiche del film. Non è servito consultare i discendenti dei Powhatans ne tanto meno le visite da parte di scrittori, registi, animatori, musicisti a Jamestown, in Virginia al fine di ricreare l'atmosfera dietro la storia di Pocahontas. La Disney ha commesso l’errore di rendere la dura realtà dei fatti una commedia con un lieto fine: nel tentativo di darne un'interpretazione allegra, il genocidio dei nativi americani si conclude nel film con la pace tra i nativi e coloni (non si fa menzione della decimazione finale della nazione Powhatan). La Disney, probabilmente, non presta attenzione al fatto che riadattare una storia vera richieda molti più sforzi e sensibilità. Mulan, il film dell’eroina cinese che salva il suo popolo dall’invasione unna, fallisce nel ricreare il significato dell’antica cultura e delle tradizioni della Cina già nelle primissime scene. La protagonista del cartoon, infatti, ha una sensibilità occidentale e, pur essendo attraente e comportandosi amorevolmente, non ricalca il rigore cinese. Si dimostra impattante per la psiche la doppia rivelazione che una donna, senza rinunciare alla sua cultura, possa essere sia asiatica che una principessa Disney e che il suo bel principe possa essere un uomo asiatico. Riadattando le leggende di queste due ultime eroine la Walt Disney Pictures ha voluto allontanarsi dalla routine fiabesca ma il risultato ottenuto dalla critica, soprattutto per quanto riguarda la diffusione dell’idea di multiculturalità, risulta alquanto demoralizzante. Compensa questo fatto il grande successo di pubblico, come di costume per questa azienda dello spettacolo. Trattando de La Principessa e il Ranocchio, critiche di razzismo e discriminazione sono state rivolte alla Walt Disney Company a causa del fatto che la protagonista, che inizialmente è una

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serva (per poi diventare principessa), sia afro-americana. Tuttavia in questo cartone d’animazione non sono presenti stereotipi di razza e le note di biasimo mosse nei confronti di Walt Disney sono state da molti considerate futili per la seguente motivazione: quasi la totalità delle principesse delle fiabe Disney (Biancaneve, Cenerentola, Belle, ecc.) prima di diventare personaggi regali sono persone di status umile. L'azienda ha ribadito che il colore della pelle è stato scelto proprio per dare una nuova "linea" alle future pellicole: si tratta di uno spirito d’innovazione non del tutto casuale perché Tiana, l’ultima principessa, nasce nella cosiddetta “era obamiana" e il successo dell’uscita del film nelle sale cinematografiche non poteva che essere aiutato dal grande fermento e dai numerosi consensi ottenuti (non solo in America) dal primo presidente di colore della storia degli Stati Uniti.

Dis-parità dei sessi Il genere è un argomento importante nella società odierna. La maggior parte delle persone sente la pressione derivante dagli stereotipi di genere senza realmente capire cosa sono e anche senza essere consapevoli della loro influenza sulla nostra percezione. I ruoli di genere sono le qualità e le caratteristiche che si ritengono intrinsecamente femminili o maschili. Così, ad esempio, secondo gli stereotipi di genere il posto di una donna è in casa, mentre il posto di un uomo è di lavorare per il mantenimento di tutta la famiglia. I personaggi femminili sono spesso descritti come passivi ed emotivi, con occupazioni come casalinga, cameriera o principessa, mentre i personaggi maschili sono considerati attivi e coraggiosi e descritti come insensibili o privi d’assistenza e sentimenti d'amore. Le scelte inerenti la carriera sono più attive ed interessanti rispetto a quelle fatte dai personaggi del gentil sesso: spesso occupano professioni, come militari o principi che hanno bisogno di salvare le principesse indifese. Alcune storie classiche o contemporanee che contengono stereotipi continueranno, probabilmente, ad essere lette a casa e a scuola. Sia i maschi che le femmine possono essere compromessi a livello intellettivo da questi stereotipi: le ragazze possono sentirsi inferiori o passive, i ragazzi incapaci di esprimere emozioni o sotto pressione per la realizzazione dei propri obiettivi. I mezzi di comunicazione utilizzano il genere a proprio vantaggio e le produzioni Disney non si comportano diversamente. Le imprese Disney (che includono stazioni radio, reti televisive e molte case di produzione) hanno esercitato una grande influenza sul pubblico, specialmente sui bambini. Attualmente molte persone stanno boicottando Disney a causa di ciò che alcuni pensano sia una mancanza di “valori familiari”. Molte persone sono interessate, in particolare, dalla rappresentazione delle donne e dal loro comportamento discutibile nei film d'animazione Disney. In genere le donne sono mostrate nei ruoli di principesse, regine o casalinghe: citando un banale esempio, Cenerentola è una inserviente che poi si trasforma in una principessa. Sembra anche che siano illustrate come asservite ai personaggi di sesso maschile che di solito dimostrano di avere un carattere forte, come Gaston in La Bella e la Bestia: questo personaggio è ritratto con un comportamento energico, il suo fine ottenere ciò

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che vuole, sia questo una ragazza o un oggetto materiale. Sembra che le donne siano viste come un bene in una società patriarcale: quando non sono più proprietà del loro padre, ecco che diventano proprietà di loro marito o di un altro uomo. Questo vale per Ariel che viene consegnata dal padre al principe Eric, per Jasmine di Aladdin e per Belle, la cui libertà viene scambiata con quella del padre Maurice dalla Bestia. Questi personaggi sono dei modelli per i bambini che guardano i film Disney, e rappresentano ancora il rafforzamento degli stereotipi di genere raffigurando gli uomini come coloro che usano il loro carattere forte e le donne come sottomesse.

Uniformizzazione delle culture Ci troviamo oggi in un mondo sempre più caotico e livellante che assorbe ed omogeneizza culture, ideali, tradizioni e sembra lasciare poco spazio al mistero della diversità, al fascino della scoperta dell’altro. Ciò che la Walt Disney Pictures sta promuovendo, non solo con i suoi “film principeschi”, è una quasi totale rivisitazione all’americana delle persone, delle cose e dei fatti. Negli anni la firma Disney contribuisce sempre più all'incremento dell’assimilazione dei modelli occidentali nel mondo. Sia grazie all’analisi dei lungometraggi che dallo studio condotto attraverso i questionari, è risultato che troppo spesso le rappresentazioni standardizzate trovano spazio nella produzione della casa cinematografica. Spesso le dichiarazioni dell’azienda hanno lo scopo di attenuare le critiche o i commenti negativi ad essa rivolti, ma probabilmente il modello americano che influenza la caratterizzazione dei personaggi (esteriore ed interiore) e la modalità di rappresentazione paesaggistica, così come altre caratteristiche riscontrabili all’interno dei lungometraggi, riscuote un tale successo da non poterne evitare la riproposta sui grandi schermi. La Walt Disney Pictures, insomma, non può essere valutata solo in quanto azienda inerente la settima arte, ma dev’essere inserita anche all’interno del contesto comunemente chiamato “fabbrica hollywoodiana”, con le sue regole, i suoi capisaldi e le sue tattiche di mercato. La cultura di massa, sempre più velocemente ed efficacemente, sta sostituendo la cultura alta e i mass media sono i principali diffusori di questa nuova forma del sapere che ha tra le sue conseguenze anche un livellamento della differenza tra le culture. La Walt Disney, in quanto azienda hollywoodiana, ha accettato il compromesso dell’adattamento alle preferenze del mercato per non andare in fallimento: il marketing ha prevalso e prevale tuttora sulla volontà della trasmissione della conoscenza attraverso una forma d’arte come il cinema.

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3. 2. Valenza educativa dei prodotti Disney

“I film che faccio non sono rivolti in primo piano all'infanzia: a meno di non considerare l'infanzia come simbolo dell'innocenza. Anche il peggiore di noi ha in sé dell'innocenza, per quanto possa essere

sepolta nel suo profondo. Nella mia opera, cerco di raggiungere e di parlare di questa innocenza”. Walt Disney

Dalla domanda di Henry Giroux rivolta ai suoi lettori inizia questa parte di riflessione nella ricerca: “ I film Disney sono adatti ai vostri bambini?”8. D'altronde il fondatore della famosa casa cinematografica non aveva alcuna considerazione per la psicanalisi. Gli eroi disneyani, soprattutto quelli dei film presi in analisi, sono tutti vittime di una fragilità costitutiva, esteriorizzata nella perdita o mancanza delle figure dei genitori. Disney rifiutò di vedere in questi film un significato che non fosse quello letterale della superficie dell’intreccio: l’analisi psicologica e qualsiasi forma di scavo nel profondo non presentavano ai suoi occhi alcun significato. Questo fattore, probabilmente, può essere considerato alla base della politica aziendale della Walt Disney Pictures: una volta ottenuto il successo di pubblico (anche se non quello della critica) non è necessario cambiare, se non in alcuni dettagli, il contenuto dei propri prodotti. Tutti gli elementi sopra commentati (la presenza di forti stereotipi di genere e di razza, la diffusione di una cultura livellata, ecc.) sono proposti agli infanti e contribuiscono alla loro formazione ed educazione. L’infanzia è un periodo critico nella formazione della persona e se ciò che la casa di produzione Walt Disney propone nei film d’animazione non è un “modello ideale” forse sarebbe più indicato proporre ai bambini le fiabe del repertorio tradizionale. Molti studi inerenti la scienza psicologica e le branche mediche della psichiatria e della psicoterapia confermano che per imparare a destreggiarsi nella vita e superare quelle che per lui sono realtà sconcertanti, il bambino necessita conoscere se stesso e il complesso mondo in cui vive. Ciò che occorre è un’educazione morale e idee sul modo di dare ordine e coerenza alla dimensione interiore: ad un bambino si devono fornire input astratti che permettano la stimolazione degli interessi e dell’immaginazione (attivazione dell’attenzione). La valenza educativa dei cartoni proposti all’infanzia è limitata. Questa evidenza è data, in primo luogo, dal fatto che lo stimolo all’uso autonomo dell’immaginazione è quasi assente: un bambino fruendo del cartone ha già tutto davanti ai suoi occhi e in seguito alla visione, anche ripetuta, del prodotto multimediale spesso non è più in grado di dare una descrizione dei soggetti o dei fatti non vincolata al tipo di descrizione propostogli dal prodotto stesso. Se si aggiunge anche la ripetizione dello “stereotipo di successo”, ecco che l’efficacia educativa del multimediale cinematografico sull’infanzia diminuisce a livello esponenziale. 8 Henry A. GIROUX, The politics of early childhood, New York, Peter Lang, 2000, vol. 10

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Criticare l’oggetto multimediale in sé in quanto contenitore di messaggi educativi di livello inferiore rispetto ad altri media può essere visto come un pacifico attacco all’evoluzione del processo comunicativo (giudicato più adeguato nel passato) soprattutto se relazionato all’infanzia. Ne consegue anche un rimprovero all’evoluzione tecnologica da cui la comunicazione umana attuale dipende o con la quale è comunque a stretto contatto. Ovviamente quest’analisi né nella parte compilativa e né nella parte più sperimentale pretende di andare contro il sistema di comunicazione attuale. Al contrario, si vuole evidenziare il fatto che il progresso porta alla predominanza di alcune necessità su altre. In questo momento la necessità è di prestare più attenzione al che cosa (parte contenutistica) si trasmette tramite i mezzi di comunicazione che veicolano prodotti multimediali piuttosto che al come lo si fa (parte estetica). Nella sua produzione, nonostante la propria storia commerciale fortunata, la Walt Disney Pictures non si eleva mai, per la qualità dei contenuti, rispetto alle altre aziende concorrenti nel campo cinematografico. Il successo dei primi decenni viene trasformato in moda e diventa troppo frequente la ricerca di un miglioramento sul piano grafico e dell’animazione piuttosto che sulla parte iniziale d’ideazione del lungometraggio. Anno dopo anno, film dopo film, le ripetizioni dell’azienda non annoiano il pubblico ma, al contrario, danno una certezza in più per gli acquirenti degli elaborati della decennale firma Disney, simbolo di qualità. I “film principeschi” sono quelli in cui è possibile riscontrare con più facilità questo punto debole della produzione Disney perché i nove film d’animazione a tema simile si presentano in un arco temporale abbastanza ampio. La Walt Disney Pictures ha una possibilità che non sfrutta, forse perché non si tratta di un elemento a scopo si lucro. Ha tutta l’influenza necessaria per dare una svolta qualitativa al mercato del disegno d’animazione: una prospettiva educativa in più per le fasce d’età più giovani aiuterebbe certamente alla formazione di una generazione con fondamenta più salde.

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4. DISCUSSIONI E CONCLUSIONI La ricerca si sviluppa in due sezioni distinte l’una dall’altra ed alterna parti compilative a ricerche sperimentali sull’argomento. L’oggetto d’indagine, studiato dai due punti di vista della valenza culturale – prima sezione – e della valenza educativa – seconda sezione – è rappresentato da un insieme di nove lungometraggi d’animazione della famosa casa cinematografica Walt Disney. I nove “film principeschi” trovano il loro successo nell’essere un riflesso della metamorfosi sociale e da ciò consegue il loro status di modelli per l’infanzia. Sia le ricerche che l’analisi e il questionario hanno portato a queste conclusioni: ciò che la Walt Disney presenta il più delle volte in questi nove lungometraggi è una visione-stereotipo sia del genere che della razza con tendenza all’uniformizzazione. A tutto ciò si aggiungono gli elementi dannosi per i bambini esposti a questo tipo d’input audiovisivi, i più importanti dei quali sembrano essere la riduzione dell’immaginazione personale dei bambini (non solo per quanto riguarda l’impressione estetica, ma anche nei livelli più profondi della caratterizzazione del mondo esterno) e la diminuzione della loro capacità di rappresentare i dettagli associabili alle informazioni di principale importanza. Se guardiamo alla definizione di “conoscenza” all’interno della lingua italiana, il termine starebbe ad indicare la consapevolezza e la comprensione di fatti, verità o informazioni ottenuti attraverso l'esperienza o l'apprendimento (a posteriori), ovvero tramite l'introspezione (a priori). Al giorno d’oggi la nostra comprensione, da cui deriva l’introspezione, è manipolata dalla volontà di alcune aziende che fanno parte dell’“industria culturale” di proporre i contenuti mirando al proprio interesse e non a quello del proprio pubblico. È la globalizzazione, fenomeno che ha permesso di superare le barriere materiali ed immateriali alla circolazione informazioni/idee ma con la controparte dell’uniformazione degli stili di vita/visioni ideologiche, in conformità col modello occidentale metropolitano. Non è più l’era del Principe Azzurro a cavallo, nella realtà in cui viviamo non esistono le matrigne-streghe però, nonostante questo, le principessine trovano spazio nella nostra società. L’influenza che i mass media hanno sulla nostra quotidianità è prodigiosa: persino la Walt Disney Pictures con i suoi lungometraggi apparentemente innocenti è riuscita a imporsi nella psiche di chi ne fruisce i contenuti. Resta solo il bisogno elementare di reagire contro la distorsione della conoscenza e, in ogni caso, tutto questo si può ottenere solo con la controinformazione. Ricollegandosi al tema di ricerca, gli spunti forniti dall’analisi possono essere l’inizio, per genitori ed insegnanti, di un consumo di prodotti multimediali per l’infanzia più consapevole. Tutto questo a favore dei bambini delle nuove generazioni.

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5. APPENDICI

In questo capitolo vengono presentati due temi accessori e complementari rispetto all’argomento di ricerca proposto. Nel paragrafo 5. 1. è presentato un riassunto della lunga discussione imbastita da alcune esponenti del femminismo come Kathi Maio e Susan Riley attorno allo scottante tema de “La rappresentazione della donna nella produzione Disney”. La Disney, infatti, sin dai suoi esordi, non è mai stata vista di buon occhio da questo movimento culturale, sociale e politico e le critiche non sono mai mancate, nemmeno nel “film principesco” del nuovo millennio La Principessa e il Ranocchio. Questa presentazione vuole essere il meno possibile estremista, in modo da permettere un punto di vista oggettivo rispetto all’argomento anche se alcune esponenti del femminismo hanno voluto imporsi spesso con frasi dure come quella in cui si afferma che " la magia del mondo Disney è 'assuefazione' come crack per i bambini di cinque anni". L’altro punto facente parte del capitolo (paragrafo 5. 2.) espone le possibili motivazioni del successo su larga scala di una delle più grandi aziende del mondo nel campo dei media e dello spettacolo, leader assoluta del mercato dell'intrattenimento infantile. Il più grande punto interrogativo rimane nella comprensione del punto di forza della Walt Disney Pictures: un’elevata qualità nei prodotti o una buonissima idea di marketing?

5. 1. Il femminismo ed il “Princess Complex” Nella catalogazione bibliografica a datazione più recente sono numerosi i libri, i saggi e gli articoli a matrice femminista che trattano il sostanzioso tema della rappresentazione della figura femminile nei prodotti multimediali diretti all’infanzia. Questa bibliografia non tratta approfonditamente solo il problema della pericolosità della diffusione di alcune nozioni simboliche in sé, ma ricerca anche le motivazioni dell’imposizione di alcuni modelli rispetto ad altri nella nostra società massificata. Inoltrandoci di più nel tema di ricerca, secondo alcune femministe, partendo da spunti cinematografici Disney riconducibili in gran parte ai nove “film principeschi, è possibile trovare gli insegnamenti fondamentali d’attrazione proposti dai mass media. La casa cinematografica statunitense, infatti, dipinge un proprio ”mondo rosa” il più stereotipato secondo la famosa studiosa Kathi Maio che definisce le donne Disney come “felici casalinghe-nate che mentono in uno stato di sospensione fino a quando vengono salvate dall’uomo della loro la vita”9, nulla è cambiato dagli antiquati ideali Disney degli anni quaranta e cinquanta: gli stessi ruoli di genere sono ripresentati nella cultura moderna. Secondo lei il riassunto della 9 Kathi MAIO, Disney’s Dolls, in “New Internationalist”, 1998, cit., p. 1.

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raffigurazione delle donne è che se si è magre, in forma, alte e con un grosso petto allora si è sexy. Guardando ognuna delle principesse Disney, non è difficile capire perché ogni bambina vorrebbe immedesimarsi in loro. Sono tutte belle e ricercate; hanno questi piccoli corpi perfetti che attraggono le altre persone: un principe non ha il tempo di innamorarsi della principessa ma solo del corpo che sfila davanti a lui. D’altronde, dicono le femministe, è la loro bellezza l’unica qualità che “salva” queste principesse dai loro problemi. La preoccupazione sollevata circa l'immagine del corpo delle principesse proposta dalla Disney ha due fronti: la tendenza verso la magrezza e l’inclinazione alla sensualità. Mentre questo argomento topico è stato più volte suggerito nell’analisi dei nove lungometraggi della ricerca, il problema degli effetti dannosi alla psiche di alcuni soggetti di sesso femminile durante l’infanzia o il età puberale può essere considerata una nuova questione aperta proprio da esponenti del femminismo come la già citata Kathi Maio e altre psicoterapeute e sociologhe come Ann Rakow ed Heidi Herberich. È nell’analisi sul piano psichico che entra in gioco il “Princess Complex”, quella tendenza di alcune ragazze che pensano di aver diritto alla felicità e alla ricchezza materiale, facendo convergere in questi desideri/bisogni tutto ciò che vogliono e pretendono dalle persone che le circondano. È un modello di vita egoistico sempre più diffuso tra le teenagers ed è un tipo d’atteggiamento totalmente acquisito, la maggior parte delle volte ricalcando esempi proposti dai mass media. C’è qualcuno che pensa che sia solo una fase che passa in seguito al mancato arrivo del Principe Azzurro, mentre altri studiosi la ritengono una deformazione incurabile. Resta il fatto che è un tipo di malattia assolutamente nuovo nato principalmente sotto l’influenza dei “film principeschi” (non solamente Disney), anche se questi prendono spunto da letteratura antecedente. Nessuno può negare che quello delle principessa sia l'archetipo più longevo di tutta la storia della letteratura. La facilità e la rapidità con cui un ossessione principesca può prendere possesso della psiche di una giovane ragazza è allucinante. L’analisi del “Princess Complex” da parte delle femministe si sviluppa in risposta alla visione vittimistica della condizione del gentil sesso, sfuggendo alle giustificazioni del comportamento da “donne sul piedistallo” di alcune ragazzine e andando oltre il problema del narcisistico auto-assorbimento. Ciò che una parte del movimento femminista cerca di fare è capire il perché della predominanza d’alcuni prodotti multimediali, negativi rispetto alla presentazione del soggetto femminile, su altri di contenuto più neutro. In poche parole, le esponenti del femminismo leggono in chiave negativa ed alcune volte criticano pesantemente quella parte della produzione Disney presa in esame in questa ricerca. Tanto più forte è la critica quando si sottolinea che la Walt Disney Pictures è una società che si colloca in una posizione molto forte in riferimento alla trasmissione di nozioni sulla cultura grazie al suo successo di pubblico e, di conseguenza, commerciale.

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5. 2. Disney: firma di fiducia o idea di marketing di successo? Senza alcun dubbio, Walter Elias Disney può essere considerato uno dei protagonisti della filmografia statunitense del XX secolo: è lui il creatore di una celeberrima fabbrica dello spettacolo che continua, quasi senza ostacoli, la sua corsa verso nuovi orizzonti.

“Alcuni individui dotati cambiano il mondo culturale in cui vivono gli esseri umani”. Wendy Griswold10

Si parla, in questa citazione con tema la sociologia della cultura, dell’importanza che alcune persone possono rivestire all’interno del cosiddetto "diamante culturale", un vertice del quale è occupato dalla figura del creatore. Gli altri tre elementi (gli oggetti culturali, i destinatari culturali e il mondo sociale) stabiliscono legami o connessioni tra loro e con il creatore culturale. Sono proprio queste connessioni che, molte volte, portano i destinatari culturali a fruire d’alcuni oggetti culturali piuttosto che altri. Analizzando sempre più il tema oggetto della ricerca, senza nulla togliere al talento, molte volte è vero che il mondo culturale non porta in primo piano, sul panorama nazionale o internazionale, solamente “il genio” di una persona. A questo punto di forza (comunque fondamentale per un successo di pubblico nel tempo) è necessario aggiungere una discreta quantità di marketing, il filtro che fa si che la dote del singolo riesca a diventare parte delle conoscenze dei facenti parte del pubblico. Da oltre mezzo secolo si parla di Disney, se ne leggono le storie, se ne vedono i film, si acquistano con entusiasmo gli infiniti gadgets. Le prove iniziali appartengono ormai alla sacra storia delle grandi innovazioni nell’ambito del divertimento di massa, e di quello cinematografico in particolare. Per lo spettatore comune e per la gente semplice Walt Disney divenne il “mago” o il “poeta”. O, meglio ancora, un narratore davvero eccezionale che radunava in sé la capacità, la fantasia, l’istinto onirico, l’ingegno, la sapienza rattenitiva, l’immaginazione e la creatività dei fratelli Grimm, di Perrault e di tanti altri ancora. Una specie di “mostro favoliere”, nel senso buono del termine, riconosciuto come l’unico in grado d’offrire ai giovanissimi il giusto divertimento e rallegranti ore di svago. Insomma, un sicuro ed indiscusso punto di riferimento in fatto di racconti “adatti” per la fanciullezza e la gioventù. Su questi principi e su queste convinzioni, ma è anche doveroso aggiungere su questi condizionamenti, si sono formate diverse generazioni: quelle degli anni trenta, quaranta e forse cinquanta. Con il trascorrere del tempo e con l’apparizione (in Europa nel primo dopoguerra) d’alcuni lungometraggi, indiscutibilmente raffinati nella tecnica e certo abili nei richiami spettacolari come Biancaneve e i sette Nani, il fascino della firma si venne consolidando ulteriormente, sino a totalizzare ogni 10 Wendy GRISWOLD, Sociologia della cultura, Bologna, Il Mulino, 1997, cit., p. 68

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interesse del pubblico in fatto di disegno animato. Agli altri autori – ai Fleischer, agli Iwerks, agli Avery, ai Freleng, per citarne alcuni – la produzione Disney lasciò al massimo le briciole dell’udienza popolare. Forte di una struttura estremamente calibrata nelle sue parti e di una managerismo interdisciplinare (fumetti, cinema, gadgets) essa ha, quindi, badato a non perdere terreno ed affidabilità con una serie di nuove realizzazioni dopo il periodo aureo, in genere lanciate sul mercato mondiale ogni due anni a cominciare dal disegno animato di Cenerentola. A metà degli anni sessanta (Walt Elias Disney muore nel 1966), con un’iniziativa che può apparire un fatto elementare e di scarsa rilevanza industriale, la Disney realizza il riciclaggio dei suoi prodotti, ossia la ripresentazione – con scansioni temporali ben ragionate – dei titoli che maggiormente avevano suscitato l’adesione della platea. Alla resa dei conti, le affermazioni al botteghino di film “superati” provano con quanta audacia imprenditoriale siano state immaginate e condotte siffatte operazioni di recupero non svolte, evidentemente, sull’unico fronte della rappresentazione cinematografica, ma accompagnate da un’articolata e promozione sviluppata sui diversi media a disposizione: giornalini per ragazzi, raccolte di figurine, ristampe di libri, antologie rievocative, ecc. Il ragionamento di base su cui hanno lavorato gli esperti ed i programmatori della Disney non teme smentite perché, come già detto, molte generazioni, hanno assorbito l’incanto disneyano quale unico universo fiabesco, oppure sono stati educati a considerarlo tale. Avendo confidato a questa casa cinematografica totale fiducia, credibilità, affetto e riconoscenza, sarebbe ingiustificato uno sguardo diffidente verso la stessa. Su questo basilare istinto conservativo (della propria infanzia e adolescenza) l’imprenditoria che guida la Disney sta, da moltissimo tempo, amministrando saggiamente il proprio eccezionale patrimonio ed è consapevole che la concorrenza è riuscita a fare ben poco perché la situazione del mercato si modificasse e che nonni, nonne, padri e madri hanno contratto un grosso ed infantile debito con Disney, tanto che, nel momento in cui devono scegliere un film adatto ai loro figli o nipoti, non possono tradire chi, sullo schermo o sulla carta stampata, gli ha fatti ragionare sulle numerose difficoltà della vita. Sicuramente, qualche genitore – col cambiare dei tempi – si è accorto che il Disney della propria infanzia può essere considerato fuori corso o fuori moda per molte motivazioni, che la passione per Biancaneve & Co. appartiene ad un’epoca tramontata, che, insomma, gli eroi e le eroine di un tempo hanno subito un naturale appassimento. Ma l’abitudine, la sonnolenza e la tradizione restano tre elementi che fungono da appiglio a cui è “comodo” restare ancorati. Insomma, su questa quasi ineluttabile fonte di divertimento infantile, l’azienda Walt Disney Company sa di poter tranquillamente rigiocare le sue carte. D’altra parte, è doveroso ammettere che nessun grande eroe delle favole ha saputo opporsi con risultati convincenti ottenendo un ruolo rilevante all’interno del cinema disegnato. Si tratta perciò di un circolo vizioso nel quale l’ingrediente fondamentale rimane la convinzione degli spettatori dell’”eterna validità” di alcuni prodotti da cui consegue la giustificazione da parte di chi li produce ad utilizzare un registro quasi totalmente invariato

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negli anni, cosa che, allo stesso tempo, riduce i costi di ideazione e permette di mantenere costante o addirittura di aumentare il guadagno. A più di settant’anni dalla realizzazione del primo lungometraggio animato firmato Disney, la campagna di marketing dei lontani anni in cui Walt Elias Disney era ancora vivo continua ad ottenere risultati perché appoggiata dal pubblico che vede sempre più nella longevità della casa di produzione cinematografica una garanzia aggiuntiva nella qualità del prodotto proposto all’infanzia.

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6. ALLEGATI

Correlati alla tesi sono i venti questionari “LA SIRENETTA INCONTRA IL PRINCIPE UMANO”somministrati ai bambini in età prescolare e (dai tre ai sei anni compresi) e il prodotto multimediale in cui viene presentata, con un esempio, la modalità di somministrazione del questionario.

6. 1. Questionari “LA SIRENETTA INCONTRA IL PRINCIPE UMANO”

Si tratta di venti questionari sottoposti a bambini appartenenti al range d’età prescelto. Il campione è schematicamente diviso in modo da avere metà degli intervistati di sesso maschile e l’altra metà di sesso femminile.

6. 2. Prodotto multimediale – Somministrazione del questionario

Il prodotto multimediale allegato consiste in un montaggio originale di materiale video e interfaccia grafica pensati e realizzati in totale autonomia. Presenta più chiaramente la modalità di somministrazione del questionario, prendendo come esempio uno dei venti bambini del campione.

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GLOSSARIO È qui riportata una raccolta di termini che, per certe loro caratteristiche, possono considerarsi particolari o tipici dell’ambito di ricerca: parole tecniche e inconsuete senza la definizione delle quali potrebbe essere più difficoltosa la comprensione di alcuni argomenti e concetti sopra presentati.

Adattamento cinematografico

Operazione culturale che consiste nell’adattare allo schermo cinematografico un libro, un’opera teatrale, un fumetto o una serie televisiva.

Caratterizzazione

Determinazione, evidenziazione delle caratteristiche di qualcuno o qualcosa.

Industria Culturale

Processo di riduzione della cultura a merce industriale.

Occidentalizzazione

Assimilazione ed uniformazione ai valori occidentali.

Princess Complex Atteggiamento di bambine, ragazze e donne che traggono esempio di comportamento dai media che dispensano loro illusioni di superiorità e di egoismo.

Prodotto multimediale

Elemento che contiene due o più differenti media; una combinazione di testo, suoni e immagini statiche o animate: video, foto, immagini, musica, testo.

Stereotipo

Visione semplificata e largamente condivisa su cose, persone, avvenimenti e simili.

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RINGRAZIAMENTI

Desidero esprimere la mia gratitudine nei confronti della Professoressa Leopoldina Fortunati

per il Suo aiuto nella stesura della mia Tesi di Laurea e per avermi trasmesso il Suo interesse

per la sociologia della comunicazione.

Vorrei ringraziare anche tutti i miei colleghi del Corso di Laurea in Scienze e Tecnologie

Multimediali con cui ho trascorso questi tre anni di università.

Un grazie particolare a mia madre Rita per aver sempre sostenuto le mie scelte e per avermi

aiutato nei momenti di difficoltà.