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COLLECTOR’S CATALOGUE #3

PRESENTAZIONE

Tra gli obiettivi di Collezione da Tiffany, il primo blog italiano dedicato al collezionismo d’arte contemporanea, c’è la

promozione dei giovani artisti di talento. Dopo aver dato vita alla rubrica Segnali d’Arte con la quale, ogni mese, vi

presentiamo un nuovo artista nato dopo il 1970, dal 2014 abbiamo pensato di pubblicare, in occasione del Natale,

questo Collector’s Catalogue che oggi giunge alla sua terza edizione. Il nostro modo per ringraziarvi e per augurarvi un

Buon Natale e un Felice Anno Nuovo. Ma anche uno strumento dedicato a tutti coloro che sono interessati all’arte

italiana di oggi. Come già nel primo numero, anche nel Collector’s Catalogue di quest’anno troverete 12 artisti italiani

di cui vi raccontiamo la ricerca artistica, vi diamo le “coordinate” per trovarli nel web e nelle eventuali gallerie che li

seguono e vi mostriamo una selezione dei loro migliori lavori. Alcuni sono nomi noti, che ormai trovate sulle pagine

delle riviste specializzate. Altri, invece, viaggiano ancora ai margini del mercato, ma non per questo meritano meno

attenzione. Un buon collezionista, d’altronde, deve saper anche scovare qualche talento nascosto. Certe volte anche

prima del gallerista. Ovviamente in questo volume non troverete tutta la migliore arte italiana del XXI secolo. Ma la

raccolta degli artisti che ci hanno colpito durante il 2016, nel nostro girovagare tra una mostra e una galleria, passando

per fiere e studi d’artista. E altri ne verranno nei prossimi anni creando, piano piano, una mappatura della “giovane”

arte italiana.

Auguri!

Collezione da Tiffany

FRANCESCO BARBIERI

(n. 1976)

Artista autodidatta formatosi tramite un’intensa esperienza di “urban exploration” nelle principali città europee e

americane. Francesco Barbieri con il suo lavoro su tela degli ultimi anni ha esplorato molteplici soggetti mutuati dal

folklore tipico dei graffiti: dai collage che riproducono gli strati e le texture dei muri delle nostre città fino alla serie di

ritratti dal sapore psichedelico e pop chiamata “Cool Portraits”; dalle immagini spaziali ispirate alla fantascienza che

diventano sempre più astratte, fino all’estetica cruda delle periferie e dei paesaggi ferroviari, sulla quale la sua ricerca

si sofferma, cercando di descrivere quelle “terre di nessuno” situate ai confini urbani. Tra gli spazi istituzionali dove

ha esposto ricordiamo brevemente la Galleria Civica di Modena e Wuxi Museum di Wuxi in Cina. Tra le mostre più

recenti segnaliamo: Mirrored Identity – after Nanjing (2016) presso la Gallerie La Linea di Montalcino; Ohe way you're

told to live (2016) alla Peekaboo Tatto Gallery di Pistoia e Terra di Nessuno (2015) alla Square23 Gallery di Torino.

PER I COLLEZIONISTI: Francesco Barbieri lavora con la Galleria La Linea di Montalcino, la Galleria Gestalt di Pietrasanta

e la Galleria Question Mark di Milano. I prezzi delle sue opere su carta partono da 400 euro (40x40 cm) mentre le tele

partono da 1500 euro (70x100 cm).

Data di Nascita: 1976

Luogo di Nascita: Pisa

Vive a: Pisa

Lavora a: Pisa

Formazione: Autodidatta

Sito Web: www.francescobarbieri.eu

Francesco Barbieri, Tramonto sul 32esimo blocco est, 50×70 cm, tecnica mista su tela, 2016

Francesco Barbieri, sotto un cielo di cartone, tecnica mista su cartone, 70×120 cm, 2014

Francesco Barbieri, Via Crucis, tecnica mista su legno, 2016

Francesco Barbieri, Correnti sommerse, 150×170 cm, tecnica mista su tela 2016

ANDREA BIANCONI

(n. 1974)

Andrea Bianconi ricostruisce il mondo attraverso le sue stesse macerie. La sua opera è un continuo errare tra sogni,

ossessioni, rischi, sorprese, e un infinito vagabondaggio tra frammenti di parole e cose. Uno spettacolo che è delirio e

distruzione, montaggio e smontaggio: tutto per raggiungere un’apparente realtà: la Fantasy Ridge dell’Everest (come

la definisce l’artista stesso). Più che un modo è un’idea, un cammino dell’immaginazione che, nelle pile di libri, nei

resti di esperienze vissute, nelle gabbie – al tempo stesso prigioni e protezioni –, nelle cascate di miseri oggetti

commemorativi, stabilisce contiguità temporanea e vicinanza improbabile, risvegliando il 'demone dell’analogia',

spingendo oltre i confini della realtà. Un aspetto fondamentale dell’opera di Bianconi è lo spazio, sia fisico sia culturale.

Alla 5ª Biennale di Mosca ha realizzato una public performance tra la Piazza Rossa, il Cremlino e il Manege. Tra le sue

recenti esposizioni MSK Museum of Fine Arts (Ghent), Barbara Davis Gallery (Houston TX), Union Squaree Film Society

of Lincoln Center (New York). Negli anni ha esposto negli Emirati Arabi, a Basilea e al Palazzo Reale di Milano, ha

realizzato public performance a Shanghai e in Piazza San Marco a Venezia. Nel 2011 Charta ha pubblicato la sua prima

monografia, nel 2012 Cura.Books il suo primo libro d'artista ROMANCE e nel 2013 il secondo dal titolo FABLE. Entrambi

fanno parte della collezione delMoMA New York. Nel 2016 Silvana Editoriale ha pubblicato la monografia You and

Myself - Performance 2006-2016.

PER I COLLEZIONISTI: Il lavoro di Andrea Bianconi è rappresentato dalla Barbara Davis Gallery di Houston (TX) e dalla

Galleria Furini Arte Contemporanea di Arezzo. I prezzi delle sue opere vanno dai 5.000-10.000 euro per i disegni su

carta ai 10.000-18.000 euro per i lavori su tela. Le installazioni vanno dai 10.000 a 30.000 euro e le wall installation sui

30.000 euro.


Luogo di Nascita: Arzignano

Vive a: Vicenza e New York

Lavora a: Vicenza e New York

Formazione: Autodidatta

Sito Web: www.andreabianconi.com

Andrea Bianconi, Sound of A Charmed Life’ – Tina B – Prague, Czech Republic – 2009

Andrea Bianconi, The Chinese Umbrella Hat Project, Shanghai, 2010.

Andrea Bianconi, You Always Go Down Alone, Praga, 2010

Andrea Bianconi, Traffic Light,Moscow, Red Square, Manege, Kremlin,5 Moscow Biennale,2013.

FRANCESCO CANDELORO

(n. 1974)

Luce e colore, spazio e tempo, forma e segno, proporzione, ritmo e movimento, occhio e sguardo sulle persone e sui

luoghi, trasparenza, riflesso, stratificazione, molteplicità e compresenza di livelli costituiscono i temi della ricerca

artistica e dell'operare di Francesco Candeloro. Per l'artista “L'arte è una visione del tempo”, osservazione che

attraversa, portando ad interazione e contemporaneità di percezione elementi diversi, uniti in una rete infinita di

rapporti e interferenze: l'artista cerca “visioni plurime, moltiplicate”, per riuscire a restituire e manifestare l'essenza

interiore e autentica del flusso continuo del reale. Dal suo debutto nel 1996, Francesco Candeloro ha esposto

internazionalmente in numerose e importanti mostre personali, collettive e realizzato installazioni in ambienti,

contesti architettonici e paesaggistici. Tra i luoghi dove ha esposto ricordiamo brevemente il Museo di Palazzo Fortuny,

Venezia; Winzavod Centro per l’Arte Contemporanea, Moskvá; lo spazio dell'Università Bocconi, Milano; la Fondazione

Ambrosetti Arte Contemporanea, Palazzolo Sull'Oglio. Le sue opere sono presenti alla Collezione Unicredit, Milano;

recentemente acquisite dall’ente fiera di Bologna. Tra gli interventi architettonici e ambientali eseguiti dall'artista in

varie occasioni ricordiamo quello alle finestre e alla lunetta termale della villa palladiana a Bagnolo di Lonigo (VI) nel

2010; quello alle finestre di Palazzo Unicredit, Piazza Cordusio, Milano, 2011; quello alle finestre del Kunstverein di

Aschaffenburg 2014. La sua prima personale risale al 2000. Tra le mostre più recenti segnaliamo: Raum und Licht del

2014 presso la Neuer Kunstverein di Aschaffenburg in Germania; Segni di Luce presso la Galleria A arte Invernizzi di

Milano (2015); Other Lights alla Red Stamp Art Gallery di Amsterdam (2015/2016) e Altri Passaggi alla Galleria Studio

G7 di Bologna.

PER I COLLEZIONISTI: Francesco Candeloro lavora con la Galleria A Arte Invernizzi di Milano, Galleria Studio G7 di

Bologna e Red Stamp Art Gallery di Amsterdam. I prezzi delle sue opere vanno, a seconda delle dimensioni, dai 5.000

euro ai 25.000 euro; si raggiungono i 30.000 euro con una installazione al neon come Linee Sospese esposta a Museo

Fortuny di Venezia per la mostra Proportio. I suoi lavori sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche.


Luogo di Nascita: Venezia

Vive a: Venezia

Lavora a: Venezia

Formazione: Accademia di Belle Arti di Venezia

Sito Web: www.francescocandeloro.org

Francesco Candeloro, "Sospensioni di Luce (Amsterdam)", 2015, cm. 130 x 141 x 6,5, taglio laser su plexiglas. Vista

dell'installazione presso Red Stamp Art Gallery, Amsterdam, 2016

Francesco Candeloro, Segnali dei Luoghi (Monaco), 2010

Francesco Candeloro, Linee Attese 2015 . Neon. Dimensioni variabili

Francesco Candeloro, Luce del Tempo, Alterazioni del tempo, 2014

GIUGLIELMO CASTELLI

(n. 1987)

Inserito a gennaio 2016 fra i primi dieci under 30 europei più influenti nel mondo dell’arte, Guglielmo Castelli è uno

degli astri nascenti della nuova arte italiana. Transitorietà e fragilità, instabilità e una notevole fluidità caratterizzano

l’immaginario frammentato nei disegni e nei dipinti di Guglielmo Castelli. Gli oggetti non sempre chiaramente

definibili, i corpi umani e animali, o anche le piante, o ancora i frammenti di corpi formano una micro-realtà coerente

ma al tempo stesso magica ed enigmatica, i cui elementi sono in costante evoluzione e si trasformano reciprocamente

uno nell’altro, mentre i confini tra i diversi campi si dissolvono. Sono quelli che lo stesso artista ama definire “corpi di

costruzione” e che, nella loro fluidità, fanno sopraggiungere un’indefinita sensazione di malinconia, riconducibile

anche al riconoscimento dell’instabilità di quelle piccole cose apparentemente insignificanti, e spesso presenti solo in

maniera frammentaria, che caratterizzano la nostra esistenza. Da quando ha debuttato nel mondo dell’arte, Castelli è

stato protagonista di mostre personali a Roma, Ginevra e Amsterdam. Formatosi alla Accademia Albertina di Torino,

è stato artista residente selezionato presso il Macro di Roma. La sua ultima personale, in occasione della Amsterdam

Art Fair, è stato un omaggio a Carol Rama la grande artista torinese scomparsa nel settembre scorso e che è stata una

figura fondamentale nella sua formazione, trasmettendogli il coraggio di essere sempre coerente e, allo stesso tempo,

di mettersi sempre in gioco.

PER I COLLEZIONISTI: il lavoro di Guglielmo Castelli è rappresentato dalla galleria Francesca Antonini Arte

Contemporanea di Roma e dalla Ron Lang Art di Amsterdam. I prezzi delle sue opere vanno dai 2.800 ai 14.000 euro.


Luogo di Nascita: Torino

Vive a: Torino

Lavora a: Torino

Formazione: Accademia di Belle Arti di Torino

Sito Web: www.guglielmocastelli.com

Guglielmo Castelli, Autoritratto, 50 x 40 cm, olio su tela, 2016. Courtesy Francesca Antonini Arte Contemporanea

(Roma) Ron Lang Art (Amsterdam)

Gugliemo Castelli, Chiedo scusa per le delusioni arrecate, per i torno presto e i ti richiamo ancora prima, pastelli

ad olio su carta e cera, 29,7 x 21 cm ,2016. Courtesy Francesca Antonini Arte Contemporanea (Roma) Ron Lang Art

(Amsterdam)

Gugliemo Castelli, Data la situazione, pastelli ad olio e grafite su carta,70 x 50cm, 2016. Guglielmo Castelli,

Autoritratto, 50 x 40 cm, olio su tela, 2016. Courtesy Francesca Antonini Arte Contemporanea (Roma) Ron Lang

Art (Amsterdam)

Guglielmo Castelli, caposAldo, olio su tela 50 x 40 cm, 2016. Courtesy Francesca Antonini Arte Contemporanea

(Roma) Ron Lang Art (Amsterdam)

FRANCESCO DE PREZZO

(n. 1994)

Francesco De Prezzo sottrae il dato reale. Nelle sue composizioni di oggetti semplici e dai colori neutri, teli e aste,

sedie e drappi, ricerca sottili equilibri formali che fissa sulla tela in lunghe sedute di copia dal vero. Un rapporto tu per

tu con l’oggetto, profondo , meditato e contemplativo dove la rinuncia al colore, quale elemento di disturbo, concentra

l’attenzione sulla forma, sulla sua struttura ed essenza, sui rapporti ed incastri tra i diversi elementi, sul tempo di

esecuzione, lento e continuato. Successivamente cancellato da rapide campiture bianche date a rullo a volte spesse o

più trasparenti, che annullano le forme descritte, lasciandone intravedere alcuni frammenti. L’immagine reale punto

di partenza è rinnovata in forme astratte evocative e misteriose. Nato a Lecce nel 1994 , Francesco De Prezzo ha

partecipato a numerose mostre nazionali e internazionali in gallerie e fondazioni . Tra queste segnaliamo l’intervento

installativo “work” presso Kunstakademie Düsseldorf nel 2015 , la personali “the border” a Ylium Gallery di Londra del

2014, THERE WAS HERE FIRST al MUSIL di Cedegolo (BS) e Null Paintings alla LOOM Galery di Milano entrambe del

2016; e le collettive “AEQUILIBRIUM” Milano, LOOM gallery , 2015 e NOBODY KNOWS, Milano, Amy d spazio,2016.

PER I COLLEZIONISTI: il lavoro di Francesco De Prezzo è rappresentato dalla Loom Gallery di Milano. I prezzi dei suoi

lavori vanno dai 500 agli 8000 per i formati più grandi.


Luogo di Nascita: Lecce

Vive a: Brescia

Lavora a: Brescia

Formazione: Accademia di Belle Arti – LABA (Brescia)

Sito Web: www.francescodeprezzo.it

Francesco De Prezzo, null drape, 2015. Acrylic, enamel, concrete, oil on canvas | cm. 90 x 70. © the Artist, Loom

Gallery

Francesco De Prezzo, null drapp, 2015. Paint on canvas. cm 90×70. © the Artist, Loom Gallery.

EMMANUELE DE RUVO

(n. 1983)

Lastre di vetro, piani di ardesia, binari in marmo, magneti, esili fogli di carta da cui pendono pesanti macchine da

scrivere, complesse strutture in equilibrio precario e forze contrapposte che si annullano sono gli elementi con cui

Emmanuele De Ruvo dà vita ad una vera e propria estetica del bilanciamento perfetto, intesa come metafora della

vita, sia di quella organica che di quella psicologica. Tutta la vita, d’altronde, come spiega lo stesso artista, «è sempre

una delicata questione d’equilibrio». Ecco, allora, che le spinte, le pressioni, le trazioni e le contrapposizioni di pesi

sono, nell’opera di De Ruvo, un mezzo di indagine tanto delle forze che si “scontrano” nel singolo individuo quando di

quelle che “controllano” la nostra società. Nel 2010 De Ruvo ha esposto presso la White Box Gallery di New York e ha

tenuto la sua prima personale alla Milk & Lead Gallery di Londra. Nello stesso anno vince l’Italian figurative art price

tenuto a Stoccolma dalla Maecenas Sverige e nel 2012 vince il Premio Internazionale di Scultura Umberto Mastroianni.

Sempre nel 2012 presenta lavori al MUSMA – Museo della Scultura Contemporanea di Matera alla mostra Periplo della

scultura italiana contemporanea3, curato da Giuseppe Appella e Marta Ragozzino. Nel 2014 vince il premio Euromobil

Under 30 ad Artefiera Bologna, per l’opera preferita dai visitatori e il premio Arte nel Giardino di Irene Brin, organizzato

in collaborazione con la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, nel 2015 ha partecipato alla mostra La scultura

dopo il 2000 al Museo FRAC di Baronissi. Nel 2013 la Galleria Montoro12 ospita la sua prima mostra personale. Sue

opere si trovano nelle collezioni permanenti del MUSMA, della Fondazione San Gennaro di Napoli, della Fondazione

Irene Brin e in importanti collezioni private in Italia, Germania, Belgio e Stati Uniti.

PERI COLLEZIONISTI: Emmanuele De Ruvo è rappresentato dalla galleria Montoro12 Contemporary Art di Roma che

nel 2015 gli ha dedicato la personale Degrees of Freedom. Le sue opere hanno prezzi che vanno da 1.800 a 7.000 € per

i lavori da muro e da 5.000 a 12.000 € per le sculture.


Luogo di Nascita: Napoli

Vive a: Napoli

Lavora a: Napoli

Formazione: Accademia di Belle Arti di Napoli

Sito Web: emmanuelederuvo.com

Emmanuele De Ruvo To Balance, 2015. Courtesy: Montoro12 Contemporary Art

Emmanuele De Ruvo 888/666, 2015. Courtesy: Montoro12 Contemporary Art

Emmanuele De Ruvo, Alchemy , 2015 Wood, iron, steel, neodymium magnet, 50 x 50cm. Courtesy: Montoro12

Contemporary Art

Emmanuele De Ruvo Black World - mechanical, 2013. Courtesy: Montoro12 Contemporary Art

DONATELLA IZZO

(n. 1979)

La combinazione degli opposti, di reale e surreale, di razionale e sensoriale ma soprattutto di sacro e profano sono al

centro degli interessi e della narrazione di Donatella Izzo. Utilizza la fotografia come medium prediletto, anche se non

unico, per ri-creare un universo personale e intimistico legato al’Io più profondo e sommerso. Non le piace descrivere,

né dare chiavi di lettura, preferisce parlare attraverso metafore e simbologie, e lasciare che lo spettatore faccia propria

l’immagine, interpretandola secondo diversi e personali piani di comprensione. Il suo interesse primario è il senso

dell’immagine, e non la sua perfezione estetica, è la sua capacità di emozionare e suscitare, non di narrare ma di

evocare, inducendo il fruitore a scavare nella sua 'memoria' per ritrovare stati d’animo o atmosfere passate, soffocate,

abbandonate. Dal suo esordio, nei primi anni 2000, Donatella Izzo ha esposto in numerose collettive sia in Italia che

all'estero tra le quali possiamo ricordare la mostra presso la Angel Orensanz Foundation di New York nel 2013 o, più

recentemente, alla Fabbrica del Vapore di Milano (2015). Tra le sue personali sono da ricordare quelle presso la Galeria

Fotografi Miasta di Rzeszòw, la Akashi Gallery di Barcellona ed Espacio 8 a Madrid, tutte del 2014, o quella a

Beauchamp Club di Londra (2011). Oltre a vantare varie nomination in importanti premi, infine, Donatela Izzo ha vinto:

Premio Parati per la Pittura (2009), XI Premio Nazionale di Pittura e Scultura Città di Novara (2007), Premio Luigina

Manfretti per la pittura (2006), Premio Brera Materializzazioni (2006), Premio Regionale di incisione – Museo D’Arte

Moderna Gallarate (1996).

PER I COLLEZIONISTI: Donatella Izzo è rappresentata in Italia da: Galleria De Magistris (Milano), Galleria 33 (Arezzo) e

Galleria Tallulah Studio (Milano). Le sue opere hanno prezzi che vanno dai 500/600 euro per le opere piccole (30x30

cm) ai 3000 euro per quelle più grandi (150x150 cm).


Luogo di Nascita: Busto Arsizio

Vive in: Milano

Lavora a: Milano

Formazione: Accademia di Belle Arti di Brera

Sito Web:www.donatellaizzo.com

Donatella Izzo, I followed you home, 2015

Donatella Izzo, Malachite, 2011 (dalla serie: Forse così non mi si vede)

Donatella Izzo, Under the bridge, 2011 (dalla serie: Insonnia).

Donatella Izzo, Ho guardato il vento passare, 2015. (dalla serie The Dreamers)

LUCA GRECHI

(n. 1985)

La ricerca artistica di Luca Grechi è ispirata dall’osservazione della natura, dai processi di trasformazione e di

evoluzione delle cose, degli oggetti e degli elementi vegetali in relazione al trascorrere del tempo. Suggestioni che

Grechi, con grande sensibilità, accoglie imprimendole nei suoi dipinti, su tela o su carta, sotto forma di timidi segni,

tracce e macchie cromatiche, quale ricordo di abbozzi di piante e fiori che si dissolvono e riemergono nella lenta azione

stratificante della pittura che non ha fretta di essere compiuta, ma viene lasciata decantare anche per lungo tempo,

un tempo illimitato fin tanto che sopraggiunge quella pulsione interiore in grado di arrestare con lucida intenzione il

naturale fluire del momento creativo. Di fronte ai suoi quadri, l’occhio inizia così col perdersi tra velature e trasparenze

cromatiche, trovando infine l’appiglio di una forma che restituisce equilibrio all’immagine. La bellezza del vivente è la

sola certezza di un significato oltre le atmosfere di nebbia e pioggia battente che rivelano l’anima di questa ricerca

espressiva, che non forza mai i tempi e la forma del suo sentire. Ogni quadro è una lirica scaturita da una fede innata

nella misteriosa perfezione dell’esistere, che l’artista professa attraverso la sua pittura rigorosa e sincera.

PER I COLLEZIONISTI: Luca Grechi lavora con la Galleria La Linea di Montalcino, la Galleria Richter Fine Art di Roma e

la Art.Lab Gallery di Grosseto. I prezzi delle sue opere partono da 400 euro per i lavori più piccoli (24x18 cm) per arrivare

agli 8.000 euro.


Luogo di Nascita: Grosseto

Vive a: Roma

Lavora a: Roma

Formazione: Accademia di Belle Arti di Roma

Sito Web: lucagrechi85.wixsite.com/lucagrechi

Luca Grechi, Passaggio giallo, 2015, tecnica mista su carta, 150 x 115 cm, courtesy Galleria La Linea, foto

Sebastiano Luciano

Luca Grechi, Silver of sun, 2015, tecnica mista su tela, 190×150 cm, courtesy Galeria La Linea

Luca Grechi, Segmento in posa, 2015, tecnica mista su carta, 150 x 115 cm. courtesy Galleria La Linea

Luca Grechi, A suo agio, 2016, tecnica mista su tela, 180 x 140 cm, courtesy Galleria La Linea

MATTEO GUARISO

(n. 1967)

Vincitore di alcuni dei più prestigiosi contest fotografici mondiali, dall’International Photography Awards al Photoshoot

Awards, passando per Unitedphotoindustries – The Fence, Matteo Guariso è oggi uno dei nostri fotografi d’arte più

affermati, la cui carriera inizia nel mondo delle Agenzie giornalistiche per le quali produce reportage su Celebrity,

servizi di moda e progetti legati al mondo pubblicitario. La sua indole introspettiva e gli studi di psicologia, lo hanno

ben presto portato ad appassionarsi e concentrarsi su un’attività di ricerca più “autoriale” che verte su temi di

fotografia concettuale, “trasversale” ai segmenti canonici della fotografia: archeologia industriale, architettura,

paesaggi e ritratti. Progressivamente è così arrivato a sperimentare e sviluppare una sua cifra stilistica; dove gli scatti,

spesso in bianco e nero, vengono destrutturati e rimontati in sequenze iper-reali e surreali. Visioni astratte che si

ricongiungono ad immagini in “super definizione”, dove le contaminazioni culturali nelle tematiche espresse vertono

su suggestioni religiose, occulte e psicologiche.

PER I COLLEZIONISTI: il lavoro di Matteo Guariso è rappresentato dalla Noema Gallery di Milano. I prezzi delle sue

fotografie vanno da circa 1200 euro per il formato 50x70 cm a 1700 per 70x100 cm. La tiratura dei suoi lavori è, di

norma, di 7 esemplari.


Luogo di Nascita: Monza

Vive a: Udine

Lavora a: Udine e Milano

Formazione: Istituto Europeo di Design

Sito Web: www.matteoguarisophotography.com

Matteo Guariso, Luce #1 e Luce #2, 2016

Matteo Guariso, On Iric, dalla serie d. ream.

Matteo Guariso, oblivion #1

Matteo Guariso, under-no-water #1

MICHAEL ROTONDI

(n. 1977)

I temi della ricerca artistica di Michael Rotondi sono la memoria collettiva, amore e memoria personale, che sviluppa

con un linguaggio ricco di suggestioni provenienti dal mondo della musica, ma anche dall’universo della street art,

dell’illustrazione indipendente e dell’immaginario punk, indie e pop, con incursioni sia nella cultura “alta” che

popolare. Spesso questi temi fondamentali si fondono o si intersecano nelle diverse forme espressive che adotta per

fare arte. Sposando il concetto 'boettiano' di arte libera, Rotondi parte dal disegno in bianco e nero che si innesta poi

col resto dando vita ad un'esplorazione che si origina dall'ambiente arrivando a costituire un percorso che si muove o

finisce nei 'territori' intimi dell'ego. Le opere di Michael Rotondi sono caratterizzate da una narrazione visiva del

concetto di ricordo e delle sue tracce nel presente. Narrazione che costituisce un habitat colmo di atti, cause, questioni

che parte dall'idea di forma unica ed irripetibile nello spazio terrestre. L'opera è interpretata come azione, come

risposta all'attualità. Per questo nel suo lavoro, Rotondi ricerca un metodo espressivo ciclico che in ogni caso contenga

una reazione. Alcuni suoi lavori sono entrati a far parte di collezioni importanti come la collezione di Luciano Benetton

(2013) e la collezione internazionale Apt Global (2014). Rotondi ha esposto in varie personali e collettive, sia in Italia

che all'estero. Tra le principali collettive ricordiamo: Prague Biennial 4 a Praga e London Calling Me all'Accidental

Festival di Londra (2009), Border transits al 91mq art project space di Berlino (2010); New italian profile alla Scope art

fair di New York. Al 2013 risale la personale Indian suggestions alla Sakshi gallery di Mumbai in India. Nel 2014 la V9

gallery di Varsavia in Polonia, gli ha dedicato la personale Rysuje!!!.

PER I COLLEZIONISTI: Michael Rotondi collabora con vari spazi indipendenti come i milanesi Circoloquadro e Soap ed

è attualmente rappresentato dalla galleria Area/B di Milano. Le sue opere hanno prezzi che vanno dai 200 euro per un

disegno su carta formato A3, ai 3000 euro per una tela dipinta (100x100 cm), fino ai 7000 euro per le installazioni.


Luogo di Nascita: Bari

Vive a: Milano

Lavora a: Milano

Formazione: Accademia di Belle Arti di Firenze

Sito Web: michaelrotondi.blogspot.it

Michale Rotondi, Portrait (tribute to Brancusi), 2015

Michael Rotondi, Paesaggio, 2013 (dal progetto Loveless)

Michael Rotondi, Good Morning, Captain, 2015. Vista dell’installazione presso lo Spazio SOAP di Milano

Michale Rotondi, 2 portraits and landscape, 2012

LAPO SIMEONI

(n. 1979)

Lapo Simeoni si forma alla scuola Saint Martins di Londra, dove nel 2002 consegue il Diploma Foundation in Art and

Design. Sin dagli esordi, sperimenta una vasta gamma di mezzi espressivi, dalla pittura murale, alla fotografia, fino alla

realizzazione di opere pittorico-installative, vera e propria peculiarità del suo lavoro. Dimostra anche una profonda

sensibilità per l’utilizzo di diversi materiali come alluminio, plexiglas, o materiali di recupero fino ad installazioni

luminose. Simeoni delinea così le tematiche portanti della sua riflessione: gli effetti del consumismo globalizzato,

trasformazioni, conflitti sociali, simboli e stereotipi della storia italiana. Nel 2008 vince il progetto

internazionale MOVIN’ UP, organizzato dall’associazione Giovani Artisti Italiani, realizzando la prima doppia

Personale in Beijing (Cina), curata da Filippo Salviati. Nel 2009 organizza e partecipa alla mostra 7 ITALIAN VISION a

Basilea durante Art|40|Basel (Svizzera). Nel 2010 realizza invece la prima mostra personale a Roma, Mind The Gap

curata da Francesca Franco presso la Galleria altri lavori in Corso. Nel 2011 Partecipa in Germania alla mostra ARS

APOCALIPSIS – KUNST UND KOLLAPS presso KUNSTVEREIN KREIS di GUTERSLOH, curato da Malte & Henning Boecker,

con artisti internazionali e storici come Gerard Richter e Albert Durer. Nel 2016 è stato protagonista di Things Left

Unsaid, grandiosa e bellissima mostra personale all’interno della Rocca Albornoz di Narni. I suoi lavori sono oggi

presenti in importanti collezioni italiane e straniere.

PER I COLLEZIONISTI: Lapo Simeoni è rappresentato dal Dealer olandese Henk Pijnenburg, dalla Galleria Intragallery

di Napoli e dalla Galleria Allegra Nomad di Bucarest. I prezzi delle sue opere pittoriche o astratte vanno dai 600 euro

per il formato 19x27 cm agli 8000 euro per quello 200x300 cm. Le installazioni e le sculture partono invece da 1000

euro per arrivare a 25.000 euro.


Luogo di Nascita: Orbetello

Vive a: Berlino

Lavora a: Berlino

Formazione: Central Saint Martins, Londra

Sito Web: www.laposimeoni.com

Lapo Simeoni, John Stith Pemberton, (Coca Cola), 2015. Dalla serie: Gli Illuminati. Oil and spray on wood board, 27

x 19 cm

Lapo Simeoni, back to the stars, 2015, tempera and spray on wood board, 180 x 140 x 5 cm. Courtesy the artist

Lapo Simeoni, 25.000 Euro (detail), 2015/2016. 25.000 cutted euros, plastic bag, 30 x 32 x 10 cm + theca, panel

wood box found

Lapo Simeoni, Welcome to the European Community, 2013. Ink nero inferno on emergency blanket, 210 x 160 cm

COSIMO VENEZIANO

(n. 1983)

La ricerca di Cosimo Veneziano è da sempre collegata alla lettura di archivi, l’uso di interviste e fonti reali, con

l’obiettivo di riformulare le informazioni in sculture e installazioni. Il suo scopo è di consentire agli aspetti invisibili che

compongono la collettività di emergere. Un'immagine tratta dal racconto di Paul Austen, Trilogia di New York, può

descrivere la sua pratica: il protagonista raccoglie un ombrello rotto, e in quel momento si chiede come poter chiamare

quell'oggetto, perché il termine normalmente usato, implica una serie di caratteristiche che sono venute a mancare

dopo il suo danneggiamento. Così la ricerca di Veneziano tenta di capire se in una condizione di rottura, dove il

soggetto appare tronco, violato, non si celi una operatività altra. Attraverso una tassonomia di progetti e storie dove

l'abbandono e la censura hanno occultato o cambiato la prospettiva del cambiamento. Dal 2007, anno del suo debutto,

i suoi lavori sono stati esposti in mostre personali e collettive in Italia e all’estero. Tra le sue ultime personali sono da

ricordare Monochrome, Villa Sträuli, Winterthur 2015; L’Epoca Delle Passioni Tristi, TICA – Tirana Institute for

Contemporary Art, Tirana 2011. Nel 2013 è stato selezionato dal programma Resò Networking per la residenza Lugar

a Dudas, a Santiago de Cali in Colombia, e da C.A.R.S, progetto di residenze che si tiene ad Omegna.

PER I COLLEZIONISTI: Galleria Alberto Peola (Torino), Galleria Renata Fabbri (MI)


Luogo di Nascita: Moncalieri

Vive a: Leeds

Lavora a: Leeds

Formazione: Accademia Albertina di Belle Arti

Fondazione Antonio Ratti

Cosimo Veneziano, Epoca delle passioni tristi, 2012

Cosimo Veneziano, Verso l'Occidente l'impero dirige il suo corso, particolare, 2013 - particolare

Cosimo Veneziano, The Monument, 2015

Cosimo Veneziano, 4 fuoco, 2016 (particolare)

Collezione da Tiffany - Collector’s Catalogue 2016

Finito di impaginare: dicembre 2016

© 2016 Collezione da Tiffany

Via Atto Vannucci, 14 50134 – Firenze

www.collezionedatiffany.com [email protected]

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