FESTIVAL CAMILLE SAINT-SAËNS, L’UOMO-ORCHESTRA26 SETTEMBRE – 8 NOVEMBRE 2020

Dialoghi tra pianoforte e violoncello

Xavier Phillips, violoncelloCédric Tiberghien, pianoforte

Palazzetto Bru Zanedomenica 27 settembre, ore 17

Contributi musicologiciPalazzetto Bru Zane

TraduzioniArianna Ghilardotti (contenuti della stagione), Paolo Vettore

Media partner

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La storia della musica riserva ad alcune opere di Camille Saint-Saëns un posto particolare. La fama internazionale del Carnevale degli animali, del Primo Concerto per violoncello, della Danza macabra, del Secondo Concerto per pianoforte, della Sinfonia “con organo” e di Samson et Dalila lo ha reso persino più celebre, per i posteri, di Gounod e di Massenet. Tuttavia, considerando l’ampiezza del suo catalogo, molti tesori sembrano ancora oggi dimenticati dai programmi dei concerti: chi conosce i suoi quartetti per archi e il Quintetto con pianoforte, o l’oratorio in inglese The Promised Land o le opere liriche Phryné, Frédégonde, Déjanire? Il Palazzetto Bru Zane ha pubblicato una parte della sua corrispondenza e un libro sui suoi viaggi in Oriente, e ha inciso le sue cantate per il prix de Rome e le sue opere Les Barbares, Proserpine e Le Timbre d’argent. Inoltre, diversi dischi di mélodies – di cui uno con accompagnamento orchestrale – hanno rivelato una musica raffinata e costantemente reinventata. È parso naturale che il Centre de musique romantique française proseguisse il proprio lavoro su questo artista, dedicandogli un ciclo in occasione del centenario della sua scomparsa.

Presentazione del festival Un mot sur le festival

L’histoire de la musique donne une place particulière à certaines œuvres de Camille Saint-Saëns. La notoriété internationale du Carnaval des animaux, du Premier Concerto pour violoncelle, de la Danse macabre, du Deuxième Concerto pour piano, de la Symphonie « avec orgue » et de Samson et Dalila place même le compositeur avant Gounod et Massenet sur l’échelle de la postérité. Pourtant, au regard de son vaste catalogue d’œuvres, bien des trésors musicaux semblent aujourd’hui encore oubliés des salles de concert : qui connaît ses quatuors à cordes et son Quintette avec piano ? Son oratorio en anglais The Promised Land ? Ses opéras Phryné, Frédégonde ou Déjanire ? Le Palazzetto Bru Zane a publié une partie de sa correspondance et un livre sur ses voyages en Orient et a enregistré ses cantates pour le prix de Rome et ses opéras Les Barbares, Proserpine et Le Timbre d’argent. Plusieurs disques de mélodies – dont l’un avec orchestre – ont aussi révélé une musique subtile et sans cesse réinventée. Il semblait naturel que le Centre de musique romantique française poursuive son travail sur cet artiste en lui consacrant un cycle à l’occasion du centenaire de sa disparition.

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Verso la fine della sua vita, quando mette mano alla sua ultima Sonata per violoncello e pianoforte (1922), Gabriel Fauré ha in mente la prima partitura di questo genere che il suo maestro Saint-Saëns aveva composto mezzo secolo prima (1872): “Un capolavoro eseguito troppo raramente, perché i violoncellisti ritengono che la parte riservata al loro strumento sia meno brillante di quella del pianoforte!”, scrive a un’amica. Il confronto musicale che egli allora conduce con il compositore recentemente scomparso fa da pendant al dialogo tra gli strumenti che si svolge nella sonata dell’uno e in quella dell’altro. Ricercando un equilibrio e arricchendosi reciprocamente, pianoforte e violoncello si amalgamano per trovare lo spirito della Belle Époque.

Au crépuscule de sa vie, quand Gabriel Fauré se penche sur son ultime Sonate pour violoncelle et piano (1922), il songe à la première partition que son maître Saint-Saëns avait réalisée dans ce genre un demi-siècle plus tôt (1872) : « un chef-d’œuvre que l’on a entendu que trop rarement, et cela parce que les violoncellistes prétendent que la partie de violoncelle est moins brillante que la partie de piano ! » écrit-il à une amie. La discussion musicale qu’il mène alors avec le compositeur récemment disparu est le pendant du dialogue instrumental qui s’installe dans leurs œuvres respectives. Entre recherche d’équilibre et enrichissement mutuel, piano et violoncelle s’entremêlent pour trouver l’esprit de la Belle Époque.

Il programmaLe programme

Camille Saint-SaënsSuite pour violoncelle et piano op. 16bis :

I. Prélude – II. Sérénade – III. Gavotte – IV. Romance – V. Tarentelle

Sonate no 1 pour violoncelle et piano en ut mineur op. 32 :I. Allegro – II. Andante tranquillo e sostenuto – III. Allegro moderato

Gabriel FauréSonate pour violoncelle et piano no 2 op. 117 :

I. Allegro – II. Andante – III. Allegro vivo

Durata del concerto / Durée du concert : 1h ca. / 1h environ

Il concerto sarà filmato e trasmesso in livestreaming su / Le concert sera filmé et retransmis en direct surbru-zane.com

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© BnF

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Le opereLes œuvres

Camille Saint-SaënsSuite per violoncello e pianoforte op. 16bisI. Prélude – II. Sérénade – III. Gavotte – IV. Romance – V. Tarentelle

Si tende generalmente a glorificare compositori come Ernest Chausson, Claude Debussy o Maurice Ravel per essere stati i primi a ricollegarsi ai grandi maestri del passato e a trovare nella rilettura dei musicisti barocchi un’alternativa a un romanticismo agonizzante e le fonti di una nuova modernità. Ma ciò significa trascurare una parte della produzione francese del secolo romantico: già nei primi decenni del XIX secolo, infatti, Pierre Baillot e Jean-Louis Adam esplorano quel repertorio, mentre Alexandre Choron mette in programma opere di Clément Janequin, tra le altre, nei suoi concerti parigini alla fine della Restaurazione. La Suite per violoncello e pianoforte di Camille Saint-Saëns, pubblicata nel 1866, si inserisce decisamente in questo filone e si presenta come un vibrante omaggio del giovane compositore al Secolo dei Lumi. Il Preludio iniziale, in re minore, si ispira chiaramente a Bach; la Serenata, in sol minore, fa piuttosto riferimento alla scuola francese; l’intensità della Romanza trasporta la Suite nel clima romantico. Nel 1919, su richiesta del violoncellista Hollmann, Saint-Saëns rimette mano alla Suite per orchestrarla (op. 16bis). Della Suite originale conserva il Preludio, la Serenata e la Romanza, mentre lo Scherzo e il Finale sono sostituiti da una Gavotta e da una Tarantella di nuova composizione. Questa nuova Suite viene eseguita per la prima volta il 19 febbraio 1921 ai concerti Pasdeloup.

Camille Saint-SaënsSuite pour violoncelle et piano op. 16bisI. Prélude – II. Sérénade – III. Gavotte – IV. Romance – V. Tarentelle

On a généralement tendance à glorifier les compositeurs tels qu’Ernest Chausson, Claude Debussy ou Maurice Ravel pour avoir su – les premiers – renouer avec les grands maîtres du passé et trouver, dans la lecture des musiciens baroques, une alternative à un romantisme moribond et les sources d’une nouvelle modernité. C’est faire alors peu de cas d’une frange de la production française du siècle romantique : Pierre Baillot et Jean-Louis Adam au cours des premières décennies du XIXe siècle explorent déjà ce répertoire et Alexandre Choron programme des œuvres de Janequin, entre autres, au cours de ses concerts parisiens de la fin de la Restauration. La Suite pour violoncelle et piano de Camille Saint-Saëns, publiée en 1866, s’inscrit tout à fait dans cette lignée et apparaît comme un vibrant hommage du jeune compositeur au Siècle des Lumières. Son Prélude initial, en ré mineur, s’inspire clairement des œuvres de Bach ; la Sérénade, en sol mineur, fait davantage référence à l’école française, et l’intensité de la Romance fait basculer un temps la Suite dans la période romantique. En 1919, à la demande du violoncelliste Hollmann, Saint-Saëns reprend cette suite pour l’orchestrer (op. 16bis). Seuls le Prélude, la Sérénade et la Romance de la suite d’origine sont conservés. Le Scherzo et le Finale sont respectivement remplacés par une Gavotte et une Tarentelle nouvellement composées. Cette suite est créée le 19 février 1921 aux concerts Pasdeloup.

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Camille Saint-SaënsSonata n. 1 per violoncello e pianoforte in do minore op. 32I. Allegro – II. Andante tranquillo e sostenuto – III. Allegro moderato

Nel 1872 Saint-Saëns compone due importanti opere per il violoncello: la Sonata op. 32 e il Concerto op. 33. Dedica la propria partitura cameristica al violoncellista Jules-Bernard Lasserre, con il quale si esibisce spesso. Ma è assieme a Auguste Tolbecque (futuro primo interprete del Concerto) che ne dà la prima esecuzione il 7 dicembre 1872 alla Société nationale. Nel 1876 la riprenderà con il dedicatario in occasione di un concerto a Londra. Tesa e possente, la Sonata sembra memore della guerra franco-prussiana del 1870. Dominato da un respiro veemente e da colori cupi, l’Allegro iniziale fa ampio ricorso al registro grave degli strumenti. Il secondo tema (melodia ad accordi nel registro acuto del pianoforte, mentre il violoncello oscilla su due note) reca un senso di pace, tuttavia di breve durata. Il secondo movimento introduce una maggiore quiete. Esso è basato su un corale di cui Saint-Saëns indica l’origine: “L’Andante della mia prima sonata per pianoforte e violoncello è il risultato di un’improvvisazione sull’organo di Saint-Augustin; la prima e l’ultima pagina del pezzo riproducono testualmente quanto avevo improvvisato”. La sezione centrale esprime un’effusione più romantica per poi sviluppare l’incipit del corale, avvolto da morbide volute nell’ultima parte del movimento. Il tempestoso finale si riallaccia al clima iniziale dell’opera. Il secondo tema, un’ampia frase cantabile, introduce anch’esso un barlume di speranza. Ma il flusso ininterrotto del pianoforte trascina la sonata in una vertiginosa corsa verso l’abisso.

Camille Saint-SaënsSonate no 1 pour violoncelle et piano en ut mineur op. 32I. Allegro – II. Andante tranquillo e sostenuto – III. Allegro moderato

En 1872, Saint-Saëns compose deux œuvres majeures pour le violoncelle : la Sonate op. 32 et le Concerto op. 33. Il dédie sa partition de chambre au violoncelliste Jules-Bernard Lasserre, avec lequel il se produit souvent. Mais c’est en compagnie d’Auguste Tolbecque (futur créateur du Concerto) qu’il la donne en première audition le 7 décembre 1872, à la Société nationale. En 1876, il la reprendra avec le dédicataire lors d’un concert à Londres. Puissante et tendue, la Sonate semble se souvenir de la guerre franco-prussienne de 1870. Dominé par un souffle véhément et des couleurs sombres, l’Allegro initial sollicite beaucoup le registre grave des instruments. Le second thème (mélodie en accords dans le registre aigu du piano tandis que le violoncelle oscille sur deux notes) apporte un apaisement qui reste de courte durée. Le deuxième mouvement introduit davantage de quiétude. Il est fondé sur un choral dont Saint-Saëns a indiqué l’origine : « L’Andante de ma première sonate pour piano et violoncelle est le résultat d’une improvisation sur l’orgue de Saint-Augustin ; la première et la dernière pages du morceau reproduisent textuellement ce que j’avais improvisé. » La partie centrale épanche une effusion plus romantique, puis développe la tête du choral, lequel est enveloppé de souples volutes dans le dernier volet du mouvement. Le finale tempétueux renoue avec le climat du début de l’œuvre. Son deuxième thème, ample phrase cantabile, introduit lui aussi une lueur d’espoir. Mais le flot ininterrompu du piano entraîne la sonate dans une vertigineuse course à l’abîme.

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Gabriel FauréSonata per violoncello e pianoforte n. 2 op. 117I. Allegro – II. Andante – III. Allegro vivo

Libero dei suoi impegni di direttore del Conservatorio a partire dal 1920, Gabriel Fauré, al tramonto della carriera, scrive diversi brani dagli accenti testamentari, tra cui questa spensierata e luminosa Sonata per violoncello e pianoforte n. 2. Nel momento in cui vi mette mano, nel marzo del 1921, il compositore ha in mente la Sonata per violoncello e pianoforte n. 1 di Saint-Saëns, “un capolavoro che si ascolta troppo raramente, perché i violoncellisti pensano che la loro parte sia meno brillante di quella del pianoforte! Come se in un’opera d’insieme l’effetto complessivo non risultasse dalla combinazione dei diversi strumenti!”, scrive a Paulette Mayer. Ritardato dalla malattia dell’autore, il compimento del manoscritto si deve in buona parte all’amica Marguerite Hasselmans, che avrebbe portato a termine il lavoro sotto dettatura di Fauré. L’opera è dedicata al violinista Charles-Martin Loeffler (1861-1935), allora mecenate del compositore in pensione. Viene eseguita per la prima volta il 13 maggio 1922 alla Société nationale de musique da Gérard Hekking e Alfred Cortot, già interpreti della prima esecuzione, nel 1918, della Sonata n. 1 op. 109. Nel momento in cui il mondo musicale parigino scopre la politonalità, Fauré si dimostra fedele a se stesso e consola i nostalgici della Belle Époque, come Vincent d’Indy, che così gli scrive, il 14 maggio 1922: “Voglio dirti che sono ancora preso dal fascino della tua bella Sonata per violoncello. Ci ho trovato quella Musica che oggi sembra dimenticata, e che si cerca di sostituire con agglomerati di suoni piuttosto sgradevoli. Il tuo Andante è un capolavoro di sensibilità espressiva, e mi piace infinitamente il finale, così vivace e coinvolgente”.

Gabriel FauréSonate pour violoncelle et piano no 2 op. 117I. Allegro – II. Andante – III. Allegro vivo

Libéré de ses fonctions de directeur du Conservatoire à partir de 1920, Gabriel Fauré livre à son crépuscule plusieurs œuvres aux accents testamentaires, dont cette deuxième sonate pour violoncelle et piano insouciante et lumineuse. Alors qu’il l’ébauche, en mars 1921, Fauré songe à la Sonate pour violoncelle et piano no 1 de Saint-Saëns, « un chef-d’œuvre que l’on a entendu que trop rarement, et cela parce que les violoncellistes prétendent que la partie de violoncelle est moins brillante que la partie de piano ! Comme si dans une œuvre d’ensemble l’effet total ne résultait pas de la combinaison des divers instruments ! », écrit-il à Paulette Mayer. Retardé par la maladie, l’achèvement du manuscrit doit beaucoup à son amie Marguerite Hasselmans, qui semble avoir complété la partition sous sa dictée. L’œuvre est dédiée au violoniste Charles-Martin Loeffler (1861-1935), qui est alors le mécène du retraité. Elle est dévoilée à la Société nationale de musique, le 13 mai 1922, par Gérard Hekking et Alfred Cortot, déjà créateurs de la première sonate, opus 109, en 1918. À l’heure où le monde musical parisien découvre la polytonalité, Fauré se montre fidèle à lui-même et console les nostalgiques de la Belle Époque, tel Vincent d’Indy : « Je veux te dire combien je suis encore sous le charme de ta si belle Sonate de violoncelle. J’ai trouvé là-dedans : la Musique que l’on semble oublier à présent en tâchant d’y substituer des agglomérations de sons plutôt désagréables. Ton Andante est un chef-d’œuvre de sensibilité expressive, et j’aime infiniment le finale, si alerte et si prenant » (14 mai 1922).

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I compositoriLes compositeurs

Gabriel Fauré (1845-1924)Fils d’un directeur d’école normale, Fauré fut envoyé dès l’âge de neuf ans à l’École de musique classique et religieuse fondée en 1853 par Louis Niedermeyer. Élève de Loret (orgue), Saint-Saëns (piano) et Niedermeyer lui-même (composition), il y reçut une formation exceptionnellement riche, découvrant aussi bien les maîtres anciens que modernes. Sans surprise, il embrassa à la fin de ses études, en 1865, une carrière dans la musique religieuse, qui le conduisit notamment à l’église de la Madeleine comme maître de chapelle (1877-1905) puis organiste (1896-1905). Parallèlement, il se mit à fréquenter les salons, brillant par ses talents de pianiste et d’improvisateur. En 1896, sa réputation grandissant, il succède à Massenet comme professeur de composition au Conservatoire, avant de prendre la direction de l’établissement entre 1905 et 1920. Esprit libre et ouvert (il fut l’un des fondateurs, en 1871, de la Société nationale de musique), Fauré marqua profondément ses élèves, parmi lesquels Florent Schmitt, Charles Koechlin, Nadia Boulanger et Maurice Ravel. Même s’il fut l’auteur d’une ambitieuse tragédie lyrique (Prométhée, 1900), d’un magnifique opéra (Pénélope, 1913), et d’un célèbre Requiem (1888), c’est avant tout dans le monde intimiste et raffiné de la musique de chambre, du piano et de la mélodie que Fauré développa les aspects les plus novateurs de son style. Mélodiste de premier plan, harmoniste d’une stupéfiante intuition, il fut l’un des grands représentants de la musique française au tournant du siècle, position qui lui valut en 1909 une élection à l’Institut.

Gabriel Fauré (1845-1924)Figlio del direttore di un istituto magistrale, Fauré fu iscritto già all’età di nove anni alla Scuola di musica classica e sacra fondata nel 1853 da Louis Niedermeyer. Allievo di Loret (organo), Saint-Saëns (pianoforte) e Niedermeyer stesso (composizione), ricevette una formazione eccezionalmente ricca, che gli fece scoprire sia i maestri antichi sia quelli moderni. Non stupisce che alla fine degli studi nel 1865 intraprenda una carriera nella musica sacra, la quale lo porta in particolare alla chiesa della Madeleine come maestro di cappella (1877-1905) e successivamente organista (1896-1905). In parallelo, cominciò a frequentare i salotti brillando per il suo talento di pianista e improvvisatore. Nel 1896, grazie alla sua fama crescente, prende il posto di Massenet come professore di composizione al Conservatorio, prima di assumere la direzione dell’istituto tra il 1905 e il 1920. Mente libera e aperta (fu uno dei fondatori nel 1871 della Société nationale de musique), Fauré segnò profondamente i suoi allievi, tra i quali figurano Florent Schmitt, Charles Kœchlin, Nadia Boulanger e Maurice Ravel. Anche se è autore di un’ambiziosa tragédie lyrique (Prométhée, 1900), di una magnifica opera (Pénélope, 1913) e di un celebre Requiem (1888), fu innanzitutto nel mondo intimista e raffinato della musica da camera, del pianoforte e della mélodie che Fauré sviluppò gli aspetti più innovativi del suo stile. Melodista di primo piano, armonista di stupefacente intuito, fu uno dei grandi rappresentanti della musica francese tra Ottocento e Novecento, posizione che gli meritò nel 1909 l’elezione all’Institut de France.

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Camille Saint-Saëns (1835-1921)Orphelin de père tout comme Charles Gounod, Saint-Saëns fut élevé par sa mère et sa grand-tante. C’est cette dernière qui l’initia au piano, avant de le confier à Stamaty puis à Maleden. Extraordinairement précoce, il fit sa première apparition en concert dès 1846. Deux ans plus tard, on le retrouve au Conservatoire dans les classes de Benoist (orgue) puis d’Halévy (composition). S’il échoua à deux reprises au concours de Rome, l’ensemble de sa carrière fut néanmoins ponctué d’une foule de récompenses, ainsi que de nominations à divers postes institutionnels, dont une élection à l’Académie en 1878. Virtuose, titulaire des orgues de la Madeleine (1857-1877), il impressionna ses contemporains. Compositeur fécond et cultivé, il œuvra à la réhabilitation des maîtres du passé, participant à des éditions de Gluck et de Rameau. Éclectique, il défendit aussi bien Wagner que Schumann. Pédagogue, il compta parmi ses élèves Gigout, Fauré ou Messager. Critique, il signa de nombreux articles témoignant d’un esprit fort et lucide, quoique très attaché aux principes de l’académisme. C’est ce même esprit, indépendant et volontaire, qui le poussa à fonder, en 1871, la Société nationale de musique, puis à en démissionner en 1886. Admiré pour ses œuvres orchestrales empreintes d’une rigueur toute classique dans un style non dénué d’audaces (cinq concertos pour piano, cinq symphonies dont la dernière avec orgue, quatre poèmes symphoniques, dont la célèbre Danse macabre), il connut une renommée internationale, notamment grâce à ses opéras Samson et Dalila (1877) et Henry VIII (1883).

Camille Saint-Saëns (1835-1921)Orfano di padre proprio come Charles Gounod, Saint-Saëns fu cresciuto dalla madre e dalla prozia. Fu quest’ultima a iniziarlo al pianoforte, prima di affidarlo a Stamaty e poi a Maleden. Straordinariamente precoce, fece la sua prima apparizione in concerto già nel 1846. Due anni dopo lo ritroviamo al Conservatorio nelle classi di Benoist (organo) e poi di Halévy (composizione). Anche se fallì due volte al concorso per il prix de Rome, nell'insieme la sua carriera fu costellata da un’infinità di riconoscimenti e di nomine a vari incarichi ufficiali, tra cui un’elezione all’Académie des beaux-arts nel 1878. Virtuoso, titolare degli organi della Madeleine (1857-1877), impressionò i suoi contemporanei. Compositore colto e fecondo, si adoperò per la riabilitazione dei maestri del passato partecipando a edizioni di Gluck e di Rameau. Eclettico, difese tanto Wagner quanto Schumann. Come didatta ebbe tra i suoi allievi Gigout, Fauré o Messager. Come critico firmò numerosi articoli che attestano uno spirito lucido e acuto, anche se molto legato ai principi dell’accademismo. Fu questo stesso spirito, indipendente e volitivo, a indurlo a fondare nel 1871 la Société nationale de musique, e quindi a rassegnare le dimissioni nel 1886. Ammirato per le sue opere orchestrali, pervase di un rigore assolutamente classico in uno stile non privo di audacia (cinque concerti per pianoforte, tre sinfonie, l’ultima delle quali con organo, quattro poemi sinfonici, tra cui la celebre Danse macabre), conobbe un successo internazionale grazie in particolare alle opere Samson et Dalila (1877) e Henry VIII (1883).

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Gli interpretiLes interprètes

Xavier Phillips, violoncelloL’incontro con Mstislav Rostropovich, con il quale ha avuto una lunga collaborazione, è stato determinante per la carriera di Xavier Phillips, che oggi è invitato a esibirsi in sedi prestigiose con orchestre importanti quali la New York Philharmonic, l’Orchestra del Teatro Mariinskij, l’Orchestre de la Suisse Romande, la Filarmonica della Scala, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, i Berliner Symphoniker, sotto la guida di direttori del calibro di Riccardo Muti, Valery Gergiev, James Conlon, Marek Janowski, Ion Marin, Kurt Masur. Suona in formazione da camera con musicisti quali Shlomo Mintz, Tedi Papavrami, Jean-Marc Phillips-Varjabédian, David Grimal, Emmanuel Strosser. Si esibisce alla Wigmore Hall, all’Arsenal di Metz, al Mariinskij di San Pietroburgo, al Théâtre des Champs-Élysées e alla Philharmonie de Paris, oltre che in festival di richiamo come le Printemps des Arts a Monte-Carlo, il Festival Berlioz o il Festival di Pasqua di Aix-en-Provence. Recentemente ha inciso l’integrale della musica per violoncello e pianoforte di Beethoven con François-Frédéric Guy (Aparté/Evidence), ottenendo il plauso della critica. I suoi ultimi CD con orchestra sono dedicati al Concerto per violoncello n. 1 di Šostakóvič, inciso con Les Dissonances, e al Concerto per violoncello “Tout un monde lointain” di Henri Dutilleux, con la Seattle Symphony Orchestra. Xavier Phillips insegna presso la Haute Ecole de Musique di Sion (Losanna). Suona un violoncello di Matteo Goffriller del 1710.

Xavier Phillips, violoncelleXavier Phillips est marqué par sa rencontre avec Mstislav Rostropovitch, avec qui il entame une collaboration au long cours. Il est invité à se produire sur des scènes d’envergure internationale aux côtés de nombreux orchestres : New-York Philharmonic, Mariinsky Orchestra, Orchestre de la Suisse Romande, Orchestra Filarmonica della Scala, Orchestre Philharmonique de Radio France, Berliner Symphoniker… Il est dirigé par des chefs tels que Riccardo Muti, Valery Gergiev, James Conlon, Marek Janowski, Ion Marin ou Kurt Masur. En formation de musique de chambre, il se produit avec des artistes tels que Shlomo Mintz, Tedi Papavrami, Jean-Marc Phillips-Varjabédian, David Grimal ou Emmanuel Strosser. Il est notamment l’invité du Wigmore Hall, de l’Arsenal de Metz, du Théâtre du Mariinsky, du Théâtre des Champs-Élysées, de la Philharmonie de Paris, ainsi que de festivals tels que le Printemps des Arts de Monte-Carlo, le Festival Berlioz, ou encore le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence. Il a récemment enregistré l’intégrale de la musique pour violoncelle et piano de Beethoven avec François-Frédéric Guy (Aparté/Evidence), un album largement salué par la critique. Ses derniers disques avec orchestre sont consacrés au 1er Concerto de Chostakovitch avec Les Dissonances, et au Concerto pour violoncelle « Tout un monde lointain » d’Henri Dutilleux avec le Seattle Symphony Orchestra. Xavier Phillips est par ailleurs professeur à la Haute École de Musique de Sion, site de Lausanne. Il joue un violoncelle de Matteo Goffriller de 1710.

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Cédric Tiberghien, pianoforteIn questa stagione, Cédric Tiberghien suonerà in concerto con l’Orchestre National de Lyon, la Oslo Philharmonic Orchestra, la Singapore Symphony Orchestra e l’Atlanta Symphony Orchestra. Ha uno stretto rapporto di collaborazione con la Wigmore Hall di Londra, dove nel 2020-2021 presenterà il ciclo completo delle Variazioni di Beethoven e si esibirà in diversi concerti di musica da camera. Recentemente ha partecipato a Zauberland, un progetto di teatro musicale allestito dalla regista Katie Mitchell al Théâtre des Bouffes du Nord a Parigi e poi a New York, San Pietroburgo, Mosca, Londra e Bruxelles. Ha collaborato con orchestre rinomate come la San Francisco Symphony, la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin e la NDR Elbphilharmonie Orchester, sotto la guida di Karina Canellakis, Edward Gardner, Matthias Pintscher, François-Xavier Roth e Simone Young. La sua discografia comprende brani di Bartók (Hyperion), ma anche di Chopin, Liszt, Szymanowski, le Variations Symphoniques e Les Djinns di Franck. Le sue incisioni per l’etichetta Hyperion hanno ottenuto cinque Diapason d’Or. Si esibisce regolarmente con il violista Antoine Tamestit, il baritono Stéphane Degout e la violinista Alina Ibragimova, con la quale ha inciso l’integrale delle sonate per violino e pianoforte di Schubert, Szymanowski e Mozart (per Hyperion) e di Beethoven (Wigmore Live).

Cédric Tiberghien, piano Cette saison, Cédric Tiberghien se produira en concert avec l’Orchestre National de Lyon, l’Oslo Philharmonic Orchestra, le Singapore Symphony Orchestra et l’Atlanta Symphony Orchestra. Il possède une relation très étroite avec le Wigmore Hall de Londres, et s’y produira en 2020-2021 dans le cadre d’un cycle présentant l’intégrale des Variations de Beethoven, ainsi que lors de plusieurs concerts de musique de chambre. Récemment, on a pu l’entendre dans Zauberland, un projet de théâtre musical mis en scène par Katie Mitchell, au Théâtre des Bouffes du Nord, puis à New York, Saint-Pétersbourg, Moscou, Londres et Bruxelles. Cédric Tiberghien a collaboré avec des orchestres tels que le San Francisco Symphony, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin et le NDR Elbphilharmonie Orchestra, sous la baguette notamment de Karina Canellakis, Edward Gardner, Matthias Pintscher, François-Xavier Roth ou Simone Young. Sa discographie comprend des œuvres de Bartók (Hyperion), mais également de Chopin, Liszt, Szymanowski, les Variations Symphoniques et Les Djinns de Franck. Il a reçu cinq Diapason d’Or pour ses enregistrements chez Hyperion. Parmi ses partenaires de musique de chambre se trouvent l’altiste Antoine Tamestit, le baryton Stéphane Degout et la violoniste Alina Ibragimova, avec laquelle il a enregistré des cycles complets de musique de Schubert, Szymanowski et Mozart (Hyperion) et un cycle de sonates de Beethoven (Wigmore Live).

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Pubblicazioni su Camille Saint-SaënsPublications autour de Camille Saint-Saëns

CD CON LIBRO LIBRI

Camille Saint-Saëns Le Timbre d’argent (1864)LES SIÈCLES ACCENTUSFrançois-Xavier Roth direzione Collana «Opéra français» volume 25BRU ZANE – 2020

Camille Saint-Saëns Proserpine (1887)ORCHESTRE DE LA RADIO DE MUNICH CHŒUR DE LA RADIO FLAMANDEUlf Schirmer direzione Collana «Opéra français» volume 15BRU ZANE – 2017

Camille Saint-Saëns Les Barbares (1901)ORCHESTRE SYMPHONIQUEET CHŒUR LYRIQUESAINT-ÉTIENNE LOIRELaurent Campellonedirezione Collana «Opéra français» volume 8BRU ZANE – 2014

Libro pubblicato in francese e in italianoCamille Saint-SaënsVisionario, artigiano,sperimentatore di Giuseppe Clericetti Edizione in italiano:ZECCHINI EDITOREcon il sostegno delPALAZZETTO BRU ZANEUscita novembre 2020Edizione in francese:ISOTTA CONTI EDIZIONIcon il sostegno delPALAZZETTO BRU ZANEUscita primavera 2021

Libro in italianoCamille Saint-Saëns:il Re degli spiriti musicalidi Giuseppe Clericetti ZECCHINI EDITOREcon il sostegno delPALAZZETTO BRU ZANE2016

NOVITÀ NOVITÀ

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Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane Prochains événements au Palazzetto Bru Zane

CONCERTI

Venerdì 9 ottobre, ore 19.30Violino e pianoforte: esotismo e sentimento

Opere di SAINT-SAËNS e RAVEL

Maria Milstein, violinoNathalia Milstein, pianoforte

Giovedì 15 ottobre, ore 19.30La mélodie come evasione

Mélodies di SAINT-SAËNS, FAURÉ, DUBOIS e HAHN

Cyrille Dubois, tenoreTristan Raës, pianoforte

Giovedì 22 ottobre, ore 19.30I quartetti di Saint-Saëns

Quartetti per archi di SAINT-SAËNS

QUATUOR TCHALIK

CONFERENZE

Giovedì 1o ottobre, ore 17.30Camille Saint-Saëns e le origini della musica per film“Il est encore plus grand mort que vivant”

Marco Bellano, relatoreaccompagnato al pianoforte da Gabriele Dal Santo

Giovedì 15 ottobre, ore 17.30L’Art pour l’Art: Camille Saint-Saëns autore di mélodies, tra sperimentazione e neoclassicismo

Giuseppe Clericetti, relatore

Giovedì 29 ottobre, ore 17.30Presentazione dell’albo illustrato Un pianoforte, un cane, una pulce e una bambina (Carthusia edizioni)

Con Elisabetta Garilli, Daniela Iride Murgia e Patrizia Zerbi

Palazzetto Bru ZaneCentre de musique romantique françaiseSan Polo 2368, 30125 Veneziatel. +39 041 30 37 6

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