Numero 1, Marzo 2015

PASSIONE

SEMPLICIT

DIFFONDERE

ARTE

CONFRONTO

CHIAREZZA

RISPETTO

CONDIVIDERE

ARTESPLORANDO

Perch la cultura non un concetto astratto, lontano dalla vita

quotidiana. La cultura determina i nostri gusti, il nostro stile di

vita, mitiga l'individualismo che ci fa dimenticare il bene co-

mune, orienta verso la solidariet.

E forse pu creare un terreno comune su cui costruire un nuo-

vo modello di sviluppo.

Per questo e per tanti altri motivi, ho ritenuto importante crea-

re questo spazio in cui si parla liberamente di arte, in cui si

scopre, si conosce, ci si confronta.

Buona lettura a tutti.

C. C.

Cultura e arte, antidoto al degrado morale

Guardando le notizie di que-

sto da poco cominciato 2015,

mi sono posto un quesito: nel

mezzo di una crisi economi-

ca, religiosa e politica deva-

stante a cosa pu servire

parlare e scrivere di arte, di

paesaggio, di bellezza?

A cosa pu servire un noti-

ziario come questo nel mon-

do d'oggi?

Si perdono posti di lavoro,

cresce la disoccupazione

giovanile, gli italiani comin-

ciano a risparmiare perfino

sui generi alimentari e Are

you art? parla d'arte!

A questi dubbi io risponderei

leggendo dallelenco delle

spese sostenute da politici e

politicanti negli innumerevoli

scandali emersi negli ultimi

anni: aperitivi, cene in disco-

teca, auto, arredi per la casa,

abbonamenti alle partite...

neppure un euro per la cultu-

ra, per lacquisto di un abbo-

namento al teatro, una tesse-

ra del Fai o per un libro.

La cultura sembra assente

dalla vita di questi politici e

allora viene da pensare che

laddove manca la cultura

sembra farsi largo la corru-

zione, il malaffare e che tanto

pi oggi sembra indispensa-

bile scrivere di arte anche

come antidoto al degrado

morale.

A cosa pu

servire un

notiziario come

questo nel

mondo

d'oggi?

Sono Cristian, classe 1983, laureato in restauro e conservazione dei beni culturali, mi piace

l'arte, la musica, la pittura. Da sempre la vera passione della mia vita la storia dell'arte e oggi

cerco di diffonderla anche attraverso questo notiziario, fondato insieme ad altri blogger con cui

condivido questa passione!

artesplorando.blogspot.it alizzarin@gmail.com

MICHELANGELO BUONARROTI TORNATO

La differenza fra statua e scultura

Io non ho mai scolpito statue.

Le statue stanno ferme, im-

mobili sui loro piedistalli a

sputar sentenze. Ti guardano

dallalto verso il basso e at-

traversano i secoli senza dire

niente di nuovo, senza la-

sciare ai posteri lamore di

chi le ha create.

Ho sempre preferito fare

sculture. Hanno racchiuso in

s tutto il senso del movi-

mento e non rimangono mai

immobili per pi di qualche

secondo. Se osservate da

diverse angolazioni, le

espressioni dei loro volti

cambiano e possono a volte

sorridere, altre imbronciarsi

oppure divenire giocose.

Parlano direttamente al cuore

e anche se non proferiscono

parola, proclamano a tutti i

loro sentimenti mettendo a

nudo lanimo di chi le ha

create.

Adesso sapete che differen-

za intercorre fra una statua e

una scultura. Se andate in un

qualsiasi museo non perdete

tempo guardando le statue,

ma correte subito verso le

sculture perch attendono

con ansia di raccontarvi le

loro meravigliose storie di

vita vissuta.

A. B.

Io non ho mai

scolpito

statue...Ho

sempre

preferito fare

sculture

Antonietta Bandelloni, da sempre appassionata di arte ma soprattutto di Michelangelo e delle

sue opere. Scrive per passione, per lavoro e per evadere dalla quotidianit. Casa sua invasa

dai libri, dai tubetti di colore e dalla vivacit di due piccole birbanti.

michelangelobuonarrotietornato.com antoniettabandelloni@gmail.com

WWW.ALESSANDRAARTALE.IT

sgressioni alliconografia

tradizionale.

Un quadro che diventa il ma-

nifesto del realismo neo cubi-

sta. Come Picasso in Guerni-

ca, cos Guttuso nella scena

pi drammatica della vita di

Cristo, ritrae le atrocit della

guerra che aveva messo in

ginocchio lItalia e tutto il con-

tinente, le fa sue, le vuole

gridare al mondo intero. E

quelluomo sulla croce diven-

ta, e in quel momento storico

ancora di pi, il simbolo uni-

versale delle sofferenze uma-

ne. Sofferenze che sono di

tutti, dalla nuda Maddalena e

con le labbra troppo rosse

che lo piange disperata ai

due ladroni sulla croce, con i

corpi straziati dal dolore che

sembrano riflettersi nello

sguardo allucinato del caval-

lo.

I colori vibranti, forti e taglien-

ti come lame - i rossi e i neri

e i bianchi - vivono in unin-

tensit espressiva che non si

spegne neanche nel paese

sullo sfondo, rassicurante e

allapparenza pieno di pace,

perch deserto, non c pi

nessuno.

Ancora un quadro politico,

Loccupazione delle terre

incolte del 1949, con gli stes-

si colori accesi e la bandiera

rossa che sventola in primo

piano ne un esempio: per

Guttuso larte diventa davve-

ro un mezzo per smuovere le

coscienze di chi sempre

stato in silenzio, per far vale-

re i diritti di chi non ne ha mai

avuti. Ecco perch fonda,

due anni prima, il Fronte

Nuovo delle Arti, avanguardia

artistica legata al partito co-

munista e dichiaratamente

legata a temi di impegno

sociale senza cadere per

nella facile demagogia.

(continua nella pagina se-

guente)

Guttuso: impegno politico e Sicilia

La sua pittura una forma di

libert, di impegno morale e

politico, di toccante amore

per la sua Sicilia, cos fulgida

di colori, di suoni e di bellez-

za luminosa. Renato Guttuso

vuole raccontare la vita con

realismo e lo fa in maniera

raffinata e intensa. Fu davve-

ro un grande e controverso

maestro, tenace difensore

dellarte figurativa, tanto che,

dotato di una vasta cultura e

di una straordinaria abilit

tecnica, rielabora criticamen-

te larte europea, da Czan-

ne agli impressionisti, per

approdare a Picasso: eviden-

ti sono gli elementi che rive-

de da quel pilastro dellarte

del Novecento che fu Guerni-

ca, dipinta dallartista spa-

gnolo nel 1937. E a lui certa-

mente guarda tre anni dopo

quando dipinge la Crocefis-

sione, un quadro che fece

scalpore e di cui si discusse

molto, soprattutto per le tra-

Cactus sul golfo di Palermo

Renato

Guttuso vuole

raccontare la

vita con

realismo e lo fa

in maniera

raffinata e

intensa.

Crocefissione - 1940

Loccupazione delle terre incolte - 1949

Alessandra Artale, storica dellarte, giornalista, scrittrice e blogger, laureata allUniversit di Ge-

nova tanti anni fa. Il mio peggior difetto lessere maniaca della precisione, la mia maggior virt

lessere maniaca della precisione. Larte sempre stata la mia passione, fin da piccola. Non mi

piace larte contemporanea, amo invece quella antica. Il mio cuore per Tiziano e Caravaggio,

ma c posto anche per qualcun altro.

www.alessandraartale.it artematite@gmail.com

confonde il cervello in quel

florilegio di merci e di perso-

ne. Confusione dei prodotti in

vendita, dai gomitoli di salsic-

ce alle frattaglie, dai pomodo-

ri ai pesci, fino al quarto di

bue appeso a un gancio.

Confusione dei colori: il bian-

co delle uova, il verde di cico-

ria e sedani, il rosso dei po-

modori e delle arance, il gri-

gio argento dei pesci e il rosa

dei tranci di pesce spada, il

vestito bianco della donna, il

giallo del maglione delluomo.

Ma Guttuso e la Sicilia sono

una cosa sola ed ecco nel

1974 la Vuccira: un enorme

(tre metri per tre) fotogramma

del mercato storico di Paler-

mo, con i suoi odori forti di

carne e di pesce, i suoi profu-

mi di verdure e di aromi, i

suoi colori e le sue urla in un

vicolo strettissimo pieno di

vita.

Vuccira in siciliano vuol dire

confusione, e la confusione

palpabile, si sente a pelle e ti

Guttuso e la

Sicilia sono

una cosa sola

La Vucciria - 1974

E ancora il bianco della ca-

micia delluomo dietro e di

nuovo il nero della signora

con il sacchetto della spesa.

Vita, persone, odori, sapori e

colori di Sicilia, in un caos

miscelato alla perfezione.

Ogni volta che guardi quel

grande quadrato scopri

qualche particolare nuovo

che ti sorprende.

E per questo saperti regala-

re una sorpresa sempre

nuova, ringrazi Guttuso.

A. A.

APPUNTI DARTE

un albergo.

Alla prima mostra del gruppo

degli "Independantes", di cui

erano originariamente com-

presi Degas, Renoir,

Czanne, Morisot, Pissarro,

Guillaumin, Sisley; nell'ele-

gante edificio dato in affitto

da Nadar; Monet consegn

proprio il paesaggio su Le

Havre.

Il catalogo delle opere fu

accuratamente realizzato da

Edmond Renoir ( fratello del

pittore ), il quale trovando

banale il titolo dell'opera di

Monet ( e a dire il vero un po'

tutte le sue opere ), opt per

il titolo " Impressione, sole

nascente."

Il dipinto rappresenta-

va un'alba sul porto di Le

Havre.

Le Havre era allora una citt

in pieno sviluppo, mondana,

con signori e dame elegante-

mente vestiti e attiva con la

sua ferrovia e il porto, centro

di vacanze e regate.

"Un disco di color arancione

brillante con vividi riflessi

dello stesso colore che si

spargevano in tutte le direzio-

ni, come diagonali tracciate

con tocchi rapidi. Era un di-

pinto semplice ed accattivan-

te".

Il caldo arancione del sole si

rifletteva nel mare blu-verde

ove si trovavano barche che

ritornavano dalla pesca not-

turna su un cielo grigio-blu;

un'atmosfera poetica volta

tutta a cogliere il momento.

Per il dipinto il pittore si ispir

ai sublimi paesaggi di Joseph

Turner ( 1775-1851 ) e in

particolare a " L'Incendio del

Palazzo del Parlamento

" ( 1835 ),di grande effetto.

Come si sa, l'Eposizione

ebbe molte critiche e poca

duttilit da parte dei visitatori

che ritenevano incomprensi-

bile e non finita l'arte di quel

gruppo.

Ci che pochi sanno che "

Impressione, sole nascente

" non il quadro in questio-

ne. Infatti quello che vediamo

noi oggi un tramonto, non

un'alba. Bisogna ricordare

che Claude Monet era solito

rappresentare lo stesso sog-

getto in ore diverse del gior-

no. Il "vero" potrebbe far par-

te di una collezione privata.

(continua nella pagina se-

guente)

" Impressione, sole nascente " di Monet

" Ah, eccolo, eccolo! Escla-

m dinanzi al n 98.Che cosa

rappresenta questa tela ?

Guardate il catalogo.

Impressione, sole nascente.

Impressione, ne ero sicuro.

Ci dev'essere dell'impressio-

ne, l dentro. E che libert,

che disinvoltura nell'esecu-

zione!

La carta da parati allo stato

embrionale ancor pi cura-

ta di questo dipinto."

( Louis Leroy su " Le Chiari-

vari ", 25 Aprile 1874 )

Cos il critico francese Louis

Leroy ( 1812-1885 ), immagi-

nando un ipotetico dialogo tra

due visitatori, descrisse l'ope-

ra pi famosa di Monet,

esposta per la prima volta il

venticinque Aprile 1874,

in boulevard des Capucines,

presso lo studio del fotogra-

fo Nadar ( 1820-1910 ), insie-

me ad altri dipinti di quel

gruppo cos originale e mi-

sconosciuto che prese il no-

me proprio da quell'opera

cos aspramente criticata, e

con cui diventarono in breve

tempo universalmente noti e

apprezzati.

Nella primavera del 1874,

Claude Monet ( 1840-1926 ),

giovane bello e di agiata fa-

miglia, tornava da Le Havre,

citt della sua infanzia, por-

tando con s una tela che

aveva dipinto dalla finestra di

Ci che pochi

sanno

che Impressione

, sole nascente

non il quadro in

questione.

" Impressione,sole nascente " ( 1872 ),

C.Monet

Mi chiamo Michela, nata a Roma nel 1984,dove conseguito la maturit classica. Questa mi ha

dato la possibilit di ampliare fortemente le passioni che nutrivo fin da piccola, in particolar mo-

do la letteratura ( soprattutto francese), l'arte, biografie e storia.

appuntario.blogspot.it appuntario@gmail.com

ne d'arte fu messa all'asta e il

quadro fu venduto a Georges

De Bellio ( 1828-1894 ),altro

collezionista, per duecento-

dieci franchi.

Dal 1938 risiede al Muse

Marmottan di Parigi.

Con questo grande capolavo-

ro si cominciava a stagliare in

quegli anni un nuovo modo di

vedere l'arte e con essa le

luci, i colori, le sfumatu-

re...ma anche la vita : era

l'alba dell'impressionismo.

M. P.

" Ho dipinto la Senna in tutta

la mia vita, a tutte le ore del

giorno, in tutti i periodi

dell'anno, da Parigi fino al

mare [...] Argentuil, Poissy,

Vtheuil, Giverny, Rouen, Le

Havre."

Il dipinto che fece anch'esso

il suo scandalo per l'originali-

t artistica fu in seguito ac-

quistato dal ricco collezioni-

sta Ernest Hosched ( 1837-

1891 ),amico dell'artista per

ottocento franchi.

Con la bancarotta di Hosche-

d, nel 1877, la sua collezio-

Con questo

grande

capolavoro si

cominciava a

stagliare in

quegli anni un

nuovo modo di

vedere l'arte

" L'Incendio al Parlamento " ( 1835 ),J.Turner

ARTE PER BIMBI CURIOSI

Raynor e Mayla

nenti dellart nouveau, un

movimento artistico che non

riguarda solo la pittura, ma

anche architettura e arreda-

mento e che si ispira princi-

palmente alla natura, reinter-

pretandone gli elementi strut-

turali.

Ci che rende lopera di Klimt

cos originale e riconoscibile

(soprattutto per quanto ri-

guarda i lavori che ho preso

in considerazione qui) lor-

namento, il decoro: le linee

sono eleganti e morbide, le

forme geometriche si ripeto-

no con armonia, alternandosi

a segni pi delicati e i colori

sono accostati con sapienza.

Per quanto riguarda le simili-

tudini con il cartone animato,

si possono notare alcuni det-

tagli ripresi integralmente

dalloriginale, basti notare il

vestito di re Raynor, la cui

fantasia pressoch identica

a quella dellabito che trovia-

mo ne Il bacio, o la mise di

regina Mayla, che ricalca

quella de Lattesa, anche

per quanto riguarda accon-

ciatura e copricapo.

Il personaggio di Gargona

identico all'Hygieia e ripren-

de, inoltre, le acconciature

che troviamo in un particolare

del Fregio di Beethoven. La

perfida Panthea , invece, un

mix tra Emilie Floge e la

figura spettrale di Morte e

vita.

I capelli fuxia di Mia e le cri-

niere dei vari unicorni sono

decorati con pietre colorate o

fiori, dettagli che troviamo

spesso nelle capigliature

delle donne di Klimt, come

Nuda veritas, Le forze osti-

li (sempre dal Fregio di

Beethoven), Le tre et della

donna e Serpenti dacqua.

(continua nella pagina se-

guente)

Quando Mia incontra Klimt

Ultimamente, M. (mia figlia

seienne) segue un cartone

animato che, a mio avviso,

veramente originale, non

tanto per la storia (che co-

munque simpatica e poeti-

ca), ma, in particolare, per

lispirazione del disegno.

La serie si intitola Mia and

me e tratta di una dodicenne

rimasta orfana (Mia, appunto)

che ha ereditato un vecchio

libro sugli unicorni e un brac-

cialetto. Grazie a questi og-

getti, Mia pu magicamente

avere accesso al mondo pa-

rallelo di Centopia e parlare

con gli unicorni che la popo-

lano, non pi con le sue fat-

tezze di teenager, bens co-

me elfo. Ed a questo punto

fatato della storia che avvie-

ne lintreccio tra live action e

animazione, i cui motivi sono

ispirati allopera di Gustav

Klimt.

Ho colto subito loccasione di

parlare a M. di questo artista

meraviglioso, mostrandole le

immagini ispiratrici, aiutan-

dola a trovare i punti in co-

mune tra pittura e cartone

animato e fornendole infor-

mazioni semplici e stringate

sui dipinti e sul loro autore.

M. ne rimasta affascinata.

Non poteva essere altrimen-

ti

Ecco a voi Klimt e Mia!

Klimt stato un artista vien-

nese, uno dei massimi espo-

Ci che rende

lopera di Klimt

cos originale e

riconoscibile

lornamento, il

decoro

Didascalia dell'immagine o della foto-

grafia

Sono Monica, mamma full, full, full-time di due bimbi pestiferi e meravigliosi. Diplomata al liceo

artistico, successivamente ho intrapreso un percorso universitario che con l'arte non ha niente

in comune. Amo condividere la mia passione per l'arte con i miei figli, nonostante siano ancora

piccoli. Perch non mai troppo presto per imparare.

arteperbimbicuriosi.altervista.org f.monica@libero.it

Sicuramente i bimbi, lasciati

tranquilli a studiare e compa-

rare le immagini, saranno in

grado di trovare molte altre

similitudini che a me sono

sfuggite! Concludo con unul-

tima opera darte, quella

che ha magistralmente crea-

to M. ispirandosi ai riccioli di

Klimt (parole sue). E anche

queste sono soddisfazioni

M. F.

...i bimbi,

lasciati

tranquilli a

studiare e

comparare le

immagini,

saranno in

grado di

trovare molte

altre

similitudini

Panthea e Gargona

Klimt-Hygeia

Panthea e Gargona

Mia

M. ispirata da Klimt

ARTE A SCUOLA PRESENTA ...

I ritratti di Picasso

Lo stile di Picasso nei ritratti

inconfondibile: le figure si

scompongono e si ricompon-

gono nei suoi quadri sconvol-

gendo tutti i canoni e le pro-

porzioni del volto secondo lo

stile cubista. Quando gli stu-

denti hanno copiato le opere

di Picasso non si sono preoc-

cupati di rispettare le propor-

zioni del quadro, ma hanno

disegnato liberamente, la-

sciandosi ispirare dallimma-

gine. Lesperienza di dise-

gnare un volto fuori dalle

regole convenzionali ci ha

fatto ragionare sul concetto di

bello e di brutto per appro-

fondire altri aspetti del ritratto

come quelli di significativo,

espressivo, comunicativo.

Per realizzare questo lavoro

abbiamo dapprima preparato

un fondo a collage, incollan-

do pezzi di giornale su un

foglio bianco. Successiva-

mente stato tracciato il di-

segno a mano libera con un

pennarello nero copiandolo

direttamente da unopera di

Picasso. I colori sono stati

applicati successivamente

con i pastelli a olio, imitando

lopera originale.

M. P.

Lesperienza

di disegnare

un volto fuori

dalle regole

convenzionali

ci ha fatto

ragionare

Sono Miriam Paternoster, insegnante di Arte e Immagine presso la Scuola Secondaria di Primo

Grado. Dal 2008 lavoro a questo blog, pubblicando e condividendo i lavori fatti a scuola e le

lezioni ideate per la scuola: da allora questo sito diventato un luogo dove scambiare nuove

idee, confrontare lezioni, sperimentare tecniche e creazioni. Arte a scuola, scritto in italiano

ed inglese, unoccasione per incontrare insegnanti e studenti di tutto il mondo e per promuo-

vere la creativit in classe e nella vita.

arteascuola.com patermir@gmail.com

LETTEREARTE

Lavandare

Nel campo mezzo grigio e mezzo nero

resta un aratro senza buoi, che pare

dimenticato tra il vapor leggiero.

E cadenzato dalla gora viene

lo sciabordare delle lavandare

con tonfi spessi e lunghe cantilene.

Il vento soffia e nevica la frasca,

e tu non torni ancora al tuo paese!

Quando partisti, come son rimasta!

Come l'aratro in mezzo alla maggese.

(continua nella pagina seguente)

Pascoli e Van Gogh: Solitudini

Agli amanti della letteratura

capita, talvolta, di imbattersi

in un testo che richiama alla

mente un dipinto o, vicever-

sa, che, ammirando un'opera

d'arte, essa appaia come la

perfetta traduzione visiva di

un romanzo o di una poesia.

Io l'ho provato pi di una

volta: il mito ovidiano di Apol-

lo e Dafne tradotto nel mar-

mo dal Bernini, l'Olympia di

Manet come descrizione del-

la Margherita Gautier prota-

gonista de La signora delle

camelie... ma uno dei pi

sorprendenti riconoscimenti

di poesia nell'arte arriva da

un dipinto realizzato da Vin-

cent Van Gogh nel 1890, dal

titolo Campo innevato con un

aratro, che sembra la trasfi-

gurazione in tratti e colore di

uno dei componimenti pi

celebri di Giovanni Pascoli,

Lavandare.

...uno dei pi

sorprendenti

riconoscimenti

di poesia

nell'arte arriva

da un dipinto

realizzato da

Vincent Van

Gogh .

Vincent Van Gogh, Campo innevato con un aratro (1890), Van Gogh Museum di

Amsterdam

Mi chiamo Cristina, ho studiato lettere e filologia classiche, ma al grande amore per la letteratura

si unisce da sempre la passione per larte. Dal connubio dei miei interessi, nato, nel febbraio

2013, il blog Athenae Noctua, in cui confluiscono interventi dedicati ai libri, alle opere darte, al

teatro, al cinema e allattualit e non di rado mi trovo a fondere insieme spunti provenienti da tutti

questi mondi.

athenaenoctua2013.blogspot.it athenae.noctua2013@gmail.com

impressionismo fatto di tratti

frammentari, non diversa-

mente da quanto fa l'artista

olandese con le sue immagini

composte di virgole veloci.

Tanto lontani geograficamen-

te, tanto vicini appaiono nella

solitudine queste due grandi

figure della cultura di fine

Ottocento (Van Gogh morir

nello stesso 1890, Pascoli,

nato solo tre anni dopo, so-

pravvivr fino al 1912). I loro

frammenti esprimono le affini

sensibilit, la difficolt a rap-

portarsi con un mondo che

sembra tendere continue

minacce... e allora solo la

natura, gli alberi, i campi, gli

uccelli, i fiori, elementi ricor-

renti nella poesia dell'uno e

nei dipinti dell'altro, possono

offrire un conforto o, se la

consolazione non appare

possibile, un'immagine che

traduca un disagio in un lin-

guaggio pi diretto e sponta-

neo di quello di una ragione

assente o introvabile.

C. M.

La descrizione di questo ab-

bandono, nell'oggetto lascia-

to in un campo, la terra mez-

za rivoltata e il freddo che

cade sull'ultima strofa sem-

brano la perfetta didascalia

del dipinto di Van Gogh . In

esso troviamo la stessa at-

mosfera gelida, i trattini di

colore nel cielo che suggeri-

scono la presenza del vapor

leggiero e, a met, eviden-

ziato dall'isolamento come

quel dimenticato che balza

all'attenzione del lettore gra-

zie all'enjambement fra i ver-

si 2 e 3, un aratro abbando-

nato, senza qualcuno che lo

manovri, come per una fuga

improvvisa. Lavandare, un

testo incluso in Myricae fin

dalla prima edizione, si data

al 1891, un solo anno dopo la

realizzazione del quadro di

Amsterdam. In entrambi co-

gliamo un senso di freddezza

e di solitudine che in Van

Gogh accentuato dalle tinte

azzurre e verdognole, mentre

nei versi di Pascoli almeno

in parte mitigato dalla ventata

sonora che arriva da lontano

a suggerire la presenza di

una realt sicura e confortan-

te. La nota prevalente di My-

ricae la costante simbiosi

fra le immagini e i suoni della

quotidianit (spesso legati

alla natura) e il soggetto che

li percepisce, alla ricerca di

un'armonia che il poeta di

San Mauro rende con un

Tanto lontani

geograficamente,

tanto vicini

appaiono nella

solitudine queste

due grandi figure

della cultura di

fine Ottocento

THE ART POST BLOG

sala riunione del Gran Consi-

glio.

Il primo nucleo della Basilica

Palladiana era costituito dal

Palazzo della Ragione, sede

delle magistrature pubbliche

cittadine e di botteghe al pia-

no terra, che venne realizza-

to tra il 1449 e il 1460, recu-

perando alcuni edifici pubblici

medievali esistenti.

La tradizione attribuisce al

maestro Domenico da Vene-

zia la progettazione dellam-

pio salone superiore con

copertura lignea a carena di

nave rovesciata rivestita da

lastre di piombo.

Nel 1481 iniziarono i lavori

per circondare tre lati del

palazzo con un loggiato,

mentre nel 1495 venne rea-

lizzato da Pietro Lombardo lo

scalone daccesso al loggiato

superiore.

Nel 1496 il crollo dellangolo

sud-ovest delle logge diede

vita ad un acceso dibattito

sulla ricostruzione che coin-

volse i pi importanti architet-

ti del tempo: Jacopo Sansovi-

no, Sebastiano Serlio, Miche-

le Sanmicheli e Giulio Roma-

no.

Lapprovazione del progetto

del Palladio, nel maggio del

1549, segn la consacrazio-

ne artistica dellarchitetto che

propose una soluzione inno-

vativa.

Andrea Palladio avvolse le

vecchie mura delledificio con

un portico a due piani e ca-

ratterizzato da colonne di

marmo, rendendo la struttura

in grado di tener conto dei

necessari allineamenti con le

aperture e i varchi delledifi-

cio quattrocentesco preesi-

stente.

(continua nella pagina se-

guente)

La Basilica Palladiana

Basilica Palladiana, Vicen-

za. Il numero di visitatori alla

mostraTutankhamon, Cara-

vaggio, Van Gogh. La sera e

i notturni dagli Egizi al Nove-

cento impressionante e se

anche voi andrete a vedere

la mostra di Vicenza o state

pensando di farlo, non potre-

te evitare di farvi stregare da

questa citt ricca di storia e

di bellezze.

La mostra ospitata allinter-

no della Basilica Palladiana,

che il pi importante monu-

mento storico di Vicenza e

che ha una storia che vale la

pena conoscere.

La Basilica Palladiana ledi-

ficio simbolo di Vicenza.

Progettata dallarchitetto An-

drea Palladio ( 1508 1580),

che considerato il pi im-

portante architetto veneto del

Cinquecento, lopera venne

completata nel 1614 e rap-

presenta la consacrazione

dello stile palladiano, ovvero

il recupero del linguaggio

dellarchitettura classica sen-

za dimenticare le esigenze

funzionali che unedificio de-

ve possedere.

Nel 1549 il Consiglio dei

Cento, lorgano di governo di

Vicenza, affid a Palladio

lincarico per la ricostruzione

del vecchio Palazzo della

Ragione, che in origine era

un grande edificio gotico in

mattoni e che serviva come

La Basilica

Palladiana

ledificio

simbolo di

Vicenza.

Io non racconto una mostra, ma le storie che racconta una mostra. Non spiego la storia dellarte,

ma narro le storie di cui parla larte. Nel mio blog ci sono dettagli, frammenti, curiosit, piccole

storie contenute in grandi capolavori, realizzati da uomini e donne di grande talento. Divertiti e

fatti ispirare.

www.theartpostblog.com artpostblog@gmail.com

Premio dellUnione Europea per il Patrimonio culturale Con-

corso Europa Nostra 2014 per la conservazione del patrimo-

nio culturale.

Dal 2014, inoltre, accessibile anche la Terrazza della Basili-

ca da cui si gode una vista impareggiabile sulla citt di Vicen-

za.

C. S.

Lidea del Palladio si basa su

una struttura fatta di arcate

sovrapposte e in cui lele-

mento dominante un arco

affiancato da due aperture

laterali rettangolari e di lar-

ghezza variabile, per com-

pensare la differenza di lar-

ghezza delle campate.

Questa struttura detta

serliana, derivando il nome

dallarchitetto Sebastiano

Serlio (1475 1554/1555) il

quale aveva descritto questa

tipologia architettonica, e

conosciuta fin dallantichit,

nel suo Trattato di Archiettu-

ra.

Con questa struttura il Palla-

dio riesce ad inglobare il vec-

chio edificio a due piani, re-

golarizzandone la forma e

creando una struttura nuova

ma ispirata allo stile classico.

Fu Palladio stesso a dare

alledificio il nome di

Basilica, dato che nel XVI

secolo il termine basilica

non indicava una chiesa, ma

piuttosto unaula di incontro o

con una funzione civile.

Ledificio imponente, ma

solo al suo interno che si

riescono a percepire le enor-

mi dimensioni del loggiato e

soprattutto della sala al primo

piano, dove attualmente si

svolgono le mostre tempora-

nee.

La Basilica Palladiana stata

inserita dallUnesco nella lista

dei beni patrimonio delluma-

nit nel 1994 e nel 2014

diventata Monumento Nazio-

nale.

Tra il 2007 al 2012 la Basilica

stata oggetto di un impor-

tante restauro architettonico,

per la conservazione della

struttura e per rendere ledifi-

cio funzionale.

Il 5 ottobre 2012 stata ria-

perta al pubblico e allinter-

vento conservativo stato

assegnato a Vienna il

Fu Palladio

stesso a dare

alledificio il

nome di

Basilica

SVIRGOLETTATE - PENNELLATE DI CURIOSIT DAL MONDO DELL'ARTE

detta la Madonna dellinsala-

ta, custodita presso la Chiesa

dei Cappuccini di Recanati.

Gi, Recanati, il paese pro-

tetto dai Conti Leopardi, il cui

massimo esponente, Giaco-

mo, tra i padri fondatori

della letteratura moderna che

fa capo al XIX secolo, pare

abbia ospitato anche Cara-

vaggio, che qui potrebbe

aver lasciato una sua opera.

La storia dellattribuzione del

dipinto a Caravaggio inizia

quasi un secolo fa, quando il

recanatese Patrizi, studioso

di criminologia, si occup pi

volte della figura del Cara-

vaggio, affascinato da

quellevento che lo vide pro-

tagonista della morte di Ra-

nuccio Tommasoni.

In visione di ci, il Patrizi, si

imbatt casualmente, il 25

luglio del 1912, (un periodo

ricordiamolo, in cui linteresse

per larte correlato alla risco-

perta del patrimonio artistico

ancora da scoprire, era alla-

pice), in un dipinto presente

nella chiesa dei Cappuccini

del suo paese. E analizzan-

do il colore, i soggetti, la resa

pittorica e volgendo uno

sguardo dinsieme a quella

che era stata la vita del pitto-

re per eccellenza, in un arti-

colo del 1916, si decise ad

attribuire questopera a Cara-

vaggio, definendola un Ripo-

so nella fuga in Egitto. E poi-

ch la sacra Famiglia inten-

ta a preparare una cena im-

provvisata con della verdura

selvatica, denomin il dipinto

Madonna dellinsalata.

Tenete ben a mente questa

denominazione, perch ci

ritorneremo pi tardi. Conti-

nuando il nostro percorso,

lopera sub vari restauri: nel

1916, a poche settimane

dallarticolo, il dipinto fu re-

staurato in qualit di opera

del Caravaggio (il che atte-

sta una convinzione del so-

praintendente delle Gallerie

delle Marche ad accettare

lattribuzione) dal restaurato-

re De Bacci Venuti, che fer-

m il colore risollevato, evi-

tando che questo cadesse;

nuovamente nel 2008, cos

da rimuovere le vecchie ver-

nici, ossidate nel secolo cor-

rente. Questo, ha permesso

che la tela acquisisse mag-

giore leggibilit e luminosit,

per cui ghiotta si resa loc-

casione di avviare una pi

approfondita indagine storico

archivistica, che ha permes-

so di appurare che il dipinto

presente nella chiesa del

convento dei Cappuccini di

Recanati a partire dalla fine

dellOttocento.

(continua nella pagina se-

guente)

La Madonna dell'Insalata di Recanati: Caravaggio o non Caravaggio?

Degli artisti pi celeberrimi

della storia dellarte, non

sempre possibile delinear-

ne una precisa e sicura cro-

nologia del loro operato: mol-

to spesso accade che venga

ripresa in considerazione

unopera darte snobbata o

semplicemente non cono-

sciuta, diroccata in qualche

chiesa periferica o palazzo

privato, che venendo attribui-

ta allartista per stile pi vici-

no, finisce addirittura per

svelare un lato poco cono-

sciuto di questo.

Ricordo a tal proposito le tele

del Tintoretto e del Veronese

site presso la Pinacoteca di

Bari, protagoniste dei restauri

del 1914-15 e del 2010, che

testimoniano una meraviglio-

sa collaborazione non solo

commerciale ma anche arti-

stica tra il Veneto e la Puglia,

o il dipinto dei SS. Quattro

Coronati un tempo sito

nellormai demolita SantAn-

drea in Vincis, attribuito non

a caso per qualche tempo al

Caravaggio.

E a proposito del Caravag-

gio, contestualizzandolo alla

premessa fatta, diviene im-

portante analizzare e scredi-

tare per quanto ci possibile,

lalone di mistero che aleggia

intorno ad un dipinto attribui-

to a questo sin dal lonta-

no1916, che io, semplice-

mente perch ingordo della

sua arte, voglio credere suo:

La fuga in Egitto, altrimenti

La storia

dellattribuzione

del dipinto a

Caravaggio

inizia quasi un

secolo fa

Antonio Dario Fiorini, storico dell'arte e blogger. Il suo miglior pregio la curiosit; il suo peggior

difetto: la curiosit. Laureatosi presso l'Universit degli Studi Roma Tre, ama l'arte moderna e

contemporanea, provando una particolare predilezione per Caravaggio, Otto Dix, Ernst Ludwig

Kirchner e Henri Matisse.

svirgolettate.blogspot.it a.d.fiorini@gmail.com

nale presso il quale il Caravaggio aveva dimorato durante i

miserevoli anni del suo soggiorno a Roma: proprio questo

cardinale, veniva chiamato dal Caravaggio Monsignor Insala-

ta, a causa della natura del cibo troppo frugale che il prelato

gli somministrava.

Beh per se lallusione fosse da prendere come valida, allora

il dipinto apparterrebbe agli inizi della carriera del Caravaggio

e non potrebbe essere la pala di Tolentino del 1603, che pos-

siamo addurre appartenere al periodo maturo; inoltre la prove-

nienza sarebbe da individuarsi nella corte pontificia romana e

non nella periferia marchigiana. Non posso esprimermi, non

ho prove certe per potermi schierare da questa o da quellaltra

parte.

Certo , che tutti gli indizi parrebbero confermare il dipinto al

Caravaggio. E pure la critica daccordo in questo, quasi

allunanimit: in pieno contrasto con la teoria del prof. Barto-

lozzi, il noto storico dellarte Vittorio Sgarbi convinto infatti

che la pala sia da attribuirsi ad Alessandro Turchi, conosciuto

come lOrbetto, solo per il fatto che il pittore sarebbe un se-

guace di Caravaggio e avrebbe vissuto i luoghi marchigiani

durante il suo operato.

Per cui alla visione di quanto detto, sorrido allidea che qual-

cuno come Sgarbi debba per forza andare controcorrente

anche l dove c levidenza. nella natura dello storico

dellarte dire la sua: per qualcuno vige addirittura la regola

giusto o sbagliato purch se ne parli.

Una visione opinabile, certo, che non vuole intaccare assolu-

tamente la professionalit dellemerito, ma spinge senza dubbi

a considerare come valida lidea che, nel caso suddetto,

quanto affermato dallo storico dellarte e politico si debba ne-

cessariamente vedere come una mezza castroneria.

A. D. F.

Ora, converrete che se il

dipinto del XVII secolo, per

ben due secoli stato sito

necessariamente presso un

altro edificio, per cui si ten-

tato di individuare la chiesa o

il palazzo di provenienza

dellopera. E a tal punto, il

professor Bartolozzi, storico

dellarte che tenta di vedere

nella Madonna dellInsalata

unopera dellartista lombar-

do, ha avanzato una ipotesi

di degno spessore che po-

trebbe individuare lignota

provenienza.

Pare che al Caravaggio fu

commissionata fra la fine del

1603 e gli inizi del 1604, la

pala daltare da collocare nel

Convento dei Cappuccini di

Tolentino e cos fu fatto; do-

cumenti certi lo attestano.

Adesso sopraggiunge la tesi

del professor Bartolozzi: a

suo dire da ritenersi possi-

bile che il dipinto, dopo la

soppressione del convento di

Tolentino avvenuta nel 1866,

sia passato a quello di Reca-

nati, in sostituzione della pala

del Calcagni defraudata pro-

prio nel 1866 nella cappella

di San Giuseppe, dove ap-

punto fu collocato il Caravag-

gio o presunto tale.

Ebbene a questo punto, ri-

cordate che vi avevo chiesto

di tener a mente la denomi-

nazione ufficiosa del dipinto?

Bene, da una relazione del

giugno 1916, del Soprinten-

dente alle Gallerie del Lazio

e degli Abruzzi, Federico

Hermanin, in cui riferisce alla

Direzione Generale per le

Antichit e Belle Arti lo stato

del dipinto, si evince una

curiosit che non affatto

irrilevante. A detta dellHer-

manin, i cespi dinsalata porti

dalla Vergine al Bambino,

che poi li lava nel catino,

potrebbero rivelare unallu-

sione furbesca a Monsignor

Pucci di Recanati, un cardi-

tutti gli indizi

parrebbero

confermare il

dipinto al

Caravaggio

LIMBRATTAC-ARTE

dipinto, una scultura o una

fotografia ma hai paura di

compiere un errore. Eccoti

allora dieci consigli che ti

aiuteranno a scegliere un

artista le cui quotazioni po-

trebbero rivalutarsi nel corso

degli anni.

Devo partire innanzitutto da

una breve ma fondamentale

premessa indispensabile per

contenere il pi possibile le

polemiche che ogni volta si

scatenano quando si parla di

questo argomento.

Ti dico inoltre fin da subito

che in un solo articolo non

potr esaurire largomento,

sul quale per altro si sono gi

consumate le penne di deci-

ne di giornalisti, critici o ad-

detti ai lavori. Scriver co-

munque presto altri post le-

gati a quello che stai per leg-

gere. Ma ora partiamo:

Larte una cosa, il merca-

to unaltra

Proprio cos, arte e mercato

sono due entit differenti e

separate anche se stretta-

mente legate e connesse fra

loro. come parlare di uno

sport, il calcio per esempio,

ma di due partite differenti

che si giocano su due campi

differenti per due competizio-

ni differenti. Se valutiamo il

valore artistico di unopera, lo

stile di un artista e la sua

importanza culturale, stiamo

giocando una partita, se ana-

lizziamo il valore economico

di un dipinto o di una scultu-

ra, ne stiamo giocando unal-

tra.

Questo vuol dire che arte e

mercato non si incontrano

mai? No, a volte si incontra-

no anche, ma nella maggior

parte dei casi c un forte

sfasamento e il mercato si

comporta un po come un

cavallo impazzito: corre

avanti rispetto a certi artisti

mentre ne lascia indietro altri

e questo comportamento fa

arrabbiare tanti nostalgici

amanti della vecchia buona e

bella arte.

Facciamo qualche esempio

per essere pi chiari. Chi

sono gli artisti che pi di tutti

negli ultimi anni sono stati

bersaglio di aspre critiche e

fulcro di polemiche sistemati-

che (spesso anche conscia-

mente cercate)? Sicuramente

i nomi principali, per citare i

pi famosi, sono Damien

Hirst e Jeff Koons. Il primo

stato forse un precursore

nellaver utilizzato

(consapevolmente e con una

strategia precisa) ci che si

chiama personal branding nel

mondo dellarte. Il secondo

detiene il record per lopera

di un artista vivente pi paga-

ta in asta (58 milioni di $).

(continua nella pagina se-

guente)

Investire in arte: 10 buoni consigli per non sbagliare

Investire in arte una forma

molto redditizia per far frutta-

re una parte dei propri rispar-

mi. vero che ci sono diversi

livelli di volatilit, ma le per-

formance non sono affatto

da scartare. Per larte con-

temporanea per esempio,

possono arrivare anche

a picchi del 50%. Restando

con i piedi per terra, studi pi

o meno recenti indicano

un rendimento medio annuo

che va dal 14% al 17%.

Con questi numeri non

difficile capire come mai in

molti si stanno lanciando su

questo mercato

per diversificare il proprio

portfolio investimenti. Il pro-

blema che come vero che

si possono ottenere bei gua-

dagni, altrettanto vero ed

molto pi facile fare acquisti

sbagliati e ritrovarsi dopo

qualche anno con qualcosa

che praticamente non ha pi

alcun valore.

Questo succede soprattutto

quando si passa allazione

senza una reale conoscenza

del vasto universo dellarte,

un mondo affascinante ma

che per quanto riguarda il

mercato guidato da ben

poche regole certe e verifica-

bili.

Probabilmente anche tu vuoi

diversificare il tuo portfolio

investimenti e puntare su un

Larte una

cosa, il

mercato

unaltra

Copywriter, blogger e web marketer con una grande passione per l'arte e per il suo mercato.

Quando lavoro scrivo, quando non lavoro scrivo, leggo, viaggio e giro per mostre, musei e fiere

cercando di divertirmi: perch l'arte una cosa seria, come la vita, per questo va presa con il

sorriso.

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sperare di aver sotto il brac-

cio un dipinto che in futuro si

rivaluter. Cominciamo:

1. Qual la galleria o il

mercante che segue e

gestisce il suo lavoro?

Eh si, la prima domanda non

ha nulla a che vedere n con

lartista tanto meno che con

la sua arte. Ti sembra stra-

no? Ti ricordo che stiamo

parlando di mercato e il mer-

cato lo fa il gallerista, non

lartista. Come esistono av-

vocati pi potenti e influenti

degli altri, politici pi potenti e

influenti degli altri, blogger,

giornalisti, imprenditori, ecc.

pi potenti e influenti degli

altri, cos nel mondo dellarte

ci sono galleristi pi potenti e

influenti degli altri. Sono loro

che, insieme ad altri perso-

naggi, muovono le reti del

sistema e a volte sono cos

famosi da diventare brand

pi importanti degli stessi

artisti che gestiscono: Larry

Gagosian, David Zwir-

ner, Iwan Wirth per citarne

qualcuno.

Stando con i piedi per terra,

senza andare a scomodare

certe vette, anche a livelli

inferiori ci sono galleristi che

fanno bene il proprio lavoro e

altri che lo fanno meno bene.

Dietro alle alte quotazioni di

un artista, si nasconde un

lungo e dispendioso lavoro,

sia a livello di tempo che a

livello di denaro. Non tutti

sono in grado o hanno le

capacit, le conoscenze e i

contatti (fattore essenziale

per avere successo in questo

mondo) per portarlo a termi-

ne. Ricordatevi che dietro

agli impressionisti cera Paul

Durand Ruel e dietro

a Picasso e Czanne cera

un grande mercante co-

me Ambroise Vollard. Quindi

insieme allartista, e in alcuni

casi ancor prima dellartista,

Pu un cagnolone gigante,

metallizzato, consapevol-

mente kitsch, costare pi di

unopera di Gerhard Richter,

per citare un altro artista vi-

vente, o di Salvador Dal e

di Lucio Fontana, per citare

due nomi di artisti storicizza-

ti?

Ebbene s, pu, sempre per

lo stesso motivo: larte una

cosa, il mercato unaltra. Lo

ripeto nuovamente perch

deve entrare bene in testa a

chi si vuole avvicinare a que-

sto mondo senza trovarsi di

fronte a brutte sorprese.

Il mercato ha delle regole

proprie e si muove secondo

principi propri che a volte non

hanno nulla a che vedere con

quelli della storia dellarte.

Quindi se ci si avvicina allar-

te con lintenzione di fare un

investimento sono le regole

del mercato che bisognereb-

be cercare di capire e segui-

re, non la piacevolezza

dellopera tanto meno il pro-

prio gusto personale. Ovvia-

mente fra i tanti possibili in-

vestimenti si pu scegliere

lartista che pi tocca le no-

stre corde, ma, come ho gi

scritto in un precedente post,

se si compra sperando in una

futura rivalutazione dellopera

non bisognerebbe mai farsi

guidare dallemozio-

ne: godere larte con il cuore

ma comprarla con la testa.

Come investire in arte: 10

consigli per scegliere lo-

pera giusta

Veniamo finalmente al succo

di questo post. Se ti stai avvi-

cinando al mondo dellarte

con lintenzione di fare un

buon investimento eccoti 10

domande che faresti bene a

porti quando ti trovi davanti a

unopera che ti affascina pri-

ma di decidere di tirar fuori il

tuo libretto degli assegni e

stiamo

parlando di

mercato e il

mercato lo fa

il gallerista,

non lartista

scegliete il mercante giusto. In

Italia le gallerie pi forti sono

Massimo De Carlo, Gi Marco-

ni, Lia Rumma, Massimo Mini-

ni, Franco Noero per citarne

solo alcune. Ci sono poi tantis-

sime altre gallerie meno forti

ma che fanno un ottimo lavoro

e vendono artisti interessanti.

(continua nella pagina seguen-

te)

Cruz in America, mentre in

Italia si devono citare

la Collezione Miuccia Prada,

quella di Giuliano Gori e

quella del Conte Panza di

Biumo.

4. Quale ruolo ha allinter-

no della storia dellarte?

Allinterno del vasto mondo

della storia dellarte, ci sono

artisti importanti, alcuni indi-

spensabili e altri che non

hanno lasciato il segno. Se

cancellassimo Czanne, non

capiremmo pi Picasso e

senza Picasso crollerebbe

tutto il castello della storia

dellarte del Novecento. La

stessa cosa vale per Lucio

Fontana, per Andy Warhol e

per tanti altri. Il mercato

spesso non va di pari passo

con la storia dellarte e, so-

prattutto avvicinandoci ai

giorni nostri, ci sono impor-

tanti e gi storicizzati artisti

che hanno ancora delle quo-

tazioni raggiungibili. In que-

sto momento gli artisti del

dopoguerra (Vedova, Afro,

Manzoni, Fontana, Castella-

ni) hanno gi valutazioni inar-

rivabili per i pi ed in atto la

riscoperta degli artisti cineti-

ci e di quelli dellarte analiti-

ca. Una volta che anche loro

arriveranno a determinate

vette, il mercato passer ai

movimenti dei decenni suc-

cessivi. Negli anni 90 per

esempio, hanno lavorato

artisti come Alessandro Pes-

soli, Marco Cingolani e Stefa-

no Arienti le cui quotazioni

non hanno ancora raggiunto

quelle del coetaneo Maurizio

Cattelan. La cosa che si do-

vrebbe fare anticipare i

tempi e comprare gli artisti

prima che vadano di moda e

che vengano inglobati dal

mercato: per riuscire a fare

questo per, bisogna iniziare

a familiarizzare con linguaggi

a cui non siamo ancora abi-

tuati e che spesso possono

risultare di difficile compren-

sione.

(continua nella pagina se-

guente)

2. In quali mostre o musei

sono stati o sono espo-

sti i suoi lavori?

Finalmente parliamo dellarti-

sta o meglio ancora del

suo Curriculum. Se doveste

assumere un collaboratore

come lo scegliereste? Ovvia-

mente dando unocchiata alle

sue esperienze passate e

alle aziende per cui ha lavo-

rato. Nel caso di un artista le

esperienze sono date dai

premi vinti, dalle mostre e

soprattutto dai musei in cui le

sue opere sono esposte. Un

tempo gli artisti raggiungeva-

no questo riconoscimento a

fine carriera. Oggi le cose

sono cambiate e spesso gli

artisti entrano nei musei mol-

to prima e ottengono il rico-

noscimento economico fin da

giovani. Avere unopera allin-

terno di un museo, oltre che

essere un riconoscimento

ufficiale, espone il nome

dellartista agli occhi del mon-

do e lo rende quindi pi desi-

derabile. Consiglio: cercate

artisti esposti nei musei ma

con prezzi ancora abbordabili

e diffidate di quelli che costa-

no gi cifre stellari ma che

nei musei entrano solo pa-

gando il biglietto.

3. Chi lo colleziona?

Una volta cerano Papi, nobili

e aristocratici. Oggi ci sono

capitani dindustria, banchieri

e imprenditori. Cambiano i

ruoli, cambiano i modi, ma la

musica non cambia. Entrare

a far parte di certe collezioni

garanzia di successo. Pen-

sate agli artisti della Young

British Art collezionati dal

magnate della pubblici-

t Charles Saatchi e che oggi

hanno raggiunto cifre da ca-

pogiro. Altre collezioni im-

portanti sono quella

dei coniugi Rubell e quella

diRosa e Carlos De la

8. Quella che sto per acquistare unopera di un periodo

significativo?

Quasi tutti gli artisti hanno avuto nel corso della vita, periodi di

grande fermento creativo affiancati a periodi meno produttivi.

Di solito il ciclo produttivo di un artista diviso da una fase in

cui inventa un nuovo linguaggio, seguito da una seconda

fase in cui la novit si afferma e quindi finisce di essere una

novit. Infine arriver la fase in cui lartista, ormai affermato, si

attester sulla stanca ripetizione di uno schema ormai di suc-

cesso. Ovviamente la prima fase quella pi cercata e pagata

dal mercato. Non tutti i Picasso costano milioni di euro. Quelli

del periodo rosa, del periodo blu o le opere cubiste sono quel-

le che raggiungono quotazioni spaventose. I Picasso dellulti-

mo periodo non si avvicineranno nemmeno ai record price

pazzeschi dellartista. Cos come una Piazza dItalia di De

Chirico degli anni 50 non coster come una del primo decen-

nio del 900 o un Castellani degli anni 2000 non coster come

uno degli anni 60. Attenzione per, perch non per tutti gli

artisti il periodo migliore quello giovanile, ci sono pittori che

hanno raggiunto il massimo dellespressivit in et senile o

altri per cui lanno di creazione di un opera non fa la differenza

ma conta solo la qualit.

(continua nella pagina seguente)

5. Ha raccolto le sue ope-

re in un catalogo gene-

rale?

Per un artista avere il catalo-

go generale garanzia di

sicurezza. Serve a far ordine

nella sua produzione, a certi-

ficare quali opere sono vere

e a dare un messaggio di

seriet che poi si trasferisce

al mercato. Una delle cose

che ha fatto esplodere il mer-

cato di Alighiero Boetti qual-

che anno fa stata la pubbli-

cazione del catalogo ragiona-

to delle sue opere.

6. I suoi lavori sono imme-

diatamente riconoscibi-

li?

Avere uno stile unico e incon-

fondibile porta sicuramente

valore al lavoro di un artista,

soprattutto quando questo

vuol dire anche utilizzare un

linguaggio nuovo o dire cose

che nessuno ha mai detto.

Artisti con stili propri sono

quelli che poi diventano pi

facilmente icone e quindi pi

desiderabili dai grandi colle-

zionisti. Unopera di Andy

Warhol, come una di Francis

Bacon, come una di Lucio

Fontana, come una di Luigi

Ontani ecc. le si possono

riconoscere a chilometri di

distanza. Avere una loro ope-

ra appesa in un salotto

garanzia di prestigio per chi

la possiede.

7. Le sue opere girano

allinterno di un merca-

to locale, nazionale o

internazionale?

Qui anche inutile spendere

troppe parole, una legge

delleconomia: pi la richiesta

aumenta, pi aumentano i

prezzi. intuitivo e automati-

co che un artista venduto nel

mondo ha pi richiesta di un

altro venduto solamente dalla

galleria del paese.

Avere uno

stile unico e

inconfondibile

porta

sicuramente

valore al

lavoro di un

artista

no con i nomi che fanno ottimi risultati in asta.

Adesso sei pronto anche tu a comprare la tua prima opera e

a investire in arte. Ovviamente non necessario che un

artista possegga tutti i requisiti che ho elencato qui sopra

per essere un investimento, soprattutto se stiamo parlando

di un artista giovane.

Queste vogliono essere solo delle linee guida ma il discorso

ovviamente non si esaurisce qui, ci sono tante variabili che

influenzano le quotazioni di un artista soprattutto in un mer-

cato in cui c poca chiarezza e trasparenza. Matthew Carey

-Williams, curatore della galleria White Cube di Londra ha

dichiarato provocatoriamente Oggi larte un super busi-

ness. Dopo il traffico di droga e la prostituzione, il pi gran-

de mercato senza regole del mondo.

Prima di lanciarti in un acquisto azzardato sarebbe meglio

quindi iniziare a visitare musei, mostre, fiere nazionali e in-

ternazionali e dare unocchiata ai nomi che girano. La cosa

ancora pi saggia quella di farsi consigliare da un addetto

ai lavori, ma occhio anche in questo caso a scegliere quello

giusto, alcuni sono solo dei bravi imbonitori.

N. S.

9. Com la qualit dello-

pera che sto per acqui-

stare?

La qualit appunto. Penso

sia chiaro che un artista non

dipinge solo capolavori. Tutti

noi abbiamo giornate no, in

cui niente ci esce come vor-

remmo e altre in cui tutto

sembra invece facile. Per un

artista uguale: ci sono gior-

nate in cui dipinge capolavo-

ri, altre in cui i quadri sono

poco riusciti, altre ancora in

cui non ha alcuna ispirazione

ed costretto a creare opere

giusto per accontentare il

mercato e altre giornate an-

cora in cui il risultato del suo

lavoro ci che lambiente

chiama con il sinonimo di

crosta. Ovviamente i capo-

lavori costano pi delle altre

opere, ma sono anche quelli

che si rivalutano meglio nel

tempo e che si far meno

fatica a vendere quando si

vorr monetizzare linvesti-

mento. Nel mondo dellarte a

volte meglio ricordarsi del

proverbio: chi pi spende

meno spende.

10. Quale critico si occu-

pato della sua opera?

Questultima regola ero inde-

ciso se inserirla o meno. Un

tempo la voce di un critico

avrebbe potuto lanciare ver-

so le stelle la carriera e le

quotazioni di un artista. Oggi

anche una critica importante

non smuove in sostanza

niente dal punto di vista delle

quotazioni. C in compenso

una nuova figura che qualche

influenza in pi ce lha ed

quella del curatore. Negli

ultimi anni le scelte fatte da

alcune importanti istituzioni

museali rispetto a mostre ed

esposizioni spesso coincido-

Prima di

lanciarti in un

acquisto

azzardato

sarebbe

meglio quindi

iniziare a

visitare

musei,

mostre, fiere

info.areyouart@gmail.com

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Numero 1, Marzo 2015

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