10- La Pintura Del Quattrocento Masaccio, Piero Della Francesca y Botticelli (Bueno)

Tema 10- La pintura del Quattrocento:

Masaccio, Piero della Francesca y

Botticelli

Hª del Arte. 2º de Bachillerato Tema 10:La pintura del Quattrocento: Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli ©Juan Antonio García Rex

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1.-Características generales de la pintura del Quattrocento:

1. La imitación de la Naturaleza:

El objetivo de la pintura es representar las cosas tal como son.

Alberti en su obra “Della pintura” afirma: el pintor debe

circunscribir con líneas y teñir con colores las superficies de

apariencia semejante a cada cuerpo”. En esa “imitación” el pintor

renacentista selecciona siempre lo más hermoso y para interpretar

de la forma más exacta la realidad recurre si es preciso a la

profundidad a la expresividad y al movimiento (estático o

dinámico)

2. La representación científica del espacio:

Toma como modelo la Antigüedad clásica y se concreta en:

• La aplicación de un sistema de proporción que tiene como

punto de partida la representación humana (el canon) sobre el

que investigaron casi todos los artistas del Renacimiento.

• La perspectiva geométrica basada en las leyes de la óptica

según la cual las imágenes que percibimos de los objetos

disminuyen o se empequeñecen con la distancia

3. Temática más variada que en las etapas anteriores:

• Temática religiosa: no desaparece la temática religiosa de

inspiración medieval aunque cargada de humanismo y

representando hechos y personajes actualizados. Los temas

religiosos seguirán teniendo gran importancia con algunas

variaciones. El Nuevo Testamento y la vida de la Virgen

estarán ahora en el centro de interés desplazando al

Apocalipsis y en menor medida a las escenas del Antiguo

Testamento


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• El retrato: experimenta un importante desarrollo como

consecuencia del humanismo y del culto al individuo. El

hombre busca perpetuarse ante el presente o ante la

posteridad mediante el retrato individual o en grupo como

donante.

• Mitología: reaparece la temática mitológica (influencia de la

Antigüedad clásica) que además de representar héroes o

dioses paganos, es un instrumento para exaltar los valores

que encarnan o hechos históricos contemporáneos.

• La temática fantástica iniciada por El Bosco será continuada

por autores como Breughel o Patinir en la escuela flamenca y

Archimboldo en la escuela italiana.

4. Aspectos técnicos más significativos:

• El pintor renacentista es muy versátil en sus técnicas

pictóricas: utiliza tanto el fresco como el temple y el óleo

(influencia de los primitivos flamencos).

• La luz se convierte en un elemento, esencial que sirve para

registrar las variaciones que provoca en los colores y para

potenciar la perspectiva.

5. Principales pintores cuatrocentistas.

Son los siguientes (En Italia):

• Primera generación: Masaccio y Fra Angelico.

• Segunda generación: Piero della Francesca, Antonello de

Messina y Andrea Mantegna

• Tercera generación: Boticelli, Perugino y Ghirlandaio.

De entre los numerosos pintores del Quattrocento vamos a

centrarnos en Massacio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli.


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http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/TERMINOS/A-Z/letraP.htm#pierodellafrancesca

http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/TERMINOS/A-Z/letraB.htm#bosco

2.-Massacio (1401-1428)

Aspectos biográficos:

Tommaso di Ser Giovanni, llamado Masaccio, se formó como

Brunelleschi y Donatello en la innovación, superando a Giotto en el

desarrollo de la perspectiva y rompiendo con la tradición medieval

imperante en Italia hasta ese momento

Su búsqueda se centró en conseguir una visión equilibrada y

matemática de la composición artística y una nueva manera de

plasmar la figura humana dentro de este contexto. La potencia

monumental y el realismo expresivo de las figuras (Adán y Eva

expulsados del Paraíso en la Capilla Brancacci), el modelado

mediante la sombra y la luz o la sólida disposición de las

perspectivas (La Trinidad de Santa Maria Novella en Florencia) dan

todo su valor a esta obra, que sentó las bases sobre las que se

desarrollaría toda la pintura europea. Su producción fue, sin

embargo, escasa ante su prematura muerte.

Aspectos técnicos

Está considerado como el “padre” de la pintura del Quattrocento ya

que con él se asientan definitivamente los nuevos valores

renacentistas:

- Dominio de la masa y el volumen: da sombra e ilumina las

figuras sin dibujar los contornos.

- Predominio de la monumentalidad en la línea de Giotto que

luego continuó Miguel Ángel.

- Propugna una vuelta a la Naturaleza que culminó con Leonardo

Da Vinci


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- Manifiesta una clara tendencia al naturalismo incluso en su

pintura religiosa.

Análisis de sus obras más significativas:

1.- El Tributo de la Moneda o el Dinero del César (Select.)

Identificación

Nombre: El Tributo de la Moneda o el Dinero del César

Autor: Tommaso di Ser Giovanni, llamado Masaccio

Cronología: Año 1425

Localización: Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmen de

Florencia.

Estilo: Renacimiento (Quattrocento)

Técnica: pintura al fresco sobre muro

Dimensiones: 225 x 598 cms

Temática: religiosa

Análisis:

Forma parte de un conjunto de escenas (frescos) del Antiguo y del

Nuevo Testamento situadas en la Capilla Brancacci de la Iglesia del

Carmen de Florencia. (ver visión de conjunto)

Sitúa en el mismo mural tres escenas consecutivas del mismo

suceso, acaecidas una después de la otra, como una narración

continua al estilo gótico medieval. La escena representa los tres

momentos del episodio en el que Cristo, a quien el recaudador

había pedido su pago, con un ademán indica a Pedro que en el agua

encontrará el dinero. Pedro saca una moneda de la boca de un pez

del lago cercano y la entrega al recaudador.


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Respecto al significado de la elección de este tema hay diversas

interpretaciones:

• Según la más clásica, Masaccio se limita a representar los

acontecimientos ocurridos a la entrada de Cafarnaúm, donde se

exigió a Cristo y a sus discípulos el pago de una moneda como

portazgo. (un impuesto)

• Según otros autores a través de esta obra se intenta reafirmar la

supremacía de la Iglesia sobre el poder político al que no debe

pagar impuestos.

Respecto al reparto espacial de la escena se ha deducido que

Masaccio concibió la perspectiva en función de la relación visual con

el espectador, de manera que la escena pareciese una continuación

del espacio real de la capilla. Cuida el color y las formas y crea un

ambiente en el que el color se suaviza con la distancia y en el que

los ropajes, sin adornos, caen simplemente en voluminosos y

majestuosos pliegues.

El rectángulo es la forma elegida como marco donde desarrollar el

tema. Los hechos se desarrollan en un ambiente nuevo, en una

ancha llanura, ante una hilera de montañas vistas en profundidad.

La entrada a la ciudad está trazada con una perspectiva geométrica

muy lograda.

Junto a la perspectiva, para conseguir efectos de profundidad utiliza

otros recursos como colocar a los personajes de perfil y de

espaldas, mezclados con otros de frente (influencia de Giotto).

El grupo de la escena principal (Cristo y sus discípulos) presenta un

rasgo que resulta medieval, la isocefalia. Se trata de una isocefalia

sólo aparente, ya que cada cabeza está en un plano distinto de


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profundidad, además de tratarlas a cada una con individualidad, lo

que las convierte en verdaderos retratos.

La sombra proyectada por el grupo en el suelo sirve para enmarcar

su relación con el mundo natural que les rodea y su exposición a la

luz.

2.-La expulsión de Adán y Eva del Paraíso Terrenal.

Identificación

Nombre: El Tributo de la Moneda o el Dinero del César

Autor: Tommaso di Ser Giovanni, llamado Masaccio

Cronología: Año 1425

Localización: Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmen de

Florencia.


Técnica: pintura al fresco sobre muro

Dimensiones: 208 x 88 cm


Análisis :

Situado igualmente en la Iglesia del Carmen, el fresco se

encuentra sobre las pilastras de la izquierda de la misma capilla. En

el siglo XVII-XVIII se pintaron ropajes para cubrir el sexo de Adán y

Eva, pero al restaurarlo, se han suprimido, volviendo al estado

original.

El fondo del cielo está formado por una preparación gris azulada al

fresco.

Resulta una escena de gran intensidad dramática. Presenta la

humanidad real en la que un hombre esconde su cara avergonzado Hª del Arte. 2º de Bachillerato Tema 10:La pintura del Quattrocento: Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli ©Juan Antonio García Rex

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y una mujer llora desgarradoramente. Las figuras han sido

reducidas a sus formas esenciales, logrando una gran intensidad

dramática. La puerta del Paraíso parece cerrarse, impidiendo toda

posibilidad de regreso a los personajes, que se alejan por el duro

camino de una tierra yerma, bajo la amenazadora vigilancia del

Ángel armado. Se aprecian reminiscencias de la estatuaria

helenística en el torso de Adán, y también recuerda a las obras de

Donatello, en la manera de buscar los efectos anatómicos. En lo

que se refiere a Eva, su figura puede estar inspirada en las Venus

grecorromanas, pero su rostro recuerda en su desesperación al

Isaac de Brunelleschi escultura presentada en el concurso para la

Puertas del Baptisterio de Florencia.

3. LaTrinidad.

Este fresco de gran tamaño (667 x 317 cms) se encuentra en la

Iglesia de Santa María Novella (Florencia) y representa a la

Santísima Trinidad y es una de sus obras más interesantes.

Elementos plásticos: Aunque el paso del tiempo ha ido apagado los

colores, este fresco se caracterizaba por sus contrastes cromáticos

y por su luminosidad. Predominan los colores rojo y azul,

distribuidos diagonalmente entre los personajes bíblicos y los

donantes (San Juan y donante hombre, rojo. Virgen y donante

mujer, azul. Dios Padre rojo y azul)

Composición: Lo que destaca sobre todo es la estructura

arquitectónica (una bóveda de medio cañón representada en

perspectiva, compartimentada en casetones con rosetones que

disminuyen de tamaño de forma tan magistral que parece que el


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muro está perforado) al estilo de Brunelleschi. Aquí se aplican por

primera vez en pintura los adelantos de la perspectiva lineal.

La monumentalidad de las figuras, su peso y su volumen no han

sido logrados por pintor anterior alguno. El fresco se organiza en

torno a los donantes: todo converge perpendicularmente hacia

ellos. Es una obra de monumentalidad escultórica. Es de destacar

también el perfecto equilibrio entre arquitectura y personajes, el

empleo de la luz y la alternancia de los colores, así como el sentido

de la monumentalidad

Temática (descripción iconográfica): La escena representa a Dios

Padre que sujeta la cruz de Cristo y entre las dos cabezas aparece

el Espíritu Santo (paloma), acompañado por San Juan y María y,

arrodillados en primer plano y fuera del marco arquitectónico, dos

donantes (no se sabe con certeza quiénes son) quizá miembros de

la familia Lenzi. Los donantes son del mismo tamaño que los

personajes religiosos. En la zona inferior se simula la mesa de un

altar con un sarcófago sobre el que reposa un esqueleto (la

muerte). Todo queda enmarcado en una arquitectura clásica:

pilastras corintias, columnas jónicas, bóveda artesonada.

Interpretación iconográfica: Hay varias hipótesis: La más común es

la que interpreta esta obra como la representación del camino que

debe recorrer el espíritu para llegar a la salvación, subiendo de la

vida terrenal (esqueleto) por medio de la oración (los donantes) y

con la intercesión de la Virgen y San Juan y de la Trinidad.


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3.- Piero della Francesca (1416-1492)


Este pintor italiano (Borgo San Sepolcro 1416-Borgo San Sepolcro

1492) destaca entre los pintores del Quattrocento por el desarrollo

y la profundización en la perspectiva geométrica, iniciada por

Brunelleschi; por la construcción de figuras y escenas de fuertes

volúmenes y por un tratamiento de la luz muy diferente al de sus

contemporáneos. Sus pinturas, quizás algo hieráticas en la

expresión de sus figuras, son sin embargo un modelo para los

autores del primer Renacimiento en el uso del espacio y del color.

Las primeras obras del artista permiten deducir una prolongada

estancia en Florencia, donde adquirió lo esencial de su formación

guiado por los ejemplos de Brunelleschi, Donatello, Masaccio y Fra

Angelico.

Pero donde el autor aparece ya como un innovador pictóricas es

en los frescos de La leyenda de la cruz , en la iglesia de San

Francisco de Arezzo . Destacan entre todas La muerte de Adán, La

batalla de Constantino y Majencio, El sueño de Constantino, El

encuentro de la reina de Saba con Salomón y La Anunciación. Todas

las escenas del ciclo de Arezzo se caracterizan por su serena

grandiosidad.

En 1459, Piero della Francesca estuvo en Roma para realizar los

frescos de las “Estancias” del Vaticano (recubiertos cincuenta años

más tarde por los de Rafael). A esta etapa de plena madurez del

artista pertenecen también el grandioso fresco de la Resurrección

(Pinacoteca del Borgo San Sepolcro) y La flagelación de Cristo

(Palacio Ducal de Urbino) que analizaremos con detalle.


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Finalmente entre 1470 y 1480, Piero della Francesca mantuvo una

activa relación con los duques de Urbino, de la que fueron fruto el

díptico de Urbino (Uffizi), con los retratos heráldicos del duque

Federico de Montefeltro y Battista Sforza o la Madona con santos y

Federico de Montefeltro (galería Brera, Milán). Sus obras destacan

aquí también por lo rotundo de sus volúmenes y la fuerza del

dibujo. Los colores, de una gama cálida, refuerzan la composición y

favorecen un efecto de luminosidad en todo el conjunto.

1.-La Flagelación de Cristo: (Selectividad)

Identificación

Nombre: La Flagelación de Cristo

Autor: Piero della Francesca

Cronología: 2ª mitad del Siglo XV

Localización: Galería Nacional de las Marcas en Urbino (Italia)


Técnica: mixta (óleo y temple) sobre tabla.

Dimensiones: 58 x 81 cms.


Análisis:

Composición: Esta tabla incluye dos escenas claramente separadas

entre sí por un pórtico de inspiración clásica y por la gruesa linea

blanca del suelo (desde la izquierda hasta la columna en la zona

central, el área en la que se representa la flagelación y desde la

columna hasta el extremo derecho, el área ocupada por tres

personajes en primer plano)


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La luz proviene del espectador, es diáfana, e ilumina también el

recuadro bajo el que está situado Cristo

El color y las formas: la extraordinaria fuerza del arte de Piero se

encuentra en la maestría con la que usa el color, que él transforma

en luz, y las formas, con las que alcanza un gran valor plástico.

El resultado expresivo es la ausencia de emociones, la

impersonalidad, la calma solemne manifestada por los personajes

representados.

4.-Sandro Botticelli(1444-1510)


Sandro Filipepi, llamado Botticelli. Pintor de la segunda mitad del

Quattrocento (Florencia 1445-Florencia 1510). Con él se inicia la

última fase del Quattrocento. Trabajó en Roma (1481-1482) en

tres frescos de la capilla Sixtina; pero fue en Florencia donde se

desarrolló casi íntegramente su carrera, favorecida por los Médicis.

Discípulo de Filippo Lippi, recogió también las influencias de la

melodiosa pintura de Verrocchio, de la tensión de P. Pollaiolo y de

las formas ondulantes del escultor Agostino di Duccio.

En sus primeras obras de temática religiosa se ve la influencia de

sus maestros aunque reinterpretada por él mismo y creando su

propio lenguaje personal. Ya en ellas demuestra el dominio de la

pintura de caballete. Fue además un extraordinario dibujante que

utilizó el dibujo para conseguir formas flexibles y sinuosas con las

que une el fondo y el primer plano.

Para los Medici pintó hacia 1478 La primavera, El nacimiento de

Venus, Palas Atenea dominando al Centauro y Venus y Marte.


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Se convirtió en el intérprete de las aspiraciones ideológicas de un

grupo de intelectuales neoplatónicos que aspiraba a la armonía

universal y que identificaba bondad y belleza recurriendo de forma

casi natural a la recuperación de los mitos clásicos. Estas obras

destacan por el dominio de la línea, las composiciones planas, el

detallismo en las formas y colores y la escasa tensión dramática en

los personajes. Pintor de éxito, realizó numerosos encargos para

cofradías, iglesias y particulares como, por ejemplo, la Historia de

Judith, la Adoración de los magos o la Madona del Magnificat.

Sus últimas obras se caracterizan por un expresionismo trágico y

visionario reflejo de la crisis moral ocasionada por la predicación de

Savonarola un monje con gran influencia popular que inició una

serie de predicaciones en las que ataca al “paganismo humanista” y

propugna el regreso a la penitencia y la religión. Además se produjo

la caída de los Medici tras la muerte de Lorenzo el Magnífico. Las

ideas de Savonarola influyeron en Botticcelli en obras como La

Piedad y La Calumnia.

Vamos a profundizar en alguna de sus obras más significativas:

1.- la Madonna del Magnificat(1483-1485).Galería de los

Ufizzi. Florencia.

Se trata de un tipo de representación muy “popular” y de un estilo

plenamente botticcelliano: la Virgen aparece como una joven

doncella pálida de grandes ojos como sufriendo por su propia

belleza, pensativa, meditabunda y siempre en una actitud

ensimismada.

En este caso concreto, la Virgen se nos representa escribiendo una

jaculatoria acompañada de Jesús mientras es coronada por dos


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ángeles. Un fondo paisajístico nos permite identificar el río Arno lo

que nos sitúa en Florencia. En este cuadro (un tondo) ya crea

Botticelli el tipo de mujer que luego repetirá: cabellos largos que

caen por la espalda, nariz graciosamente curvada, labios doblados

ligeramente y ojos de un verde claro. (Quizá el modelo se inspiró

en Simoneta Vespucci una de las mujeres más admiradas de su

tiempo).

2.-La Primavera. (Selectividad)

Identificación

Nombre: La Primavera

Autor: Sandro Filipepi, llamado Botticelli

Cronología: 1485.

Localización: Galería degli Ufizzi. Florencia


Técnica: Temple sobre tabla

Dimensiones: 203 x 314

Temática: Mitológica

Análisis:

Es una composición alegórica inspirada en textos de Lucrecio .Sobre

un fondo paisajístico, Venus preside el despertar de la Naturaleza.

Mientras por la derecha aparece la figura de Flora seguida de la

primavera temprana, temerosa de morir en los brazos de Céfiro, el

viento de marzo. A la izquierda aparece el bello grupo de las

Gracias asaeteadas por un amorcillo. En un extremo aparece el dios

Mercurio. Botticcelli representa mujeres de cuerpos espigados, casi


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adolescentes, de largas cabelleras rubias que muestran el ideal de

belleza propio del Quattrocentto y que desaparece en el siglo

siguiente. Destaca el dibujo, de trazo nervioso.

3.- El Nacimiento de Venus (Selectividad)

Identificació n

Nombre: El nacimiento de Venus

Autor: Sandro Filipepi, llamado Botticelli

Cronología: 1485.

Localización: Galería degli Ufizzi. Florencia


Técnica: Temple sobre tabla

Dimensiones: 172 x 278

Temática: Mitológica

Análisis:

La composición está perfectamente equilibrada: en el centro sobre

una concha, Venus (probablemente la modelo fue Simoneta

Vespuci), nacida de la espuma del mar, bajo una lluvia de rosas, es

llevada hasta la orilla por el soplo de los vientos Céfiro y Aura. En la

playa le espera una muchacha (quizá una de las Gracias) dispuesta

a cubrirla con un manto purpúreo. El soplo del viento enreda los

cabellos de la diosa y parece oponerse a la acción de la Gracia,

hinchando el manto al aire. El paisaje marino ha sido realizado con

líneas sinuosas, que repiten el perfil del cuerpo. El desnudo de

Venus, inspirado en la postura de alguna escultura clásica, está

construido con líneas curvas que resaltan su perfil. Los colores son


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tenues, uniformados por el uso del barniz y están enriquecidos por

dorados (en las alas del viento, los cabellos de Venus y los troncos).

Es ésta la última obra de tema mitológico de Botticcelli. El único

desnudo admitido en el arte era el de Eva, así que el de esta Venus

supone una novedad en la Italia de su época. Los rostros de sus

personajes son melancólicos, el trazo nervioso, sensual, los

cuerpos alargados e ingrávidos, elegantes. Los vientos marcan una

diagonal, la Gracia un arco y Venus una vertical sinuosa e inestable

sobre la concha lo que nos comunica un sentido de movimiento. No

le interesa la anatomía ni los cuerpos musculosos.

En la última década del siglo se produjo en Florencia el

derrumbamiento del entramado pórtico e ideológico que había

inspirado su obra anterior y Botticelli realiza obras de una frialdad

atormentada. Entre ellas destaca

4.-La calumnia (Galería de los Ufizzi. Florencia)

Se trata de la reinterpretación de un cuadro de Apeles muy famoso

en la Antigüedad. Técnicamente destaca por su geometrismo, su

frialdad y su dramatismo exaltado


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Imágenes de las obras de Selectividad

Massacio:El tributo de la moneda

Sandro Botticelli:La Primavera


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Sandro Botticelli.El Nacimiento de Venus

Piero della Francesca.La Flagelación


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10- La Pintura Del Quattrocento Masaccio, Piero Della Francesca y Botticelli (Bueno)

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